El elefante en la habitación de los debates relativos a la creación, incluso los más tangenciales, y seguramente el padre de casi todos los demás es la cuestión de la definición de la calidad en el arte, si podemos pensar que los criterios para establecerla existen realmente y si estos se mantendrían a lo largo del tiempo. Es un asunto tan espinoso y líquido, tan difícil de acotar, que pese a ser una duda común y popular parecen necesarios argumentos para abordarla: así comienza el libro que Alejandro Vergara, jefe del Área de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte en el Museo del Prado, le dedicó hace un par de años en la editorial Tres Hermanas, esbozando razones para tratar de aclarar qué queremos decir cuando afirmamos que una obra de arte es o no es buena, más allá de que responde a nuestro gusto (porque la enunciación simple de que una composición nos gusta la hacemos bastante menos).
Si no expresamos nuestra admiración personal hacia una pieza desde un punto de vista subjetivo, sino que aseguramos su calidad, estaremos comunicando algo más: que existen en ella una serie de rasgos o valores que, al margen de nuestras afinidades particulares, la convierten en digna de reconocimiento. Dar con esos valores no es una labor fácil, y quizá por ello no existan demasiados ensayos sobre la calidad per se -sí sobre otros conceptos que podemos entender relacionados, como la belleza y el gusto, con los que la noción de calidad se fundía hasta época reciente-; y sugiere Vergara algunas causas posibles de esa falta de estudios: en torno a la calidad misma, lo que esta implica y sobre todo en relación con las personas a priori más preparadas para atisbarla se manejan aún prejuicios. En todo caso, las muchas dificultades para profundizar en lo que una buena obra es no han de ser razón de que ese desafío no sea aceptado, porque resignarnos a no manejar una noción válida y común de calidad significa, para este experto en la figura de Rubens, renunciar a entender a fondo por qué el arte respondía a determinadas características en función de su tiempo; de hecho, por qué el arte mismo evoluciona. Caeríamos en una contemplación pasiva y sin discernimiento; en sus palabras, fijarnos en el concepto de calidad nos permite darnos cuenta de que el arte es un proyecto ambicioso, que requiere un esfuerzo y que se realiza desde un oficio.
¿Qué es la calidad en el arte? se estructura en dos partes: una primera en la que se reflexiona de un modo divagatorio, pero muy rico, sobre ese concepto de calidad, sobre aquello que tienen en común las obras en las que lo hemos reconocido -con el ánimo de aproximarnos a definiciones posibles, pero sin la exigencia de establecer una válida contra viento y marea- y en torno a aquellas personas cuyos criterios consideramos fiables a efectos de saberla apreciar; y una segunda en la que Vergara explica qué se entendía por tal calidad en el periodo que por su propia trayectoria conoce más ampliamente: el transcurrido entre los siglos XV y XVIII.
Planteadas desde desarrollos y lenguajes aptos tanto para el lector conocedor como para el profano, sus reflexiones vienen a formular de modo didáctico ideas que en algún caso podrían resultarnos básicas, pero que no es nada fácil encontrar negro sobre blanco, como las de que quienes lograron llevar a cabo obras fundamentales y valiosas lo hicieron desde la intención de alcanzar ese propósito, desde una cierta ambición, que en el conjunto de factores que harán posible dicha calidad podría sumarse a otros como la formación y el talento; que probablemente para refrendar esa calidad se requerirá diferenciar las virtudes de una composición (objetivas) de las impresiones que esas virtudes nos causan (variables según el espectador); que la concesión de esa categoría a una obra apareja consecuencias económicas, de ahí que haya sido objeto de intereses y manipulaciones; y que, en el terreno del arte como en todos, si uno quiere aprender conviene escuchar a quienes saben (que serán probablemente quienes lo hayan estudiado durante más tiempo). No está de más recalcar que si hoy ponemos nuestra atención en unos objetos y no en otros se debe a que ciertas personas -expertos- los consideraron previamente relevantes. Mientras Vergara ahonda, y nos hace pensar, en todo aquello que subyace tras nuestra afirmación de que una obra es buena, incorpora citas filosóficas, literarias o tomadas, precisamente, de otros expertos, de Cervantes a Adorno, que enriquecen mucho la lectura.
