Emilia Landaluce es una famosa periodista española, reconocida sobre todo por su rol como columnista en la sección nacional de El Mundo. Anteriormente escribió para ABC, aunque en la actualidad dirige el suplemento LOC y es comentarista habitual de Es la Mañana de Federico, en esRadio. Además, Landaluce ha incursionado en la narrativa con novelas como Jacobo Alba.
Su carrera profesional ha destacado por su trabajo en el periodismo cultural y de investigación. Ella ha abordado temas variados con profundidad y estilo propio, el cual se caracteriza por combinar el rigor informativo con una prosa elegante y cercana, lo que le ha valido el reconocimiento de la crítica y del público lector.
Biografía
Emilia Landaluce nació en 1973, en Bilbao, España. La también autora comenzó su travesía periodística en la década de 1990, época en que colaboró con diversos medios de comunicación, entre ellos: El Mundo, El País, ABC y Vanity Fair, además de otros. Con referente a lo literario, Landaluce ha publicado varios libros que exploran temas como la historia, la cultura y la sociedad española.
A través de sus letras sensibles se ha ganado el aprecio del país, así como la admiración de la crítica y el mundo editorial. Al igual que su trabajo en los medios de comunicación, su participación activa como escritora ha logrado reflejar lo más íntimo de España y sus recovecos, logrando una amalgama dinámica entre la ficción y los hechos, la gente y el arte, y las calles y la vida.
Todos los libros de Emilia Landaluce
Jacobo Alba: la vida de novela del padre de la duquesa de Alba (2013);
Las dietas y la libertad (2016);
No somos fachas, somos españoles (2018);
Sobre nosotras sobre nada / junto a Rosa Belmonte (2021);
La mala víctima (2023);
Donde caiga la flecha (2024).
Sinopsis de todos los libros de Emilia Landaluce
Jacobo Alba: la vida de novela del padre de la duquesa de Alba (2013)
A través de este libro, Emilia Landaluce cuenta la historia de Jacobo Fitz James Stuart, quien vivió entre 1878 y 1953. Además de ser el duque de Alba, fue uno de los personajes más singulares de la nobleza. Era dueño de un extraordinario patrimonio, y pertenecía a una familia de riquezas sin igual, así como a círculos sociales bastante más que acaudalados.
Jacobo Alba era sobrino de Eugenia de Montijo, íntimo amigo de Alfonso XIII y secreto enamorado de la reina Victoria Eugenia. Tras la muerte de su joven esposa, fue nombrado embajador de Londres, por lo que fue partícipe de una ciudad asolada por la Segunda Guerra Mundial. A pesar de ello, vivió felices aventuras junto a su única hija, Cayetana, otra protagonista de la novela.
La protagonista de esta comedia trágica es Mercedes, una mujer que busca desesperadamente bajar de peso. Para lograrlo, se somete a las más esclavizantes y despóticas dietas del mercado, sin que eso implique, por supuesto, que logre su cometido. Al igual que toda dama que se precie de serlo, Merche prefiere que la llamen prostituta a que le digan que ha engordado.
Finalmente, en un viaje a París, Mercedes descubrirá que el régimen liberal es la mejor forma de lograr derribar las tensiones sociales provocadas por la imposición de los totalitarismos alimenticios, solo después de eso consigue adelgazar. Como es evidente, Las dietas y la libertad no es más que una alegoría a algunos de los escenarios políticos más complejos de Europa.
Durante la manifestación del 8 de octubre de 2017, en Barcelona, los ciudadanos presentes corearon: “No somos fachas, somos españoles”. Antes de eso, cerca de un millón de personas salió a las calles para mostrar el hartazgo de un país y para decir lo evidente: que Cataluña es España y que el nacionalismo no tenía derecho a decidir por el resto de los españoles. ¿Quién podría parar la comitiva?
A través de este tratado, Landaluce analiza los motivos por los que tantos ciudadanos, de todas las ideologías, perdieron sus complejos y se unieron en una única voz sin miedo. La marcha que se puede leer mediante estas páginas no fue el resultado de un magnánimo plan por parte de ningún partido político, sino un asombroso y real ejemplo de lo que significan la unidad y el respeto.
