Tes Nehuén
Recorremos las características más importantes de la obra de María Teresa de León. En Memoria de la melancolía María Teresa de León se propone una obra de una autenticidad tremenda al trabajar el desarraigo desde un lugar de esperanza, ofreciendo una lectura novedosa sobre el proceso de desdoblamiento al que obliga el exilio y construyendo […]
El Museu d’Art Contemporani de Barcelona. MACBA ha anunciado la reciente donación a su colección de dieciocho obras en formato vídeo de la Fundación Han Nefkens. Supone este gesto el inicio de una colaboración permanente entre ambas instituciones en su deseo de apoyar el videoarte contemporáneo y a los artistas emergentes.
Las piezas donadas, adquiridas por esa institución entre 2009 y 2022, son fruto de su programa de becas y premios para favorecer las carreras de jóvenes creadores internacionales. Cada pieza se ha mostrado previamente en exposiciones organizadas en colaboración con centros asociados a la Fundación Han Nefkens.
Se corresponden en su mayoría con las prioridades curatoriales de sus actividades: las perspectivas poscoloniales y los artistas del llamado sur global, enfoques contemporáneos de la historia, el poder y la memoria y la ecología.
La colaboración también tiene una dimensión estratégica: el MACBA y la Fundación Han Nefkens coorganizan iniciativas como la Moving Image Comission, un premio bianual que apoya la producción de nuevas obras de vídeo, junto con el MUAC y el UNAM, en Ciudad de Mexico, y The Bass Museum of Art, en Miami. En 2024, Minia Biabiany recibió una beca de 100.000 dólares a través de este programa para la creación de una obra de videoarte en pantalla.
Aziz Hazara. Bow Echo, 2019. Colección MACBA
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Isaac
Barcelona vuelve a abrir sus puertas al Festival 42 de géneros fantásticos, que celebra su quinta edición del 5 al 9 de noviembre entre Fabra i Coats y la Biblioteca Ignasi Iglésias-Can Fabra. La organización confía en igualar o superar las 7.500 personas de la edición anterior, consolidando el evento como una cita clave del sur de Europa.
Uno de los grandes reclamos de este año es la visita de David Lloyd, ilustrador de V de Vendetta, cuya presencia encaja con el arranque en una fecha simbólica, el 5 de noviembre. Los comisarios Ricard Ruiz Garzón, Susana Vallejo y Karen Madrid Ribas subrayan que su participación dialoga con el contexto actual y con la tradición crítica del cómic creado junto a Alan Moore.
El programa reúne a más de 160 participantes, con nombres internacionales de primera línea como V. E. Schwab, Fonda Lee, Claire North, Anna Starobinets o Ben Aaronovitch. También se podrá escuchar a China Miéville en una entrevista registrada, tras su proyecto conjunto con Keanu Reeves, además de otras voces destacadas del panorama europeo.
La representación catalana llega con Anna Pantinat, Elisenda Solsona, Sebastià Alzamora, Joan-Lluís Lluís, Albert Pijuan, Isabel del Río, Mar Garcia Puig, Care Santos, Víctor Garcia Tur, Antoni Munné-Jordà o Carme Torras, entre otros. En castellano figuran Rosa Montero, Elia Barceló, Juan Jacinto Muñoz Rengel o Edmundo Paz Soldán, componiendo un mosaico plural y con gran tirón lector.
La inauguración la firma Cristina Fernández Cubas, que pondrá el foco en las líneas temáticas de este año: la mitología y tradición fantástica en Catalunya, la figura del monstruo, la ficción climática y la diversidad LGTBI+ con especial atención a la mirada femenina. Todo ello refuerza la voluntad del 42 de ser un espacio de conversación abierto y con perspectiva amplia.
La agenda suma 78 actividades: 35 mesas redondas, 19 diálogos con autores, 6 sesiones para institutos, 4 talleres, 2 exposiciones y 1 ruta literaria. Entre los homenajes sobresalen el dedicado a Jesús Moncada (dos décadas después de su fallecimiento) y la celebración de los 40 años de la librería Gigamesh, referente del género en Barcelona.
El sábado se concentran cuatro grandes encuentros en Fabra i Coats. A las 16:00 los ganadores y ganadoras de los Premios 42 comentarán sus obras en una mesa abierta al público, una oportunidad para profundizar en los títulos más reconocidos del curso.
