¿QUÉ ES EL FESTIVAL DE LA POESÍA ITALIANA EN MADRID?
Una nueva cita cultural que celebra su primera edición este mes en la capital y que tiene como objetivo reivindicar la poesía como uno de los vehículos privilegiados de la lengua italiana y también como espacio de diálogo entre culturas.
¿QUIÉN LO ORGANIZA?
El Instituto Italiano de Cultura de Madrid.
¿QUÉ PROPÓSITOS TIENE EL FESTIVAL?
Proponer un encuentro entre la tradición poética italiana y la española, entendida como una resonancia entre dos culturas muy cercanas por sus raíces lingüísticas romances y su expresividad. Más que de resaltar semejanzas, se trata de idear un diálogo basado en afinidades temáticas y estéticas, que recalque las especificidades de ambos países.
En último término, se pretende promover la poesía y a los nuevos autores, generando un espacio de intercambio entre los intelectuales italianos y españoles. Aspira esta propuesta a convertirse en una cita anual.
¿QUIÉN OCUPA SU DIRECCIÓN ARTÍSTICA?
Davide Rondoni, poeta e intelectual italiano y un auténtico entusiasta de esta iniciativa. Afirma: “Cada cita de poesía es una sorpresa, una fiesta de visiones. Que la poesía italiana y la española se encuentren duplica la sorpresa y la fiesta. En el nombre de san Francisco y de Lorca, de las dos grandes tradiciones y de un presente muy vivo”.
¿CON QUÉ DOS CONMEMORACIONES COINCIDE EL FESTIVAL?
Se articula en torno a dos efemérides: los ocho siglos transcurridos desde el nacimiento de san Francisco de Asís, cuyos poemas, como es sabido, ensalzaban la naturaleza, y el centenario de la escritura del poema Caracola de Federico García Lorca, que de nuevo entrelaza lo natural y lo poético.
Esos nexos, entre poesía y medio ambiente, serán el hilo conductor de todo el festival.
¿EN QUÉ FECHAS Y DÓNDE SE CELEBRARÁ?
Del 8 al 12 de mayo de 2026, en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid.
¿QUÉ AUTORES PARTICIPARÁN?
Sauro Albisani, Giulio Di Dio, Ángel Antonio Herrera, Víctor Herrero, Stefano Lanzi, Vanesa Pérez Sauquillo, Miguel Ángel Feria, Eva Laudace, Pablo Luque Pinilla, Rossella Pretto, Carmen Giussani, Valentina Colonna, Miguel Rodríguez Monteavaro, Rione Junno, Davide Rondoni, Raquel Lanseros, Alexis Pimienta, Ambrogio Sparagna y Mario Vitale.
Podremos asistir a lecturas, conversaciones, fusiones de música y poesía y a la proyección del documental Vida de un hombre – Giuseppe Ungaretti.
¿QUÉ PUEDO HACER PARA ASISTIR?
Para cada evento es necesaria la reserva escribiendo a [email protected] e indicando nombre, apellidos y teléfono de todas las personas para las que se solicita la asistencia, especificando en el asunto la fecha y la hora.
Todas las actividades son gratuitas.
PARA MÁS INFORMACIÓN:
https://iicmadrid.esteri.it/
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1. RECREACIÓN DE UN ASESINATO
Comenzamos nuestras propuestas para este mes de mayo con el estreno en cines de Recreación de un asesinato, el nuevo trabajo de Jim Sheridan (siete veces nominado al Oscar) junto a David Merriman. La película plantea un juicio ficticio en torno al asesinato de la productora francesa Sophie Toscan du Plantier, cuestionando los hechos y reabriendo el debate sobre la culpabilidad de Ian Bailey. Con un tono sobrio e inquietante, el film explora la fragilidad de la verdad y la construcción del relato judicial, situando al espectador en un terreno de duda constante.
