Apple TV+ ha dado luz verde a una nueva etapa para su gran saga de ciencia ficción: Fundación contará con temporada 4. El anuncio se ha realizado a las puertas del desenlace de la tercera entrega, una maniobra que despeja cualquier duda sobre su continuidad y que mantiene a la serie entre las prioridades del servicio.

La confirmación llega tras semanas de rumores y en medio de un arco argumental intenso en pantalla, con El Mulo sacudiendo los cimientos del Imperio y de las dos Fundaciones. El movimiento refuerza la apuesta de Apple por el género, pese a un curso marcado por cambios internos y un seguimiento que, sin ser discreto, ha tenido altibajos.

Qué ha comunicado Apple TV+

La plataforma ha oficializado la renovación y ha destacado el alcance internacional del título. Desde la jefatura de programación, Matt Cherniss subrayó que la serie no deja de crecer con cada tanda de episodios gracias a su narrativa ambiciosa y al trabajo conjunto de su equipo y elenco. El mensaje es claro: Apple confía en la marca Fundación y en su capacidad para seguir ampliando el universo televisivo que arrancó en 2021.

Relevo en el equipo creativo

La cuarta temporada llegará con cambio de timón. David S. Goyer, cocreador y showrunner, abandonó el puesto durante la producción de la T3 por diferencias presupuestarias. El testigo lo toman Ian Goldberg y David Kob como co-showrunners, quienes pilotarán la nueva etapa y firman también como productores ejecutivos junto a Bill Bost, Lee Pace, Michael Satrazemis, Robyn Asimov y el propio Goyer. La intención declarada es mantener la línea épica y emocional que ha definido la serie hasta ahora.

Calendario de rodaje y ventana de estreno

Con la sala de guionistas puesta en marcha, el plan que maneja la compañía es iniciar la producción a comienzos de 2026. Si no hay tropiezos, la ventana más probable para ver los nuevos episodios se situaría a finales de ese mismo año. Se trata de una obra de gran escala —con rodajes complejos y efectos de alto nivel—, por lo que los plazos dependerán de cómo avance la preproducción.

El punto en el que está la historia

La T3 ha escalado el conflicto con la irrupción de El Mulo, antagonista que amenaza la galaxia con ejército y control mental. Sin destripar el episodio final, el capítulo titulado “La oscuridad” sitúa a la Segunda Fundación y a Gaal Dornick frente a un choque decisivo mientras el legado de los Cleón sufre un revés importante.

En el reparto, Pilou Asbæk encarna al Mulo y se mantienen como caras principales Jared Harris, Lee Pace y Lou Llobell. A su alrededor orbitan nombres como Laura Birn, Cassian Bilton, Terrence Mann, Rowena King y, en esta etapa reciente, Cherry Jones, Alexander Siddig, Troy Kotsur, Brandon P. Bell, Synnøve Karlsen, Cody Fern y Tómas Lemarquis. Un elenco amplio para un tablero intergaláctico que no deja de moverse.

Recepción y encaje en la estrategia de Apple

La acogida crítica ha sido positiva, aunque más contenida en la tercera tanda: la T2 llegó a rozar el 100% en Rotten Tomatoes, mientras que la T3 se mueve en torno al 70% según cifras citadas por Variety. En cualquier caso, Apple mantiene la fe en un título que se ha convertido en su estándar de ciencia ficción de prestigio, al lado de otras apuestas del servicio.

Qué podemos esperar de la nueva temporada

Por ahora, no hay sinopsis oficial de la T4. Lo que sí han trasladado los nuevos responsables es su intención de proseguir con una narrativa de gran escala, centrada tanto en la construcción de mundos como en el desarrollo emocional de sus protagonistas. Con el relevo ya asentado y la sala de guionistas en marcha, la próxima temporada debería perfilar nuevas alianzas, fracturas y desafíos que den continuidad al arco abierto por El Mulo.

Con la renovación ya sobre la mesa, Fundación encara su cuarta temporada con equipo creativo renovado, calendario orientado a 2026 y una trama que ha subido un peldaño en ambición. La combinación de cambio de mando, momentum narrativo y respaldo de Apple sitúa a la serie en una posición sólida para seguir expandiendo el universo ideado a partir de Asimov.

El escritor italiano Stefano Benni ha fallecido en Bolonia a los 78 años tras una enfermedad que lo mantuvo alejado de la vida pública en los últimos tiempos. Considerado uno de los grandes satíricos de su país, dejó una obra torrencial que unió carcajada y pensamiento crítico, delirio imaginativo y mirada cívica.

Su literatura, reconocible por una mezcla única de humor, fábula y sátira social, conquistó a generaciones de lectores y se tradujo a numerosos idiomas. La noticia de su muerte ha provocado un reguero de despedidas y relecturas, con un gesto compartido: recordarlo a través de sus páginas, como él mismo habría querido.

Una despedida en su ciudad

Benni murió en su ciudad natal, Bolonia, donde transcurrió buena parte de su vida y de su trayectoria pública. Llevaba años retirado a causa de una dolencia que llegó a dificultarle el habla, sin apagarse por ello el ingenio que lo hizo célebre.

Fue su familia quien hizo llegar el mensaje más fiel a su espíritu: en lugar de homenajes solemnes, propuso leer sus historias en voz alta y compartirlas con amigos y seres queridos, un ritual que el propio autor practicaba con músicos y actores.

Su editorial y numerosos referentes culturales italianos resaltaron su papel como pluma libre y heterodoxa, capaz de desmontar la retórica con ironía y ternura. En Bolonia y otras ciudades se suceden lecturas públicas y encuentros en su memoria.

Hace apenas unos meses, una maratón de lecturas de Stranalandia volvió a poner en primer plano sus criaturas fantásticas, prueba de que su universo sigue latiendo en la imaginación colectiva.

Del Bar Sport a un universo propio

El debut en librerías llegó en 1976 con Bar Sport, una radiografía cómica del bar de provincia convertido en microcosmos nacional. Aquel volumen instauró expresiones y escenas que hoy forman parte del habla cotidiana, como la mítica “Luisona” del escaparate, y abrió a Benni las puertas de un público masivo.

