Un Sorolla para la vida moderna

by alguien | Nov 29, 2024 | Cultural | 0 comments

Han sido varias las exhibiciones dedicadas a Sorolla que en el último año, y en diversos museos españoles, han repasado distintas facetas de su producción, recordándonos que, más allá de tópicos, este artista no solo trabajó junto al mar y que, incluso cuando lo hizo, es posible extraer bastantes capas de lectura de sus escenas de playa: además de luz mediterránea, sus composiciones cobijan estudios sociológicos, en ocasiones críticos, de un tiempo y de un lugar.
El museo del pintor en Madrid ha cerrado sus puertas, en principio hasta 2026, por obras de remodelación, pero quienes antes frecuentaban en él su pintura en la capital pueden seguir haciéndolo, hasta el próximo febrero, en la Galería de Colecciones Reales: su sala de exposiciones temporales acoge la muestra “Sorolla, cien años de modernidad”, que cuenta con piezas que rara vez habían salido del palacete de Martínez Campos y con otras prestadas por otras colecciones, como las del Prado, el Museo de Bellas Artes de Asturias, el Musée d´Orsay o fondos estadounidenses o mexicanos. Se han reunido casi ochenta trabajos, bajo el comisariado conjunto de Enrique Varela Agüi, Blanca Pons-Sorolla y Consuelo Luca de Tena, representativos de las diversas etapas de la carrera del valenciano y también de sus caminos temáticos.
Uno de ellos será inédito para el público, pues se daba por desaparecido desde el año siguiente a su creación (Boulevard de París, de 1889, su única composición de temática urbana y ligada a las nuevas formas de ocio de época contemporánea), pero también sorprenderán a los espectadores La Giralda, Sevilla (1908), que no se exhibía desde la muerte de Sorolla en 1923, y cuatro lienzos inéditos en España, todos ellos de su fase de madurez: Retrato de la tiple mexicana Esperanza Iris (1920), Arco y puerta de Santa María, Burgos (1910), Niños bañándose o Sol de la tarde, Valencia (1909) y Barcas en Jávea (1905).
Joaquín Sorolla. Boulevard de París, 1890. Colección particular
Esta antología se estructura en cinco secciones cronológicas, comenzando por un tiempo de juventud en el que, alcanzada la solidez académica y una personal habilidad en los pinceles, se propuso Sorolla optar a todos los premios y salones posibles para lograr vivir de su arte. Aquellos primeros trabajos fueron en su mayoría costumbristas, y cercanos por ello al gusto del público, pero en algunos introdujo asimismo la crítica social. De esa época temprana datan ¡Aún dicen que el pescado es caro! o La vuelta de la pesca (1894), realizados solo una década después del inicio de su trayectoria en Madrid; en 1900 llegaría su Grand Prix en la Exposición Universal de París, la ciudad que le inspiró precisamente ese trabajo que tenemos por primera vez oportunidad de contemplar (Boulevard de París), una composición de gran formato que inició en Francia y finalizó en España a partir de sus apuntes.
Reproduce la terraza muy concurrida de un café donde él mismo se autorretrata (a la izquierda), y demuestra Sorolla su buen hacer al conjugar la luz natural del atardecer con la artificial propia del establecimiento; el autor se refirió a esta imagen como abiertamente naturalista: Procuré llevar la sensación de vida que yo veía.
Joaquín Sorolla. ¡Aún dicen que el pescado es caro!, 1894. Museo Nacional del Prado
No pasó demasiado tiempo antes de que Sorolla hiciera del mar su gran motivación como artista, el escenario donde hacer germinar una poética personal en la que tenían cabida la ternura de lo conocido y los procedimientos plásticos de la vanguardia. Esos procedimientos variaban allá donde trabajaba: si en las playas valencianas llevó a cabo representaciones naturalistas que evocan cierto carácter ancestral del paisaje, en las de Jávea se permitió experimentar más a fondo con el color y los procedimientos compositivos, y en las del norte desplegó figuras elegantes vestidas a la moda. En este capítulo podemos destacar la presencia de La bata rosa, muy estimada por el propio pintor, Paseo a la orilla del mar o Chicos en la playa.
Joaquín Sorolla. El baño del caballo, 1909. Museo Sorolla
Una veintena de sus autorretratos y retratos de personalidades ilustres han llegado, asimismo, a las Colecciones Reales (que estrenan director, Víctor Cageao): entre ellos, los de Ira Nelson Morris y sus hijos, el fotógrafo Antonio García en su laboratorio; La familia Benlliure Arana, Santiago Ramón y Cajal o José Echegaray. Y no podían faltar algunos familiares, en los que cobra protagonismo su esposa Clotilde; Sorolla concebía este género como un diálogo mudo entre dos individuos en el que ambos quieren manifestar sus individualidades.
Joaquín Sorolla. La familia, 1901. Museo de la Ciudad, Valencia
Un cuarto apartado del recorrido es para el gran encargo que le realizó Archer M. Huntington, y que sería el más importante de su vida: el del proyecto Visión de España para decorar la biblioteca de la Hispanic Society neoyorquina. Habían de representar estas obras las vestimentas y costumbres populares de todas las regiones de nuestro país con el fin de que el público estadounidense pudiera comprenderlos; la mayoría de las imágenes corresponden a Andalucía y Castilla.
Durante siete años, entre 1912 y 1919, viajó el artista de norte a sur efectuando estudios de tipos de gran formato; cuatro de ellos han recalado en la exposición: los correspondientes a Lagartera, Salamanca, La Mancha y El Roncal. Cuando sus vestidos resultan más corrientes, daba Sorolla mayor presencia al paisaje de fondo.
Joaquín Sorolla. Tipos de Salamanca, 1912. Museo Sorolla
Y ponen un broche final al conjunto, justamente, sus paisajes y jardines: pintó muchos, tanto de forma autónoma como tras las figuras, y le gustaban especialmente las naturalezas contundentes, como las que encontraba en Navacerrada o Guadarrama. En el terreno acotado de los vergeles, se detenía fundamentalmente en los encuadres atrevidos, los reflejos acuáticos y las variaciones lumínicas, con sus consiguientes sombras.
Tan pronto como en 1906 comenzó a experimentar con las matizaciones de luz a través del follaje y a llevar al espacio del jardín algunos de sus retratos, tiempo después lo sedujeron La Alhambra y el Alcázar de Sevilla y bajo su influencia diseñó Sorolla su propio jardín madrileño, el edén de sus años finales, que a su vez plasmaría en sus pinturas desde 1916.
Cierran la retrospectiva telas bien conocidas, como La siesta, Clotilde en el jardín, Jardín de la casa Sorolla, La catedral de Burgos y Jardines del Alcázar de Sevilla. Estudio de sombras. Encandilaron a muchos hace un siglo, y lo siguen haciendo.
Joaquín Sorolla. La siesta, 1911. Museo Sorolla
 
