SOBRE FOTOGRAFÍA

by alguien | Oct 18, 2024 | Cultural | 0 comments

¿QUÉ ES SOBRE FOTOGRAFÍA?
Un libro, recién publicado, que aborda el panorama actual de la fotografía en España contando con algunos de sus protagonistas y analiza los pilares sobre los que podría asentarse el futuro Centro Nacional de Fotografía, que tendrá sede en Soria.
Su título completo es Sobre fotografía. Una mirada transversal desde la educación, el patrimonio, la creación y las industrias culturales y podemos acceder a él libre y gratuitamente.
 
¿QUIÉN LO EDITA?
Ha sido editado por la Universidad de Alcalá de Henares y promovido por la plataforma Centro de Fotografía e Imagen.
 
¿QUÉ NOS OFRECE?
Propone un examen a la fotografía en España hoy desde las perspectivas de la educación, el patrimonio, la creación y las industrias culturales, pilares sobre los que se entiende que debería establecerse el futuro Centro.
Contiene cuarenta y seis artículos de proyectos que se presentaron durante el I Congreso Internacional sobre Fotografía celebrado en marzo de 2023, muchos de ellos vinculados a cuestiones de género e identidad, territorio y maneras de habitar, además de cinco artículos inéditos realizados por profesionales del sector, profesores, investigadores, fotógrafos y comisarios.
En el apartado de creación, Concha Casajús y Rafael Trobat, doctores por la Complutense de Madrid y fotógrafos, firman Realidad e imaginación, y los creadores y doctores, también de la Complutense, Toya Legido y Tomás Zarza nos ofrecen el texto Del registro fotográfico a la imagen computacional. En el de industrias creativas, la fotógrafa Carma Casulá y Natalia Garcés, editora de la publicación y directora del Aula de Fotografía de la Fundación General de la Universidad de Alcalá, firman Vivir de la fotografía.
En el capítulo centrado en educación, los docentes y doctores Luis Castelo (Universidad Complutense de Madrid) y Pedro Vicente-Mullor (Universidad Politécnica de Valencia) escriben La paradoja de la fotografía en la universidad, y en el de patrimonio en fotografía, la publicación cuenta con el ensayo ¿Quién cuida de nuestro patrimonio fotográfico?, a cargo del Grupo de Conservación del Patrimonio Fotográfico, ligado al Grupo Español del Instituto Internacional de Conservación.
 
¿EN QUÉ FECHA Y DÓNDE SERÁ PRESENTADO?
Sobre fotografía se presentará al público el 23 de octubre a las 19:00 horas, en la Universidad de Alcalá. El acto empezará con una bienvenida institucional y contará con la intervención de Juan Manuel Castro Prieto, Premio Nacional de Fotografía y miembro de la Asociación Plataforma Centro de Fotografía e Imagen; Pedro Vicente (Universidad Politécnica de Valencia) y Natalia Garcés (Universidad de Alcalá), editores de la publicación; Toya Legido, artista, como dijimos fotógrafa y docente en la Universidad Complutense de Madrid; y Angélica Soleiman, miembro del Grupo de Conservación del Patrimonio Fotográfico del Grupo Español del Instituto Internacional de Conservación.
Su conversación podrá seguirse en streaming en este enlace.
 
PARA MÁS INFORMACIÓN:
https://publicaciones.uah.es/

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Martí Madaula

by alguien | Oct 18, 2024 | Cultural | 0 comments

Fotografía: Olivier Collet
NOMBRE: Martí
APELLIDOS: Madaula Esquirol
LUGAR DE NACIMIENTO: Sabadell, Barcelona
FECHA DE NACIMIENTO: 1996
PROFESIÓN: Artista
 
 
 
