INSTITUTO CÁDER DE ARTE CENTROAMERICANO. ICAC

by alguien | Mar 1, 2025 | Cultural | 0 comments

¿QUÉ ES EL INSTITUTO CÁDER DE ARTE CENTROAMERICANO?
Un nuevo instituto dedicado a la investigación y difusión del arte centroamericano que hoy ha presentado el Museo Reina Sofía. Se enmarca en el deseo del MNCARS y de su Fundación, tanto de la filial española como de su homónima estadounidense, de ofrecer un programa de arte y cultura contemporánea ligado a su línea desarrollada en los últimos años de investigación y adquisiciones en torno a la creación latinoamericana. Quiere constituirse en nodo de pensamiento crítico, investigación y difusión de la riqueza cultural de Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Honduras, Nicaragua y Panamá.
 
¿QUIÉN LO IMPULSA?
Mario Cáder-Frech, gestor cultural, coleccionista de arte y patrono de la Fundación del Reina Sofía, a través de la cual ha donado medio centenar de obras; dada su implicación con el proyecto, éste toma su nombre. Estará alojado en la Dirección de Estudios del Museo.
 
¿QUÉ OBJETIVOS TIENE?
Promover la investigación y difusión del arte centroamericano, así como de sus diásporas. Dentro del Museo, ayudará a profundizar en el conocimiento y desarrollo de las prácticas artísticas de esa región en los distintos programas de estudio, así como en los fondos de las Colecciones y de la Biblioteca; y en su proyección exterior, valiéndose de los recursos institucionales del centro, será un referente en el estudio sobre las prácticas, escenas e historia del arte de Centroamérica.
En resumen, el Instituto nace para ser un instrumento que permita dotar al Museo Reina Sofía de un espacio propio para el trabajo realizado a lo largo del tiempo en y sobre la región, así como para conectarlo con redes y alianzas internacionales.
En concreto, el Instituto generará investigaciones sobre las obras y artistas centroamericanos o de su diáspora incluidos en las Colecciones del Museo Reina Sofía; propondrá la adquisición de obras, con la ayuda de la Fundación Museo Reina Sofía; activará la colección de arte de la zona con programas públicos y seminarios de trabajo interno; promoverá la escritura crítica, historiográfica y ensayística sobre los artistas centroamericanos en la colección y sobre la región; y adquirirá recursos bibliográficos y hemerográficos especializados que se pondrán a disposición del público como acervo bibliotecario del Reina Sofía.
 
¿EN QUÉ CONSISTIRÁN SUS LÍNEAS DE TRABAJO?
Su programa principal consistirá en la invitación a un/a investigador/a de origen centroamericano para que sea residente anual del Instituto, siendo seleccionado de manera conjunta entre el Museo Reina Sofía y Mario Cáder-Frech. Su estancia, de nueve meses de duración, tendrá como fines el desarrollo de una investigación propia que ahonde en las cuestiones que definen y atraviesan las escenas e historias del arte en Centroamérica, contando con el seguimiento y acompañamiento del Museo; el intercambio activo con los equipos de las Colecciones del Museo; y el trabajo con los equipos de la Biblioteca, con el propósito de incrementar los fondos bibliográficos y de documentación sobre el arte de Centroamérica.
Asimismo, el ICAC apoyará la formación para estudiantes de origen centroamericano a través de una beca de estudios para cursar el máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual impartido por la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad Autónoma de Madrid, en colaboración con el Museo Reina Sofía. La beca cubre la matrícula en el máster, así como una bolsa de viaje y manutención.
 
¿QUIÉN SERÁ EL PRIMER INVESTIGADOR RESIDENTE?
El comisario, artista y profesor salvadoreño Patricio Majano.
 
¿DE QUÉ MODO SE ESTRUCTURA SU ORGANIZACIÓN Y PRESUPUESTO?
El Instituto Cáder de Arte Centroamericano contará con un Comité Asesor formado por profesionales que trabajarán desde y por la región: será un grupo de trabajo relativo a las urgencias y temáticas que surgen del territorio, donde compartir ideas, recursos y proyectos estratégicos. Promoverá la colaboración horizontal entre profesionales e instituciones de todo el mundo y de Centroamérica.
Asimismo, el Instituto será regido por el Consejo ICAC, conformado por mecenas internacionales comprometidos con la misión del ICAC, para garantizar la sostenibilidad y viabilidad del programa en el tiempo.
El presupuesto estimado del ICAC para este 2025 es de 88.000 euros, que incluyen tantos las becas de investigación y estudio y las actividades relacionadas como la adquisición de obras y fondos bibliográficos para las Colecciones del Museo y la Biblioteca.
 
