El barco de Art Explora atraca en Barcelona e Ibiza

by alguien | Mar 27, 2026 | Cultural | 0 comments

Hoy el Festival Art Explora, con su barco museo, ha atracado por primera vez en el Port de Barcelona, donde permanecerá hasta el 6 de abril, antes de continuar su periplo hasta el puerto deportivo de Ibiza; allí recalará del 23 al 29 de abril. De acceso libre para todos los públicos, este festival transforma cada puerto adonde llega en un polo cultural, organizando exposiciones, experiencias inmersivas y actuaciones en directo, a bordo del barco y también en tierra.
En Barcelona, la cita nos espera en el muelle de Barcelona Nord, espacio público del Port Vell que se abrió a los ciudadanos hace un año; Art Explora es el primer gran evento cultural que se celebra allí.
Iniciado en 2024 en su actual formato, este festival es un proyecto itinerante que navega por mares y océanos desde el propósito de ampliar el acceso a las artes contando con comisarios y creadores locales. Después de once escalas -el año pasado, Durrës, Niza, Rijeka, Atenas y Limassol- y de superar los 350.000 visitantes, Cataluña y Baleares son sus próximos destinos.

Diseñado por los arquitectos Axel de Beaufort y Guillaume Verdier, este catamarán de vela puede albergar hasta 2.000 visitantes al día. A bordo, el público encontrará un recorrido sonoro inmersivo creado por el IRCAM (Instituto de Investigación y Coordinación Acústica/Música del Centre Pompidou de París); se trata de un paisaje sonoro mediterráneo -rural, urbano y cultural- acompañado de una experiencia de realidad virtual que busca permitir a los espectadores viajar en el tiempo hasta Alejandría, Atenas y Venecia en sus épocas de esplendor.
En el puerto, otros tres pabellones expositivos amplían la experiencia. El primero es Present, creado junto al Museo del Louvre; cuenta con otra exhibición inmersiva de gran formato dedicada a las figuras femeninas de las civilizaciones mediterráneas, desde la Victoria de Samotracia a las mujeres anónimas.
En el Pabellón Central, volcado en el arte moderno y contemporáneo, la muestra “Bajo el Azur”, comisariada por Rebecca Lamarche-Vadel y Blanche de Lestrange, nos invita a explorar el Mediterráneo como un espacio de mito, memoria y tensión a través de composiciones de artistas históricos y contemporáneos. Destacan la escultura monumental de Marguerite Humeau The Dead (A drifting, dying marine mammal); Gens de la mer de Joan Miró; y las películas submarinas del francés Jean Painlevé.
En cada escala de Art Explora, un objeto patrimonial procedente de una colección local ancla la exposición en la historia marítima de esa ciudad; en Barcelona, será una pieza del Museo de Arqueología de Cataluña.
Por último, el Pabellón de la Fotografía nos trae “Contra ; Corriente”, una exposición de artistas del mundo árabe que se sumergen en asuntos como la migración, el exilio y la hospitalidad en el Mediterráneo. Pueden verse Anya (Straight Stories – Part 2), de Bouchra Khalili; la instalación específica para este espacio Mass Struggle, de Akram Zaatari; y Liquid Traces – The Left-to-Die Boat Case, de Forensic Oceanography. Son sus comisarios Amanda Abi Khalil y Danielle Makhoul.
Además, Art Explora constará de actuaciones, charlas, proyecciones y conciertos desarrollados en diálogo con el contexto mediterráneo y la escena artística local, organizados junto a Rosa Lleó. Podremos acudir a la performance internacional El feo Todo, de Poncili Creación y Bartira; a conciertos de res_ + Coral de Canigó, Nadah El Shazly y Nkisi; o a sesiones de DJ de Ikram Bouloum, Adrasha y Jokkoo Collective.
Joana Hadjithomas y Khalil Joreige. Remember the light, 2016 © los artistas, In Situ – Fabienne Leclerc (Gran París) y The Third Line (Dubái)
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Dumile Feni, el Guernica del apartheid