Desde entonces, el autor levantó un mapa literario personalísimo: Terra! (1983) imaginó un apocalipsis de ciencia ficción tan disparatado como premonitorio; Stranalandia (1984) pobló una isla de animales imposibles; Comici spaventati guerrieri (1986) hibridó novela de barrio, aventura y sátira; La compagnia dei Celestini (1992) retrató a niños rebeldes en un país paródico.

En paralelo, el café sumergido de Il bar sotto il mare (1987) se transformó en teatro coral de relatos, mientras Elianto (1996) afianzaba su marca de fantasía crítica y compasión por los perdedores. La etiqueta “benniano” no tardó en asociarse a neologismos, travesuras lingüísticas y una imaginación sin bridas.

Sus libros sumaron millones de lectores y traducciones a más de treinta idiomas, y varias obras dieron el salto a otros formatos: en 2011, Massimo Martelli llevó al cine Bar Sport, con Claudio Bisio en el reparto.

Humor, lenguaje y compromiso

Benni sostuvo siempre que la risa no es evasión: bajo el disparate, latía una ética de la mirada y una crítica a las hipocresías públicas y privadas. Su escritura, tragicómica y lúdica, alternaba golpes del absurdo con destellos melancólicos y ternura humana.

Entre sus afinidades literarias mencionaba a T. S. Eliot y Edgar Allan Poe, y admiraba el genio anticipador de Samuel Beckett y Stanley Kubrick. Ese cruce de tradición y vanguardia nutrió un estilo capaz de ser popular sin renunciar a la ambición artística.

Benni disfrutó como pocos del juego del idioma: parodias, retruécanos, palabras inventadas y ritmos de jazz fueron su caja de herramientas para ampliar lo decible y desmontar solemnidades.

En entrevistas solía repetir que el sentido del humor le había salvado más de una vez. En sus páginas, la ironía se vuelve mecanismo de resistencia ante el dogma y el desánimo, y una invitación constante a no dejar de imaginar.

Periodismo, escenario y pantalla

Antes de la narrativa, Benni se fogueó en la prensa y las revistas satíricas. Escribió en Il Manifesto, L’Espresso, Panorama o La Repubblica, y colaboró con cabeceras de cultura popular como Linus y Il Mago, además de los semanarios Cuore y Tango. Aquella escuela periodística afiló su colmillo satírico.

En las tablas y la música firmó monólogos y piezas teatrales, y se alió con artistas como el jazzista Umberto Petrin en el proyecto Misterioso, inspirado en Thelonious Monk. Su curiosidad creativa lo llevó a saltar de género en género con naturalidad.

También dejó huella en el cine: fue guionista de Topo Galileo (1987) y codirigió Musica per vecchi animali (1989), con Dario Fo y Paolo Rossi. Décadas después, apareció en la adaptación fílmica de Bar Sport. Su relación con Beppe Grillo en los inicios del comediante sumó capítulos memorables.

Su figura fue retratada en el documental Le avventure del Lupo (2018), que repasa la trayectoria casi verdadera del autor y su leyenda personal.

“Il Lupo”: orígenes y carácter

Nacido el 12 de agosto de 1947, creció entre la ciudad y los montes Apeninos. La construcción de la Autostrada del Sole, que arrasó su casa de infancia, marcó su desconfianza hacia las instituciones y su inclinación por los márgenes.

De aquellos años procede su apodo, “Il Lupo”: independencia a ultranza, noches de aullidos con perros, rebeldía y pudor en torno a su vida privada. Él mismo admitía que parte de su biografía era inventada, un juego protector frente al escaparate público.

Su activismo tomó formas diversas: el Grupo Lobo impulsó becas para jóvenes inmigrantes; con Altan y Pietro Perotti participó en el Museo de las Criaturas Imaginarias; y defendió con insistencia la escuela pública y la cultura como bien común.

Quienes trabajaron con él recuerdan un autor severo con su propio texto y generoso con los demás, un compañero de escena disponible para lecturas, talleres y charlas lejos de la pompa oficial.

Lectores, legado y lo que queda

Benni fue un lector voraz y un escritor prolífico: además de los títulos más conocidos, publicó Spiriti, Saltatempo, Margherita Dolcevita, Pane e tempesta o Di tutte le ricchezze. Muchos de sus libros figuran en listas de novelas esenciales. En sus últimos años aparecieron Dancing Paradiso (2019) y Giura (2020), que confirman una energía creativa sostenida.

Su vínculo con la editorial Feltrinelli se extendió durante décadas y fue clave el estímulo de la editora Grazia Cherchi, quien le ayudó a afinar una voz ya poderosa. Críticos y lectores coinciden en que construyó un “territorio Benni” reconocible a la primera línea.

Fuera de Italia, su obra viajó con fuerza: se lee en universidades y escuelas, y títulos como El bar bajo el mar, Elianto o Margherita Dolcevita han encontrado nuevas generaciones de lectores en español y otras lenguas.

Instituciones y colegas han lamentado su muerte subrayando su singularidad: “figura polifacética e inconformista, capaz de unir sátira y poesía”, dijo el ministro de Cultura italiano, Alessandro Giuli. En redes y librerías, el duelo se expresa con la mejor de sus fórmulas: abriendo sus libros.

Queda la estela de un autor que convirtió el idioma en parque de juegos y la sátira en herramienta de pensamiento. Entre bares de barrio y planetas lejanos, animales improbables y niños insumisos, su obra enseña que la risa puede ser también una forma de inteligencia y de consuelo.

Robert Langdon vuelve a las librerías con El último secreto, una aventura que sitúa su tablero en Praga y combina misterio, simbología y preguntas difíciles sobre la mente humana. Dan Brown retoma su saga estrella tras un prolongado silencio, con una historia que empuja al profesor a descifrar pistas en una ciudad de piedra, relojes y criptas.

El estreno ha arrancado con fuerza: la edición checa se presentó en el casco histórico de la capital, con aficionados que hicieron guardia desde la tarde anterior en torno a la Plaza Vieja. Los primeros cien en acercarse se llevaron su ejemplar con dedicatoria, en un acto organizado por la editorial Argo en cooperación con Prague City Tourism (PCT), mientras la versión en español llega a las tiendas de la mano de Planeta.

