Laura Segura Gómez

by alguien | Mar 28, 2026 | Cultural | 0 comments

Fotografía: Eladio Bergondo
NOMBRE: Laura
APELLIDOS: Segura Gómez
LUGAR DE NACIMIENTO: Pedrera, Sevilla
FECHA DE NACIMIENTO: 1985
PROFESIÓN: Artista
 
 
 
 
 
 
Conocimos a Laura Segura Gómez en 2022, y gracias a “Desenvuelto en la envoltura”. Así se llamó la muestra que presentó en la sala Ático del Palacio de los Condes de Gabia de Granada, la ciudad donde reside; la componían tres grandes instalaciones escultóricas elaboradas con materiales de origen natural, como cera de abeja, hilo o madera. Tanto por su forma como por esos mismos materiales, estas obras remitían a las raíces, lo íntimo y a nuestros vínculos con el paisaje.
Graduada en Bellas Artes en la Facultad Alonso Cano de Granada, donde también cursó un máster en producción e investigación en arte, Segura Gómez ha ofrecido otras exposiciones individuales en el Palacio del Almirante, Cocorocó, el Centro de Arte Rey Chico, Arrabal & Cía y Menfis Gallery (Granada), la galería 41 m2 de Jaén, la Marquesa Gallery de Madrid y en Doña Mencía (Córdoba), mientras que su participación en colectivas la ha llevado a centros como el Museo Memoria de Andalucía, la Sala Gran Capitán, el Hospital Real y el Palacio de La Madraza (Granada), MECA. Mediterráneo Centro Artístico (Almería), el MAD de Antequera, el Real Alcázar de Sevilla y, actualmente, al IVAM valenciano.
Desde hace algo más de una década, Laura ha obtenido el Premio Alonso Cano en su modalidad de escultura, el de la Universidad de Granada a la creación artística y científica, el D-Mencia de esa localidad, el Premio a la creación artística de la Diputación granadina y el del Encuentro de Arte Camprovinarte. También ha desarrollado residencias artísticas en el valle de Lecrín (alRaso), la Fundación Huerta de los Frailes (Carchelejo, Jaén), la Fundación Valparaíso de Mojácar, la Fundación Silos, el Centro de Arte y Naturaleza Valdelarte (Huelva) y el Centre d’Art Terres de l’Ebre-Lo Pati, en Tarragona.
Se suma esta artista a nuestros fichados porque queremos profundizar en la importancia que concede en su producción a la naturaleza como origen y espacio primero de vida para el ser humano; y, desde ella, a lo sencillo y esencial que acompaña nuestra vida diaria y que puede contener un sentido trascendente.
Laura Segura Gómez. Desenvuelto de la envoltura, 2021. Palacio de los Condes de Gabia, Diputación de Granada
Laura Segura Gómez. Desenvuelto de la envoltura, 2021. Palacio de los Condes de Gabia, Diputación de Granada
Nos cuenta Laura que su vocación primera por crear con lo que el campo le ofrecía fue temprana y que convergió con el juego: Desde la infancia me recuerdo jugando con la tierra, las ramas, las hojas… Tuve la gran suerte de crecer en contacto directo con la naturaleza. Era una niña muy curiosa, preguntándome mil cosas.
Mi padre trabajaba en una cantera y, siempre que podía, me iba con él para recoger piedras y distintos tipos de tierra. Pasaba horas jugando, sintiéndome libre, construyendo e inventando cosas nuevas. De alguna manera, eso es exactamente lo que sigo haciendo hoy en día: explorar, investigar y crear.
Esos mismos materiales se encuentran en el germen de su trabajo creativo, a su vez centrado, como dijimos, en la exploración de allí de dónde venimos. Recrea lo natural desde los cinco sentidos: Mi investigación artística gira en torno al concepto de origen y a la relación profunda con la naturaleza. Las piezas ponen en valor el proceso creativo como una realidad viva, donde la materia, el tiempo y el gesto construyen el significado. A través del olor, el tacto y el color, busco evocar una conexión primigenia entre el ser humano y la tierra.
