Maxwell Alexandre es un joven artista brasileño, nacido en Río de Janeiro en 1990, que se formó en diseño cursando estudios que abordaban su comercialización, comunicación y los vínculos entre el arte y la moda; fue entonces cuando se dejó atrapar por el llamado papel pardo, muy habitual en su país, un papel craft de tono amarillento que los alumnos usaban para sus patronajes pero también para tomar notas. Él lo empleó en 2017 a la hora de realizar su primer autorretrato, mostrándose negro y con el pelo rubio como era entonces, y después llegarían tres o cuatro más; en un principio lo utilizó por su estética y porque le permitía un trabajo espontáneo, pero paulatinamente fue adquiriendo su producción connotaciones políticas y sociales: pardo es el término habitualmente manejado en Brasil para referirse a los tonos de piel cercanos al negro sin llegar a serlo (en origen, a descendientes de esclavos africanos que se mezclaron con europeos e indígenas y no eran ni mestizos ni mulatos) y el cariz reivindicativo de la palabra -que formó parte, incluso, de los documentos identificativos- lo ha hecho suyo este autor en un contexto en que la población negra brasileña es cada vez menor en número.
Por aquellas fechas, en 2016, desarrolló igualmente Alexandre la serie Pardo é papel, un conjunto de pinturas monumentales dedicadas a paisajes animados: representó en ellos la vida cotidiana de la vecindad negra en el entorno de Rosinha, que él conocía bien, haciendo hincapié en la infancia y sus juegos y en la vigilancia policial. El propósito de estos trabajos era, ya sí, crítico y político: suponían una afirmación de la negritud brasileña, de sus manifestaciones culturales (poesía, rap, ritmos) y de la posibilidad de que los hasta ahora excluidos pudieran asentarse en la escena cultural y política.
Maxwell Alexandre. Novo poder: pasabilidad. La Casa Encendida
Maxwell Alexandre. Novo poder: pasabilidad. La Casa Encendida
Maxwell Alexandre. Novo poder: pasabilidad. La Casa Encendida
Aquel proyecto se encuentra en el origen del que ahora presenta el artista en La Casa Encendida, tras su paso por el Musée d´Art Contemporain de Lyon, el Palais de Tokyo de París y The Shed, en Nueva York: se trata de Novo Poder, compuesto por piezas de gran formato, elaboradas nuevamente en papel pardo y con ese tono, el negro y el blanco como colores básicos. Muestra en ellas a individuos negros transitando, disfrutando y apoderándose de galerías y museos representados conforme a su habitual diseño como cubos blancos. Si en Pardo é papel eran los bienes de consumo (joyas, ropa, coches) los que proyectaban el ascenso de la comunidad negra, ahora este se traduce en forma de disfrute cultural, entendiéndose el arte como símbolo de lo más elevado de la producción material de Occidente, con capacidad para sugerir y afianzar valores estéticos o nociones de belleza socialmente aceptables.
Tanto la asistencia a museos como la inserción en estos por la vía de la representación devienen, en las obras recientes de Maxwell Alexandre, formas de manifestación de poder y de participación en el mismo, de diferenciación cultural y de prestigio: expresa este autor la convicción, puede que ya abandonada en nuestros contextos más cercanos, de que la creación, al igual que el capital económico o la indumentaria, tiene la capacidad de otorgar un cierto estatus, un cierto valor intangible, a quien se involucra en ella como parte activa o pasiva. Y entiende, por esa misma razón, que la falta de atención a sus frutos contemporáneos en las áreas más degradadas (las zonas de favelas, las periferias urbanas brasileñas) se enmarca en una política intencionada que relega esas propuestas culturales a una élite económica reducida en busca de sofisticación, y por tanto las convierte en una herramienta de exclusión -al igual que la propia moda-.
Las figuras presentes en sus enormes papeles visten con elegancia o aplomo, y desprenden saber estar en sus posturas y al caminar haciendo suyos los espacios para el arte (conforme a un concepto que él llama pasabilidad): no transitan efímeramente por las salas expositivas, sino que las ocupan y se apoderan de ellas desde la seguridad y la confianza, disfrutando del goce estético, de lo que es suyo.