2. CAROT EN SANTANDER
Nuestra siguiente parada nos lleva hasta Santander para detenernos en CAROT, una tienda fundada en 1980 que supo adelantarse a su tiempo apostando por el diseño nacional en un momento de especial efervescencia creativa, con firmas como Antonio Miró o Sybila. Hoy, bajo la dirección de Laura, hija de los fundadores, el proyecto mantiene esa mirada atenta y personal sobre la moda, sumando nuevas propuestas sin perder su esencia. Convertida en un referente del comercio multimarca en la ciudad, CAROT sigue fiel a una filosofía basada en la selección cuidada y el valor de la pieza especial, lejos de la lógica de la producción masiva.
carot.es
3. LOS NAVEGANTES
Nuestra lectura recomendada, en esta ocasión, es Los navegantes, de la escritora noruega Erika Fatland (Haugesund, 1983), autora de títulos como Sovietistán, La frontera o Himalaya, y una de las voces más destacadas de la literatura de viajes contemporánea. Publicado por Tusquets Editores, el libro sigue las rutas abiertas por el infante Enrique el Navegante y exploradores como Vasco de Gama o Magallanes, en la construcción del primer imperio global. Fatland traza un recorrido que parte del Golfo de Vizcaya y atraviesa lugares como Ceuta, Cabo Verde, India, Macao, Brasil o Japón, hasta regresar a Portugal. Entre la crónica histórica y el ensayo de viajes, reflexiona sobre la huella ambivalente del colonialismo y sus ecos en el presente.
www.planetadelibros.com
4. BARBITANIA
Del 14 al 17 de mayo, Barbastro acoge la quinta edición del Festival Barbitania, una cita que convierte la ciudad en un punto de encuentro en torno a la literatura y reivindica la palabra como espacio compartido, en diálogo constante entre creación y pensamiento. El festival combina certamen literario y programación cultural con una mirada abierta y participativa, reuniendo a algunas de las voces más relevantes del panorama actual. No faltarán conversatorios, presentaciones, talleres, firmas de libros ni la grabación en directo de un episodio del podcast literario Qué estás leyendo, conducido por Berna González Harbour. Podéis consultar el programa completo en la web del festival.
www.festivalbarbitania.com
5. MITOYO CONCEPT STORE
Nos adentramos ahora en un espacio que funciona como un pequeño universo de diseño, objetos y piezas singulares, donde la cultura asiática impregna cada detalle. MITOYO Concept Store se presenta como la prolongación natural de MITOYO Center, organización dedicada a la enseñanza de idiomas asiáticos y a la difusión de la cultura japonesa. En su interior conviven cuadernos, papeles especiales para origami, llaveros o cuencos, junto a una cuidada selección de piezas que evocan la estética y la sensibilidad nipona. Lo encontraréis en el número 8 de la madrileña calle San Mateo.
www.mitoyoconcept.com
6. SUTEKA
Nos encanta la propuesta de SuTEKA y sus “tattoo” para transformar casi cualquier elemento de la casa. Si siempre has querido personalizar tu vajilla o cristalería, o dar un nuevo aire a los azulejos del baño o la cocina, aquí encontrarás una forma sencilla de hacerlo tú mismo. Letras, motivos florales, frutales, marinos o escenas veraniegas: las opciones son múltiples y accesibles. Además, desde su web explican paso a paso, con tutoriales, cómo intervenir cada superficie. ¿Os animáis al cambio?
suteka.com
7. COBARDES Y GALLINAS
Esta propuesta reivindica lo esencial desde el origen: Cobardes y Gallinas es un proyecto centrado en la producción de huevos camperos de gallinas criadas en libertad, alimentadas con cereales, semillas y productos naturales según la estación. El resultado son huevos extra frescos que llegan directamente de la granja al consumidor, con todo su sabor y textura intactos. Además de su suscripción al club, la marca ofrece packs regalo que pueden incluir huevos o preparados especiales para tortilla de patata, junto a productos como el aceite de oliva virgen extra La Sombra del Grillo o el Vermut Gallo Pérez. Los pedidos pueden realizarse online, así como en su tienda de Las Rozas de Madrid y en una selección de establecimientos gourmet.
