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No se puede sofocar lo inevitable Aunque intenten prohibir(nos) Florecemos sin pedir permiso Somos memoria, resistencia y dignidad.
Ficha técnica:
Guión: Emilia Yugovich y Juliana Quintana
Conducción: Nadia Gomez y Juliana Quintana
Grabación y producción: Jazmín Cebé
Edición: Milena Ruíz Díaz
Agradecimientos a Damián Cabrera y a los amigues de Casa Magia 
A punto de alcanzar su vigésimo aniversario, la Bienal Internacional de Arte Fundación ONCE continúa presentando en Madrid propuestas de artistas con discapacidad o que han creado obras relacionadas con dicha temática con el objetivo de dar a conocer a estos autores y favorecer su participación en el mercado artístico, además de reclamar el fin de los prejuicios y la urgencia de la participación plena de todos los individuos en la vida cultural.
El lema de la novena edición de esta iniciativa es “Caminos de resiliencia: la transformación de la salud mental a través del arte contemporáneo”, pues se ha enfocado hacia la experimentación con las posibilidades de la creación, en sus distintas disciplinas, para manifestar los desafíos que implica velar por dicha salud mental en la sociedad de hoy, enfrentarse al fenómeno creciente de la soledad no deseada y contribuir a deshacer estigmas. Tan importantes como la exposición, eje de la Bienal y abierta ya en CentroCentro, resultan, por esa razón, las actividades educativas que la acompañan, siempre gratuitas, abiertas a todos y destinadas a facilitar herramientas de autoaprendizaje para la interpretación del arte reciente y fomentar la sensibilización y la comprensión de la diversidad.
Bajo el comisariado de Mercè Luz Arqué, que ha coordinado las anteriores ocho ediciones de la Bienal, se han reunido en Cibeles setenta piezas de más de cuarenta creadores, procedentes tanto de sus fondos particulares como de galerías y museos; de ellos, más de la mitad presenta alguna discapacidad y la nómina de presentes merece muchas atenciones: María Álvarez, Ascanio Cuba, Jean-Michel Basquiat, George Bellows, Louise Bourgeois, Alejandra Caballero, Carla Cabanas, Jorge Alberto Cadi, Carmen Calvo, Misleidys Castillo, José Cobo, Aloïse Corbaz, Filip Custic, Salvador Dalí, Henry Darger, Ángela de la Cruz, Félix Fernández, Sebastián Ferreira, Irene Garher, Edward Hopper, Alex Hug, Karman Verdi, Yayoi Kusama, Wences Lamas, Jean Paul León Yodh, Berta López, Ramón Losa, Cristina Lucas, Echo Mc Callister, Dan Miller, Donald Mitchel, Juan Muñoz Munimara, Paloma Navares, Carme Ollé, Antònia Ripoll, Jai Rius, Alberto Ros, Noé Sendas, Cindy Sherman, Cuco Suárez, Andy Warhol, Adolf Wölfli y Zush.
Adolf Wölfli. The sweetheart, 1997
Merece la pena destacar los contextos en los que muchos de ellos han trabajado: el suizo Wölfli no comenzó a dibujar hasta sus treinta y cinco, cuando era paciente en el hospital psiquiátrico Waldau, y decidió reinventar, desde el arte, la literatura y la música, su vida y el mundo (su autobiografía ficticia tuvo 3.000 páginas y se llamó De la cuna a la Tumba); Alberto Ros es un fotógrafo autodidacta que, con evidente afán de experimentación constante, se ha especializado en fotografía equirectangular y en colodión húmedo; Alejandra Caballero es una de las pintoras actuales que más y mejor ha retratado la soledad doméstica, sobre todo la femenina y Alex Hug ha creado esculturas vivientes destinados a hacernos reflexionar tanto sobre las guerras como sobre la salud mental. A la vez, reivindica la posibilidad de encontrar mensajes en los tejidos más allá de su funcionalidad.
Alejandra. Caballero. Carta no enviada, 2024
Los dibujos de Aloïse Corbaz, por su parte, están evidentemente ligados a su esquizofrenia y, muy probablemente, le permitieron avanzar en su enfermedad y superar su hospitalización: trabajaba por las dos caras, ocupando todo el espacio disponible y articulando un mundo poblado de figuras humanas, animales, flores y frutas. Warhol, como es sabido, se adelantó al subrayar el poder en la sociedad contemporánea de los medios de comunicación de masas, las celebridades y las realidades paralelas antes de las virtuales; Ángela de la Cruz ha trasladado a su obra referencias a su propio cuerpo, vulnerable tras un ictus, transmitiendo emociones a través del color; Antònia Ripoll contrapone sensibilidades individuales y formas de control generalizadas en pinturas, dibujos, grabados y ensamblajes; y Ascaniocuba subraya la esperanza e inspiración subyacentes en todo proceso creativo.