 
 
“Sorolla: cien años de modernidad”
GALERÍA DE COLECCIONES REALES
C/ Bailén, s/n
Madrid
Del 17 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025
 
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Los nuevos museos de Rotterdam: habitaciones con vistas

by alguien | Nov 28, 2024 | Cultural | 0 comments

El próximo año será intenso en lo que concierne a aperturas museísticas en Rotterdam, empezando por su puerto, el más grande de Europa. Albergará a partir de la primavera de 2025 Portlantis, un centro expositivo que también quiere consolidarse como lugar de encuentro y que se distinguirá por sus dimensiones: 3.500 metros cuadrados distribuidos en cinco pisos. Varios de ellos acogerán una exposición permanente, pero también se destinarán espacios a conferencias y a la socialización, y quizá su área más visitada sea su techo panorámico, con amplias vistas del mar y de las propias actividades portuarias.
Se ubicará Portlantis en el área más occidental de esa zona y su fin será, justamente, ilustrar al público en torno a cómo es el funcionamiento de un puerto comercial, en qué consiste el trabajo de sus profesionales y cómo están cambiando este tipo de infraestructuras para responder a desafíos futuros, entre ellos el ecológico.
Portlantis, Rotterdam
A la vuelta del verano, el Nederlands Fotomuseum, museo holandés de la fotografía, se trasladará al Almacén Santos, que recientemente ha sido restaurado con ese fin y que albergará unos fondos compuestos por más de seis millones de imágenes. En sus ocho pisos (la altura parece esencial en los nuevos centros expositivos del país) habrá muestras permanentes y temporales, una librería, una biblioteca sobre este arte, aulas educativas y, de nuevo, un restaurante en la azotea con vistas panorámicas al horizonte de Rotterdam, una ciudad que quizá gane belleza desde los miradores por su carácter eminentemente industrial, pero que tras la II Guerra Mundial también ha visto surgir formas arquitectónicas contemporáneas impensables en poblaciones monumentales o menos arrasadas por la historia.
La elección de este emplazamiento para el Fotomuseum ha tenido que ver con su luminosidad: la planta abierta del edificio y sus fachadas con luz diurna mínima lo hacen idóneo para los objetos fotográficos sensibles a la luz. En el año que resta hasta su apertura, se trabajará en la adición de un nuevo depósito para la colección, que cuenta con trabajos de todas las épocas, desde daguerrotipos a composiciones de Erwin Olaf y Dana Lixenberg; también se acondicionarán aulas educativas y una ubicación especial para la Dutch Photography Gallery of Honor, una compilación de imágenes que narra la historia de la fotografía en los Países Bajos desde 1842 hasta hoy.
Almacén Santos, nueva sede del Nederlands Fotomuseum
Pero el primero de los museos en abrir sus puertas en Rotterdam el año que viene será el ambicioso Fénix, que contará con una colección de piezas de artistas internacionales que en conjunto ofrecerán una narrativa propia sobre la historia de las migraciones. Su inauguración tiene fecha -llegará el 16 de mayo- y tendrá su sede en un edificio de 16.000 metros cuadrados: un antiguo almacén de los años veinte del siglo pasado transformado, completamente, por Ma Yansong, de la firma MAD Architects.
Su techo, de forma ovalada y diecisiete metros de largo, ha sido instalado a una altura de treinta metros, y corona un complejo donde nos llamará la atención el Tornado, una escalera helicoidal que dará paso a una plataforma que promete (sí, otra vez), una bonita panorámica de la ciudad. Ese Tornado, formado por 297 paneles de acero inoxidable, un techo de vidrio ondulado y 12.500 tablas de madera, será, de hecho, una de las construcciones de acero más complejas entre las de este tipo existentes a nivel mundial y simboliza el eje temático del futuro museo: la migración. En su subida, los visitantes determinarán su propio recorrido, tal como las personas toman distintos caminos durante un viaje, forzado o no.
Las construcciones de MAD, estudio chino, suelen destacar por sus formas orgánicas y futuristas, y este será el primer museo europeo diseñado por una firma de ese país (chino es también el barrio donde se asienta, Katendrecht); además del primero en el mundo en abordar las muchas facetas de la migración a través del arte. Sus fondos se completarán con un laberinto de dos mil simbólicas maletas donadas por particulares; la exhibición fotográfica documental “La Familia de los Migrantes”, que probará, a partir de instantáneas pasadas y recientes, en blanco y negro o color, que estos desplazamientos son constantes; y una extensa plaza de acceso libre.
Su ubicación no tiene nada de casual: en el paseo marítimo que rodea este complejo, millones de personas comenzaron nuevas vidas en distintas direcciones. Algunos abordaron barcos con destino a Estados Unidos y Canadá; otros desembarcaron aquí: Katendrecht fue, hace no mucho, hogar de estibadores chinos, marineros caboverdianos y músicos de jazz surinameses.
Hay que recordar también que, entre el 20 de febrero y el 2 de marzo del año que viene, Rotterdam acogerá por vez primera una bienal dedicada exclusivamente al diseño que dará prioridad a la experimentación y la sostenibilidad, y que tendrá por lema What’s Real Is Unfamiliar (se desarrollará en el centro de la ciudad, en el área portuaria Merwe-Vierhaven y en el distrito Zuid), y que otra cita importante allí, desde septiembre, será la presentación de la exposición “Iris van Herpen: Sculpting the Senses” en Kunsthal Rotterdam. Podrán verse un centenar de sus creaciones, que podemos considerar reinterpretaciones personales de la feminidad y también de la alta costura.
Fénix, Rotterdam
 