www.cobardesygallinas.com
8. MAITREYA CORSO
Acaba de ver la luz MAITREYA CORSO, el nuevo álbum de Maya Hawke, una propuesta que destaca por sus momentos de gran delicadeza lírica y que se convierte en una banda sonora perfecta para acompañar la jornada de trabajo. Para quienes echan de menos a la peculiar Robin Buckley —su personaje en Stranger Things—, este disco ofrece además una nueva forma de seguir la sensibilidad creativa de Hawke más allá de la pantalla. Concebido como el relato de un personaje ficticio, el álbum profundiza en temas como el deseo, la identidad y la tensión entre éxito y vulnerabilidad. Se presenta en distintos formatos físicos —del vinilo a ediciones especiales— que refuerzan su carácter casi narrativo y coleccionable
www.mayahawkemusic.com
9. CASA DECOR
No podemos dejar de recomendaros una visita a Casa Decor 2026, que este año se celebra en la Casa Palacio del Marqués de los Vélez, un edificio histórico de gran valor arquitectónico situado en el Barrio de las Letras, que tras la muestra será reconvertido en hotel. La edición reúne decenas de espacios firmados por interioristas, estudios y marcas que reinterpretan el habitar actual y entre las propuestas que más nos han interesado destacamos el Listening Bar de AITEX, una experiencia sensorial en torno al sonido y los materiales; el Espacio Legado Artesano de Castilla-La Mancha, que reivindica la tradición desde una mirada contemporánea; el proyecto de Geberit diseñado por Zooco, que revela la arquitectura que sucede detrás de las paredes; o la terraza de Nuet Ceramics, diseñada por Mayice, con celosías de gres extruido en distintas formas y grabados.
casadecor.es
10. TALLER CON PABLO LITTLE
Cerramos con una propuesta para quienes disfrutan del hacer con las manos y la creación pausada: el taller Hacer un jarrón, llenarlo de flores con el ceramista Pablo Little, que tendrá lugar en el Museo Picasso Málaga los días 7 y 9 de mayo. Una actividad en la que los participantes recorren todo el proceso de la cerámica contemporánea, desde la idea inicial hasta la pieza final, en diálogo con la obra de Picasso. Un taller que invita a experimentar con técnicas tradicionales y contemporáneas para dar forma a un objeto propio y que convierte la cerámica en una forma de pensamiento material.
www.museopicassomalaga.org
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La polifacética Fanny Harlfinger-Zakucka (1873-1954), defensora radical de la igualdad de derechos para las mujeres a principios del siglo XX, fundó hace un siglo la Asociación de Mujeres Artistas Vienesas. Para conmemorar ese aniversario, la Landesgalerie Niederösterreich de Krems (Austria) dedica una exposición a esta figura casi olvidada.
Como pintora, artista gráfica, ilustradora y artesana, dejó un legado creativo sumamente diverso. Nacida en Mank, se trasladó a Viena para estudiar arte y, ya en 1903, creó grabados en madera de estética extraordinariamente vanguardista y se abrió camino en el diseño de muebles, en el que supo combinar funcionalismo y sentido lúdico.
Participó en las legendarias exposiciones del avanzado Grupo Klimt y se sumó a las del Nuevo Grupo de Arte fundado por Egon Schiele. Siempre innovadora, ideó ilustraciones para influyentes revistas de arte como Ver Sacrum, Der liebe Augustin y Die Fläche. También colaboró con la Wiener Werkstätte y sus obras se exhibieron en muestras especiales en Viena, así como en el Salón de París.
En 1926, bajo el liderazgo de Harlfinger-Zakucka, un grupo de mujeres artistas se separó de la tradicional Asociación Austriaca de Mujeres Artistas (VBKÖ) y fundó Wiener Frauenkunst, un colectivo considerado progresista y de tendencia liberal de izquierda.
Las ceramistas más expresionistas, las pintoras más radicales o las escultoras y arquitectas más innovadoras buscaron bajo su paraguas desafiar los estereotipos predominantes sobre el arte femenino y establecieron estándares novedosos en el diseño de exposiciones. No sólo desarrollaron nuevos conceptos espaciales, sino que también introdujeron formatos temáticos de exhibiciones hasta entonces desconocidos y catálogos con textos teóricos.
En 1930, paralelamente al Congreso Internacional de Mujeres, la Asociación de Mujeres Artistas de Viena organizó la muestra “Wie sieht die Frau”, interviniendo así activamente en el debate sobre la creatividad femenina que se venía desarrollando desde principios de siglo. Tan solo un año después, la asociación participó en la exposición “Die schaffende Österreicherin” en la Secesión, donde estas autoras estuvieron representadas no sólo por sus obras, sino también por sus retratos fotográficos. De esta manera, fueron especialmente visibilizadas.