Berta López. Me Moría, 2015-2024
Berta López registra aquello que no quiere olvidar cuando la memoria empieza a fallarle; Carla Cabanas también alude a la memoria, tanto a la colectiva como a la cultural; Carme Ollé fotografía fragmentos de paisajes que pueden pasar desapercibidos incluso a quienes habitan en él; Carmen Calvo interviene objetos para hacer frente a tabúes sociales; Cindy Sherman se ha utilizado una y otra vez a sí misma para abordar los roles de la mujer y del artista; Cristina Lucas confronta las disyuntivas entre las historias personales y la oficial; y Cuco Suárez lleva a sus instalaciones y performances asuntos relativos a la explotación del ser humano y la marginalidad.
Cristina Lucas. La Anarquista, 2004
Dan Miller, a quien se le diagnosticó autismo, ha centrado sus dibujos en el lenguaje; Donald Mitchell cubrió sus imágenes con campos de líneas para revelar después los rostros y formas que había enterrado; Echo McCallister es autor de espléndidas composiciones con vivos paisajes plagados de seres fantásticos, a las que sumó técnicas y materiales nuevos tras su ingreso en el Spenser State Hospital; y Hopper, como es conocido, captó la soledad del individuo contemporáneo dejando que influyese en su pintura su carácter taciturno.
Félix Fernández avanza en su curación personal por la vía de la fotografía, confiesa que instruirse es como acumular magia en los bolsillos; Filip Custic trabaja igualmente en fotografía, performance y vídeo para referirse a la identidad, el cuerpo y nuestra relación con la tecnología; George Bellows conjugó en su producción arte y deporte, al que también se dedicó; Henry Darger, como Wölfli, escribió una extensísima autobiografía y una, aún más extensa, obra de ficción: In the Realms of the Unreal; Irene Garher es autora de retratos, paisajes y fotos torno a la danza y las artes escénicas; Jai Rius lleva el onirismo a sus esculturas; Jean Paul León Yodh fomenta en sus pinturas, esculturas y textos el entendimiento entre religiones y el fin de la violencia hacia mujeres y migrantes; y Basquiat sobrellevó su vida difícil desde su pintura audaz de origen callejero.
Filip Custic. Mascarilla hiperrealista, 2020
Jorge Cadi, paciente de esquizofrenia, busca continuamente materiales para sus obras (collages, dibujos, cerámicas) entre objetos abandonados de la ciudad; Karman Verdi conjuga en sus fotos introspección y antropología social; Louise Bourgeois hizo de sus complejas relaciones familiares el punto de partida de sus trabajos multiformes, sobre heridas por cicatrizar y conflictos que se arrastran; María Álvarez Pisano, enfermera centrada en acción humanitaria, cultiva también la fotografía analógica experimental; Misleidys Castillo Pedroso se expresa únicamente, por su discapacidad auditiva, a través de sus creaciones, dibujos de culturistas con cinta marrón de pegar en sus contornos; Noé Sendas trabaja en sus instalaciones con la noción de tiempo suspendido, con la extrañeza en la percepción y las fronteras entre lo real y lo soñado; Paloma Navares suele desafiar los límites de la lógica para explorar sus lazos con las emociones; Ramón Losa ha buscado representar en sus dibujos la experiencia de los hombres, enfermos y artistas que no se sienten como tales y Dalí… llevó a su arte, en sus palabras, su “amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental”.
Por último, Wences Lamas no concibe su trabajo sin una espiritualidad visceral; Yayoi Kusama, interna en un sanatorio durante décadas, ha vertebrado ambientes psicodélicos inigualables en los que es posible conjurar miedos; y Zush, artista, científico y místico, dio forma a su propio estado, con su bandera, sellos y papel moneda. Todos sus mundos están en este y a nuestro lado.
Jorge Cadi. Sin título, 2019
IX Bienal de Arte Contemporáneo Fundación ONCE
CENTROCENTRO. PALACIO DE CIBELES
Plaza de Cibeles, 1
Madrid
Del 25 de septiembre de 2024 al 12 de enero de 2025
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¿Sabías que las paraguayas tenemos una heroína a quien llamaron “La Juana de Arco Americana”?