A las 17:15 llega la primera mesa sobre diversidad en el Festival 42 con Josep Rodríguez, H. Zubieta, Albert Font, Elsa Velasco y Lluís J. Salart. Se abordará cómo lo fantástico sirve para visibilizar realidades LGBTIQ+, denunciar abusos y normalizar identidades no hegemónicas.
A la misma hora, otro encuentro analizará las voces latinoamericanas y su pujanza global con Edmundo Paz Soldán, Alberto Chimal, María Fernanda Ampuero, Santiago Roncagliolo, Esther Cross, Juan Mattio, Laura Ortiz, Ramiro Sanchiz y Maielis González. Se explorarán tendencias, cruces de géneros y el impulso creativo que vive la región.
El bloque de la tarde culmina a las 18:30 con una mesa dedicada en exclusiva a autoras internacionales para reforzar su visibilidad: Fonda Lee, Anna Starobínets, V. E. Schwab, Claire North, Frances Hardinge, Amal El‑Mohtar, V. L. Bovalino, Anna Smith Spark y Stella Tack compartirán enfoques y procesos de escritura.
El viernes por la noche, a las 20:00, tendrá lugar la entrega de los Premios 42. Los galardones, diseñados por Tono Cristòfol, cuentan con dos jurados: en catalán (Miquel Codony, Tatiana Dunyó, Aissata M’ballo y Cristina Xifra) y en castellano (Borja Bilbao, Leticia Lara, Laura S. Maquilón y Carla Plumed), reconociendo obras originales, traducciones y nuevas voces.
En la edición anterior resultaron premiados Elaine Vilar Madruga por El cielo de la selva y Joan Roca por Sota el fang. También se distinguen la mejor obra traducida en ambos idiomas, el mejor clásico en catalán, las obras revelación y el Premio Alba 42 de literatura juvenil (y su equivalente en castellano), además del Premio Honorífico, que reconoció la trayectoria de César Mallorquí.
La vertiente educativa cobrará fuerza con el proyecto Lecturas explosivas: 7 institutos de distintos distritos aportarán 387 alumnos que participarán en encuentros de 10:00 a 13:00 el jueves 6 y el viernes 7. El objetivo es fomentar la lectura fantástica y de ciencia ficción con clubes, presentaciones y diálogo directo con autores.
En paralelo, dos exposiciones de proximidad enriquecerán la visita. Essa Efa repasa a los pioneros de la ciencia ficción catalana en la biblioteca de Can Fabra, mientras que la muestra ilustrada por Laia Baldevey invita a descubrir la mitología catalana a través de figuras como el Conde Arnau, la Pesanta o los Minairons.
El cierre del domingo llegará con un concierto de Feyleryn y su propuesta de folktrónica Route to Balladica, un broche musical que refuerza el carácter multidisciplinar del festival y su vocación de encuentro para profesionales y público.
Para sus comisarios, el auge de nuevas editoriales en la última década ha dado músculo al género en España: ya no es la “hermanita pobre”, y el crecimiento de visitantes año tras año así lo demuestra. Con este impulso, el 42 se consolida como pieza clave del mapa de festivales de Barcelona, Ciudad Literaria de la UNESCO.
Con un calendario compacto, un cartel potente y un marcado acento en la diversidad, la memoria del género y la participación del público joven, el Festival 42 refuerza su papel como escenario de referencia para la fantasía, la ciencia ficción y el terror en Europa.
Incluso para quienes acuden muy a menudo a los museos, cruzar su puerta implica acceder a un lugar muy distinto (no al de la vida) pero sí al de la rutina; a un espacio en el que se conecta el pasado y nuestro tiempo, y los mismos visitantes, a lo mejor, son en mayor medida conscientes de formar parte de un devenir muchísimo más grande que ellos. También suponen contenedores de memoria, poder e ideas.
El cine ha aprovechado, a veces de forma explícita y otras menos, esa fuerza simbólica: en las películas, estos espacios para el arte no pueden ser nunca decorados simples, sino actores “silenciosos” que ejercen una influencia sobre el resto de los personajes, pueden vertebrar el relato y llegar a ser narradores de la trama.
Vamos a repasar un conjunto de films en que los museos han ejercido alguno de esos roles, siendo escenarios, narradores, símbolos, terreno propicio para la experiencia estética y, a veces, también para el conflicto.
