Como Irán destruyó el espejismo de Dubai

by | Abr 11, 2026 | actualidad | 0 comments

Emiratos Árabes Unidos siempre se vendió como un oasis de estabilidad y lujo en una región incierta, pero esa ilusión se ha roto. #historiageopolitica #dubai #irán
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En este video, analizamos cómo los recientes ataques de drones y misiles desde Irán han puesto a prueba el “modelo Dubái” y por qué la credibilidad de los Emiratos Árabes Unidos está en su punto más crítico.

¿Qué aprenderás en este análisis?

El Contrato Social de Dubái: Por qué la ciudad no depende del petróleo, sino de la certidumbre y el flujo ininterrumpido de capital, personas y bienes.

Impacto Económico Inmediato: La caída del 30% en el índice inmobiliario y la interrupción en centros logísticos clave como el Aeropuerto Internacional de Dubái.

La Estrategia de Irán: Por qué Teherán utiliza drones y misiles para atacar la infraestructura civil y presionar el paraguas de seguridad de EE. UU. en la región.

La Ciudad Transaccional: El riesgo de una población compuesta por un 90% de expatriados que podrían abandonar la ciudad si el análisis costo-beneficio deja de ser favorable.

Dubái fue construida para la eficiencia, no para la guerra. Aunque el sistema aún funciona, los inversores han empezado a notar una vulnerabilidad que antes era impensable: la geografía no se puede ignorar.

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La marquesa de Santa Cruz: cuarenta años de un periplo