PARA MÁS INFORMACIÓN:
www.museoreinasofia.es
 

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Moritz Feed Dog 2025: cinco días, veinte documentales de moda… y Twiggy

by alguien | Feb 28, 2025 | Cultural | 0 comments

El próximo 19 de marzo, y con los Mooby Bosque Cinemas de Barcelona como sede física de sus proyecciones (CaixaForum+ será su sede online, parcial y gratuita, del 2 al 16 de abril), comenzará la novena edición de Moritz Feed Dog, el festival encargado de estrechar lazos entre cine y moda. Olivier Nicklaus repite como su director artístico y el propósito de esta cita será examinar cómo miramos ese arte (esa industria), la de la moda, en 2025: parece que la contemplamos en lo que tiene de ocio, disfrute, goce estético, pero también en su dimensión política; en relación con las empresas de países muy industrializados que instalan sus fábricas en África, la de los cánones de belleza puestos en cuestión o la del duro trabajo diario en ciertas fábricas textiles asiáticas.
También habrá tiempo en el Moritz para revisar las trayectorias de diseñadores fundamentales, de Elsa Schiaparelli a Paco Rabanne pasando por John Galliano o Adolfo Domínguez, y de algunos rupturistas como Yuima Nakazato o Coperni; de recordar a fotógrafos fundamentales dentro y fuera del ámbito de la moda, como Paolo di Paolo, Douglas Kirkland o Lee Miller; o de recordar hasta qué punto ha cambiado, desde los ochenta hasta ahora, el trabajo de las modelos (con el clásico Model, de Frederick Wiseman). Hablando de ellas, abrirá esta muestra el retrato de Twiggy, considerada la primera gran modelo internacional, a cargo de Sadie Frost: la actriz y cineasta, y la hoy estrella del podcast Tea With Twiggy, llegarán a España como invitadas.
Además, Pilar Riaño presentará un documental sobre el pasado, presente y futuro de la moda española; Rick Minnich, otro en torno a la figura de Martin Greenfield, que perdió a su figura en Auschwitz antes de convertirse en sastre en Brooklyn y vestir a los presidentes estadounidenses; conoceremos mejor a Thierry Mugler y sus constantes reivenciones gracias a Aaron Thiesen; a Bob Mackie y las estrellas que vistió junto a Matthew Miele y a Liza Minelli en un documental festivo, efervescente e indómito como ella, realizado por Bruce David Klein.
Coréon Du. African Beauty. Angola, 2025
Sadie Frost. Twiggy. Reino Unido, 2024
En cuanto a las actividades paralelas, que tendrán lugar en la cercana Casa Capell de la capital catalana, también en la Rambla de Prat, se espera mucha expectación para escuchar a Caroline de Maigret, que acudirá a Barcelona el 22 de marzo para charlar sobre su carrera y sobre sus impresiones como embajadora de Chanel. Formará, además, parte del jurado, junto a la experta en efectos visuales Laura Pedro y la también modelo y diseñadora Laura Ponte. En ese mismo espacio podremos visitar una exposición del vestuario de Polvo serán (2024), una película musical dirigida por Carlos Marqués-Marcet con Pau Aulí a los ropajes, que también se proyectará en el marco del Moritz Feed Dog.
Habrá, asimismo, novedades: por primera vez en la casi una década de andadura de este evento, se podrá disfrutar de un pase de cine sobre moda dedicado a diseñadores formados en dos escuelas de la ciudad: IED Barcelona y LCI Barcelona. Cada año, el primer centro organiza un desfile, llamado Fashioners of the World, en el que los estudiantes de último curso de Diseño de Moda presentan su colección de graduación, que deben conceptualizar, asimismo, en un fashion film que entrelace narrativa, estética y visión comercial. Desde 2017, el mejor de ellos obtiene el premio IED Barcelona Isabel Coixet Best Fashion Film Award. En cuanto al LCI, los estudiantes del Grado de Moda capturan en una pieza audiovisual la esencia de sus proyectos de final de carrera, que se presentan también en un gran desfile, al igual que los alumnos del Máster de Estilismo. Muchos de estos proyectos terminan participando en festivales nacionales e internacionales, como ocurrirá esta vez: una selección de piezas de ambas escuelas podrá verse dentro de la programación del Moritz, en los Mooby Bosque.
La venta de entradas sencillas, abonos y acreditaciones ya está disponible en la página oficial del Festival.
Teresa Griffiths. Capturing Lee Miller. Reino Unido, 2020
 