Escrita junto a la también periodista Rosa Belmonte, esta novela narra los vericuetos ficcionales de dos mujeres —inspiradas en las autoras— que deciden escribir un libro de memorias antes de morir. Lo curioso de la historia es que las escritoras se hicieron amigas en el mundo del periodismo, un oficio para el cual ninguna estudió, a pesar de ejercerlo con pasión, disciplina y algo de ternura.
Esta novela es una severa afirmación: “El verdadero periodismo es aquello que nadie quiere que se publique”. Bajo el disfraz de una comedia costumbrista, Emilia Landaluce construye un thriller. Todo comienza con el asesinato de Aldara, una supuesta víctima de un violador que atormenta las calles y colegios de Cádiz. Como es su costumbre, la escritora ofrece una crítica social.
Más allá del crimen, el libro trata con rudeza a la sociedad española, la acusa y la enfrenta a lo que más teme sin dejar tregua posible. Su protagonista es Socorro, una excelente reportera de sucesos cuyo talento iguala en calidad a su mal carácter y rudeza. A través de este personaje es posible advertir una transformación radical en el periodismo y la forma de contar historias.
La mayoría de las personas tiene la idea equivocada de saber qué harán si les ocurriera algo terrible, pero esa idea realmente se cae a pedazos cuando les ocurre algo irreversible. Esta novela se presenta como la continuación de las aventuras de Socorro, la periodista de sucesos protagonista de La mala víctima. En ella, se narra la investigación posterior de un evento trágico en la historia de España.
El libro se encuentra ambientado en una finca manchega, propiedad de las millonarias e influyentes hermanas Lequerica, dueñas del periódico donde trabaja Socorro. Allí, la periodista tendrá que descubrir lo que realmente pasó con el secuestrador y asesino de un par de niñas pequeñas, y si es que llevaron a las autoridades a la persona correcta.
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El afamado y reconocido escritor estadounidense Paul Auster ha fallecido y, desde que se confirmó públicamente esta triste noticia, en redes sociales no dejan de multiplicarse los mensajes de pesar. Esta pérdida irreparable para el ámbito literario enluta a la cultura universal y conmociona a lectores y autores de diferentes nacionalidades y edades. Según trascendió, […]
Paul Austerha fallecido en su domicilio neoyorkino de Brooklyn a los 77 años debido al cáncer de pulmón que padecía. Prestigioso escritor, ha destacado como novelista, poeta, guionista y director de cine. Sus libros se han traducido a cuarenta idiomas, en especial, su Trilogía de Nueva York, formada por Ciudad de Cristal, Fantasmas, y La habitación cerrada. Su legado deja una enorme en la literatura contemporánea por su prosa de tono introspectiva y sus tramas de un misterio especial. Este es un repaso a su vida y obra para homenajearlo.
Paul Auster
Paul Benjamin Auster nació el 3 de febrero de 1947 en Newark, Nueva Jersey. Creció en una familia judía de clase media y estudió literatura inglesa en la Universidad de Columbia, donde se graduó en 1970. Al acabar sus estudios, viajó a Francia, donde residió durante varios años. Allí trabajó como traductor, revisor y guardia de seguridad.
Ya en los años 80 comenzó su reconocimiento como autor al publicar su primera novela, La invención de la soledad, un libro con toque autobiográfico y mezcla entre meditación filosófica y reflexión literaria sobre la relación con su padre. Fue la que marcó el comienzo de una carrera literaria muy prolífica que lo convertiría en uno de los escritores más influyentes de finales del siglo XX y principios del XXI.
Pero su éxito más relevante, y también escrito en la segunda mitad de esa década es la Trilogía de Nueva York, una serie de novelas policíacas que le reportó el estatus de autor de culto y el reconocimiento internacional. Luego siguió publicando y explorando gran variedad de géneros y temas en más títulos en los que destacan los personajes solitarios que van buscando su lugar y conexión en un mundo complejo y cambiante.