A Martí Madaula, nuestro fichado esta semana, lo conocimos hace unas semanas de la mano de la Galería Prats Nogueras Blanchard: su sala barcelonesa presentó este verano, coincidiendo con Art Nou, The Living Wardrobe, una videoinstalación basada en las experiencias de este artista mientras desarrollaba una residencia en Bilbao hace cuatro años. Tras empezar a quedar con un chico, y según pasaban los días, el gran armario vacío que había en su dormitorio comenzaba a llenarse de ropa, lo que llevó a Madaula a comenzar a pensar en él como un ser vivo que se alimentaba de esas prendas y que, en el camino, convertía a este autor en alguien diferente a quien era. Ese guardarropa, por tanto, se convertía en esa pieza, una suerte de ensayo videográfico de autoficción, en metáfora de esa tensión entre el deseo de mantener independencia y el de entregarse a un amor.
Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, Martí ha cursado un máster centrado en medios mixtos en la LUCA School of Arts de Gante y otro sobre cine, vídeo, nuevos medios y animación en la escuela del Art Institute of Chicago, obteniendo en el camino un Premio de Excelencia Académica de la Fundació Catalunya La Pedrera (2014), una beca de la Fundación Mutua madrileña para estudiar un posgrado en Europa, la muy prestigiosa de la Fundación “la Caixa” para hacer lo propio en Estados Unidos y el Premio Extraordinario de Bellas Artes de su Universidad.
Con anterioridad, y desde 2016, protagonizó otras individuales en La Marineta Centro Cultural, de Mollet del Vallès, la Sala Stripart de Barcelona, Kolder y el Observatorio Astronómico de Gante, el Museo de Arte de Sabadell y SITE 280 Gallery (Chicago), mientras que su participación en colectivas le ha llevado a espacios como la Grosvenor Gallery de Manchester, Roca Umbert. Fàbrica de les Arts (Granollers), Cal Trepat (Tàrrega), La Virreina, la Sala d´Art Jove, La Escocesa y La Capella (Barcelona), la Drongenhofkapel de Gante, la Fundación BilbaoArte, La Panera de Lleida, SAIC Galleries (Chicago) y Palmadotze (Els Monjos, Barcelona).
Asimismo, Madaula ha participado este mismo año en festivales cinematográficos como Visions du Réel, el Bangalore Queer Film Festival, Doc at Work (en los prolegómenos del Festival dei Popoli), el Kasseler Dokfest, el Festival Internacional de Cortometrajes de Vila-seca. FICVI y el Iowa International Documentary Film Fest. Ha llevado a cabo residencias artísticas de la mano de Nau Estruch Sabadell, la citada Fundación Bilbaoarte, Sounds of Our Cities (cooperación europea), el HISK de Gante y Cultures d’Avenir y, entre otros premios, ha obtenido el galardón Visiones del Arte, en su categoría internacional, concedido por el Museo Universitario Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Autónoma de México (2016) y, en dos ocasiones, el Premio de Creación Art Jove (2018 y 2020).
Se suma este artista a nuestros Fichados porque queremos conocer mejor los caminos por los que su obra se nutre de lo diario y cotidiano, profundizar en el cariz narrativo de sus propuestas y en el modo en que introduce este en disciplinas muy diversas y no siempre tan propicias al relato como el vídeo.
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Nos cuenta Madaula que muchos de sus intereses nacieron mientras estudiaba, tanto de los propios contenidos de su carrera como de su relación con otros estudiantes o de la experiencia de trasladarse a cursar un erasmus en el Reino Unido: Empecé a hacer proyectos en los que reconozco las temáticas e intereses de mi práctica artística cuando estudiaba tercero de Bellas Artes. En segundo descubrí el arte conceptual en una clase de historia de arte contemporáneo que cambió mi percepción de lo que el arte podía hacer. Me interesaban artistas como Sophie Calle, Martha Rosler, Tracey Emin o Félix González-Torres, entre otros, que utilizaban el arte para reflexionar sobre temáticas que me interpelaban directamente, como la intimidad, la sexualidad, el género, etc. En ese momento, abandoné la pintura y me adentré en el mundo del arte conceptual.