Frente a ese primer apartado del libro, el segundo supone un espacio más plácido de certezas, al ahondar en aquellas cualidades que en la época comprendida entre 1400 y 1800, a la que él se refiere como Largo Neoclasicismo, explicaban que una obra tuviera calidad: los rasgos anhelados y arduamente perseguidos de trasladar lo real de forma verosímil, pero también idealizada, que pasaban por la consecución de volúmenes y espacios, en ocasiones a través de gradaciones adecuadas del color. Esos parámetros, en definitiva el buen hacer técnico, se sitúan en la base de las buenas obras; en las que son proezas quizá habrá algo más, como señala el autor en el epílogo: la interioridad del artista proyectándose en las formas.
TÍTULO: ¿Qué es la calidad en el arte?
AUTOR: Alejandro Vergara Sharp
EDITORIAL: Tres Hermanas
IDIOMA: Castellano
PÁGINAS: 112 pp
PRECIO: 22,50 euros
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ARTESANTANDER, la feria más longeva en España después de ARCOmadrid, celebrará su 33ª edición el próximo verano, del 11 al 15 de julio, en el Palacio de Exposiciones y Congresos de esta ciudad. Contará con la participación de más de cuarenta galerías nacionales e internacionales y será una vez más dirigida por la comisaria y productora cultural Mónica Álvarez Careaga, responsable de esta cita desde el año pasado.
Exhibirá nuevamente trabajos de artistas españoles consolidados, creaciones de autores internacionales actuales, de creadores en crecimiento y proyectos artísticos emergentes: esta feria busca posicionarse como una plataforma de encuentro dinámica y diversa para quienes forman parte del ecosistema del arte.
El comité asesor encargado de seleccionar esas cuarenta salas participantes estará compuesto esta vez por Joaquín García Martín, comisario, historiador del arte y escritor sobre estudios culturales radicado en Madrid, y Jan-Philipp Fruehsorge, profesor, crítico de arte y comisario berlinés, quien ya formó parte de ese comité en 2024. Evaluarán las solicitudes atendiendo a su calidad curatorial, el riesgo de sus propuestas artísticas y su proyección internacional; las escogidas las conoceremos en mayo.
La convocatoria para la participación de galerías está abierta hasta el próximo 30 de marzo; como el año pasado, no se establece un número máximo de artistas a exponer en los stands, pudiendo optar por muestras individuales, si lo desean, o bien por colectivas.
ARTESANTANDER 2025 volverá a contar, asimismo, con una sección editorial destinada a dar a conocer el trabajo de las editoriales y librerías enfocadas a la creación y divulgación del arte contemporáneo. Se ha abierto una convocatoria de participación para ese apartado, ofreciendo la posibilidad a las editoriales y librerías interesadas de sumarse a la programación paralela con presentaciones de novedades o conversatorios. Pueden concurrir hasta el 30 de abril.
Con el fin de fomentar el interés por el arte contemporáneo a nuevas audiencias, la feria será un año más de entrada libre, con el apoyo del Gobierno de Cantabria y el Ayuntamiento de Santander. Creada en 1992 por el crítico Mario Antolín, en un espacio efímero en el centro de la capital cántabra, desde 2002 tiene lugar en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander, orientándose desde entonces hacia el arte contemporáneo.
El galerista Juan González de Riancho dirigió ARTESANTANDER durante veinte años, cosechando reconocimiento para una muestra que ha evolucionado al compás de las transformaciones del mercado del arte, mientras introducía en ella un enfoque curatorial. Tras dejar la dirección, la organización de la feria convocó un concurso público de proyectos y el de Mónica Álvarez Careaga fue el escogido para el periodo correspondiente a 2024-2026.
Uno de los stands de la última edición de ARTESANTANDER. Fotografía: Santi Ortiz
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Para abordar estas cuestiones, se han entrevistado a tres voces expertas en la materia, quienes aportan su visión sobre los factores que influyen en la crisis de la masculinidad, el impacto de la socialización masculina y las estrategias que se están implementando para fomentar modelos más inclusivos.
Hemos hablado con María Martínez, redactora de igualdad y violencias machistas en Público; Jesús Moreno, psicólogo social experto en masculinidades y responsable del área de Participación de la Fundación Iniciativa Social; y Fernando Herranz, doctor en Estudios de Género por la Universidad de Alicante y el Instituto Universitario de Investigación en Estu y miembro del Observatorio de las Masculinidades de la Universidad Miguel Hernández.
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