Además de novelista, Auster también se metió en el cine escribiendo guiones cinematográficos y colaborando con directores como Wayne Wang y Wim Wenders, pero también dirigiendo varias películas. Esa habilidad para manejarse con éxito en distintos caminos artísticos también le valió más reconocimiento de lectores y espectadores. Además, cultivó la poesía, los ensayos y las memorias.
Muy hermético en su vida personal, también esa reserva alimentó la intriga sobre él, pero sin duda sus experiencias como la pérdida temprana de su padre o las de un hijo y un nieto ya en los últimos años marcaron su existencia.
Reconocimientos
A lo largo de su trayectoria, Auster recibió numerosos premios que incluyen el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2006 y la Medalla Nacional de las Artes en 2012. Su obra ha sido traducida a numerosos idiomas y sigue siendo objeto de estudio y admiración en todo el mundo.
Paul Auster — obra
Estos son solo algunos títulos destacados.
La invención de la soledad. Reflexión autobiográfica sobre la muerte de su padre y su propia relación con la paternidad.
Trilogía de Nueva York: Ciudad de Cristal, Fantasmas, y La habitación cerrada. Siguen al detective Daniel Quinn y los misteriosos casos que tiene que investigar en Nueva York.
El palacio de la luna: Cuenta la historia de Marco Stanley Fogg, un joven en busca de su identidad y su lugar en el mundo.
Leviatán: novela en la que Auster toca temas como la obsesión y la traición con la historia de un hombre que busca venganza por la muerte de su esposa y su hijo.
Mr. Vertigo: Ambientada en la América de la Gran Depresión, su protagonista es Walt Rawley, un niño al que se lleva un misterioso maestro para que aprenda a volar.
El libro de las ilusiones: Cuando pierde a su esposa e hijos en un accidente de avión, el profesor David Zimmer se sumerge en la vida de un actor desaparecido, Hector Mann, y sus películas perdidas.
Brooklyn Follies: Otro de sus títulos representativos del siglo XXI. Lo protagoniza Nathan Glass, un hombre que se retira a Brooklyn después de un diagnóstico médico grave y termina enredado en las vidas de sus vecinos y familiares.
En este vídeo nos ocupamos de dos cuestiones. La primera es si la economía de los Estados Unidos se cuentan un periodo de estancamiento con inflación y la segunda, es si se ha producido la capitulación final en Bitcoin, condición necesaria para que se forme un suelo.
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1. LA CASA
La casa, la última película de Alex Montoya (Lucas, 2021; Asamblea, 2019) llega este mes a nuestros cines. Fiel adaptación para la gran pantalla de la premiada novela gráfica de Paco Roca, La casa fue una de las triunfadoras en el pasado Festival de Málaga, donde consiguió seis galardones. Tras la muerte de su padre, tres hermanos (interpretados por David Verdaguer, Óscar de la Fuente y Lorena López), junto a sus familias, deben reunirse en la casa en la que pasaron los veranos de su infancia y decidir qué hacer con ella. Los recuerdos y sentimientos afloran, también algunos secretos y rencillas. Tomar una decisión será más difícil de lo esperado.
2. ¡MANOS A LA OBRA!
En Manos a la obra. Un recorrido lúdico por la historia de la arquitectura universal, Luisa Vera Guardiola, (autora de otros títulos como Con esta línea o Perdido en el museo) ofrece al público infantil un recorrido visual por la historia de la arquitectura, desde los menhires de la prehistoria hasta los edificios más modernos y singulares de la ciudad contemporánea, como los de Frank Gehry o Zaha Hadid. De la mano de Aída y Diego, dos pequeños que jugando con sus construcciones se ven envueltos en la aventura de un viaje a través del tiempo, los lectores se aproximarán a las edificaciones más emblemáticas de los principales períodos históricos, intercalando además propuestas de juegos en cada uno de ellos.