Creo que, en ese tiempo, hubo dos aspectos que fueron importantes en moldear mi práctica. Uno de ellos era mi grupo de amistades de Bellas Artes. Había mucha sintonía entre algunas personas de mi curso y del curso superior al mío. Compartíamos un interés por el arte conceptual y unos intereses que a veces se cruzaban. Recuerdo que cada uno de ellos me inspiraba muchísimo, solíamos charlar mucho de arte, de nuestros proyectos e ideas, a parte de muchas otras cosas, por supuesto. Así que recuerdo ese grupo de amigos como algo muy importante en mis inicios y formación artística. Me asombraban sus ideas y me sentía parte de un grupo en el que me sentía muy comprendido, fue bonito y a menudo he echado de menos ese espacio que creamos.
En segundo lugar, a nivel individual para mí fue importante dejar la facultad unos meses para realizar un erasmus en Manchester en 2017. Era la primera vez que vivía fuera de casa y, gracias a esta experiencia, pude mirar al mundo que yo conocía desde una nueva perspectiva. Esa experiencia hizo que muchos de mis proyectos rotaran alrededor de analizar la idea de hogar. ¿Qué constituye un hogar? ¿Cómo se transforma esa idea cuando uno se desplaza? Estas son algunas de las preguntas que me hacía entonces e intenté responder a estas cuestiones con mis proyectos, que dieron lugar a una línea de trabajo que aún es relevante para mí hoy en día.
Marti Madaula. First and Last Page, 2020
Marti Madaula. First and Last Page, 2020
Marti Madaula. First and Last Page, 2020
Como anticipamos, la de cercanía es una noción clave en la producción de Martí, que suele partir últimamente de sus propias vivencias a la hora de crear e incluso concibe sus proyectos como un modo de comunicación con sus personas queridas: La cotidianidad es un aspecto fundamental de mi obra. Me gusta pensar que mis proyectos invitan a redescubrir aquello cotidiano, los detalles de nuestro entorno que, por su cercanía, hemos dejado de ver. A veces pienso, también, que muchos de mis proyectos son una carta de amor a las personas que me han cuidado y me han querido: una forma de dar las gracias, de reconocer esos gestos.
Desde hace años, el aspecto autobiográfico y la autoficción también caracterizan mis proyectos. Me interesa partir de lo personal para ficcionarlo y crear historias universales. Por último, la investigación artística también es fundamental en mis últimos proyectos. Y el storytelling, el placer por narrar, que siempre está allí. Al fin y al cabo, cada uno de mis trabajos es una historia que quiero contar.
Muchos de mis proyectos son una carta de amor a las personas que me han cuidado y me han querido: una forma de dar las gracias, de reconocer esos gestos.
No podemos decir que, en su trayectoria hasta ahora, se haya decantado Martí por una técnica sobre otras, pero el vídeo ha ganado peso reciente en su producción y, nos explica, la palabra también tiene su lugar: Mi trabajo es multidisciplinar. Como comentaba, mis proyectos son historias y siento que deben ser contadas de distintas maneras. A veces, siento que la mejor forma de narrar esa historia es desarrollando una escultura, una instalación, un libro de artista o una pieza audiovisual.
En general, el texto siempre es un elemento clave que atraviesa todos los proyectos. En los primeros, ese texto iba acompañado de fotografías y piezas de videoarte; en los últimos años, el texto es la voz en off de mis películas experimentales.
Mi interés en el cine experimental y de ensayo me llevó a pedir una beca de “la Caixa” para estudiar un MFA in Film, Video, New Media, and Animation en la School of the Art Institute of Chicago, una oportunidad que me permitió ahondar en mi interés por el cine y producir tres cortometrajes. Uno de estos cortos está terminado y se titula The Living Wardrobe, tuvo su estreno mundial en la sección oficial de Visions du Réel 2024, uno de los festivales de cine documental y no-ficción más importantes del mundo. Los otros dos cortometrajes se encuentran en fases avanzadas de postproducción.
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
De algunos de sus referentes ya nos ha hablado -los descubrió mientras se formaba-; otros son artistas de su generación que han trabajado, como él, en torno a la narración y las posibilidades artísticas que ofrece la vida diaria, así como cineastas: Al inicio de mi carrera, los referentes principales eran artistas que ponían lo personal y lo cotidiano en el centro de su trabajo. Artistas cuya obra, a menudo, también tenía un marcado interés por el storytelling; pienso en Félix González-Torres y la sutileza y elegancia con la que habla de lo personal y político. Pienso en Sophie Calle, Tracey Emin, Miranda July. En el contexto local, Lúa Coderch es una de mis mayores influencias, siempre me ha inspirado la elegancia de todos sus proyectos y su exploración con el acto de narrar. También pienso en Fermín Jiménez Landa, Dora García, Núria Güell, Pep Vidal, Irene Solà, Alicia Kopf…