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Fuentes
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Consta de 4.000 obras, desde la Baja Edad Media al arte contemporáneo, entre pinturas, esculturas, dibujos, manuscritos y artes decorativas, pero lo relevante de la colección de Juan Antonio Pérez Simón, empresario y coleccionista de origen asturiano asentado en México desde su infancia, no son tanto los números como su representatividad (podría trazarse un relato válido de la Historia del Arte entre esos periodos a partir de sus fondos) y su calidad. Aunque el acuerdo aún no se ha cerrado, tanto los responsables de este acervo como el Ayuntamiento de Madrid dan por hecho que en breve podrán comunicar los detalles del establecimiento de parte de esas piezas en la capital: está previsto que la Serrería Belga, próxima a CaixaForum e inmersa en el llamado Triángulo del Arte (condición anhelada por el coleccionista), acoja presentaciones rotatorias de estos trabajos, que probablemente constarían alternativamente de cerca de doscientos de ellos.
La fórmula jurídica que posibilitará este aterrizaje en España de una de las colecciones internacionales de mayor alcance aún no se ha comunicado, pero el consistorio sí ha avanzado que la operación implicará obras de remodelación tanto en la sede de Serrería Belga como en sus calles y plazas aledañas y que es probable que estas se inicien en el segundo semestre de 2025.
Rubens. La Virgen sosteniendo un rosario con el Niño Jesús de pie bendiciendo, hacia 1610-1615. Colección Pérez Simón. Cortesía Sotheby’s, Nueva York
Como prólogo a esa apertura de un museo propio, CentroCentro acoge ya una selección extraordinaria de setenta obras de Pérez Simón, llegadas de México, Nueva York y de la propia ciudad de Madrid, en la que se ha tratado de subrayar algunos de los puntos fuertes de este conjunto: la pintura de época victoriana (el suyo es el mayor fondo internacional de este periodo, tras el del británico Andrew Lloyd Weber); el arte academicista y las vanguardias, aquí confrontados; y las creaciones no occidentales, pues el arte asiático también forma parte de esta exhibición. Otra presencia clave, como era esperable, es la de artistas españoles fundamentales, como El Greco, Murillo, Goya, Sorolla, Picasso, Zuloaga o Dalí. Se decidió que cada autor representado lo estuviera únicamente por una obra, por razones de espacio; en todo caso, el recorrido es más que útil para todo espectador que busque aprehender instantes y fracturas esenciales en la evolución de la pintura, disciplina única en el montaje de Cibeles.
En la presentación de la muestra, Pérez Simón mencionó la atracción por la belleza como su impulso fundamental a la hora de coleccionar; en los textos que acompañan al proyecto pone fecha a esa pasión: un viaje por Europa que, en 1964, le llevó a París, Arlés, Granada, Sevilla, Toledo y Roma y que supuso el comienzo de su pulsión por adquirir arte desde un enfoque, prácticamente, enciclopédico; basta una lista de solo algunos nombres de los creadores en CentroCentro para comprobarlo, de Cranach a Yoshitomo Nara pasando por Rubens, Van Dyck, Tiepolo, Canaletto, Van Gogh, Gauguin, Alma-Tadema, Monet, Renoir, Diego Rivera, Frida Kahlo, Warhol, Miquel Barceló.
Canaletto. El Palacio Ducal, Venecia: La Escalinata de los Gigantes vista desde el Arco Foscari, hacia 1751. Colección Pérez Simón © Arturo Piera
Una cálida Caridad de Lucas Cranach el Viejo, un San Juan Bautista predicando en el desierto, pleno de detalles y concebido para contemplarse de cerca, de Pieter Bruegel el Joven, y retratos reales de Pantoja de la Cruz (Felipe II) y Van Dyck (el elegante Príncipe Carlos Luis) nos dan la bienvenida a la exposición y a su apartado de maestros antiguos y de los primeros modernos, en el que se ha procurado que creaciones de artistas europeos bien conocidos (además de los citados, Rubens, Tiépolo, Reynolds con su sincero retrato de la duquesa de Gloucester, Gainsborough y su expresivo campesino con burro, el holandés Ferdinand Bol y su luminoso filósofo) conviven con creaciones de Manuel de Arellano, artífice de las más difundidas imágenes de la Virgen de Guadalupe y activo en México en el primer tercio del siglo XVIII, y con célebres pinturas de castas, que en la misma época, en Nueva España y el Virreinato de Perú, pretendían ilustrar sobre la mezcla de razas.