Asistimos, por tanto, en las salas de La Casa Encendida a una suerte de exposición dentro de otra, a una puesta en escena del acto de mostrar arte en la que, sin embargo, lo verdaderamente relevante no son las obras sino los visitantes: toma Alexandre conciencia de la responsabilidad, también, del sector creativo en la germinación y el mantenimiento de las desigualdades y convierte los templos culturales en espacios donde la inclusión ya no es anecdótica sino presente y natural. El mencionado papel pardo desempeña aquí, en ese sentido, un rol relevante: fácil de hallar y muy manejable, se nos ofrece pleno de fuerza simbólica con sus arrugas y a veces desgarros, y con buena parte de sus superficies vacías como si articulara extensos lienzos minimalistas en los que proyectar anhelos propios.
Decía Nascimento que un artista negro es un profeta y su imaginación se desplaza para explorar e iluminar sueños concretos.
Maxwell Alexandre. Novo poder: pasabilidad. La Casa Encendida
Maxwell Alexandre. Novo poder: pasabilidad. La Casa Encendida
Maxwell Alexandre. “Novo poder: pasabilidad”
LA CASA ENCENDIDA
Ronda de Valencia, 2
Madrid
Del 3 de febrero al 16 de abril de 2023
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La presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, ha comparado la situación en las escuelas públicas con el genocidio nazi. Barbaridad tras barbaridad, la presidenta busca así posicionar su discurso en medios y redes sociales. Pero, ¿por qué elige Ayuso estas comparativas extremistas? “No les importa el contenido, sólo les importa ella”, comenta a Público, Enrique del Olmo, fundador de Más Democracia.
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Quisiera hacerme invisiblepara poderte brindar,una tortura imposibleque no podrás olvidar…Atarte de manos y piesa los extremos de tu cama,dibujando una sensual equiscon tu cuerpo y desnudez…Enterita a mi disposicióny sin que me puedas ver,ahora viene lo mejor,ya sabrás lo que voy hacer…Siempre en modo invisiblecompletita te voy a besar,todo lo de ti visiblehasta hacerte acabar…Besarte de pies a rodillasen una primera fase,espero no tengas cosquillascuando pase a segunda base…Pasar por tus muslos y caderascon mi boca juguetona,y por tu linda estrechezcon mi lengua remolona…Satisfacer esta sed que tengoque tu cuerpo provoca,ya sabrás que yo vengoa lamerte gota a gota…Mi inconsciente lengua exploradorarevoloteando en tu ombligo,sentirte ansiosa todaesperando mi dulce castigo…Adivinar por lo tensa de las cuerdaslo que tú estás padeciendo,que mi conciencia no remuerdapor lo que estoy haciendo…Prolongar tu dulce agoníacon mis besos y caricias,hacerte cada vez más míaa tu cuerpo y sus delicias…Autor: Carlos Armijo Rosas ⚜️
La Marea
La cifra de personas en paro subió el pasado mes de enero. El aumento fue de 70.744 personas, algo que el gobierno atribuye a la coyuntura estacional tras la campaña navideña. Desde el Ministerio de Trabajo subrayan que el total de parados es el menor en un mes de enero desde 2008.
«La subida del paro nunca puede ser una buena noticia», señalaba Joaquín Pérez Rey, secretario de Estado de Empleo y Economía Social, en la presentación de los datos. «Pero lo cierto es que el mes de enero se ha comportado en los términos habituales», matizó. Según la serie histórica, la media de nuevos parados en enero se sitúa tradicionalmente en torno a las 80.000 personas. Es decir, que comparado con otros eneros, valoran desde el ministerio, el de 2023 ha sido bueno.
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Pocas historias mitológicas han dado lugar a representaciones más bellas que las del mito de Apolo y Dafne: la persecución amorosa del dios Apolo y el rechazo de la ninfa Dafne.
Apolo es uno de los dioses más importantes de la mitología griega, por lo que la difusión de este mito es aún mayor. Dafne fue una de sus pretensiones amorosas, un amor o desamor no consumado y que dio origen al símbolo de la victoria por la corona de laurel. A continuación hablaremos más sobre el mito de Apolo y Dafne.
El mito de Apolo y Dafne pertenece a la mitología griega. Es una historia de amor no correspondida que termina en transformación, en una metamorfosis que recoge un elemento archiconocido: la corona de laurel.
Dafne era una ninfa dríade, una ninfa de los árboles, que encontraba en el bosque su sentido de ser; su nombre significa «laurel». Por su parte, Apolo es uno de los dioses más importantes de la mitología griega; es uno de los dioses olímpicos. Hijo de Zeus y Leto, hermano gemelo de Artemisa, se le ha relacionado con las artes y la música, el arco y la flecha. También es dios de la muerte súbita y de las plagas y enfermedades, lo que no le impide ser dios de la belleza y la perfección. En definitiva, Apolo es quizás el dios griego más importante tras su padre Zeus; y esto, sumado a sus múltiples características, le ha llevado a poseer multitud de templos en su honor.