data.ecasals.net
3. EL AROMA DE LOS IMPERIOS
“El nº 5 era abstracto, nada lo asociaba con lujosos aromas tradicionales a rosa, jazmín, ylang-ylang ni madera de sándalo; más bien apuntaba a algo nuevo, a la producción química de un aroma, al uso de aldehídos, los ingredientes que iban a transformar el universo olfativo «de todo un siglo» y a convertir «Chanel nº 5 en el perfume más importante de la edad de oro»”. El historiador Karl Schlögel rastrea el pasado en El aroma de los imperios Chanel nº 5 y Moscú Rojo para ofrecer una perspectiva inaudita sobre la pugna por el poder –que marcó la existencia de millones de personas– a través de la historia de dos perfumes icónicos, estandartes de dos mundos confrontados, y de las empresas cosméticas en la Unión Soviética, mucho más ligadas a la propaganda política de lo que hubiéramos podido imaginar.
www.acantilado.es
4. MMMAD FESTIVAL
La quinta edición del MMMAD, Festival Urbano de Arte Digital en Madrid, se celebra del 9 al 31 de mayo en varios espacios de la ciudad, con un foco artístico de especial relevancia en el barrio de Carabanchel, donde durante el domingo 12 de mayo se llevarán a cabo open studios en los espacios de trabajo de artistas digitales como Mit Borrás, Johanna Jaskowska, Felina HDB, Álvaro Chior, Pau Jimenez o Lola Zoido, entre otros. La programación, gratuita y accesible para todos los públicos, consta de exposiciones urbanas, instalaciones, talleres y proyecciones inmersivas. Todo ello bajo el paraguas del tema principal, “i‘m feeling lucky/voy a tener suerte”, basado en el botón de ayuda del buscador más usado del mundo, que propiciará el debate y las contradicciones humanas por el uso de algoritmos y los resultados de los mismos.
mmmad.art/
5. MOC
Os presentamos MOC, una marca inspirada por la sencillez y el gusto por las pequeñas cosas, con un claro objetivo de concienciar sobre el consumo responsable y el cuidado del medio ambiente. Es por ello que sus producciones están basadas en tejidos y tintes 100% naturales y de fabricación en España. Sus diseños son sencillos, atemporales, versátiles pero elegantes al mismo tiempo. Como cuentan sus creadores, MOC surgió de un proyecto de tesis de maestría durante el confinamiento de 2020. Debido a la escasez de recursos durante ese tiempo, el proyecto final fue posible gracias a “unos manteles de algodón, un ligero conocimiento de tintes naturales por parte de varios miembros de una familia y una maquina de coser antigua”.
moc-studio.com/es
6. OPEN HOUSE MÁLAGA
Entre los días 10 y 12 de mayo, Málaga acoge una nueva edición de Open House, festival de arquitectura que ofrece la posibilidad de visitar edificios normalmente cerrados al público, así como rutas diferentes para conocer mejor la ciudad y poder apreciarla con todos los sentidos. Como novedades, este año se incorporan lugares como La Farola de Málaga, singular por ser el segundo faro más antiguo de España en activo. También se podrá acceder al Convento de San Andrés, la Escuela Infantil Martiricos, el Camarín de la Casa de las Monjas, uno de los escasos ejemplos de arquitectura barroca que subsiste en el barrio El Perchel, o la sede del Ateneo y Aula Picasso, que además de ser ejemplo de la arquitectura del siglo XVII y sede de la orden jesuítica en Málaga, fue donde el padre de Picasso impartía clases de dibujo.
openhousemalaga.org/
7. CAMERA OBSCURA
Camera Obscura, legendaria banda escocesa de pop, regresa a los escenarios para presentar su último disco, que verá la luz el próximo 3 de mayo. Tras más de una década sin publicar ningún álbum (Desire Lines (2013) fue el último, pues en 2015 decidieron tomarse un tiempo tras la muerte de la tecladista Carey Lander), Look to the East, Look to the West supone el regreso de la formación liderada por Tracyanne Campbell. Ante este nuevo lanzamiento el grupo ha comentado que se trata de su trabajo más sofisticado hasta la fecha, sin abandonar su esencia y con la melancolía que les caracteriza. De momento no tenemos fechas de conciertos en España y su primera cita confirmada será a finales de septiembre como parte del cartel del Visorfest (Murcia).