Un lanzamiento multitudinario en Praga

Antes de amanecer ya había cola frente al antiguo ayuntamiento, con lectores que esperaron toda la noche para ser los primeros en comprar el libro. La estampa sorprendió a los pocos turistas madrugadores, y refleja el tirón de la saga de Langdon en una ciudad que, por su iconografía, encaja como un guante con el relato.

En el evento, un estudiante local comentaba que esperaba devorarlo en cuanto llegara a casa, atraído por el escenario y por el ritmo característico del autor; impresiones como esa se repitieron en una jornada marcada por firmas y fotos. También se ha comunicado que Brown tiene previsto viajar a Praga para atender a la prensa y participar en un encuentro con lectores, con una fecha ya sobre la mesa.

La logística editorial ha sido igual de llamativa: para evitar filtraciones, imprentas, sellos y traductores trabajaron bajo estricta confidencialidad. En la versión checa, el equipo de traducción se encerró durante semanas, con acceso limitado a internet y copias guardadas cada noche en una caja fuerte, un proceso que ilustra el hermetismo habitual en los lanzamientos de gran tirada.

Trama y temas: Praga como laberinto de signos

La novela arranca con Langdon viajando a Praga para una conferencia impartida por Katherine Solomon, científica noética con la que mantiene una relación incipiente. Su inminente publicación sobre la naturaleza de la conciencia actúa como detonante: varios crímenes sacuden la ciudad, Katherine desaparece y un manuscrito clave se esfuma, abriendo una carrera contrarreloj.

La capital checa se convierte en un tablero de pistas: pasadizos, iglesias, astronomía y códigos se entrelazan con las obsesiones clásicas de Brown: arte, historia, religión y ciencia, todo en un ritmo de thriller que alterna giros y deducciones. El autor define esta entrega como su proyecto más ambicioso y de trazo más complejo, una afirmación que refuerza la sensación de que cada detalle esconde una clave.

Para quienes quieran seguirle la pista al profesor, la agencia PCT ha lanzado rutas que recorren escenarios presentes en el libro. Entre los puntos destacados se encuentran lugares emblemáticos y otros rincones menos conocidos que ayudan a darle verosimilitud al relato.

• Biblioteca barroca del Klementinum, un icono de la ciudad que dialoga con la trama simbólica.
• Monumento a las víctimas del Comunismo en la colina de Petřín, con paradas que conectan arte y memoria.
• Refugio atómico de Folimanka (Nusle), escenario de pasajes clave, célebre por su peculiar respiradero con forma de droide.

Según fuentes editoriales, la acción explora hasta qué punto un hallazgo científico puede reformular creencias asentadas, con un antagonista en la sombra y una conspiración que obliga a Langdon a dudar, recordar y conectar símbolos mientras el reloj no deja de avanzar.

Publicación, idiomas y adelantos

El volumen supera las 800 páginas y supone la sexta entrega de la saga del profesor de Harvard, editada de manera simultánea en 16 idiomas. En el mercado hispano, la obra llega publicada por Planeta, mientras que a nivel internacional el lanzamiento se integra en la red de Penguin Random House Global.

Como parte de la campaña, Antena 3 Noticias ofrece un adelanto exclusivo con las primeras páginas del capítulo inicial, una muestra del tono del libro que permite tomar contacto con la voz de Katherine y con los primeros enigmas sin desvelar el corazón del misterio.

Las medidas de seguridad han sido notables: contratos de confidencialidad y protocolos de acceso restringido se han aplicado durante todo el proceso de preimpresión y traducción para que la historia llegara a los lectores sin sorpresas adelantadas.

La ciudad como personaje y los próximos pasos

Praga no es sólo el escenario; actúa como un personaje más, con su reloj astronómico, sus calles empedradas y sus iglesias cargadas de iconografía. Esa atmósfera de piedra, luz y sombra favorece un juego de pistas que Brown convierte en motor narrativo.

A la par, la organización turística local ha trazado experiencias para los visitantes que quieran seguir la huella de la novela, con visitas mensuales al refugio de Folimanka y paradas en enclaves de fuerte carga simbólica. La combinación de ficción y ciudad refuerza la sensación de que la intriga podría latir a la vuelta de cualquier esquina.

En la agenda figura la visita del autor para un encuentro con lectores y atención a medios en Praga, cita que culminará una semana de alto impacto literario para los seguidores del género y para quienes se acerquen por primera vez a Langdon.

Con su mezcla de códigos, arte, ciencia y religión, y un enfoque sobre la conciencia que promete debate, El último secreto aterriza como un thriller de gran formato que reactiva a su protagonista fetiche, aprovecha el magnetismo de Praga y se despliega con una maquinaria editorial pensada para convertir la lectura en todo un acontecimiento.

Tras una larga espera, Cristina Fernández Cubas vuelve a las librerías con Lo que no se ve, un volumen de seis relatos publicado por Tusquets en el que la escritora catalana recupera su territorio natural: ese lugar donde lo cotidiano se abre a lo extraño. La autora, referente del cuento en español, retoma su voz con piezas que dialogan con la memoria, la identidad y la inquietud.

Lejos de las urgencias del mercado, Fernández Cubas reafirma su ritmo de escritura propio: publica cuando siente que el libro está listo y el conjunto respira como un todo. Y vuelve con una propuesta que ahonda en su tema predilecto, el misterio de lo cercano, sin aspavientos, con precisión y una mirada que convierte lo aparentemente apacible en algo que late con incógnitas.

El regreso al cuento con Lo que no se ve

Lo que no se ve reúne piezas nuevas en las que coexisten narradores en primera persona y una tercera voz que conoce el destino de los personajes y lo insinúa sin imponerse. Editado por Tusquets, el libro confirma la capacidad de la autora para levantar atmósferas que se instalan en la conciencia del lector.