by | Abr 11, 2026 | Cultural | 0 comments

El retrato de Joaquina Téllez Girón, reclinada con una lira, por Francisco de Goya es una de las obras más buscadas del aragonés en el Museo del Prado. Parece que siempre estuvo allí, pero sólo forma parte de sus colecciones desde 1986 y su historia previa no fue precisamente plácida, y pudo serlo menos.
En marzo de 1983, su entonces propietaria, María Mercedes Fernández Valdés, vendió la pieza a Pedro Antonio Saorín Bosch por veinticinco millones de pesetas, con una cláusula expresa que indicaba que no debía salir de España. Sin embargo, Saorín sí la sacó clandestinamente del país para llevarla a Zúrich, donde la adquirió el empresario Lord Wimborne.
El Ministerio de Cultura español tuvo noticias de lo sucedido tres meses después, cuando supo que el cuadro se encontraba en Los Ángeles y que se había ofrecido al Getty Museum por doce millones de dólares. El museo decidió no comprarlo ante la ilegalidad de la exportación; fue entonces cuando la obra retornó a Europa y permaneció un tiempo oculta en un laberinto de empresas radicadas en paraísos fiscales como Liberia y las Islas Vírgenes Británicas, todas pertenecientes al propio Lord Wimborne.
Rodrigo Uría inició de forma altruista negociaciones para la compra de La marquesa y su regreso a España, que no tuvieron éxito, y se anunció que el lienzo iba a ser subastado en Christie’s Londres en abril de 1986; entonces, el Estado español decidió pasar a la ofensiva legal.
Con el apoyo del abogado inglés Sir Matthew Farrer, se presentó una acción declarativa ante la High Court para demostrar que los permisos de exportación ofrecidos por los poseedores eran falsos. Basándose en un precedente judicial decimonónico, el juez Sir Nicolas Browne Wilkinson reconoció que España tenía derecho a evitar el daño económico causado por el uso de documentos oficiales falsificados.
La subasta no quedó frenada automáticamente, pero ese fallo debilitó la posición de los vendedores e incrementó la presión política en el Reino Unido. Así, Lord Wimborne aceptó negociar y, en abril de ese año 1986, sólo dos días antes de la fecha prevista para la subasta, se firmó el contrato de compra por seis millones de dólares (novecientos millones de pesetas de entonces, recabados de instituciones públicas y privadas). La marquesa volvió a Madrid, donde se expuso primero, temporalmente, en el Palacio de Villahermosa, siendo visitada por más de treinta mil personas. El Prado fue, como sabemos, su destino último.
La acogida de la prensa española conjugó la alegría por la victoria diplomática y la controversia por la cantidad desembolsada en concepto de indemnización a Wimborne, que había incurrido en la exportación ilegal; en todo caso, la operación quedó señalada como acontecimiento histórico para el patrimonio nacional. Se había evitado que una obra relevante de Goya acabara en manos de coleccionistas privados o museos extranjeros.
Para evitar que se repitiera una situación parecida, el Gobierno la declaró Bien de Interés Cultural e inexportable a través de un Real Decreto aprobado al poco de su aterrizaje en España. El caso puso negro sobre blanco las carencias de la antigua ley de 1933 y la necesidad de la Ley de Patrimonio Histórico Español de 1985, que determina, ya con claridad, que los bienes exportados sin autorización pertenecen al Estado y son inalienables.
Francisco de Goya. La marquesa de Santa Cruz. Museo Nacional del Prado
Cuatro décadas antes, La marquesa de Santa Cruz ya había podido salir de España. En 1941, Franco tuvo intención de regalar esta pintura a Hitler, según recoge una carta del 26 de mayo de ese año del Marqués de Lozoya, entonces director general de Bellas Artes, al director del Museo del Prado, Fernando Álvarez de Sotomayor.
Himmler había visitado Madrid un año antes, mientras se preparaba la cumbre de Hendaya; el jefe de las SS recorrió las salas del Prado interesándose, sobre todo, por las obras de autores germanos como Durero y por el legado de los Austrias. También por el retrato de la marquesa, depositado aquí hasta enero de 1944, fecha en la que el Servicio de Recuperación del Patrimonio Artístico Nacional la devolvió a sus propietarios. El interés alemán en este retrato se justificaba en la lira que sujeta la marquesa, donde se aprecia un adorno que asociaron a una cruz gamada, aunque realmente se trata de un lauburu vasco.
El devenir de la Segunda Guerra Mundial y las gestiones de Eisenhower en el norte de África terminarían por frustrar esa idea, pero antes de que se aparcara, y para contentar a la propietaria legítima, la Infanta Luisa, el régimen de Franco ordenó realizar una copia del original que se iba a expropiar.
Una carta aparecida recientemente en el Rastro contenía la cifra que se abonó por el original y el número de copias. Atendiendo a ese documento, fechado el 20 de octubre de 1942, Franco abonó 1,5 millones de pesetas por el retrato, dejando a deber 9.000 correspondientes a tres copias que el Marqués de Lozoya había encargado un año antes al pintor Núñez Losada, bajo la intermediación del subdirector del Museo del Prado, Sánchez Cantón.
Hay que tener en cuenta que estas copias no pueden confundirse con otra versión más o menos coetánea al retrato original, que perteneció a la Colección Wellington y fue adquirida en 1958 por el LACMA de Los Ángeles, que la descatalogó en 1977, antes de ser localizada en 2014 entre los bienes incautados a Imelda Marcos por Filipinas.
Coincidiendo con el 40º aniversario de la recuperación del retrato de La marquesa de Santa Cruz, el Prado ha realizado una instalación especial en la sala 38 del Edificio Villanueva. Reúne la composición original y una de las copias mencionadas, adquirida y restaurada por José de la Mano.
La marquesa de Santa Cruz de Goya, junto a una de las copias recientemente localizada. Fotografía: © Museo Nacional del Prado
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Eva Alonso

by | Abr 10, 2026 | Cultural | 0 comments

NOMBRE: Eva
APELLIDOS: Alonso
LUGAR DE NACIMIENTO: Madrid
FECHA DE NACIMIENTO: 1978
PROFESIÓN: Artista
 
 
 
 
 