A través del olor, el tacto y el color, busco evocar una conexión primigenia entre el ser humano y la tierra.
Laura Segura Gómez. 13º, 2026
Laura Segura Gómez. 13º, 2026
En consonancia con sus inquietudes, sus prácticas, manuales, responden a ritmos ajenos a la prisa. Suele plantear instalaciones a gran escala que transforman los espacios donde se exhiben: Trabajo con materiales naturales, lo que me lleva a procesos lentos, meditativos y profundamente artesanales. Me interesa que cada pieza conserve una conexión directa con su origen y con un tiempo respetado, por eso las técnicas siguen los ritmos de la materia y del propio proceso creativo. Intento trabajar como lo hace la naturaleza, no imitarla; esto me conecta con un plano más espiritual, en el que el medio sigue siendo la propia naturaleza.
En cuanto a los formatos, son muy variables, aunque los retos que más me atraen son las piezas de gran dimensión. Entre ellas se encuentran la gran esfera de “Desenvuelto de la envoltura”, de dos metros y medio de diámetro, o “Una trenza de hierba sagrada”, ́ de aproximadamente quince metros de longitud, entre otras. Este tipo de obras me permite explorar la relación entre el cuerpo, el espacio y las dimensiones, llevando al límite tanto el material como el gesto de creación.
Laura Segura Gómez. Los mil pétalos, 2026
Laura Segura Gómez. 200 veces por segundo, 2023. Festival de Arte Camprovinarte
Laura Segura Gómez. Azufre, mercurio y sal, 2024. Valdelarte Centro de Arte Contemporáneo Medioambiental
Laura Segura Gómez. Cándida, 2023
Entre sus referentes no cita tanto a artistas como al pensamiento oriental y a la propia observación del medio: Mis principales influencias provienen de la naturaleza, no desde la intención de imitarla, sino de comprender sus procesos.
También influyen en mi trabajo distintas filosofías orientales y corrientes espirituales, que aportan una mirada más contemplativa y consciente del proceso creativo. Estas referencias me ayudan a conectar con una dimensión más profunda del hacer, donde lo importante no es sólo el resultado, sino también todo el proceso.
Por eso, en muchas de mis instalaciones, las piezas están acompañadas de videoarte que documenta su proceso de construcción; para mí, es una extensión de la obra, casi como una performance. De esta forma, pasado y presente se unen.
Laura Segura Gómez. De un mundo raro, 2021. Páginas de Barro, Córdoba
Laura Segura Gómez. Faciem, 2020
Laura Segura Gómez. Protecti, 2017
A la hora de hablarnos de sus principales proyectos hasta ahora, comienza Laura por aquel que mostró en la Sala Condes de Gabia: “Desenvuelto de la envoltura” constaba de dos instalaciones: una esfera de 250 centímetros, realizada en hilo con cera de abeja virgen y pigmento natural rojo, frente a una instalación de un círculo de 250 centímetros, realizado con los mismos materiales que la anterior. Completaban la propuesta una tercera instalación de agujas gigantes realizadas en distintas maderas, un poema de María Luisa García Ochoa y el vídeo del proceso de ejecución del hilo encerado.
“Desenvolver la envoltura” es quedarnos con el origen, el núcleo, la raíz, lo íntimo. La esfera como contenedor de vida y como forma que acompaña a todo ser vivo. Las dos instalaciones escultóricas, minimalistas y a gran escala, dialogan entre sí y, a su vez, ponen en diálogo a los espectadores con el espacio expositivo.
Las obras apelan a los cinco sentidos e invitan al público a explorar un recorrido donde el tacto, el color y el olor son la esencia del medio artístico, aludiendo a las diversas experiencias que el mundo natural puede dar al hombre por medio de la materia.