Puede ser un punto de partida 007. En Skyfall (2012), de Sam Mendes, el James Bond correspondiente recala en la sala 34 de la National Gallery de Londres y allí se reúne con Q (Ben Whishaw), que le entrega billetes de avión y una pistola que habrán de servirle en su próxima misión. Lo que nos interesa es su conversación frente a El Temerario remolcado a su último atraque para el desguace de Turner, toda una oda a la melancolía. El barco, emblema de la fuerza naval británica y de su pasado glorioso, está a punto de desaparecer tras haber prestado servicio en la batalla de Trafalgar, inmerso en una naturaleza con algo de conceptual: no se basa en la observación directa, sino que predomina el sentido simbólico con detalles más o menos realistas.
Q comenta la inevitabilidad del paso del tiempo que recalca el pintor, a lo que Bond responde con sarcasmo: ¡Menudo barco! El museo se convierte aquí en espacio de reflexión sobre la fugacidad de los días.
Seis años antes, por cierto, la misma National Gallery y La Venus del espejo de Velázquez ya aparecieron en otra película británica: Venus, de Roger Michell. Peter O’Toole y Jodie Whittaker acudían allí a contemplar su pintura favorita, que inspiraba tanto el título de esta obra como el apodo de Whittaker en la trama.
Sam Mendes. Skyfall, 2012
La presencia del Louvre en Banda aparte, de Jean-Luc Godard (1964), aunque breve como sabemos, tiene un calado mayor. Odile, Arthur y Franz (Anna Karina, Claude Brasseur y Sami Frey) rompían con la solemnidad ligada a los museos con su célebre carrera: el mayor y más suntuoso templo artístico de Francia deviene en este caso escenario de una visión nueva de la modernidad y también de la libertad del cine como ejercicio creativo -en contraste con el estatismo de la pintura-.
El gesto rebelde de correr en el Louvre muestra que los museos pueden ser también espacios de identidad generacional, de apropiación personal y de diversión lúdica. De algún modo, este trío encarna aquí una rebelión frente a la cultura oficial, una proclama que encaja perfectamente con el espíritu de la Nouvelle Vague y que Bertolucci homenajearía en Soñadores (2003).
En ocasiones, en el cine con voluntad de acoger símbolos de trascendencia no aparecen museos en sentido estricto, pero sí arte; también como espacio íntimo de deseo y memoria. La joven de la perla (de Peter Webber, 2003) reconstruye el proceso imaginario de creación del lienzo de Vermeer, en el que el tiempo parece suspenderse.
Se basó en una novela de Tracy Chevalier, pero no son necesarios textos en ese empeño: ahí queda El molino y la cruz (2012), de Lech Majewski, que narra la historia de la Pasión de Cristo situándola en el Flandes dominado por España en 1564, basándose en la pintura del mismo año Camino del calvario, de Bruegel el Viejo.
De entre el más de medio millar de figuras que pueblan el cuadro, la película se centra en la historia de una docena de personajes cuyas vidas se cruzan en un paisaje panorámico de cuidada fotografía. Lo preside un enigmático molino que parece sostenerse milagrosamente sobre una escarpada montaña, y que marca los tiempos de la vida del lugar (Amberes).
Entre sus habitantes se encuentran el propio Pieter Bruegel (interpretado por Rutger Hauer), su amigo y coleccionista de arte Nicholas Jonghelinck (Michael York) y la Virgen María (encarnada por Charlotte Rampling).
Los museos, como hoy se hace hincapié a menudo, también pueden hablar de poder y autoridad: es así en El último emperador, de Bernardo Bertolucci (1987). La Ciudad Prohibida pasa de ser palacio imperial a museo (atracción turística), simbolizando el fin de una era.
Ese cambio transforma el complejo en metáfora del tiempo y de la memoria: el anterior centro del poder absoluto deviene recinto vacío, donde quedan restos y recuerdos de vidas pasadas. La privacidad de los monarcas se convierte en exposición.
Y si una ciudad es un museo al aire libre susceptible de ser recorrida como si cada uno de sus rincones fuese una sala expositiva, esa es Roma. Así la paseaba Jep Gambardella en La gran belleza (2013), de Sorrentino.
En este caso, el gran museo romano es símbolo de la cultura que oprime, pesa y cautiva a un tiempo: pasado y presente dialogan constantemente (como en los museos) y Gambardella-Servillo transita por sus calles como un visitante perdido en un museo interior; la que fue capital imperial refleja el vacío existencial del protagonista.