Hace casi un año, cuando se acercaba el verano de 2025, conocimos a Eva Alonso en La Plataforma de Barcelona: ofrecía allí la exhibición “IA/ Invasió Alienígena”, un conjunto de trabajos que planteaba como metáforas de un presente convulso, incierto y a menudo, aparentemente, al borde del precipicio.
Ese “IA” del título contenía intencionadamente dos significados posibles: el dado (esa invasión alienígena) y el que habitualmente pensamos (inteligencia artificial); en un mundo donde se pide a las máquinas que expongan los frutos de su pensamiento, la posibilidad de la llegada de los extraterrestres no parece tan rara, los supuestos progresos conviven con posibles regresiones y, en este punto, podemos comenzar a introducir sátira en lo real. Alonso ha elegido, para ello, camuflar en motivos vinculados a la infancia lo oscuro e inquietante que tenemos cerca, cuestionando además el empeño por edulcorar ese lado amargo del mundo de cara a los niños.
Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Valencia, esta autora ha protagonizado otras muestras individuales en galerías barcelonesas (Canal, Espai B, Mutuo Gallery, Artevistas e Eat Meat) y en la Kobka 17 de Praga, mientras que su participación en colectivas le ha llevado a Esther Montoriol (Barcelona), Est_Art Space (Alcobendas), Espacio Solo -proyecto al que se incorporó en 2021- y la Galería Nueva (Madrid), La Luz de Jesus Gallery (Los Ángeles) o la Biennale Populaire d’Arts Visuels de Champs Visuels (Saïx, Francia). En el año pasado y éste la hemos encontrado, asimismo, en MARTE (Castellón), Volta Art Fair (Basilea) y ART MADRID.
Eva se suma a nuestros fichados porque queremos saber más del origen de su lenguaje, entre ingenuo y sarcástico, y en todo caso cada vez más espontáneo y libre; también de su uso frecuente de la parodia.
Eva Alonso. “I/A, Invasión Alienígena”. La Plataforma I, 2025
Eva Alonso. “I/A, Invasión Alienígena”. La Plataforma II, 2025
Eva Alonso en ART MADRID 2026, con Est Art Space
Nos explica la artista que su dedicación decidida a la creación es relativamente reciente, pero la inquietud por crear siempre la ha acompañado y su entorno la ha favorecido: Depende de cómo entendamos “trabajar como artista”. Si hablamos del momento en que empecé a generar ingresos con mi trabajo, eso ocurrió hace unos años. Pero si nos referimos al acto de crear, entonces diría que he sido artista toda mi vida.
Desde que tengo memoria, lo que más claro he tenido es la necesidad de expresarme a través del dibujo. Según cuenta mi madre, con apenas dos años, ya me escondía detrás de las puertas para garabatear las paredes.
He tenido la suerte de crecer en un entorno familiar cercano al arte, lo que sin duda influyó en que el siguiente paso fuera estudiar Bellas Artes. Desde entonces, no he dejado de producir, y espero seguir haciéndolo siempre.
Estudio de Eva Alonso
Podemos decir que los ejes temáticos que vienen primando en su obra esquivan lo sencillo. Ninguno de ellos deja de ser espinoso, por eso valerse del humor, y de una estética muy concreta y una paleta vitalista, le sirve para llevarlos a lienzo: Una constante en mi obra es la violencia, siempre presente aunque a menudo camuflada. Si vuelvo a mi infancia, muchas de mis representaciones ya tenían un carácter monstruoso o estaban protagonizadas por animales sangrantes y de grandes colmillos, aunque debo decir que tuve una infancia feliz.
Con el tiempo, esa violencia ha ido mutando y nutriéndose de un humor negro cada vez más presente y cargado de color. Al mismo tiempo, he desarrollado una estética naíf, en ocasiones cercana al cartoon, que suaviza en apariencia ese trasfondo sarcástico.
La religión, las monarquías y, más recientemente, la guerra, son temas recurrentes en mi trabajo, donde la provocación se canaliza a través de la sátira.
Hay una parte de mi obra más centrada en el trazo y el dibujo, donde suelo trabajar con la figura, dando protagonismo al personaje y buscando dinamismo en la ejecución. Me interesa sugerir movimiento y construir escenas que impacten.
Por otro lado, realizo pinturas donde el peso recae también en el entorno. En ellas, la ironía se construye a partir de composiciones tomadas de la pintura clásica, que reinterpreto para establecer analogías con ciertos diálogos del cine de culto, especialmente en sus vertientes más violentas y grotescas.
La religión, las monarquías y, más recientemente, la guerra, son temas recurrentes en mi trabajo, donde la provocación se canaliza a través de la sátira.
Eva Alonso. Too Many Puppies, 2019
Eva Alonso. Gummo, 2023
Eva Alonso. Take the ride, 2025
Su medio ha sido siempre la pintura, pero sus técnicas no han sido uniformes, sino que han respondido a las demandas de cada proyecto: La técnica y el formato en mi trabajo dependen del tipo de obra que estoy desarrollando.