En el mundo del audiovisual experimental, soy fan absoluto del trabajo de Deborah Stratman, Su Friedrich, Christopher Harris o Jessica Bardsley: artistas que trabajan de formas muy distintas e interesantes la fricción entre realidad y ficción.
Martí Madaula. Com conquerir l’espai, 2021
Entre los principales proyectos que hasta ahora ha desarrollado elige citar tres: Com conquerir l’espai (Cómo conquistar el espacio), un libro de artista de 2021 que publicó junto a la Sala d’Art Jove y el Centre d’Art La Panera; la instalación, acompañada de una acción artística, Tough, reliable and almost cuddly (2022) y la propuesta de la que comenzábamos hablando, The Living Wardrobe (2024).
El primero da cuenta de esa importancia del texto a la que se refería: En 2018 viví un año en Bélgica, mi tesis de máster fue un proyecto narrativo que combinaba un diario autoficcionado sobre el hecho de vivir lejos de casa con mi investigación artística sobre la intimidad de los astronautas en la exploración espacial. Gracias a una beca de Sala d’Art Jove, pude trabajar más en el proyecto y la investigación y publicar el libro en catalán. Para mí, es mi primera novela y fue importante porque me permitió explorar el aspecto más narrativo de mi trabajo y llegar a un público más amplio.
Martí Madaula. Com conquerir l’espai, 2021
Martí Madaula. Com conquerir l’espai, 2021
En Tough, reliable and almost cuddly ya enlazaba ropa e intimidad, además de reivindicar a trabajadoras olvidadas: En 2021, A Bao A Qu me invitó a participar en EN RESiDÈNCiA, un programa que invita a artistas contemporáneos a trabajar en un proyecto nuevo en un instituto público de Barcelona, incorporando un grupo de alumnos en el proceso de creación e ideación de una nueva pieza. En este contexto, ahondé en mi investigación artística sobre el espacio exterior y la intimidad. Conjuntamente con los alumnos, nos centramos en investigar la impresionante historia detrás de la manufacturación de los vestidos espaciales de los primeros astronautas, un proceso que nos llevó a descubrir que estos fueron cosidos a mano por un grupo de mujeres expertas en la confección de ropa interior para mujeres. Un grupo de mujeres cuya historia había sido olvidada durante décadas, así que nos propusimos recordar y celebrar su legado.
Martí Madaula. Tough, reliable and almost cuddly, 2022
Martí Madaula. Tough, reliable and almost cuddly, 2022
Martí Madaula. Tough, reliable and almost cuddly, 2022
Martí Madaula. Tough, reliable and almost cuddly, 2022
Por último, The Living Wardrobe fue su primer corto y se alimentaba de los asuntos que han venido poblando su carrera, entre ellos las emociones de las que pueden hablar los objetos. Ya adelantamos, en parte, su sinopsis: Martí llega a Bilbao para participar en una residencia artística. Su ropa tan solo ocupa una pequeña parte del gigantesco armario de su nueva habitación. Cuando conoce a un chico que le gusta, el armario comenzará a llenarse. Pero, ¿dónde han ido parar el vacío, el espacio libre, su pequeño rincón? ¿Se lo ha tragado todo el armario, o ha sido el amor?
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Próximamente, encontraremos a Martí en Bilbao y su corto continuará proyectándose en citas internacionales: En noviembre, voy a participar en una exposición colectiva titulada “Nadie sabe compartir el gusto de la menta”, comisariada por Lorenzo Galgó e Iñigo Villafranca Apesteguia en la sala Uribitarte de la Fundación BilbaoArte, junto a artistas que admiro muchísimo.
También voy a mostrar The Living Wardobre en distintos festivales de cine de no-ficción internacionales, como el Festival dei Popoli en Florencia o el Kasseler Dokfest en Alemania.
Por último, estoy trabajando en la postproducción de dos proyectos audiovisuales nuevos. Uno de ellos es una ficción inspirada en diversas entrevistas que realicé hace dos veranos. Ahora mismo estoy interesado en explorar el documental experimental, jugando con la fricción entre ficción y realidad.
Podemos seguir sus pasos, aquí: https://martimadaula.hotglue.me/
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
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James Ensor, el pintor rebelde