En el film más felliniano de Sorrentino las ruinas, las obras de arte y los frescos no son decorado, sino huella de la memoria colectiva italiana (europea) y de una cultura que se contempla a sí misma con nostalgia. La ciudad en su conjunto funciona como alegoría de la identidad y el tiempo, un espacio que conserva rastros de lo efímero y lo sagrado. Aquí, con claridad, el museo crece hasta fundirse con la vida.
Paolo Sorrentino. La gran belleza, 2013
Quizá no sea demasiado común, pero a veces el museo también narra, cuenta relatos paralelos. En Vértigo (1958), de Hitchcock, el arte -un retrato femenino- se convierte en espejo de deseos y obsesiones, incluso en adelanto del futuro de la protagonista (Kim Novak).
Simboliza la repetición y la obsesión, la reencarnación y el doble; también la memoria: entre pinturas, el tiempo se detiene. Además, con su cadencia hipnótica, Hitchcock sabe crear un clima de fascinación pictórica, convirtiendo el museo (el de Bellas Artes de San Francisco) en espacio psicológico en que una composición absorbe la identidad de quien la mira.
Alfred Hitchcock. Vértigo, 1958
¿Y si consideramos el laberinto de espejos de La dama de Shanghái (1947), de Orson Welles, como un museo de realidad fragmentada? Las figuras del mismo Welles y de Rita Hayworth se multiplican, generando confusión en la narración y poniendo en cuestión las nociones de verdad e identidad.
Ese laberinto, además, revela el sentido profundo de esta película: el arte, al igual que los espejos, puede mostrar la verdad, pero siempre lo hará a través de la distorsión.
Orson Welles. La dama de Shanghái, 1947
A veces las obras llegan a dialogar (metafóricamente) con los personajes, que pueden experimentar hacia ellas dependencia. Virgil Oldman (Geoffrey Rush), en La mejor oferta de Tornatore (2013), se rodea de retratos femeninos que apuntan a su imposibilidad de encontrar el amor real: cada una de ellas representa un ideal distinto, igualmente inalcanzable, atemporal. Como la Roma de Sorrentino, funcionan como espejos emocionales: reflejan el vacío y la obsesión del agente de subastas.
Por eso, cuando la colección se pierde, lo que desaparece no son sólo los cuadros, sino el mundo interior de Oldman.
En otras ocasiones, una única obra puede narrar: en Le mystère Picasso (1968), de Henri-Georges Clouzot, el argumento es la construcción de un lienzo, filmada desde su reverso. Como si se pintara solo, asistimos al acto creativo en tiempo real.
Si tenemos que elegir films en los que un museo encarne una identidad cultural (amenazada)…, preferimos prescindir del presente y quedarnos con El tren (1964), de John Frankenheimer. El convoy que transporta arte a salvar es campo de batalla en la II Guerra Mundial, porque esas piezas son objeto de deseo y de resistencia cultural.
Podemos debatir a partir de esta película sobre el poder simbólico del patrimonio, no como objeto de lujo, sino como testimonio del espíritu de un pueblo y de su libertad. Y sobre si por él vale la pena jugarse la vida.
John Frankenheimer. El tren, 1964
Y a infinitos debates puede dar lugar, asimismo, The Square (2017), de Ruben Östlund, ese cineasta sueco propenso a reírse de los tics de los muy ricos. Su museo (de arte contemporáneo) es espacio de marketing y espectáculo, de contradicción ética; incluso laboratorio de comportamiento. El espectador ya no contempla: es observado y puesto a prueba, mientras la creación sirve para poner de relieve hipocresías recientes.
Terminaremos con una experiencia estética: la que propone El arca rusa (2002), de Alexander Sokurov. Filmada en un plano único, nos invita a recorrer el Hermitage de San Petersburgo, con sus recuerdos y fantasmas. Acompañamos a un diplomático francés y a un narrador invisible, y cada estancia nos sumerge en una época.
El museo ruso se nos ofrece aquí como metáfora de continuidad histórica: el arte preserva lo que el tiempo sepulta.
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Isaac
El escritor nigeriano y primer africano en ganar el Nobel de Literatura, Wole Soyinka, ha denunciado que Estados Unidos revocó el visado que le fue emitido el año pasado. La decisión, comunicada por el Consulado de EE.UU. en Nigeria, le impide viajar al país norteamericano mientras no gestione una nueva autorización, algo que puede afectar su presencia en la feria del libro de Sevilla.