Por un lado, realizo piezas sobre cartón blanco en las que combino barras de carbón muy blandas o lápices Conté con pintura acrílica. Esta mezcla me permite generar profundidad y dinamismo en la composición. El acrílico, además, me facilita un trazo rápido y seco que encaja muy bien con el dibujo. Con esta técnica trabajo en gran formato, y suelo dividir las obras en paneles para poder desmontarlas y transportarlas con facilidad.
Por otro lado, utilizo el óleo en piezas de menor formato que presento en marcos antiguos y ornamentados. Estos marcos, por sus características, requieren esta técnica. Además, me interesa por su carga histórica, ya que muchas de estas obras parten de la parodia o reinterpretación de pinturas clásicas de la historia del arte.
Eva Alonso. I want to play a game, 2026
Eva Alonso. Pelele, 2026
Entre sus referentes, cita Alonso a clásicos del cómic: Probablemente mis primeras influencias estén en las colecciones de cómics de los años setenta y ochenta que tenía mi padre; revistas como Tótem, El Víbora o Creepy. Uno de los autores que más me marcó en esa época fue Robert Crumb. Más allá de su estilo tan característico, la carga sexual y el humor absurdo de sus historias es algo que se me quedó muy grabado.
Ese tipo de elementos, el humor absurdo, la figuración exagerada o el uso de colores intensos siguen atrayéndome, y los encuentro en el trabajo de muchos artistas contemporáneos que descubro a través de las redes. Hay una cantidad enorme de creadores interesantes, tantos que sería imposible enumerarlos.
En realidad, con toda la información que recibimos constantemente y la facilidad de acceso a ella, me cuesta hablar de influencias principales. Van cambiando todo el tiempo: cada día descubres algo nuevo y, casi sin darte cuenta, dejas atrás otras cosas.
Eva Alonso. Ego Sum, 2022
Eva Alonso. Home Sweet Home, 2023
Menciona Eva como sus principales propuestas hasta ahora las que ha ofrecido en cinco exhibiciones desde 2019, recalcando que su entrada en la Colección SOLO ha supuesto para ella un respaldo fundamental: Entre mis proyectos más destacados está “Ubi pus, ubi evacua” (2019), una exposición que presenté en el centro de arte Mutuo. La considero relevante por su carácter de crítica directa y afilada hacia la institución monárquica, entendida como un ente caduco y enfermo.
Otra muestra importante fue “That’s All You Fucks!” (2022), en la galería Espai b de Barcelona. En ella desarrollaba un universo ficticio de estética cercana al cartoon, donde parodiaba la necesidad intrínseca del ser humano de crear dioses y religiones, y cómo ese impulso puede derivar en dinámicas autodestructivas.
Let the Gods Bleed, expuesta ese mismo año en la sala Kobka 17 de Praga, funcionaba como una continuación de la anterior. Una vez creados los dioses, aparece el sufrimiento: la muestra giraba en torno a una reinterpretación irónica de la figura del mártir.
Más recientemente, presenté A/I “Alien Invasion” en la galería La Plataforma. En esta exposición abordo una paradoja muy presente en la actualidad: convivimos con avances tecnológicos acelerados, como la inteligencia artificial, mientras asistimos a un retroceso preocupante en derechos humanos y a un resurgimiento del poder bélico. La propuesta plantea la sensación de estar atrapados en una especie de película de ciencia ficción de serie B, sin una salida clara.
Desde 2025 participo en ferias de arte, y considero que ha sido un paso importante en mi carrera. Hoy en día son espacios clave donde tanto galerías como artistas pueden darse a conocer y generar nuevas oportunidades.
En cualquier caso, el impulso más decisivo en mi trayectoria llegó cuando la Colección SOLO adquirió mi trabajo, una oportunidad que les agradezco profundamente. La Colección SOLO es un proyecto de mecenazgo y museo privado centrado en el arte contemporáneo, y un referente en el panorama actual, con un criterio artístico sólido, que respalda y da visibilidad a los artistas.
Eva Alonso. Tea Party, 2025
Eva Alonso. Invasión alienígena, 2025
Sus próximos pasos le llevarán a los libros, pasando por las películas: Recientemente estoy trabajando en la creación de un libro en clave de humor negro que recopila las obras que he desarrollado en esta línea, aquellas en las que establezco analogías entre cuadros clásicos de la historia del arte y textos o diálogos del cine de culto.
A lo largo de estos años he realizado numerosas composiciones de este tipo en distintos formatos, y ahora estoy rehaciendo todas para adaptarlas al formato del libro y unificarlas bajo una misma técnica.
Seguid sus pasos aquí: https://www.evalonso.com/
Eva Alonso. “Let The Gods bleed”. Praga, 2022
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La NASA comparte nuevas imágenes de la cara oculta de la Luna capturadas por la misión Artemis II