by alguien | Oct 16, 2024 | Cultural | 0 comments

Cuatro exposiciones celebran en Amberes al artista, cuando se cumplen 75 años de su muerte
 
James Ensor en su estudio.
James Ensor nació el 13 de abril de 1860 en Ostende. Su madre, belga, y su padre, inglés, regentaban una tienda de souvenirs, entre los que abundaban conchas marinas, peces disecados, jarrones ornamentales y, sobre todo, máscaras de carnaval que desde muy pronto estimularon la imaginación del joven Ensor, convirtiéndose después en uno de los elementos clave de su pintura y en una herramienta con la que manifestar su posición crítica ante el mundo, especialmente el mundo burgués (al que paradójicamente acabaría perteneciendo, pues en 1929 recibió el título de barón). Su vida y su obra están íntimamente ligadas a su ciudad natal, en la que pintó sus obras maestras. También paso tiempo en Bruselas, durante sus años de formación en la Real Academia de Bellas Artes, y su nombre está vinculado a Amberes, donde a día de hoy se conserva la colección más importante y extensa de la obra de Ensor. La atesora el KMSKA, Museo Real de Bellas Artes de Amberes, que es también la sede del Ensor Research Project, el centro de estudios por excelencia en torno al este maestro flamenco.
Es precisamente en el KMSKA donde tiene lugar este otoño la principal exposición conmemorativa del Año Ensor en Amberes (la primera parte de este homenaje se desarrolló a principios de año en Ostende). Aunque comenzaremos por ella, esta no es la única muestra que celebra al artista en Amberes. El MoMU, el FOMU y el Museo Plantin-Moretus también le dedican grandes exposiciones que nos acercan al autor no solo desde la perspectiva de las bellas artes, sino también desde la de las artes aplicadas, como la moda y la fotografía, y nos muestran la forma en la que Ensor sigue inspirando a día de hoy a los creadores contemporáneos.
“Los sueños más salvajes de Ensor. Más allá del Impresionismo” es el título de la gran retrospectiva que hasta el 19 de enero presenta el KMSKA, en la que se nos ofrece una imagen exhaustiva del James Ensor más vanguardista. Se trata de una oportunidad excepcional de acercarnos a su pintura pero también de conocer mejor al creador detrás de la sátira y de las máscaras.
El recorrido por la exposición, que cuenta también con obras significativas de autores internacionales que le inspiraron y con los que quería medirse, como Manet, Monet, Munch o Goya, pone de manifiesto el carácter siempre innovador y experimental de Ensor, considerado hoy una figura indispensable para entender la aparición y el desarrollo del modernismo en el siglo XX.
Edouard Manet. Esquina de un café-concierto. The National Gallery / James Ensor. La comedora de ostras, 1882. KMSKA Amberes
Ya antes del cambio de siglo, su obra era conocida en los círculos literarios de Francia y después de 1900 artistas de vanguardia alemanes como Paul Klee, Emil Nolde, Erich Heckel o Stefan Zweig descubrieron en Ensor un pionero del lenguaje visual modernista. Pero hasta llegar ahí el de Ostende tuvo que descubrirse así mismo, liberando a la pintura del heroísmo romántico, las apariencias y el realismo banal de finales del siglo XX y marcando sus propias pautas, lo que le alejaba cada vez más del ideal clásico de belleza imperante entonces en Europa y del Impresionismo francés, estilo que habría querido introducir en su obra y del que desarrolló su propia versión entre los años 1880 y 1885. Entre las obras de Ensor vinculadas al Impresionismo se encuentra La comedora de ostras (1882), que el artista expuso en el Salón de los XX, en 1886, poniendo de relieve su condición de revolucionario al confrontarla con obras de Manet, Monet o Renoir. Quería demostrar que era el pintor vanguardista más importante del momento.