www.camera-obscura.net/
8. RYUICHI SAKAMOTO. OPUS
Ya podemos disfrutar en cines de Opus, el concierto de despedida de Ryūichi Sakamoto, que supone una auténtica celebración de sus obras, con versiones inéditas, al lado de sus colaboradores más queridos. Orquestado por él mismo y filmado por su hijo, el cineasta Neo Sora, Opus es un gran homenaje a la vida de un artista que lo fue en el sentido más puro, un maestro, creador de bandas sonoras que resuenan en nuestra memoria, como las de Feliz Navidad, Mr. Lawrence, Tacones Lejanos, El cielo protector o El último emperador, por la cual ganó un Oscar en 1988. Opus ha sido su última actuación, un regalo con el que quiso despedirse de su público (fue grabado unos meses antes de fallecer, el 28 de marzo de 2023): veinte piezas escogidas, posiblemente sus composiciones más reconocidas, en el orden que él mismo eligió para narrar sin palabras su vida a través de su música. Opus está rodada íntegramente en blanco y negro por un equipo de más de 30 profesionales con tres cámaras 4K, lo que la convierte, además, en una experiencia inmersiva considerada “el canto del cisne” del maestro.
opus.film
9. DOCSBARCELONA 2024
El DocsBarcelona celebra su 27ª edición del 2 al 12 de mayo en el CCCB y los Cines Renoir Floridablanca de Barcelona, con una programación comprometida que nos acerca las mejores propuestas del último año en la producción mundial de documentales. La mirada colonial, la memoria y la dignidad; la inteligencia artificial, y las diferentes formas y expresiones del amor son algunos de los ejes temáticos de esta edición, que también traerá a Barcelona a grandes maestros del documental, como los cineastas Raymond Depardon y Claudine Nougaret, que recibirán el Docs de Honor en reconocimiento a su trayectoria. Entre los cabezas de cartel de esta edición también figura el documentalista John Wilson, que impartirá una Masterclass dentro del DocsBarcelona Industry (6-10 de mayo). Más información, en la web del CCCB.
www.cccb.org
10. LES GRANDS BALLETS CANADIENS
Nuestra propuesta de danza para este mes nos lleva hasta el Teatro Arriaga Antzokia, donde podremos disfrutar de Les Grands Ballets Canadiens. Bajo la dirección artística de Ivan Cavallari, cerca de cincuenta bailarines canadienses e internacionales, llevan a escena los grandes clásicos del ballet, así como las creaciones de artistas contemporáneos punteros y emergentes. Un programa doble –Sinfonía nº 7 de Beethoven, con coreografía del fallecido Uwe Scholz, y Cantata, de Mauro Bigonzetti, en la que las voces y la música en directo de cuatro cantantes conducen a las diez parejas de bailarines en el ambiente festivo y popular del sur de Italia– que combina fuerza y delicadeza, ritmo y sutileza.
www.teatroarriaga.eus
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NOMBRE: Alsino
APELLIDOS: Skowronnek
LUGAR DE NACIMIENTO: Duisburg, Alemania
FECHA DE NACIMIENTO: 1984
PROFESIÓN: Artista y diseñador
A Alsino Skowronnek lo conocimos el año pasado, más o menos en estas fechas, en el Centre d’Art Contemporani Piramidón de Barcelona: presentó allí la muestra “Excavation Trail”, en la que se servía de diversos modelos generativos de Inteligencia Artificial (él prefiere referirse a aprendizaje automático) para idear obras digitales inspiradas en la estética de esas tecnologías y en la del grafiti, cuyos códigos quedaban subvertidos a través de esos procedimientos informáticos. Le interesaba reflexionar, a partir de las relaciones entre las artes visuales analógicas y las interfaces, sobre la evolución de nuestros lazos con los dispositivos digitales, también en lo que a procesos de aprendizaje se refiere, y sobre los nexos entre la tecnología y las capacidades humanas de creación, emoción y pensamiento.