El punto donde el arte se fusiona con la arquitectura constituye una plataforma de interacción entre los visitantes y el entorno, a través de su sensibilidad corporal.
Laura Segura Gómez. Desenvuelto de la envoltura, 2021. Palacio de los Condes de Gabia, Diputación de Granada
Laura Segura Gómez. Desenvuelto de la envoltura, 2021. Palacio de los Condes de Gabia, Diputación de Granada
Una trenza de hierba sagrada se presentó en el Festival Calles en Flor de Cañete de las Torres y ha sido adquirida por el IVAM.
Ese motivo, con múltiples simbolismos históricos y culturales, lo tejió con sisal extraído del agave sisalana, una planta originaria de Yucatán, en México. Su nombre latino procede de la mitología griega, siendo Ágave una de las ninfas a cargo de Dionisos.
Las implicaciones espirituales del acto de trenzar pueden ser múltiples: tiene que ver con la fuerza derivada de la unión y con ritos ancestrales a los dos lados del Atlántico, con el entrelazamiento de historias y la colectividad. Alude, igualmente, al conocido cuento Rapunzel de los hermanos Grimm, en el que el cabello de la protagonista era elemento de evasión y válvula de escape.
Laura Segura Gómez. Una trenza de hierba sagrada, 2022. Festival Calles en Flor, Cañete de las Torres
Laura Segura Gómez. Una trenza de hierba sagrada, 2022
Este mismo año, y con el comisariado de Sema D ́Acosta, ha presentado en Marquesa Gallery la exhibición “Musitar”: “Musitar” alude al acto de susurrar, de hablar en voz baja. El título remite, en primer lugar, a la relación íntima que las piezas proponen con quien las contempla: una comunicación cercana, discreta, que se produce sin estridencias. Una invitación a detenerse y a escuchar.
Pero “Musitar” también habla del tiempo. Del ritmo pausado del hacer, del tempo propio de la obra y de los materiales. Se trata de una forma de trabajo lenta y reflexiva, donde cada gesto se desarrolla con calma, como si los propios materiales hablaran en voz baja durante el proceso.
Escucharlos, permitir que orienten el camino, trabajar de un modo similar al de la naturaleza: sin urgencia, respetando los ciclos y los tiempos necesarios.
Esta práctica se sostiene sobre dos pilares fundamentales. Por un lado, el uso de materiales naturales como la porcelana, la cera de abeja, la madera o la lana. Cada uno de ellos posee una carga simbólica y unas cualidades sensoriales propias —textura, olor, fragilidad, calidez— que resultan esenciales dentro del trabajo.
Por otro lado, la relevancia del proceso de creación en sí mismo. Un proceso lento, consciente, casi ritual, basado en la confianza y en la atención. El tiempo no es un factor secundario, sino un elemento activo que modela la obra y le da sentido.
Las piezas que conforman esta exposición buscan entrelazar naturaleza y espiritualidad, generando un espacio de recogimiento, silencio y presencia. Más que ofrecer respuestas cerradas, proponen una experiencia abierta.
Laura Segura Gómez. Musitar. Marquesa Gallery, 2026
Laura Segura Gómez. Musitar. Marquesa Gallery, 2026
Sus próximos pasos llevarán a Segura Gómez a Málaga: La próxima exposición que tengo programada es una colectiva: “Una historia reciente del arte textil “, comisariada por Alicia Ventura en el Museo Centro de Arte Contemporáneo. MUCAC.
Conoced mejor a Laura aquí: https://lauraseguragomez.com/
Laura Segura Gómez. Plétora, 2024
Laura Segura Gómez. Plétora, 2024
Laura Segura Gómez. Ommmmm, 2026
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El barco de Art Explora atraca en Barcelona e Ibiza