Un visitante de la exposción “Los sueños más salvajes de Ensor. Más allá del Impresionismo”, en el KMSKA de Amberes, ante la obra de Ensor Autorretrato con sombrero de flores.
James Ensor. Las tentaciones de San Antonio. The Art Institute of Chicago
James Ensor. Esqueletos calentándose, Museo de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas
Decidido a seguir un camino propio, en 1887 Ensor pintó dos obras que resultarían clave en el inicio del nuevo rumbo que iba a emprender su arte: Adán y Eva expulsados del Paraíso (KMSKA) y La tentación de San Antonio (Art Institute of Chicago). A partir de este momento, cualquier contención quedaba definitivamente aparcada en el pasado y Ensor se lanzó a un nuevo mundo expresivo, en el que comenzarían a surgir las formas caprichosas y lo grotesco, dando rienda suelta a su prodigiosa imaginación. Estaba ya a solo un paso de consolidar su estilo, el más satírico y burlón. El del artista de las máscaras, los esqueletos y los contrastes entre lo jocoso y lo siniestro, lo sofisticado y lo salvaje.
James Ensor. Rue du Bon Secours, Bruselas, 1887, punta seca sobre tela de raso satin. Col
El MUSEO PLANTIN-MORETUS, por su parte, acoge “Ensor y sus estados de imaginación”, que se adentra en la producción gráfica del artista, en la que una vez más destaca su gusto por la experimentación.
Cuando Ensor decide probar con el grabado tiene ya 26 años y se encuentra en el apogeo de su carrera. Pronto descubre las infinitas posibilidades que el medio le ofrece, aprende los entresijos de este nuevo arte para él y experimenta con materiales y técnicas, convirtiendo cada grabado en una obra de arte única. Ensor coloreaba los grabados a mano con lápiz, tiza o acuarela, haciendo surgir detalles inesperados en cada obra. La exposición reúne por primera vez los resultados más sobresalientes de esos experimentos y muestra dibujos preparatorios, planchas de cobre y grabados en varios estampados.
James Ensor. Arriba: Orgullo, 1904, aguafuerte y acuarela. Colección Ciudad de Amberes, Museo Plantin-Moretus. Abajo: Orgullo, 1904, aguafuerte y acuarela. Colección P.F. (versión coloreada)
Cindy Sherman. Untitled #414, 2003 © Cindy Sherman. Cortesía de la artista y Hauser & Wirth
Se suma también a este homenaje a James Ensor el FOMU – PHOTO MUSEUM Amberes, donde podemos ver la primera gran exposición individual de Cindy Sherman (New Jersey, 1954) que se realiza en Bélgica. Una potente muestra que reúne más de 100 obras fechadas desde la década de 1970 hasta la actualidad.
Al igual que Ensor, Sherman es conocida por expresar su visión critica de las convenciones a través de disfraces y caracterizaciones. Para crear sus fotografías, asume múltiples papeles de fotógrafa, modelo, maquilladora, peluquera y estilista, llegando a alterar ligeramente su físico para crear intrigantes cuadros y personajes. Así consigue exagerar los estereotipos hasta dimensiones absurdas e incluso grotescas para poner de manifiesto las rígidas concepciones del género, la belleza y el envejecimiento.