La formación y trayectoria de Alsino no es la habitual entre los artistas de nuestro contexto: se licenció en Ciencias Políticas en la Freie Universität de Berlín y ha cursado una Maestría en Geografía Económica en la London School of Economics y un Máster en Diseño en la University of Applied Science Potsdam. Desde hace cuatro años su producción viene centrándose en la pintura, pero antes fue analista de datos y jefe de datos y diseño para varias firmas internacionales, además de desarrollador web y diseñador.
Desde 2021, ha presentado muestras individuales en RFDM (Berlín) y en los centros barceloneses Espai Souvenir y Manifesto, además de en Piramidón, mientras que su participación en colectivas le ha llevado a espacios como Urban Spree, Wiensowski & Harbord, Silent Green y gr_und Gallery (Berlín), Glasfabrik (Leipzig), el Cleveland Institute of Art, la HafenCity University Hamburg (Hamburgo), Delphi Space (Friburgo), la Galería Fran Reus de Palma de Mallorca y, ya en la capital catalana, al Goethe Institut y al mencionado Piramidón en varias ocasiones. En Madrid hemos podido ver su trabajo muy recientemente en las galerías Herrero de Tejada y Moisés Pérez de Albéniz; también participó, en 2020, en la Bombay Beach Biennale de California y, desde 2018, ha desarrollado residencias en algunos de los centros que hemos citado (el Cleveland Institute of Art, la Bombay Beach Biennale y Piramidón); y actualmente en WeCollect.
Se suma este artista alemán a nuestros Fichados porque queremos saber más de su trabajo con datos y con la información para examinar otros modos de abordar nuestros hábitos cotidianos y de enfocar el diseño, la arquitectura o el arte; también conocer las posibilidades que le brinda pintar con datos, es decir, utilizar imágenes existentes para adaptarlas y combinarlas entre sí como punto de partida de sus proyectos.
Alsino Skowronnek
Alsino Skowronnek
Hemos preguntado a Alsino por sus comienzos; nos cuenta que en ellos resultó vital aquella confluencia entre arte callejero y programación que se daba en la muestra en Piradimón de la que empezábamos hablando; de hecho, explica, en el primer terreno cuenta con una larga trayectoria: Inicié mi trayectoria artística impulsado por la sinergia entre el grafiti y la programación. Mi extensa experiencia de más de dos décadas en el grafiti me proporcionó un medio dinámico para la expresión personal y la exploración visual, profundizando en mi comprensión de las letras y símbolos como herramientas de comunicación e identidad. Al mismo tiempo, mi fascinación por la programación, especialmente por la visualización de datos, evolucionó hacia una profunda exploración de la inteligencia artificial a partir de 2019. Esta combinación me llevó a integrar la IA no solo como una herramienta, sino como un colaborador activo en el proceso creativo. Ese enfoque único facilitó el desarrollo de un lenguaje artístico novedoso que combina elementos tradicionales del grafiti con paisajes digitales y escrituras antiguas, creando obras complejas que estimulan un diálogo entre el pasado y el futuro, mientras continuamente desafían los límites del arte visual y simbólico.
Alsino Skowronnek
Esas opciones de aunar procedimientos artísticos conocidos y otros en proceso de asentamiento, estéticas pasadas y actuales, y las lecturas que de su conjunción pueden derivarse se encuentran entre sus principales intereses; también aborda los símbolos que median en nuestra comprensión de lo cercano y lo lejano: Los temas fundamentales de mi trabajo giran en torno a la exploración de la comunicación a través de símbolos, la fusión de formas de arte tradicionales y digitales, y la integración profunda de escrituras antiguas con tecnología punta. Me interesa cómo los sistemas de escritura antiguos y los guiones generados por IA pueden enriquecer y actualizar las prácticas artísticas contemporáneas. Esta exploración temática se manifiesta en mi creación de “esculturas de letras” y otras estructuras visuales que incorporan valores estéticos tradicionales y aprovechan las capacidades de la tecnología digital. Mi práctica artística busca establecer un diálogo significativo entre tradiciones históricas y futuras posibilidades, explorando la evolución del lenguaje y los símbolos y su impacto profundo en la formación de la comprensión humana y la percepción cultural en la era digital.