En el relato que cierra el volumen, Candela viva, una mujer entra en una curiosa tienda de barrio y se enfrenta a la sensación de que el tiempo se encoge. La pieza juega con símbolos (una mano, una llama) y deja espacio a múltiples lecturas, desde el desvanecimiento hasta el balance íntimo de una vida.

Momonio mira a la juventud y a sus temeridades: un grupo decide hacer una invocación y solo quien se escapa a tiempo narra lo ocurrido. La historia está contada por la única persona que no estuvo allí, y ese sesgo alimenta la duda y la culpa.

En ¿De qué se habla en las fiestas?, la autora examina la frontera entre la amistad escolar y el mundo de fuera. Fuera del “recinto” del instituto, los códigos cambian y emergen sombras que no se veían dentro de los pasillos.

Il Buco acompaña a un hombre que, durante una visita a una catedral, recibe un encargo imposible. Allí se intuye una grieta por la que asoma lo insólito, en tensión con la materia sólida de la piedra.

Tu Joan, yo Bette recupera a dos hermanas ya mayores que juegan a convertirse en Bette Davis y Joan Crawford. La recreación de su película de juventud activa rivalidades antiguas y una puesta en escena que desvela la fragilidad de los afectos.

Temas recurrentes y atmósferas

Fernández Cubas evita el efectismo y apuesta por la sugerencia: interesa lo desconocido como zona limítrofe, esa línea en la que lo real parece admitir otra lógica. No es casual que el libro dialogue de soslayo con relatos y series clásicas que deslizaban puertas a “otro lado”.

Su método consiste en partir de lo reconocible y provocar un leve desajuste, un nubarrón que altera lo que parecía estable. Ese punto de inflexión, tan sutil como decisivo, sostiene la intriga sin romper la verosimilitud.

Los sueños vuelven a entrar en el taller de la autora: a veces alumbran escenas o tonadas que luego el texto pule. Ha fantaseado con un cuaderno de sueños para atraparlos al despertar, pero en su práctica cada imagen onírica se trabaja cuando de verdad reclama convertirse en relato.

Entre las obsesiones del libro late la familia, especialmente el vínculo entre hermanas, y una sorprendente analogía botánica: la alelopatía, esa influencia que unas plantas ejercen sobre otras, inspira reflexiones sobre relaciones que florecen o se marchitan según la proximidad.

Una vida dedicada al relato

A lo largo de más de cuatro décadas, la escritora (Arenys de Mar, 1945) ha defendido el cuento como género pleno, no como paso previo a la novela. En sus inicios insistió, una y otra vez, en esa idea, y el tiempo le dio la razón.

Su bibliografía incluye siete libros de relatos, tres novelas (una firmada con el seudónimo Fernanda Kubbs), piezas teatrales y literatura para lectores jóvenes. Un catálogo coherente, de mundo propio, que rehúye lo obvio.

Los reconocimientos han llegado con fuerza: Premio de la Crítica por La habitación de Nona, Premio Nacional de Narrativa y, más recientemente, el Premio Nacional de las Letras. También figuran galardones como el Ciudad de Barcelona, entre otros.

Ella misma ha recordado que hubo años de invisibilidad pese al prestigio entre lectores fieles y la crítica. Persistencia y paciencia, dice, sostuvieron la travesía hasta que su obra ocupó el lugar que le corresponde.

Ritmo de escritura y proceso creativo

Fernández Cubas no persigue la regularidad anual: escribe cuando la historia la apasiona y publica cuando el conjunto está hecho de la madera correcta. Son sus tiempos, sin concesiones.

Para ella, el cuento puede ser tiránico: cada pieza marca su respiración, decide su extensión y el momento del cierre. No hay dos relatos que se construyan igual, y el propio texto impone su lógica.

Tras unos días de descanso, la autora encara conversaciones con lectores en distintas presentaciones, confiando en que el libro circule con naturalidad y genere las preguntas oportunas.

La escritora admite que, a veces, la literatura funciona como conjuro. Un sueño inquietante puede convertirse en ficción y trasladar el miedo al papel; así la obsesión cambia de manos y adquiere forma, quedando a salvo entre páginas.

Lectores y estado del cuento

Para Fernández Cubas, el mejor lector de relatos es un cómplice: prefiere lo insinuado a lo explicitado, completa huecos, traza hipótesis. La historia continúa en su cabeza una vez cerrada la última página.

Sin calendario fijo para publicar, la autora afirma que escribe todo el tiempo. Lo que verdaderamente la impulsa es el instante en que una idea empieza a volverse materia, cuando una voz pide sitio y la ficción reclama su forma.

Ficha del libro y datos

Para orientarse mejor, aquí van algunos datos esenciales del nuevo volumen:

• Título: Lo que no se ve (Tusquets).
• Composición: seis relatos con voces en primera y tercera persona; protagonistas mayoritariamente femeninas salvo una excepción.
• Temas: identidad, secretos de la infancia, tiempo percibido, vínculos familiares (especialmente hermanas) y lo inexplicable.
• Relatos destacados: Tu Joan, yo Bette; Momonio; Il Buco; ¿De qué se habla en las fiestas?; Candela viva; La hermana china.

Quien se acerque a estas páginas encontrará atmósferas densas, giros medidos y un juego constante entre lo que se muestra y lo que se calla, señas de identidad de una autora ineludible del cuento en español.

A la hora de valorar este regreso, se impone la sensación de estar ante una obra que prolonga y afina su universo: puertas entreabiertas a zonas de incertidumbre, personajes que sospechan que algo se mueve bajo la superficie y una escritura que confía en la inteligencia del lector para completar el dibujo.

La figura de Kalimán vuelve a escena con una propuesta que actualiza su universo sin traicionar su ADN: un héroe que confía en la inteligencia antes que en el músculo. El equipo creativo relanza sus aventuras para un público que hoy consume cómics, series y plataformas digitales en paralelo.

Detrás de este regreso hay un plan editorial que combina memoria y presente: rescatar al personaje que arrasó en kioscos y radios de México y América Latina, y ponerlo a dialogar con los dilemas contemporáneos que interpelan a nuevas generaciones.