Repartida en varias plantas, la muestra presenta algunas de sus primeras obras (1975-1980), como las fotografías experimentales de sus años de estudiante y su icónica serie Fotogramas de películas sin título, que la llevó a la fama internacional a finales de la década de 1970. Por otro lado, la exposición pofundiza en la fascinación de Sherman por la moda y el nexo entre su trabajo independiente y los encargos de la industria de la moda para firmas como Comme des Garçons, John Galliano y Balenciaga, y de revistas de moda como Vogue, Interview y Harper’s Bazaar.
En su trabajo, Sherman, que nunca considera sus imágenes como autorretratos, no indaga en su interior sino que actúa como un espejo de los estereotipos de la sociedad y los ideales de belleza establecidos. Con ello no pretende imponer ninguna verdad y deja abierta la interpretación a la mirada de cada espectador. Es por eso que nunca pone títulos a sus obras, ya que todo el significado reside en la imagen.
Exposición de Cindy Sherman en el FOMU de Amberes. Ensor2024
Editorial publicado en i-D Magazine, 1996: modelo: Kate Moss, maquillaje: Linda Cantello, peluquería: Julien d’Ys, © Paolo Roversi / Art+Commerce
Por último, el MOMU, MUSEO DE LA MODA, celebra al pintor con la exposición multimedia “Las mascaradas, el maquillaje y Ensor”, que permite disfrutar de varias obras de Ensor junto al trabajos de artistas del maquillaje, estilistas del cabello y fotógrafos contemporáneos a los que el Museo ha invitado para establecer un diálogo entre sus creaciones y algunos de los temas habituales en la obra de Ensor, como la mascarada, lo grotesco, la seducción o el engaño.
Se considera a Ensor un observador crítico del mundo y de la gente que le rodeaba, capaz de reconocer sus inseguridades y su vanidad. A partir de 1888 el artista pintó máscaras, ropa y accesorios como instrumentos para desenmascarar: una forma de revelar la verdadera naturaleza y los sentimientos ocultos de sus figuras enmascaradas, de desnudar su hipocresía, engaño, oportunismo.
James Ensor utilizó lo grotesco para desafiar las normas sociales y las convenciones estéticas de su época. Un cuerpo grotesco se desvía del cuerpo “normativo” definido por la simetría, la proporcionalidad y el orden. A partir de la década de 1990, los diseñadores de vanguardia también empezaron a buscar en el canon grotesco para subvertir la fachada perfecta de la moda, y empezaron a experimentar con el potencial subversivo del maquillaje, las prótesis y las manipulaciones de la imagen.
James Ensor. Retrato de Augusta Boogaerts o La Sirena, c. 1930. Colección privada. /James Ensor. El asombro de la máscara de Wouse, 1889. Colección KMSKA.
 
Cyndia Harvey & Christian Lacroix. Señorita Havisham en la mascarada. Exposición “Make-up & Ensor at MoMu” , MoMU Amberes, 2024, © MoMu Antwerp, Photo: Stany Dederen
El enfoque multidisciplinar en torno a James Ensor que proporcionan estas exposiciones tiene mucho que ver con lo que fue su diversísima actividad artística. Ensor era, desde luego y principalmente, un artista visual, pero fue también un virtuoso musical y un maestro del lenguaje, amante de las palabras. Toda su carrera artística está marcada por una constante búsqueda de nuevos temas, géneros, técnicas y materiales con los que experimentar e innovar.
 
 
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