Me interesa cómo los sistemas de escritura antiguos y los guiones generados por IA pueden enriquecer y actualizar las prácticas artísticas contemporáneas.
Alsino Skowronnek
Como él mismo anticipaba, sus técnicas tienen que ver con esas mismas inquietudes por aunar modos de expresión pasados y recientes; no se debe, esa combinación, a propósitos meramente formales, sino a su voluntad de explorar los modos de comunicar y de entender a lo largo del tiempo. Nos propone Alsino hacer trabajar más sentidos que el de la vista: En mi práctica artística, utilizo una mezcla de técnicas de pintura tradicionales junto con tecnologías digitales avanzadas, enfocándome especialmente en la inteligencia artificial. A lo largo de los años, he experimentado con muchas técnicas de aprendizaje automático, pero consistentemente regreso al algoritmo pix2pix. Este modelo de IA es experto en traducir y transformar información de píxeles y juega un papel central en mi enfoque de “pintar con datos”. Esta técnica me permite reinterpretar diversas entradas, como etiquetas de grafiti y escrituras antiguas, en nuevas formas visuales que integro en procesos de pintura tradicionales. Este enfoque híbrido es deliberado; al fusionar la experiencia táctil y sensorial de la pintura tradicional con los procesos abstractos impulsados por datos de la creación digital, busco ofrecer nuevas perspectivas sobre cómo el arte puede comunicar y resonar en diferentes medios y épocas, invitando a los espectadores a considerar las implicaciones más amplias de la comunicación a través del tiempo.
Entre sus referentes, era de esperar, cita a maestros pasados y también a autores ligados al street art. De fondo, su atención a la escritura: Mis influencias provienen de una amplia gama de áreas y épocas. Una gran influencia en mi carrera artística temprana se puede rastrear en la estética cruda e inacabada del grafiti europeo de mediados de los 2000. Artistas como Saeio en París o el equipo UT en Berlín han tenido un impacto duradero en cómo conceptualizo la estética y la belleza hasta hoy. En las bellas artes, admiro a Miró por su uso de líneas y gestos. También me atraen los artistas que han trabajado de una forma u otra con símbolos en su obra, desde Alberto Durero por sus firmas y estudios sobre letras, hasta Cy Twombly por su uso espontáneo y minimalista de la escritura a mano, y el letrista francés Roland Sabatier, quien en su obra se interesaba en deconstruir palabras y letras en favor de su estructura funcional, despojada de contenido semántico.
Un pequeño inciso en torno al letrismo: se consideró creador de este movimiento poético vanguardista al rumano Isidore Isou, que durante tres años, de 1942 a 1945, trabajó en un manifiesto en el que defendía una poesía que prestara atención únicamente al valor sonoro de las palabras y no a su significado. Se acercaba así ese arte a la música; después trataron, los letristas, de que se abriera aún a más disciplinas.
Busco ofrecer nuevas perspectivas sobre cómo el arte puede comunicar y resonar en diferentes medios y épocas, invitando a los espectadores a considerar las implicaciones más amplias de la comunicación a través del tiempo.
Alsino Skowronnek
Alsino Skowronnek
Alsino Skowronnek
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A la hora de hablarnos de sus principales proyectos hasta ahora, se refiere Alsino a su participación en cuatro exposiciones, tres colectivas y una individual. Comienza por una de las más recientes, “Desire Paths”, que pudo verse en Herrero de Tejada hasta principios de abril y en la que compartió espacio con Sergio Gómez/ Srger, Alicia Vogel y y Natalia López de la Oliva: Las obras reunidas en esta exposición compartían el uso del azar, la incertidumbre o el accidente como impulso o componente esencial en su proceso pictórico. Según Deleuze, la catástrofe es la condición necesaria para que del caos surja el hecho pictórico, lo nuevo. Es en el estudio donde, en la mayoría de los casos, el artista debe enfrentarse a la incertidumbre o a la elección de un camino cuyo destino desconoce. Estas decisiones marcan el resultado de la obra; sin embargo, son necesarias en muchas ocasiones para alcanzar lo nuevo, lo desconocido o lo otro; el equilibrio preciso que hace que la obra funcione. Un error de velocidad, de trazo o de gesto puede desencadenar un caos completo. Depende del artista encontrar ese instante justo antes de que eso ocurra. Las obras compendiadas en esta muestra exploraban la catástrofe o el error desde diversas perspectivas, pero en todas ellas este elemento se incorporaba al proceso como un componente indispensable de la creación pictórica.