Orígenes y rasgos del «hombre increíble»

Nacido como radionovela el 16 de septiembre de 1963 en Ciudad de México, Kalimán fue creado por el cubano Modesto Vázquez González y el productor mexicano Cutberto Navarro Huerta. Su estética con ecos de Oriente y su talante meditativo lo distinguieron desde el principio.

Su seña de identidad no era la fuerza desatada, sino la disciplina mental, la prudencia y la reflexión. A lo largo de sus aventuras desarrolló habilidades como artes marciales, telepatía, oído agudo e inteligencia fuera de lo común.

Siempre acompañado por Solín, un joven de linaje faraónico, se midió con villanos memorables como la Araña Negra, Karma, Humanón o el profesor Van Zeland, en tramas que mezclaban misterio, viaje y aprendizaje.

En su época de esplendor editorial, la historieta alcanzó tirajes cercanos al millón de ejemplares, y registros de la industria señalan que llegó a superar en ventas locales a iconos extranjeros como Batman o Superman.

El impacto desbordó el papel y la radio: en los setenta dio el salto al cine, y su primera película lideró la taquilla mexicana en 1972, consolidando el fenómeno más allá de las fronteras nacionales.

Un fenómeno cultural en México y América Latina

Durante más de 25 años ininterrumpidos en kioscos y en antena, las historias de Kalimán formaron parte de colecciones familiares y del habla cotidiana. Su eco se extendió por Centro y Sudamérica, con especial arraigo en países como Colombia, además de presencia en Perú y Ecuador.

Quienes impulsan su nueva etapa reivindican su lugar en el panteón popular. Para el productor y guionista Edgar David Aguilera, se trata del primer superhéroe creado en México y de una de las figuras de ficción más grandes de la región, una valoración que enmarca la dimensión histórica del personaje.

Su lema no escrito resumía una filosofía clara: la mente como el arma más poderosa, una ética que apostaba por negociar, persuadir y contener, y solo recurrir a la defensa cuando el peligro era inminente.

Ese enfoque distinto, menos tecnológico y más espiritual, le dio un perfil único frente al molde clásico del superhéroe norteamericano, acercándolo al público latino con una épica de sabiduría y templanza.

El renacer editorial y su enfoque actual

Tras el lanzamiento en 2019 de El regreso de Kalimán: el legado de Kali, el equipo encabezado por Aguilera y Alfredo Rodríguez presenta la continuación, El despertar de Kalimán, mostrada al público en el Hay Festival de Querétaro 2025.

En esta nueva etapa, las tramas colocan al héroe frente a desafíos contemporáneos como el narcotráfico y la trata de personas, buscando mantener la esencia del personaje a la vez que dialoga con problemáticas reales de México.

Rodríguez subraya que Kalimán “crece” cuando crecen sus antagonistas: los poderes se amplían y la dimensión espiritual se profundiza, sin perder el tono de aventura que lo hizo perdurable.

El proyecto está en marcha y ya circulan varias entregas de la nueva serie, con la intención de fidelizar a lectores veteranos y atraer a quienes hoy descubren al héroe por primera vez.

En cuanto al equipo artístico, la producción reúne a más de 30 profesionales coordinados como en un rodaje, con guion detallado, planificación de páginas y una narrativa visual pensada para el lector actual.

Cómo se hace hoy una historieta de Kalimán

El proceso creativo arranca con un guion que describe cada página y cada viñeta, pasando después al arte secuencial. Ricardo Osnaya lidera el trazo en la etapa actual, en diálogo constante con los guionistas para ajustar encuadres y ritmos.

A lo largo del relanzamiento han participado distintos artistas: en determinadas entregas, José Luis Gutiérrez García firmó interiores y portadas de 24 páginas, mientras otras etapas quedaron en manos de dibujantes como Rodolfo Pérez, reflejando la naturaleza colaborativa del proyecto.

Cada número implica entre uno y dos meses de trabajo, con revisión de guion, lápices, tinta y rotulación. La narrativa visual ha evolucionado: menos texto expositivo y más acción que “habla” por sí misma con viñetas de tamaños variables.

La editorial Kamite respalda el plan de publicación, con la mira puesta en sostener una periodicidad estable y abrir puertas a formatos digitales sin abandonar el papel.

La ambición es clara: reposicionar a Kalimán en el mapa de los cómics de habla hispana, compitiendo por la atención del lector en un ecosistema saturado de pantallas.

El reto frente a Marvel, DC y el manga

El cómic pelea hoy con series, videojuegos y redes; por eso, el equipo reconoce que ganar tiempo de lectura es tan importante como cerrar buenas historias. La competencia no es solo entre viñetas, sino con todo el ocio digital.

Frente al dominio de Marvel, DC Comics y el manga, Kalimán ofrece una alternativa con sello propio: un héroe que conjuga acción y ética, aventura y aprendizaje, con un timbre latino reconocible.

La expectativa es que lectores de distintas edades encuentren valor en el personaje: para unos, la nostalgia de un mito de infancia; para otros, un descubrimiento que dialoga con sensibilidades actuales.

Sin perder su mística original, el proyecto explora posibles expansiones transmedia en el futuro, desde ediciones digitales a adaptaciones audiovisuales si se alinean los tiempos y los socios adecuados.

La vigencia del personaje reside en una promesa sencilla y potente: aventura con esperanza, en tiempos en que la violencia suele imponerse sobre la razón.

Legado e identidad cultural

Mucho antes de la globalización del género, Kalimán ya tejía una identidad latinoamericana del superhéroe: viajes, misticismo, compañerismo y un código moral que privilegiaba el equilibrio sobre el castigo.

Ese molde dialoga con otras figuras populares de México, pero su combinación de sabiduría y acción lo llevó a un territorio propio, más cercano a la aventura clásica con un pie en la fábula y otro en la reflexión.

De la radio al cine y del papel a lo digital, su trayectoria demuestra una notable capacidad de adaptación, que explica cómo atravesó generaciones y fronteras sin diluir su esencia.

El regreso actual no es un ejercicio de arqueología, sino una relectura de un mito cercano, en un país que sigue buscando referentes de justicia, templanza y coraje para contar sus historias.