VIENNA MODERNISM. FEMININE. RESISTANT. Landesgalerie Niederösterreich
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El profesor titular de la Universidad de La Frontera, y gestor del mayor doctorado en comunicación que funciona en la educación superior del país, critica la ausencia de articulación y…
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Contó con un éxito bastante importante en vida, también internacional -su trabajo forma parte de las colecciones del MoMA-, y el Palacio de Cristal le dedicó en 1982 una muestra, planteada como retrospectiva, bien recordada, pero en sus últimos años y en los posteriores a su muerte en 2011 Aurèlia Muñoz quedó parcialmente relegada, sobre todo para las nuevas generaciones. En la difusión de su producción recientemente ha desempeñado un papel muy relevante la galería José de la Mano, que, en palabras de la hija de la artista, Silvia Ventosa, la ha vuelto a poner en el mapa y ha trabajado para que pudieran exponerse al público obras de colecciones privadas, procurando además que algunas de ellas llegaran a fondos institucionales.
Los esfuerzos han dado frutos: en 2024 el Centro Grau-Garriga presentó una selección de sus trabajos, planteando lecturas alternativas de los mismos en relación con la crisis ecológica o el resurgimiento postdigital de la artesanía, y el Museo Reina Sofía acoge ahora, antes de su paso por el MACBA barcelonés, la antología “Entes”, que han comisariado Manuel Cirauqui y Rosa Lleó, con la colaboración de Ventosa.
Coincide en fechas con el centenario de su nacimiento y ha implicado varios desafíos: la artista entendió que tanto sus procesos creativos como las obras en sí eran vías para generar conocimiento, y que también podían constituirlas sus montajes, que demandan soluciones museográficas diferentes a las piezas de los géneros al uso. Implican una dimensión creativa y han posibilitado el estudio de sus creaciones hasta el último momento.
Aurèlia Muñoz con su obra Macra I, 1969
Muñoz se consideraba escultora, pero a la luz de esta muestra podemos apreciarla como una artista total que no estableció fronteras ni jerarquías entre disciplinas, aunque estudiase todas las técnicas con respeto. Su vocación por valerse de materiales y métodos conocidos o ancestrales y crear con ellos arte contemporáneo motivó que fuese cuestionada en su época, al igual que su trabajo coral con otros artistas y creativos. También con colaboradores, sobre todo colaboradoras, como Josefina Salazar, habituales y esenciales en el manejo de sus materiales, que oscilan entre lo más ligero y lo más pesado, lo opaco y lo transparente.
Son muy dispares y ricas, y las recoge en parte el catálogo de la exposición, las lecturas desde las que puede analizarse su obra (técnicas, filosóficas, ingenieriles, medioambientales), pero en todo caso gana en potencia a todos esos enfoques el entendimiento fundamental de sus creaciones tridimensionales como piezas vivas que se transforman al ser montadas y, a su vez, modifican el espacio en torno a ellas; en expresión de Ventosa, salen de la caja como un bacalao (planas) y hay que espabilarlas. Una vez resucitadas, devienen entes, personajes, macras, tótems o pájaros-cometa; en el fondo, todas ellas, abstracciones del mundo.
La exposición, cuya articulación conjuga la ordenación cronológica y la afinidad formal y estética entre las piezas, arranca con fotografías que documentan sus procesos y sus maquetas -Muñoz colaboró con fotógrafos importantes, entre ellos Català-Roca-, para mostrar enseguida sus bordados y estampaciones primeras.
Autodidacta en inicio, la barcelonesa decidió dedicarse al arte tardíamente, más allá de su treintena, pero lo hizo con todas las consecuencias. Empezó estudiando el bordado, el popular y el histórico, y la articulación compositiva de las piezas de Miró, Magritte o Klee, e hizo confluir esas referencias en dibujos, collages, pinturas, ensamblajes y telas estampadas poderosas, sobre todo en tapices murales que, a diferencia de los tradicionales, cuentan con una dimensión escultórica y están ejecutados, a veces, con materiales bien distintos a la lana: del lino a la crin. Sus puntadas son pinceladas, pero los seres que apreciamos en estos trabajos, como los que después veremos en su serie de Entes, no tienen ni género ni especie definidos: un ejemplo evidente es su homenaje a El Bosco. Motivos similares aparecen en sus dibujos, un medio que siempre cultivó y para el que se supo muy dotada.