 
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Laia Estruch: voz y público para revolucionar

by alguien | Feb 26, 2025 | Cultural | 0 comments

Tras culminar, el año pasado y de la mano de Olga de Soto, su iniciativa Fisuras, el Museo Reina Sofía ha anunciado su voluntad de apoyar, ya en el marco de su programación habitual, a artistas en su etapa de media carrera y también de dar mayor cabida en dicha programación a la performance: desde hoy podemos visitar en su cuarta planta, junto a la producción de Huguette Caland, la muestra “Hello Everyone” , que reúne todos los proyectos en los que ha trabajado desde 2011 Laia Estruch, una de las artistas vinculadas a esa disciplina en España más importantes de su generación, la de quienes rondan los cuarenta.
Con esta muestra quiere el MNCARS reivindicar, según Manuel Segade, la imaginación radical y el riesgo de una autora que ha trabajado en eso que suele llamarse expandir el campo epistemológico del arte, superando, en definitiva, las expectativas de lo que entendemos hoy por creación y tomando el pulso al presente de forma viva; también el rol de los comisarios independientes, como los dos miembros de Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa), que vienen abriendo su actividad a la experimentación: esta exhibición no nace de un encargo del Reina Sofía, sino de una propuesta de este equipo, responsable del diseño de esta exhibición como almacén transitable, conforme a una idea ya presente en algunos de sus trabajos anteriores, y de las cartelas muy explicativas, concebidas para que el público pueda entender las motivaciones de Estruch.
Como decíamos, “Hello Everyone” recoge todas las obras que ha desarrollado desde 2011 hasta la actualidad, a través de los materiales con las que las generó, y esa es la primera originalidad de esta presentación: hasta ahora lo habitual es que cada una de estas propuestas articulara una muestra propia, en museos y sobre todo en galerías. Se trata de casi una treintena de creaciones performativas y adaptadas a las dos salas del Reina Sofía en las que se estructura esta exposición: han sido reinventadas, modificadas, en algún caso recicladas, de nuevo en expresión de Segade, como cuerpos en interacción. Las cose en el recorrido del espectador una pieza sonora creada para la ocasión y representativa de las constantes indagaciones vocales de esta artista barcelonesa, representada en Madrid por la Galería Ehrhardt Flórez.
El germen de esta exhibición se encuentra en una mudanza de Estruch: cuando autora y comisarios vieron almacenados los materiales generados por estos trabajos, encontraron una forma de belleza en su reposo y en ese almacenaje e imaginaron qué ocurriría si esas piezas entonces durmientes se activaran de manera conjunta en un espacio, en un único ambiente donde se solaparan y dialogaran. Estruch, Cánepa y Andrews se conocieron precisamente en 2011, de la mano de Hello everyone, pieza en la que la catalana se presentaba a su público, y desde entonces han seguido de cerca sus desbordamientos entre voz, cuerpo y escultura y los lazos que viene estableciendo entre cuerpos físicos y cuerpos escultóricos.
Ha explicado Laia que, al contemplar el resultado de este montaje, en el que su gran Trena antes expuesta en el Museu Nacional d´Art de Catalunya ha devenido cortina que divide espacios y cuerpos de trabajo, y al ver cómo unas y otras piezas reverberan entre sí, ha cobrado mayor conciencia de que su labor es fundamentalmente performativa y que la objetual o escultórica se inserta o supedita a ella; también del cuerpo de la voz, el más performativo que afirma conocer, por su carácter efímero y su inmaterialidad más allá de los registros: en el Reina Sofía podremos escuchar todos sus desarrollos vocales para los distintos proyectos.
Laia Estruch. Hello everyone. Museo Reina Sofía
La trayectoria de Estruch hubiese sido otra de no haber acudido, en 2010 y mientras cursaba sus estudios universitarios, a la Cooper Unión de Nueva York para recibir las enseñanzas de Sharon Hayes (que escribe en el catálogo) sobre performance, arte sonoro y escultura; aprendió desde entonces que dicha performance, si no la practicas, no la puedes conocer; que si no hay público, no hay nada que revolucionar, pues el cuerpo del público también es performance; y que la documentación de la misma, sus registros, no son sin embargo (de nuevo) performance.