La conversión de Dafne en laurel dio como resultado un árbol sagrado y eterno, siempre verde, con el que coronar con sus hojas a los héroes victoriosos de los Juegos Olímpicos. La corona de laurel quedaría representada para siempre como símbolo de triunfo y magnanimidad.
Eros, dios del amor, sintiéndose ofendido por Apolo, decidió acertar con una flecha de oro al dios, lo que provocaría un amor irrefrenable al ver a Dafne. En cambio, Eros apuntó con una flecha de hierro a la ninfa, que provocaría su rechazo. A partir de aquí se produce una ardiente persecución por parte de Apolo hacia Dafne, aunque no correspondida.
Dafne era una ninfa dríade, de los árboles, y que ya había protagonizado otros rechazos anteriormente porque se negaba a desposar a ningún pretendiente. Ella siempre había sentido interés por la caza, la vida libre en el bosque y no deseaba casarse. Así se lo había hecho saber a su padre, Ladón (un dios fluvial). Sin embargo, él dudaba de que su hija pudiera rehuir siempre a sus pretendientes, ya que destacaba por su belleza.
Apolo, hijo de Zeus y hermano gemelo de Artemisa, obsesionado por casarse con Dafne, persiguió durante un tiempo a la ninfa dríade, asediando todos sus movimientos. Pero Dafne siempre lo despreció y durante un tiempo logró mantenerlo apartado. Pero cuando los dioses observaron los infructuosos intentos de Apolo por darle alcance, intercedieron por él. Fue entonces cuando Dafne, desesperada, pidió a su padre y a su madre, la diosa Gea, que la ayudaran. Se apiadaron y la transformaron en laurel, en un arbusto del bosque.
Apolo solo consiguió abrazar un montón de ramas. Prometió, no obstante, amarla para siempre y resolvió coronar a los héroes y campeones de los Juegos Olímpicos con una corona de laurel.
En el mito se pueden apreciar sendos comportamientos contrarios. Hay una oposición muy fuerte entre el dios y la ninfa: por una parte, él arde de pasión y desea atraparla y poseerla; ella en cambio se mantiene distante, en su aborrecimiento huye de él hasta las últimas consecuencias. Además de la evidente diferencia entre la lascivia masculina y el virtuosismo femenino, también se aprecia una rebeldía en Dafne que la hace destacar entre otros caracteres femeninos. Dafne no desea contraer matrimonio, ni con Apolo, ni con ningún otro hombre. Ella desea ser libre, fuera de la sumisión masculin; lo que le atrae es la caza y la vida en el bosque. Acepta con resignación su transformación en laurel con tal de no caer en las manos indeseadas de Apolo. Se mantiene virgen y libre de imposición, con ayuda de su padre.
La representación artística más célebre del mito de Apolo y Dafne quizá sea la que esculpió Gian Lorenzo Bernini en el siglo XVII. Es una obra barroca que por su belleza y por la importancia que tiene dentro de la Historia del Arte es de obligada visita si tienes la oportunidad de conocer la Galería Borghese de Roma. Bernini la creó en mármol entre 1622 y 1625 con una altura mayor a los dos metros. Recoge el momento exacto en que Dafne se está empezando a transformar en arbusto, justo cuando Apolo le da alcanza y la rodea la cintura. También queda registrada la sorpresa de Dafne en su transformación, así como el miedo y la repulsa que le provoca ser atrapada por Apolo.
En literatura, el poema de Ovidio Las metamorfosis recoge también el mito y el propio Petrarca se hizo eco de esta historia porque hizo una analogía entre su amada y Dafne. Igualmente, Dafne ha sido objeto de mención en multitud de obras artísticas. Por ejemplo, famosas son también las óperas de Richard Strauss y Francesco Cavalli. En pintura encontramos en el siglo XV el cuadro Apolo y Dafne de Piero Pollaiuolo, y en el XVII la representación Apolo persiguiendo a Dafne de Theodoor van Thulden.
Tes Nehuén
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Cantan. Cantan.
¿Dónde cantan los pájaros que cantan?
Ha llovido. Aún las ramas
están sin hojas nuevas. Cantan. Cantan
los pájaros. ¿En dónde cantan
los pájaros que cantan?
No tengo pájaros en jaulas.
No hay niños que los vendan. Cantan.
El valle está muy lejos. Nada…
Yo no sé dónde cantan
los pájaros -cantan, cantan-
los pájaros que cantan.
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