by | Abr 8, 2026 | actualidad | 0 comments

La NASA comparte nuevas imágenes de la cara oculta de la Luna capturadas por la misión Artemis II

En las imágenes publicadas este martes se muestran una secuencia de casi dos minutos capturada con el sistema de cámaras de la capsula Orión, que registra ángulos múltiples y en 4k de forma simultánea.

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Rose Wylie, imagen antes que tema

by | Abr 8, 2026 | Cultural | 0 comments

La Royal Academy of Arts de Londres presenta, hasta el próximo 19 de abril, la mayor retrospectiva hasta el momento de la artista británica y miembro de esta institución Rose Wylie.
Célebre por su audaz práctica figurativa, que se nutre de referencias a la historia del arte, las civilizaciones antiguas, la literatura, el cine, la cultura de las celebrities, la actualidad y su entorno inmediato, exhibe en esta muestra más de noventa obras, incluyendo las más conocidas entre las suyas junto a pinturas y dibujos recientes e inéditos.
Pintora de la vida contemporánea, sus trabajos narran las épocas que ha vivido en su extensa andadura, desde su experiencia durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial cuando era niña hasta acontecimientos más cotidianos, como una tarde de verano con amigos.
Organizada temáticamente, esta antología comienza precisamente con recuerdos de su infancia, de la vida familiar y de los ataques a Londres durante la Segunda Guerra Mundial, plasmados en lienzos como Rosemount y Wing Tips and Blue Doodlebugs. En la década de los cincuenta, durante sus estudios en la Escuela de Arte de Folkestone y Dover, en Kent, Wylie se dedicó al dibujo anatómico y a la pintura figurativa y, tras una pausa en su carrera para formar una familia, a partir de los ochenta retomó su actividad creativa, estableciendo un estudio en su casa de Kent, donde aún trabaja.
La exposición acoge Room Project 2002-3, la primera gran serie de Wylie que recibió un notable reconocimiento de la crítica. Estas obras revelan la voraz ambición de esta autora por crear pinturas de gran formato que ofrezcan un mundo inmersivo y lúdico, poblado por gatos, muñecas de papel, nadadores olímpicos y la propia artista luciendo su falda de cuadros favorita. Se incluyen, asimismo, varias composiciones sobre papel, entre ellas Dientes inferiores, Autorretrato, de 2016.
Para Wylie, el dibujo es fundamental, como se aprecia en la pintura Mano: El dibujo como elemento central, de 2002 y llegada de Gante. Dibuja a diario, creando un vasto banco de memoria de referencias visuales; con el tiempo, a veces años después, un motivo visual específico, destilado hasta su esencia, encuentra su camino en un lienzo, a menudo yuxtapuesto a inesperados elementos gráficos o palabras escritas.
Varias pinturas de la serie Notas de cine se han reunido, igualmente, para esta retrospectiva, revelando la fascinación de Wylie por el séptimo arte. Se ha interesado por la forma en que la cámara puede hacer zoom para un primer plano o capturar diferentes perspectivas y ángulos dentro de la misma escena. Tomas dramáticas, junto con detalles más cotidianos, quedan grabadas en su memoria y se recrean en piezas como Kill Bill (Notas de la película), o Natural Born Killers, Long-shot (Notas de la película). Los periódicos e internet le proporcionan otra fuente de inspiración, en particular las fotografías que capturan objetos o personas en el ojo público, desde un artefacto babilónico hasta una actriz en la alfombra roja. Es el impacto visual de estas imágenes reproducidas lo que merece su atención, más que quiénes son o qué historias cuentan.
Otros trabajos abordan el consumo de información en el siglo XXI a través de la imagen mediada. Y la inspiración también proviene del entorno inmediato de Wylie: su hogar, repleto de objetos que adquieren significado para ella; el jardín con su gato, Pete; y la pequeña comunidad de vecinos que la rodea. La vida cotidiana se registra como un diario visual.
La exposición concluye con cuatro grandes pinturas monocromáticas de animales en tonos jengibre, negro, azul y rojo. Fueron realizadas por la artista pintando directamente sobre el lienzo con sus manos, dejando que la manipulación directa del pigmento determinase la imagen con una presencia visceral y táctil que refleja la energía y el disfrute de su creación. El tema es reconocible, pero es este proceso de transformar una composición más allá de la representación convencional lo que tiene significado para Wylie.
Rose Wylie. Snowwhite (3) with Duster (detalle), 2018
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