Con las nuevas historietas en marcha, quedan claros el propósito y el desafío: sumar capítulos a una leyenda que nació en 1963 y que hoy quiere volver a conversar, de tú a tú, con lectores exigentes y curiosos.

Quien haya seguido su trayectoria sabe que Chimamanda Ngozi Adichie no publica a la ligera. Su nueva novela, Unos cuantos sueños (Random House), llega tras más de una década sin ficción larga y lo hace como un retorno que hunde sus raíces en el duelo, el oficio y la vida familiar. La escritora nigeriana, que reparte su tiempo entre Estados Unidos y Lagos, vuelve a poner el foco en la experiencia de las mujeres, la migración y la identidad, con el tono preciso y la mirada franca que la han hecho inconfundible.

Durante este tiempo, la autora de Americanah fue madre y perdió a sus progenitores con pocos meses de diferencia; en sus palabras, ese golpe íntimo desbloqueó la escritura cuando pensó que no podría volver a una novela. Adichie, conocida también por las charlas TED Todos deberíamos ser feministas y El peligro de la historia única, insiste en la complejidad: la vida no cabe en eslóganes, y el arte debe atreverse a contarlo sin maquillajes.

Un regreso impulsado por la pérdida y la necesidad de contar

Adichie ha explicado que, tras la muerte de su padre y su madre, creyó que el impulso de la ficción se había evaporado. Probó, perseveró, rezó incluso, sin resultado. Hasta que, de forma inesperada, las voces de sus personajes volvieron. No idealiza el proceso: la creación, dice, tiene algo misterioso y frágil; el miedo a no poder escribir, tras sus seres queridos, es el que más la acompaña.

Ese regreso llega con una madurez distinta. La autora habla de una «novela de adulta»: escribe ya como madre y como hija sin padres, con esa inestabilidad que cambia la perspectiva, lo que toleramos y lo que exigimos al mundo. El duelo, reconoce, puede dar una libertad rara: frases más largas, placer por el lenguaje, menos prisa por encajar en moldes.

En lo público, mantiene distancia: evita leer noticias sobre sí misma, no se busca en Internet y protege una frontera entre la vida íntima y la figura mediática. No por ello elude el debate: cuando cree que algo importa, opina y asume las consecuencias, sin pretender representar a nadie.

También mira con preocupación el clima cultural y universitario estadounidense, que percibe más rígido y punitivo que cuando estudió allí. La literatura, sostiene, pide «muchos ojos» y menos consignas; si se juzga una novela solo por alineamiento ideológico, perdemos matices y verdad.

De qué va Unos cuantos sueños

Ambientada entre Nigeria y Estados Unidos, y en el telón de fondo de la pandemia, Unos cuantos sueños entrelaza las vidas de cuatro mujeres con vínculos de sangre, amistad y trabajo. Son historias que dialogan entre sí y que muestran ambiciones, dilemas, afectos y presiones cotidianas.

Chiamaka es una escritora de viajes que busca el amor y pelea con el aislamiento; Zikora, una abogada brillante que encara la maternidad en circunstancias difíciles; Omelogor, una mujer que triunfó en finanzas y replantea su vida para impulsar a otras; y Kadiatou, trabajadora doméstica guineana que emigra en busca de dignidad y futuro.

La novela avanza con humor, observación aguda y escenas que no rehúyen lo incómodo. La extranjería, la soledad migrante, el deseo y las lealtades familiares marcan el pulso de un relato que alterna puntos de vista y ritmos, sin convertir a sus personajes en arquetipos ni consignas.

Adichie subraya que buena parte de lo que escribe nace de lo real, «prestado» de la vida y transformado por la ficción. No hay tesis disfrazadas de trama; hay personas con contradicciones, decisiones difíciles y una humanidad que incomoda a veces.

Migración, identidad y la familia que se ensancha

«Salir de casa es un acto que tiene que ver con soñar», afirma. La criminalización actual de quienes migran le parece especialmente deshumanizadora. En Unos cuantos sueños, todas buscan una vida mejor y lidian con prejuicios, soledades y burocracias que se pegan a la piel.

La autora, que se siente entre dos mundos, reconoce una soledad particular de la extranjería. Observar desde cierta distancia, admite, forma parte de su condición de escritora. Esa mirada fronteriza permite captar matices de ambos lados.

Otro eje es la familia extensa nigeriana, donde criar no es tarea exclusiva de los padres y tías, primos y mayores ocupan un lugar crucial. A veces asfixia, a veces sostiene: muchas protagonistas protestan por las intromisiones, pero no renunciarían a esa red.

Adichie introduce además el tema del privilegio de clase sin caer en caricaturas. Recuerda que Nigeria no es solo pobreza: hay riqueza concentrada, materialismo y tensiones que moldean la vida social. Contarlas también ayuda a romper miradas simplificadas sobre África.

Cuerpos, maternidad y lo que la literatura suele apartar

La autora defiende que la llamada «literatura seria» debe ocuparse más del cuerpo y la vida interior de las mujeres. Menstruaciones dolorosas, partos reales, violencia sexual o la menopausia rara vez comparecen con honestidad; cuando se omiten, falta un trozo decisivo de la experiencia humana.

Se reivindica feminista como persona, pero rechaza la etiqueta de «escritora feminista»: no quiere que sus novelas se lean como un catecismo donde los personajes hagan siempre lo correcto. Prefiere la libertad radical de la ficción, que permite mostrar contradicciones sin moralejas.

También insiste en la lectura cruzada: si más hombres leyeran libros sobre las vidas y cuerpos de las mujeres, quizá mejoraría la conversación entre géneros. Las mujeres, recuerda, leen a autoras y autores; con los hombres, no siempre sucede lo mismo.

En paralelo, cuestiona las ideas prefabricadas de éxito y maternidad. La presión para casarse o ser madre —externa e interna— sigue vigente, y muchas veces el sueño propio de una mujer se juzga como menos prioritario que el de los hombres.