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PÈL & PLOMA

by alguien | Nov 27, 2024 | Cultural | 0 comments

¿QUÉ ES PÈL & PLOMA?
Una serie de podcast que han desarrollado el Museu Nacional d´Art de Catalunya. MNAC y las Bibliotecas de Barcelona, con el fin de releer las colecciones del centro a través de la mirada de varios escritores actuales.
 
¿EN QUÉ CONSISTE?
A lo largo de cinco episodios, escritores y expertos en los fondos del Museu Nacional d´Art de Catalunya comparten su visión sobre algunas obras del acervo del MNAC; en cada uno de los capítulos un autor propone un texto propio, inédito o ya publicado, inspirado precisamente en una pieza atesorada por el Museu o que pueda relacionarse con ella, y ese trabajo se toma como punto de partida para entablar una conversación relajada sobre la literatura, el arte, la actualidad y la vida en general.
Además de la tertulia grabada ante la obra seleccionada en las salas del MNAC, cada sesión incluye la locución del texto por parte del autor desde el estudio de Radio Maconda, situado en la Biblioteca Gabriel García Márquez.
 
¿QUÉ ESCRITORES PARTICIPAN?
En la primera charla de Pèl & Ploma conversan Pol Guasch y la conservadora de fotografía del MNAC Roser Cambray, a partir de la fotografía de Charles Clifford Muralla del mar y fortaleza de Montjuïc (Barcelona). Próximamente se sumarán María Climent, Jordi Carrión, Raül Garrigasait y Carlota Gurt.
 
¿CON QUÉ PERIODICIDAD SE PUBLICAN ESTOS EPISODIOS?
Esta serie se estrenó el 19 de noviembre y sus sucesivas entregas llegarán mensualmente.
 
¿EN QUÉ CANALES PUEDEN ESCUCHARSE LOS PODCAST?
En el Canal +MNAC y en Radio Maconda, la radio comunitaria de Bibliotecas de Barcelona.
 
¿POR QUÉ PÈL & PLOMA?
El título de esta serie rinde tributo a la revista literaria del mismo nombre dirigida por Ramón Casas, de la que Miquel Utrillo fue redactor jefe y de la que se editaron un centenar de números entre 1899 y 1903.
Pèl & Ploma quiere recoger y actualizar, desde la contemporaneidad, el espíritu de ruptura y modernidad de aquella publicación clave en la cultura de entresiglos.
 
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