En una rueda de prensa en Lagos, el autor de 91 años zanjó cualquier expectativa de futuras apariciones en ese país: “No tengo visado. Si quieren verme, ya saben dónde encontrarme”, afirmó, subrayando que no cuenta con antecedentes penales ni sanciones que expliquen la medida adoptada por las autoridades estadounidenses.
Soyinka mostró a los periodistas una carta del Consulado estadounidense fechada el 23 de octubre en la que se indicaba que, tras haberse emitido el visado, “se dispuso de información adicional”. El dramaturgo aseguró que desconoce qué dato nuevo habría motivado la revocación y se preguntó si en algún momento infringió alguna ley de Estados Unidos.
El autor explicó que convocó a los medios “para que quienes esperan que asista a algún evento en Estados Unidos no pierdan el tiempo”, una declaración con la que quiso clarificar su situación ante programadores culturales y académicos que contaban con su presencia.
Se trataba de un visado de no inmigrante, una autorización temporal para propósitos como turismo, tratamiento médico, negocios o trabajo. El propio Soyinka deslizó que sus recientes críticas a Donald Trump, a quien comparó con el dictador ugandés Idi Amin, podrían haber influido, aunque no afirmó tener evidencia de ello.
En términos generales, las autoridades consulares pueden revocar un visado si surgen nuevos datos relevantes tras su emisión; con todo, el escritor insiste en que carece de antecedentes y que no ha sido informado de un motivo específico más allá de la mención a “información adicional”.
Wole Soyinka ha pasado temporadas enseñando en distintas universidades estadounidenses, un vínculo académico prolongado que se ha combinado con su trayectoria literaria y cívica en foros internacionales. En 2016, tal como había prometido, renunció a su residencia estadounidense en protesta por la elección de Trump como presidente para su primer mandato.
Reconocido por su obra teatral, ensayos y poesía, Soyinka mantiene una presencia habitual en foros internacionales. Que la revocación le afecte ahora, a sus 91 años, añade una dimensión simbólica a un caso que trasciende lo personal y que vuelve a poner el foco en la discrecionalidad de los regímenes de visados.
En julio, la Embajada de Estados Unidos en Nigeria informó de que los viajeros nigerianos recibirían permisos de entrada única válidos por tres meses. Esa pauta encaja con un marco más restrictivo que se ha ido reforzando en los últimos meses.
Paralelamente, Washington ha reanudado vuelos de deportación hacia terceros países después de que la Corte Suprema autorizara en junio al Gobierno de Trump a efectuar esas expulsiones. Desde su regreso a la Casa Blanca a comienzos de año, la Administración ha impulsado “expulsiones exprés” y ha firmado acuerdos con países africanos como Esuatini, Ghana, Ruanda, Uganda y Sudán del Sur.
Para el circuito cultural europeo, incluida España, la situación puede traducirse en reajustes de agendas, como los de la Primavera del Libro, cuando coinciden eventos transatlánticos o giras con escalas en Estados Unidos. Aunque el caso afecta exclusivamente a su entrada en ese país, programadores y festivales europeos siguen de cerca este tipo de decisiones por su impacto en calendarios y compromisos internacionales.
No hay constancia de medidas equivalentes en el espacio Schengen vinculadas a este episodio, por lo que la participación de Soyinka en actividades en Europa dependerá de las invitaciones y tramitaciones habituales. En todo caso, su intención declarada de no viajar a EE.UU. mientras no se resuelva el visado podría alterar invitaciones conjuntas o itinerarios que incluyan sedes estadounidenses.
El núcleo del caso es que el Nobel nigeriano afirma no conocer las razones concretas de la revocación, más allá de la alusión consular a “información adicional”. Con una larga trayectoria académica en Estados Unidos y un perfil cívico muy visible, su situación se inscribe en un contexto migratorio más restrictivo, con consecuencias prácticas para organizadores y lectores a ambos lados del Atlántico.
Los Talibanes de Afganistán afirman que su frontera con Pakistán no existe. Los recientes enfrentamientos a lo largo de la frontera lo demuestran. Ambas partes intercambiaron fuego de artillería, disparos y ataques aéreos, y cada una culpó a la otra de iniciar los enfrentamientos. #afganistan #pakistan #taliban #historiageopolitica
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Música cortesía de CO.AG Music
John Ackerman conversa con Yásnaya Aguilar sobre los pueblos indígenas, la democratización y los retos que aun enfrentas los pueblos indígenas en nuestro país.