#MeToo, el caso Diallo y la mirada sobre la víctima

Kadiatou, uno de los centros morales del libro, se inspira en Nafissatou Diallo, la trabajadora de hotel que acusó en 2011 a Dominique Strauss-Kahn. Adichie siguió aquel caso con esperanza y luego con desgarro: el foco público terminó posándose sobre la víctima, no sobre el presunto agresor.

Para la autora, el acoso sexual es de los pocos delitos donde se exige perfección a quien denuncia. Si la víctima no encaja en el molde del «ángel impecable», parece que pierde de antemano. La novela no reabre expedientes, pero restituye dignidad narrativa a un personaje históricamente desoído.

Sobre #MeToo, ve avances y retrocesos: un impulso valioso al que le faltó recorrido y que hoy convive con discursos más reaccionarios sobre el lugar de las mujeres. Le preocupa que las simplificaciones morales borren matices imprescindibles para entender la conducta humana.

Adichie propone, además, redefinir la masculinidad en positivo —valentía, fuerza, justicia— sin convertirla en su versión «feminizada». Y, ante la violencia contra mujeres y niñas, pide centrar la respuesta en quienes la causan, no en quienes la sufren.

Fuera del libro, su figura también ha sido objeto de controversias públicas —desde debates sobre la identidad de género hasta su maternidad mediante gestación subrogada legal en su lugar de residencia—. Las asume sin victimismo: hablar claro tiene costes, pero el silencio no es una opción cuando algo le importa.

Lo que Adichie pone sobre la mesa con Unos cuantos sueños es una invitación a mirar sin filtros: cuatro vidas entrelazadas que iluminan migración, deseo, familia y justicia, contadas con la libertad de la ficción y la honestidad de quien sabe que el mundo es complejo. Una novela grande de tema y de aliento que confirma, sin aspavientos, por qué su voz pesa tanto en el mapa literario contemporáneo.

El Ayuntamiento de Molina de Segura ha hecho pública la relación de aspirantes que competirán por el Premio Setenil al mejor libro de relatos publicado en España. En su 22.ª edición, el certamen reúne a 101 títulos presentados por editoriales y autores de todo el país y mantiene una dotación de 10.000 euros, consolidado desde hace años como uno de los referentes del cuento en español.

Esta convocatoria está marcada por la composición del jurado, presidido por la escritora y psicoanalista Lola López Mondéjar, junto a los vocales Vicente Cervera, Charo Guarino y Leonardo Cano. El consistorio prevé anunciar el fallo entre finales de octubre y comienzos de noviembre de 2025, mientras que la entrega oficial se celebrará en diciembre en Molina de Segura.

Diez libros en la recta final

La comisión de preselección ha configurado una lista de dez obras finalistas que refleja la diversidad de sellos y estilos presentes hoy en el panorama del relato breve en España.

• Las iras, de Pilar Adón (Galaxia Gutenberg)
• Después nos hicimos grandes, de Elena Alonso Frayle (Trea)
• Peligro extremo de incendio, de Juncal Baeza (Dieciséis)
• El bozal, de Marc Colell (Ya lo dijo Casimiro Parker)
• Cada lunes de aguas, de Juan Montiel (Fulgencio Pimentel)
• Mamíferos, de Virtudes Olvera (Esdrújula)
• Johnny Cash no es para niños, de Elena Prieto (Talentura)
• Alcaravea, de Irene Reyes-Noguerol (Páginas de Espuma)
• No sabe del amor quien vuelve vivo, de Miguel Sánchez Robles (Villa de Indianos)
• Un lugar mejor, de Pedro Ugarte (Páginas de Espuma)

Entre los sellos participantes destaca Páginas de Espuma, con dos candidaturas, junto a editoriales como Galaxia Gutenberg, Trea, Dieciséis, Ya lo dijo Casimiro Parker, Fulgencio Pimentel, Esdrújula, Talentura y Villa de Indianos.

El escritor caravaqueño Miguel Sánchez Robles figura en la selección con No sabe del amor quien vuelve vivo, una presencia que subraya la pluralidad geográfica y editorial de la convocatoria y el buen momento del relato breve en España.

Un galardón con trayectoria

Creado en 2004 por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Molina de Segura, el Premio Setenil supera ya las dos décadas distinguiendo libros de cuentos publicados en España y ha sido apodado en numerosas ocasiones como el “Óscar del cuento” por su repercusión en el sector, similar a otros premios de cuento hispanoamericano.

Además de la cuantía económica, el consistorio edita una separata con una muestra de la obra ganadora y perpetúa el reconocimiento con un banco conmemorativo en el Paseo de Rosales dedicado a cada premiado, una seña de identidad del certamen en la ciudad.

En la edición anterior, el premio recayó en Antonio Tocornal por su debut en el género, Cadillac Ranch (Sloper), título que previamente había sido distinguido con el XXX Premio Andalucía de la Crítica, lo que refleja el nivel de exigencia del Setenil.

La organización corresponde a la Concejalía de Cultura de Molina de Segura, responsabilidad que recae en María Teresa Hernández Avilés, con el objetivo de seguir afianzando la narrativa breve como un espacio central de creación y lectura.

Jurado y calendario de esta edición

La presidencia de Lola López Mondéjar aporta una mirada doble, literaria y clínica, respaldada por su trayectoria: finalista del Premio de Narrativa Torrente Ballester con Mi amor desgraciado y ganadora del Premio Anagrama de Ensayo con Sin relato. Atrofia de la capacidad narrativa y crisis de la subjetividad. La acompañan Vicente Cervera, Charo Guarino y Leonardo Cano, voces con acreditada experiencia en el ámbito académico y literario.

Según la previsión municipal, el veredicto se hará público entre finales de octubre y primeros de noviembre de 2025. A continuación, el autor o autora ganadora participará en actos programados y recibirá el galardón en diciembre en Molina de Segura, como cierre del calendario del premio.

Voces y expectativas

Tras difundirse la lista, varios finalistas han expresado su satisfacción por formar parte de la selección. En el caso de Miguel Sánchez Robles, el autor ha destacado la alegría de figurar entre los diez elegidos y ha mostrado su agradecimiento al comité de preselección, poniendo el foco en la comunidad literaria que hace posible el certamen.