Aurèlia Muñoz. Homenaje a Jerónimo Bosco, 1971. Collection Provinciehuis Noord-Brabant, ‘s-Hertogenbosch. Fotografía: Fátima Sanz
El macramé llegaría a fines de los sesenta, y le permitió explorar volúmenes y modificar entornos por el camino de los nudos. Con sus esculturas anudadas abandonó la pared en favor de la suspensión, y lo hizo sin dejar a un lado la monumentalidad, fuera en sisal, yute o algodón. Entre ellas se encuentran sus Entes, esos seres colectivos y ambiguos que dan título a la muestra -Muñoz valoraba en pie de igualdad el mundo animado y el inanimado- o sus Ondulaciones, que evocan las olas del mar. El Reina Sofía nos da la ocasión de comprobar cómo todas estas piezas son fruto de una preparación minuciosa: dibujos, patrones, maquetas, a veces ideadas junto a arquitectos o ingenieros.
Aurèlia Muñoz. Entes. Museo Reina Sofía. Fotografía: Fátima Sanz
Aurèlia Muñoz. Àguila Beix, 1977. The Museum of Modern Art, New York. Committee on Architecture and Design Funds, 2018. Fotografía: Fátima Sanz
Por primera vez en una exhibición puede verse su extraordinaria Palmera y también serán inéditos para el público sus materiales de archivo, entre ellos las delicadas maquetas de los Pájaros-cometa, que se han reconstruido en el MACBA tras una investigación minuciosa en documentación original. Muñoz concedió mucha importancia a la plasmación de sus procesos.
Esa serie, desplegada en una sala en la que son protagonistas, se concibió con lona utilizada en la fabricación de barcos y para su exhibición al aire libre, aunque hoy primen razones de conservación para que no sea así. En todo caso, reemplazar sus materiales no supondría transformar sus ideas: estas piezas pueden replicarse adoptando otros velajes y medios de sujeción: hilos de lino o seda, pesas de plomo, ballenas de aluminio. Probó la catalana sus opciones de flexionar el espacio al tiempo que evocaba la común afición de realizar pajaritas en la infancia o los experimentos de Da Vinci, a quien homenajea en un dibujo.
Aurèlia Muñoz. Pájaro-cometa B1, 1981-1982. Colección de Arte Textil y Tapiz Contemporáneo, Ayuntamiento de Sant Cugat, Barcelona. Fotografía: Fátima Sanz
En su senda hacia la ligereza llegarían sus creaciones con papel hecho a mano, valiéndose de fibras de lino y algodón desintegradas en el agua. Muchas veces adoptó en ellas la forma de los libros, que le interesaron como objetos en sí mismos y como vía de transmisión de conocimiento. Al hacerlos aéreos, tuvieron algo de pájaros; otras veces trazó en ellos signos de escritura con resultados abstractos o les dotó de las huellas del sistema de registro precolombino del quipu.
Y uno de los capítulos más atractivos de la exposición se dedica al mar -Aurèlia fue una gran buceadora, además de, recordemos, amante vital de la naturaleza-. Ideó, en los ochenta y los noventa, entes marinos con ese papel fabricado a mano: imaginó que el trabajo podía abordarse como técnica del agua, dando espacio a baños, tintes y coladas. Frente al resto de su legado, los formatos de estas composiciones, a veces algas o anémonas, son reducidos -incluso pueden parecer fragmentos- y sus tonos no pueden ser más seductores.
Nuevamente son piezas vivas, tan diversas al resto en cuanto a texturas y escalas como los integrantes de cualquier ecosistema.
Aurèlia Muñoz. Jeroglífic, 1988. Colección Mariano Yera. Fotografía: Fátima Sanz
Aurèlia Muñoz. Elementos para obras en papel, 1986
“Aurèlia Muñoz. Entes”
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA. MNCARS
c/ Santa Isabel, 52
Madrid
Del 29 de abril al 7 de septiembre de 2026
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