by alguien | Mar 27, 2026 | Cultural | 0 comments

Hoy el Festival Art Explora, con su barco museo, ha atracado por primera vez en el Port de Barcelona, donde permanecerá hasta el 6 de abril, antes de continuar su periplo hasta el puerto deportivo de Ibiza; allí recalará del 23 al 29 de abril. De acceso libre para todos los públicos, este festival transforma cada puerto adonde llega en un polo cultural, organizando exposiciones, experiencias inmersivas y actuaciones en directo, a bordo del barco y también en tierra.
En Barcelona, la cita nos espera en el muelle de Barcelona Nord, espacio público del Port Vell que se abrió a los ciudadanos hace un año; Art Explora es el primer gran evento cultural que se celebra allí.
Iniciado en 2024 en su actual formato, este festival es un proyecto itinerante que navega por mares y océanos desde el propósito de ampliar el acceso a las artes contando con comisarios y creadores locales. Después de once escalas -el año pasado, Durrës, Niza, Rijeka, Atenas y Limassol- y de superar los 350.000 visitantes, Cataluña y Baleares son sus próximos destinos.

Diseñado por los arquitectos Axel de Beaufort y Guillaume Verdier, este catamarán de vela puede albergar hasta 2.000 visitantes al día. A bordo, el público encontrará un recorrido sonoro inmersivo creado por el IRCAM (Instituto de Investigación y Coordinación Acústica/Música del Centre Pompidou de París); se trata de un paisaje sonoro mediterráneo -rural, urbano y cultural- acompañado de una experiencia de realidad virtual que busca permitir a los espectadores viajar en el tiempo hasta Alejandría, Atenas y Venecia en sus épocas de esplendor.
En el puerto, otros tres pabellones expositivos amplían la experiencia. El primero es Present, creado junto al Museo del Louvre; cuenta con otra exhibición inmersiva de gran formato dedicada a las figuras femeninas de las civilizaciones mediterráneas, desde la Victoria de Samotracia a las mujeres anónimas.
En el Pabellón Central, volcado en el arte moderno y contemporáneo, la muestra “Bajo el Azur”, comisariada por Rebecca Lamarche-Vadel y Blanche de Lestrange, nos invita a explorar el Mediterráneo como un espacio de mito, memoria y tensión a través de composiciones de artistas históricos y contemporáneos. Destacan la escultura monumental de Marguerite Humeau The Dead (A drifting, dying marine mammal); Gens de la mer de Joan Miró; y las películas submarinas del francés Jean Painlevé.
En cada escala de Art Explora, un objeto patrimonial procedente de una colección local ancla la exposición en la historia marítima de esa ciudad; en Barcelona, será una pieza del Museo de Arqueología de Cataluña.
Por último, el Pabellón de la Fotografía nos trae “Contra ; Corriente”, una exposición de artistas del mundo árabe que se sumergen en asuntos como la migración, el exilio y la hospitalidad en el Mediterráneo. Pueden verse Anya (Straight Stories – Part 2), de Bouchra Khalili; la instalación específica para este espacio Mass Struggle, de Akram Zaatari; y Liquid Traces – The Left-to-Die Boat Case, de Forensic Oceanography. Son sus comisarios Amanda Abi Khalil y Danielle Makhoul.
Además, Art Explora constará de actuaciones, charlas, proyecciones y conciertos desarrollados en diálogo con el contexto mediterráneo y la escena artística local, organizados junto a Rosa Lleó. Podremos acudir a la performance internacional El feo Todo, de Poncili Creación y Bartira; a conciertos de res_ + Coral de Canigó, Nadah El Shazly y Nkisi; o a sesiones de DJ de Ikram Bouloum, Adrasha y Jokkoo Collective.
Joana Hadjithomas y Khalil Joreige. Remember the light, 2016 © los artistas, In Situ – Fabienne Leclerc (Gran París) y The Third Line (Dubái)
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Dumile Feni, el Guernica del apartheid