Lawrence Alma-Tadema. Las rosas de Heliogábalo, 1888. Colección Pérez Simón © Studio Sébert Photographes
Un segundo capítulo de esta muestra lo constituye el siglo XIX, como dijimos uno de los pilares de la colección Pérez Simón, que cuenta con piezas románticas, esteticistas, académicas y prerrafaelitas. Ya levantan pasiones entre los visitantes una vista de Colonia a cargo de Turner y, sobre todo, Las rosas de Heliogábalo de Alma-Tadema, composición entre delicada y atrevida de un banquete clásico que también lo era, a medias sereno y cruel (ese sádico emperador romano, cuyo nombre se traduciría en castellano como persona dominada por la gula, asesinó a sus invitados ahogándolos bajo las flores; se dice que Nerón también llegó a hacerlo). Esas rosas no quedan lejos de grandes figuras de la pintura francesa, de Cézanne, padre de las vanguardias, y el simbolista Moreau a los impresionistas y postimpresionistas; entre estos, de Monet y Renoir a Van Gogh (con una peladora de patatas genialmente iluminada) o Pissarro. No faltan artistas italianos, centroeuropeos y nórdicos del momento; en este apartado ganan los retratos femeninos.
Por último, un periplo de las vanguardias a la creación actual nos lleva desde los ismos de origen francés representados por Braque, Picasso o Léger y la angustia en los cielos de Munch al mencionado nuevo arte asiático (Murakami, Nara, Xiaogang, Fanzhi), pasando por uno de los mejores desnudos de Lempicka, un Rothko inapelable en sus campos de color, un sintético Alex Katz o un Pistoletto especular que introduce al espectador dentro de su cuadro. De forma más o menos explícita, se nos invita a que ese sea, una y otra vez, nuestro lugar.
Cézanne. Escena legendaria o Sancho en el agua, hacia 1878. Colección Pérez Simón © Arturo Piera
Setenta grandes maestros de la colección Pérez Simón. CentroCentro, 2024
Setenta grandes maestros de la colección Pérez Simón. CentroCentro, 2024
“Setenta grandes maestros de la colección Pérez Simón”
CENTROCENTRO
Plaza de Cibeles, 1
Madrid
Del 20 de septiembre de 2024 al 12 de enero de 2025
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Se trata de una iniciativa que brinda la oportunidad a personas universitarias de todo el país, para realizar sus prácticas profesionales en organizaciones de la sociedad civil. La convocatoria está abierta hasta el 20 de octubre y el periodo de trabajo será de noviembre de 2024 a enero de 2025.
La modalidad de trabajo será presencial y remota según necesidad. Si te interesa, podés enviar un correo electrónico con el asunto “CONSULTA PRÁCTICA PROFESIONAL EN OPADES” al correo [email protected].
Conoce más de su trabajo en: https://opades.org.py/
Acá la modalidad de trabajo será presencial, en la ciudad de Asunción. El periodo de trabajo es de noviembre de 2024 a enero de 2025. Si te interesa, podés enviar un correo electrónico con el asunto “CONSULTAS PRÁCTICA PROFESIONAL EN EMANCIPA” al correo [email protected]
Para ver todo lo que hacen, ingresá a: https://revistaemancipa.org/
La modalidad de trabajo también es presencial en sus oficinas de Asunción. El periodo de trabajo va a ser de noviembre de 2024 a enero de 2025. Si te interesa, podés enviar un correo con el asunto “CONSULTAS PRÁCTICA PROFESIONAL GLOBAL INFANCIA” al correo [email protected]
Para saber parte de lo que hacen, ingresá a su cuenta de Instagram: @agenciaglobalpy
El periodo de trabajo en Eco Pantanal será de noviembre de 2024 a enero de 2025, si te interesa, podés comunicarte al correo electrónico [email protected], con el asunto “CONSULTAS PRÁCTICAS PROFESIONALES EN ASOCIACIÓN ECO PANTANAL”.
Podés ver más sobre el trabajo que hacen, en: https://www.instagram.com/ecopantanalbahianegra/
Tenés tiempo hasta el 20 de octubre para enviar tu postulación.
¡No te pierdas esta oportunidad de aprender, crecer y ser parte de un equipo que trabaja por la acción y la justicia climática!
*Este material fue producido en el marco del proyecto Voces Para la Acción Climática Justa, implementado en Paraguay por WWF Paraguay y Avina.