Espera la catalana de cada proyecto que genere colaboraciones y espacios para el aprendizaje, circuitos y dinámicas que propicien lugares para la investigación, un laboratorio escénico que suscite sonidos, voces y que sea, igualmente, partitura. Explica no interpretar ni reinterpretar, sino emprender búsquedas en las que no asegura nada y se la juega bastante; tampoco trata de desempeñar bien ninguna acción en concreto más allá de su investigación. Por la misma razón, sus expectativas respecto a esta exposición en el Reina Sofía residen en la incorporación a su práctica de nuevos gestos, otras líneas de investigación; de cara al espectador, este podrá descubrir hasta qué punto las nociones prácticas inciden en la realización de sus trabajos: los materiales han de ser fáciles y rápidos de montar, baratos de trasladar…; pero no determinan por ello el resultado final: mientras trabajaba como acomodadora en el Auditorio de Sant Cugat, percibió que sus esculturas podrían dar lugar a escenografías y generar determinados movimientos sin contar, necesariamente, con la participación de un coreógrafo. Y trabajando en espacios públicos o abiertos, tomó conciencia del cuerpo, de la gravedad, de sus líquidos, de su condición potencial de canal y de su manejo de la temperatura, la fuerza o la rigidez. En el fondo, la suya es una tarea de búsqueda de límites: para Estruch, en ellos está la acción.
Laia Estruch. Hello everyone. Museo Reina Sofía
Entre las piezas fundamentales de Estruch recogidas en el Reina Sofía destaca la citada Trena, originalmente expuesta en el MNAC, en la que por primera vez planteaba de manera explícita las posibilidades de interacción de su producción con el público: la que fue larga trenza con túneles neumáticos entrelazados, de interior resonante, que se nos invitaba a atravesar para percibirla como canal de aire, sonidos, fluidos y también personas y datos se ha transformado en la mencionada cortina retráctil, en puente, en toldos y en petates; estos últimos recogen el material residual de ese proceso. Residua también ha denominado a dos esculturas, tan metálicas como sinuosas, que evocan toboganes y que contienen -y no serán las únicas- números, letras y símbolos; la artista quiso habitarlas temporalmente para explorar cómo interactuarían con su voz y con los movimientos de su cuerpo; el título remite a una compilación de textos de Samuel Beckett. Y en un sentido semejante hemos de comprender las esculturas textiles que componen Kite: cometas con las que estudiar las relaciones entre las corrientes del viento y los flujos de aire que la voz humana articula.
Si ese trabajo tiene que ver con el aire, del agua surgen Crol, Sibina y Sirena. En el primer proyecto, se sumergió en las piscinas municipales de Montjüic -como espacio típicamente humano donde cuerpos diversos se cruzan y entrecruzan- para conocer el potencial expresivo de la voz en el medio acuático; de esa acción nos muestra hinchables y esculturas (secas) que imitan a las barandillas de las piscinas o deformadas barras de ballet en la pared. En cuanto a Sibina, se trata de tres esculturas de acero pintado semejantes a abrevaderos que se asocian a los sumideros y fuentes del Garraf (a la hidratación, las abluciones y las lágrimas), mientras que Sirena es una escultura semejante a una bañera industrial ideada para mantener viva o transportar a una de ellas.
Otro capítulo de sus trabajos explora de manera directa el movimiento: es el caso de Moat, plataforma-partitura-instrumento que le permitía moverse y explorar su voz en altura; Moat-1, estructura, esta vez modular, que se activa a partir de posturas y formas esculturales del cuerpo de la autora que inciden, a su vez, en la expansión de su voz; Moat-3, que lleva las formas rígidas de un parque infantil urbano a un cuerpo blando; o de Gavinet, escultura metálica con forma de dos cabezas que se inspira en los poemas-objeto de Joan Brossa y que cobijó performances, propiciando sus rampas entradas o salidas de escena. Se trata, en todos los casos, de testimonios de performances ahora durmientes, pero Estruch activará algunas de ellas en varias ocasiones mientras dure la muestra, hasta el próximo septiembre.
Laia Estruch. Hello everyone. Museo Reina Sofía
 
 
Laia Estruch. “Hello everyone”
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA. MNCARS
C/ Santa Isabel, 52
Madrid
Del 26 de febrero al 1 de septiembre de 2025
 
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