by alguien | Mar 25, 2026 | Cultural | 0 comments

La historia no se repite, pero rima. Esta cita, que se ha atribuido sin pruebas a Mark Twain y que, a fuerza de repetirse, ha terminado por convertirse en un mantra de nuestro tiempo, pone nombre a un nuevo ciclo de exposiciones en el Museo Reina Sofía. Se desplegará frente a su Guernica y nos enseñará piezas que contengan paralelismos temáticos o estéticos con el mural picassiano y procedan de otros contextos geográficos y culturales; el objetivo será dar a conocer al público escenas artísticas que, hasta épocas recientes, han quedado relegadas en la historiografía tradicional.
La primera de ellas es la sudafricana. Este capítulo tiene como protagonista a Dumile Feni, cuya vida fue breve (no alcanzó los cincuenta años, de la década de los cuarenta a los noventa), pero suficiente para plasmar las condiciones de la existencia cotidiana de muchos bajo el apartheid, en composiciones donde tienen cabida el mito y la fantasía y que beben de sus raíces culturales, de la artesanía y la cerámica de su país, sus máscaras y su idiosincrasia, pero que, asimismo, se nutren de su vocación cosmopolita.
Dibujante compulsivo que llevó a cabo centenares de trabajos, fue del todo autodidacta, pero sí pudo empaparse de la escena creativa vibrante de Johannesburgo en los sesenta; pese a la segregación que afectaba a los artistas negros, fue un buen momento para el jazz y el teatro, cuando sortearon las prohibiciones, y también varias galerías mostraron sus creaciones.
En ese contexto surgió la obra que centra esta nueva exposición del Reina Sofía, comisariada por Tamar Garb: African Guernica, que pudo verse por primera vez en 1967 en la Gallery 101. No fue el artista quien la tituló, pero efectivamente Picasso era muy conocido en ese momento en Sudáfrica, gracias a las reproducciones -también Goya o Käthe Kollwitz- y Dumile Feni entabló con él un diálogo consciente y a escala monumental, sin despegarse por ello de la cosmología que le resultaba más cercana. No eran muchos los autores -lo ha apuntado hoy Garb- que usaban lápiz y carboncillo para trazar pintura de historia; ésta lo es.
Dumile Feni. African Guernica, 1965. National Heritage and Cultural Studies Centre, University of Fort Hare. © Estate Dumile Feni and Dumile Feni Family Trust
Es sabido por todos que muchos trabajos de Picasso, y su misma trayectoria, no serían los que son si no fuera por su conocimiento de la escultura africana, que coleccionó, así que, teniendo en cuenta que Feni propone en African Guernica un homenaje a sus raíces además de una mirada propia a la influencia europea (monocromatismo, distorsiones, fragmentación de las figuras), los vínculos entre ambas piezas, ahora frente a frente, pueden abordarse desde múltiples perspectivas e implican el cierre de varios círculos. Además de encarnaciones muy distintas de la modernidad: la del sudafricano desafiaba, asimismo, la creencia de que los artistas negros habían de producir fundamentalmente arte nativo o artesanía enfocados al gusto del turismo.
En cuanto a su trasfondo temático y reivindicativo, una y otra composición responden a situaciones violentas y deshumanizantes -por eso la comisaria se refiere a ellas como tótems antitotalitarios-, pero, como es fácil de entender, ni mucho menos equivalentes. Picasso realizó el Guernica tras un año de Guerra Civil, y su imagen sería emblema del antibelicismo, mientras que la pieza de Feni, en cuyo cristal se refleja inesperadamente la anterior, no alude a un conflicto abierto, sino a la brutalidad menos ruidosa del racismo, plasmando una pesadilla en la que figuras humanas pero híbridas interactúan con la naturaleza de modos desacostumbrados.
Dumile Feni. Saying no, 1967. © Estate Dumile Feni and Dumile Feni Family Trust
Junto a African Guernica, que sale por vez primera de Sudáfrica, se exhiben en el MNCARS tres dibujos monumentales realizados, igualmente, en Johannesburgo en los sesenta y otros dos elaborados más tarde, en el exilio, primero en Londres y luego en Nueva York; en esta última ciudad murió Feni, ya que no pudo regresar.
Todas estas piezas proceden de colecciones sudafricanas, públicas y privadas. Las tres obras más tempranas son The Classroom, Woman and Boy y Saying No. En la primera, figuras dispersas por todo el papel parecen desafiar las normas de la segregación escolar; en la segunda, una mujer semejante a una estatua ancestral sostiene a un niño como si él también fuera una figurilla arcaica; la tercera encarna su negativa a que su creación se etiquete como arte nativo.
Ya en Londres, a mediados de los cincuenta, se empleó en un extensísimo diario visual sobre un rollo de papel de más de cincuenta metros de longitud. Parte de él lo veremos en una vitrina (y el resto en vídeo): ofrece una procesión de criaturas fantásticas, nombres propios, referencias poéticas… en las que dio cuenta de su visión del mundo y de su labor cotidiana. Y la pieza última del conjunto es el trabajo, de nuevo a gran formato y en carboncillo, Hector Pieterson (1987), que se inspira en una fotografía tomada al niño asesinado en 1976 durante la revuelta de Soweto, en la que fueron masacradas 176 personas que protestaban por el apartheid. Feni convirtió al pequeño, llevado en brazos por otro joven como en la Pietà del Guernica, en estandarte de la inocencia arrasada.
Aunque, en el paso de las décadas, la figura de Dumile Feni ha sido ampliamente politizada, no podemos decir que fuese un artista de trinchera. Se interesó por los modos en que el arte podía ser más útil a la sociedad, y enfrentarse a la opresión y la censura, pero sobre todo en un sentido intelectual: fue contrario al uso de la creación como propaganda y, según ha señalado Garb, de la consideración de los artistas como trabajadores de la cultura.
Dumile Feni. You Wouldn’t Know God if he Spat in your Eye (detalle), 1975. Wits Art Museo Collection, Johannesburg. ©Estate Dumile Feni and Dumile Feni Family Trust
 
 
“Dumile Feni: Guernica africano”
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA. MNCARS
C/ Santa Isabel, 52
Madrid
Del 25 de marzo al 22 de septiembre de 2026
 
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