by alguien | Mar 25, 2026 | Cultural | 0 comments

La historia no se repite, pero rima. Esta cita, que se ha atribuido sin pruebas a Mark Twain y que, a fuerza de repetirse, ha terminado por convertirse en un mantra de nuestro tiempo, pone nombre a un nuevo ciclo de exposiciones en el Museo Reina Sofía. Se desplegará frente a su Guernica y nos enseñará piezas que contengan paralelismos temáticos o estéticos con el mural picassiano y procedan de otros contextos geográficos y culturales; el objetivo será dar a conocer al público escenas artísticas que, hasta épocas recientes, han quedado relegadas en la historiografía tradicional.
La primera de ellas es la sudafricana. Este capítulo tiene como protagonista a Dumile Feni, cuya vida fue breve (no alcanzó los cincuenta años, de la década de los cuarenta a los noventa), pero suficiente para plasmar las condiciones de la existencia cotidiana de muchos bajo el apartheid, en composiciones donde tienen cabida el mito y la fantasía y que beben de sus raíces culturales, de la artesanía y la cerámica de su país, sus máscaras y su idiosincrasia, pero que, asimismo, se nutren de su vocación cosmopolita.
Dibujante compulsivo que llevó a cabo centenares de trabajos, fue del todo autodidacta, pero sí pudo empaparse de la escena creativa vibrante de Johannesburgo en los sesenta; pese a la segregación que afectaba a los artistas negros, fue un buen momento para el jazz y el teatro, cuando sortearon las prohibiciones, y también varias galerías mostraron sus creaciones.
En ese contexto surgió la obra que centra esta nueva exposición del Reina Sofía, comisariada por Tamar Garb: African Guernica, que pudo verse por primera vez en 1967 en la Gallery 101. No fue el artista quien la tituló, pero efectivamente Picasso era muy conocido en ese momento en Sudáfrica, gracias a las reproducciones -también Goya o Käthe Kollwitz- y Dumile Feni entabló con él un diálogo consciente y a escala monumental, sin despegarse por ello de la cosmología que le resultaba más cercana. No eran muchos los autores -lo ha apuntado hoy Garb- que usaban lápiz y carboncillo para trazar pintura de historia; ésta lo es.
Dumile Feni. African Guernica, 1965. National Heritage and Cultural Studies Centre, University of Fort Hare. © Estate Dumile Feni and Dumile Feni Family Trust
Es sabido por todos que muchos trabajos de Picasso, y su misma trayectoria, no serían los que son si no fuera por su conocimiento de la escultura africana, que coleccionó, así que, teniendo en cuenta que Feni propone en African Guernica un homenaje a sus raíces además de una mirada propia a la influencia europea (monocromatismo, distorsiones, fragmentación de las figuras), los vínculos entre ambas piezas, ahora frente a frente, pueden abordarse desde múltiples perspectivas e implican el cierre de varios círculos. Además de encarnaciones muy distintas de la modernidad: la del sudafricano desafiaba, asimismo, la creencia de que los artistas negros habían de producir fundamentalmente arte nativo o artesanía enfocados al gusto del turismo.
En cuanto a su trasfondo temático y reivindicativo, una y otra composición responden a situaciones violentas y deshumanizantes -por eso la comisaria se refiere a ellas como tótems antitotalitarios-, pero, como es fácil de entender, ni mucho menos equivalentes. Picasso realizó el Guernica tras un año de Guerra Civil, y su imagen sería emblema del antibelicismo, mientras que la pieza de Feni, en cuyo cristal se refleja inesperadamente la anterior, no alude a un conflicto abierto, sino a la brutalidad menos ruidosa del racismo, plasmando una pesadilla en la que figuras humanas pero híbridas interactúan con la naturaleza de modos desacostumbrados.
Dumile Feni. Saying no, 1967. © Estate Dumile Feni and Dumile Feni Family Trust
Junto a African Guernica, que sale por vez primera de Sudáfrica, se exhiben en el MNCARS tres dibujos monumentales realizados, igualmente, en Johannesburgo en los sesenta y otros dos elaborados más tarde, en el exilio, primero en Londres y luego en Nueva York; en esta última ciudad murió Feni, ya que no pudo regresar.
Todas estas piezas proceden de colecciones sudafricanas, públicas y privadas. Las tres obras más tempranas son The Classroom, Woman and Boy y Saying No. En la primera, figuras dispersas por todo el papel parecen desafiar las normas de la segregación escolar; en la segunda, una mujer semejante a una estatua ancestral sostiene a un niño como si él también fuera una figurilla arcaica; la tercera encarna su negativa a que su creación se etiquete como arte nativo.
Ya en Londres, a mediados de los cincuenta, se empleó en un extensísimo diario visual sobre un rollo de papel de más de cincuenta metros de longitud. Parte de él lo veremos en una vitrina (y el resto en vídeo): ofrece una procesión de criaturas fantásticas, nombres propios, referencias poéticas… en las que dio cuenta de su visión del mundo y de su labor cotidiana. Y la pieza última del conjunto es el trabajo, de nuevo a gran formato y en carboncillo, Hector Pieterson (1987), que se inspira en una fotografía tomada al niño asesinado en 1976 durante la revuelta de Soweto, en la que fueron masacradas 176 personas que protestaban por el apartheid. Feni convirtió al pequeño, llevado en brazos por otro joven como en la Pietà del Guernica, en estandarte de la inocencia arrasada.
Aunque, en el paso de las décadas, la figura de Dumile Feni ha sido ampliamente politizada, no podemos decir que fuese un artista de trinchera. Se interesó por los modos en que el arte podía ser más útil a la sociedad, y enfrentarse a la opresión y la censura, pero sobre todo en un sentido intelectual: fue contrario al uso de la creación como propaganda y, según ha señalado Garb, de la consideración de los artistas como trabajadores de la cultura.
Dumile Feni. You Wouldn’t Know God if he Spat in your Eye (detalle), 1975. Wits Art Museo Collection, Johannesburg. ©Estate Dumile Feni and Dumile Feni Family Trust
 
 
“Dumile Feni: Guernica africano”
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA. MNCARS
C/ Santa Isabel, 52
Madrid
Del 25 de marzo al 22 de septiembre de 2026
 
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