Poco antes, hasta enero, participó en Moisés Pérez de Albéniz en “La Estética del Silencio”, en compañía de Elvira Amor, Mercedes Mangrané, Miguel Marina, Antonio Neves Nobre, Manuel M. Romero y Amaya Suberviola. Esta vez abordaban sus trabajos la dificultad de la atención, de la mirada y la escucha a lo ajeno, cuando todos parecemos centrados en ser, nosotros mismos, mirados y escuchados: La participación activa del público frente a la obra de arte ha sido siempre una de las metas educativas más difíciles, así como cuestionadas: en un mundo en el que el tiempo apremia, todo sucede a gran velocidad y no hay momentos de sosiego, conseguir que el público se detenga a observar una obra, a sacar sus propias conclusiones, a entender y analizar el proceso del artista, es casi un acto heroico. Es, en el fondo, un cara a cara con el artífice al que pocos deciden enfrentarse. En paralelo, hemos de cuestionarnos nuestro mero rol de espectadores. ¿Estamos completando realmente dicha obra, o estamos siendo sujetos pasivos de lo que devino en el estudio? Nos aproximamos a los principios estéticos y creativos de los que parte el artista, pero ¿qué somos sino simplemente testigos del aquí y ahora de una idea que trató el ayer y presenciará el futuro?
Ese ruido que supone la exposición pública de la obra de un artista se contrapone al silencio del proceso de trabajo. Susan Sontag, en 1967, escribió el ensayo “La estética del silencio”, en el que afirmaba que el silencio es una parte esencial del proceso creativo, y que abre un espacio para la contemplación. “El silencio es el último gesto de alteridad del artista: mediante el silencio, se libera de la servil esclavitud al mundo, que aparece como mecenas, cliente, público, antagonista, árbitro y distorsionador de su obra”. Frente a dicho ruido, partimos de la búsqueda de un espacio pangeático que colinda con lo sagrado en lo que a primigenio y esencial se refiere, como punto de partida sobre el que la constante acción artística se desarrolle sin ningún bagaje que no sea deseado.
La tercera individual a la que se refiere Alsino es “Panorama #7”, abierta hasta el pasado marzo en la Galería Fran Reus de Palma de Mallorca, que convocó además a Simone Giara, Julius Grabianski, Mariem Iman, Marijana Jankovic, Daniel Roibal, Idoia Leache, Ricardo León Cordero, Héctor Mar, Yorgos Papafigos y Binbin Zhou para abarcar distintos y nuevos enfoques en la plástica contemporánea; por último menciona “Excavation Trail” en Piramidón (2023), que fue su primera individual en nuestro país: Mostró una selección de pinturas y trabajos digitales, inspirados tanto en la estética de la Inteligencia Artificial (IA) como en los códigos encontrados en los lenguajes simbólicos del grafiti. El contenido generado por IA no es suficiente como resultado final, sino que es más bien una herramienta transitoria para desacoplar la estructura de la imagen del contenido, asociar libremente y recombinarla con fragmentos textuales nacidos de la experiencia vivida. Mis obras establecen una conexión directa entre las interfaces y datos del plano digital y las artes plásticas más analógicas. Como resultado de este diálogo, nace una abstracción que refleja los procesos de aprendizaje y los patrones cambiantes en la interacción humano-computadora.
En breve expondrá Alsino en la capital: Actualmente, participo en la residencia WeCollect en Madrid. También soy residente en el Centro Piramidón de Arte Contemporáneo en Barcelona y mi próxima exposición individual tendrá lugar el 23 de mayo de 2024 en la Galería WeCollect en Madrid.
Podemos seguir sus pasos en su web (www.alsino.io) y en Instagram (instagram.com/alsinoskowronnek).
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