La obra que resulte ganadora estará llamada a incrementar su visibilidad con encuentros y actividades públicas en la localidad, una antesala a la ceremonia de entrega que culminará con la recepción del premio de 10.000 euros ante lectores y profesionales del sector.

Con una selección de diez títulos representativa y un jurado de reconocido prestigio, el Setenil encara su tramo decisivo como cita clave del cuento en España, pendiente del fallo de otoño y de una ceremonia en diciembre que pondrá broche a esta edición.

Imagen promocional

El nuevo adelanto de Marvel Zombies ya está aquí y deja claro que Marvel Animation apuesta por una propuesta más cruda de lo habitual: el tráiler oficial confirma acción sin concesiones, un enfoque para mayores y un regreso a ese universo devastado que ya vimos de pasada en televisión.

La miniserie llega integrada en el UCM a través de Disney+, pero funciona como producción independiente: héroes y villanos infectados, supervivientes a la fuga y un panorama donde los superpoderes se vuelven amenaza cuando la plaga lo devora todo.

Tráiler oficial y enfoque creativo

Escena del tráiler

El avance se recrea en set pieces muy explícitas: hay violencia gráfica, sangre a borbotones y una puesta en escena que no oculta el terror. Se ven héroes icónicos zombificados desplegando sus poderes con fines letales y escenas que empujan el límite de lo que suele verse bajo el sello Marvel.

Entre los momentos más llamativos destacan un Spider-Man desatado contra hordas de no muertos, Namor ejecutando un corte devastador y un Blade que porta una armadura reconocible para los fans del Caballero Luna. El tono oscila entre el survival y el espectáculo superheróico, sin perder el pulso del horror.

El tráiler también deja ver guiños a amenazas mayores: el concepto de un Thanos zombificado planea como recuerdo de aquella primera incursión en un mundo arrasado, ahora ampliado con nuevas facciones, villanos y rutas de escape (o de perdición) para los pocos que siguen con vida.

Todo ello viene acompañado de una animación dinámica, con cortes rápidos y un diseño de acción que pone el foco en la brutalidad de los combates, reforzando la calificación para adultos que la plataforma luce de forma destacada.

Fecha de estreno, episodios y clasificación por edades

Avance de estreno

Disney+ ha movido ficha y lanzará Marvel Zombies el 24 de septiembre, adelantando su llegada respecto al plan inicial de ubicarla en octubre. La estrategia sitúa a la miniserie como uno de los reclamos fuertes del servicio en la recta final del mes.

La producción consta de cuatro episodios, planteados como un evento concentrado que evita rellenos y apuesta por un ritmo alto desde el primer momento. La duración compacta encaja con la ambición de ofrecer un relato intenso y autocontenido.

La serie aterriza con etiqueta de solo para adultos, consecuencia directa de su aproximación al gore, el lenguaje visual contundente y la naturaleza de los antagonistas. Es un movimiento alineado con otras propuestas recientes que exploran una animación más madura dentro del género.

La distribución corre a cargo de Disney+ en exclusiva. Además del estreno en esa fecha, el material promocional indica que los cuatro capítulos estarán disponibles desde el lanzamiento, facilitando el maratón para quienes prefieran verla del tirón.

Reparto de voces y personajes confirmados

Arte de reparto

La conexión con el UCM se refuerza gracias a un elenco de primera línea: regresan Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Florence Pugh, David Harbour, Tessa Thompson, Simu Liu, Awkwafina, Hailee Steinfeld, Wyatt Russell, Randall Park, Iman Vellani y Dominique Thorne, entre otros, para prestar su voz a versiones animadas de sus personajes.

También se incorporan Todd Williams como Blade y Hudson Thames como Spider-Man, ampliando el abanico de rostros (y voces) que los seguidores reconocerán al instante por su peso en la continuidad del universo compartido.

El tráiler deja entrever una buena variedad de figuras en cada bando: desde Yelena Belova, Red Guardian y Kate Bishop hasta apariciones de Shang-Chi, Abominación o Namor. La combinación de héroes, antiheroínas y rivales promete choques tan espectaculares como descarnados.

La idea de ver a personajes con habilidades superhumanas bajo el influjo de la infección eleva el nivel de amenaza: si ya es complicado sobrevivir a un zombi, imagina uno con poderes. De ahí que el grupo de supervivientes deba hilar fino si quiere mantener opciones en un mundo que no da tregua.

De los cómics a la pantalla: antecedentes y continuidad

La semilla de este proyecto está en los cómics. A mediados de los 2000, Robert Kirkman y Sean Phillips popularizaron el concepto de un universo Marvel colapsado por una plaga de no muertos: héroes conservaban sus recuerdos y poderes, pero pervertidos por un hambre imposible de saciar.

Esa idea saltó por primera vez a la animación con el episodio zombi de What If…?, que presentó una Tierra alternativa en ruinas y dejó imágenes potentes, incluida la presencia de un Thanos infectado. Aquella pieza sirvió de banco de pruebas para medir el interés del público en este enfoque.

Marvel Zombies funciona ahora como expansión de ese universo apocalíptico. No es un simple remiendo del capítulo, sino una historia propia que amplía escenarios, eleva la intensidad y se apoya en un reparto coral para explorar nuevas dinámicas de supervivencia y conflicto.

Al frente de la serie está Bryan Andrews en la dirección, con guiones de Zeb Wells. La producción ejecutiva recae en nombres ya conocidos en el estudio: Kevin Feige, Louis D’Esposito, Brad Winderbaum y Dana Vasquez-Eberhardt, garantía de continuidad con el resto de la marca.

Con su combinación de terror, acción y un planteamiento breve pero contundente, la miniserie se posiciona como una prueba de hasta dónde puede estirarse el lenguaje del UCM en animación: una apuesta adulta, canónica en espíritu y dispuesta a morder con fuerza.

Quedan, por tanto, definidos los pilares: estreno inminente en Disney+, cuatro capítulos intensos, despliegue de voces reconocibles y una estética que abraza la crudeza del apocalipsis; todo apunta a un regreso ruidoso al rincón más oscuro del multiverso Marvel.