Un siglo, un compromiso, dos colecciones

by alguien | Abr 24, 2026 | Cultural | 0 comments

Si pensamos en la colección artística de la Fundación Bancaja, lo haremos muy pronto también en Sorolla: el artista valenciano, sus composiciones marinas y su ¡Triste herencia! son la insignia de estos fondos, que paulatinamente venimos conociendo en las salas de exposiciones de esta institución y en los préstamos que concede. Este pintor, en todo caso, no debe opacar la riqueza de un acervo que cuenta con trabajos fechados entre los siglos XV y XXI: casi 3.000 piezas de autores nacionales e internacionales, entre pinturas, esculturas, fotografías y grabados, con otra presencia muy destacada, la de Picasso.
La colección de arte ABANCA, otro de los fondos fundamentales en nuestro país entre los vinculados a entidades bancarias, viene consolidándose, por su parte, desde hace treinta años y consta de cerca de 1.400 obras de más de dos centenares de artistas, entre pinturas, esculturas, fotografías, grabados, dibujos e instalaciones.
Destinada desde un inicio a la permanencia, el conocimiento y la divulgación pública, otorga, en su caso, un gran protagonismo a creadores gallegos (Castelao, Laxeiro, Arturo Souto, Isaac Diaz Pardo, Luís Seoane, Urbano Lugrís, Maruja Mallo, Leopoldo Nóvoa o Francisco Leiro), pero no faltan los grandes nombres españoles e internacionales: de Salvador Dalí a Picasso, pasando por Max Ernst, George Braque, Manolo Millares, Antonio Saura, Eduardo Chillida, Cristina Iglesias, Juan Muñoz, Juliâo Sarmento, Sean Scully, Susana Solano o Miquel Barceló.
Compromiso con el arte. De Miró a Barceló. Fundación Bancaja, 2026
Compromiso con el arte. De Miró a Barceló. Fundación Bancaja, 2026
ABANCA y Fundación Bancaja han unido fuerzas para subrayar, en una exposición que puede visitarse desde hoy en la sede valenciana de la última institución, el peso de sus respectivos fondos en el panorama del coleccionismo privado de arte contemporáneo, en el terreno patrio y más allá.
La exhibición “Compromiso con el arte. De Miró a Barceló”, comisariada por Fernando Castro Flórez, plantea un recorrido retrospectivo por la creación de los siglos XX y XXI: las composiciones seleccionadas se fechan entre 1913 y 2023. Esta exposición ya pasó por Afundación, en A Coruña en 2025, pero con motivo de esta itinerancia se han renovado las piezas escogidas, que esta vez suman casi noventa, en distribución equitativa en cuanto a sus dos procedencias.
Los artistas representados superan el medio centenar, y entre sus trabajos se ha procurado establecer diálogos estéticos que resulten instructivos para el público.
Picasso, Miró, Kandinsky, Georges Braque, Juan Gris, Paul Klee, Joaquín Torres García, Marc Chagall, Giorgio De Chirico, André Lhote o Jean Metzinger darán cuenta de la primera irrupción parisina de las vanguardias y de los muchos caminos para la ruptura que aparejó el arranque del siglo XX; Antonio Saura, Rafael Canogar, Manolo Millares o Antoni Tàpies serán algunos de nuestros representantes informalistas en la exposición; y Soledad Sevilla, Eusebio Sempere o José María Yturralde serán los adalides, en el recorrido, de la geometría y su rigor.
Los abstractos en Valencia van a ser, entre otros, Sean Scully, José Manuel Broto, Antón Lamazares, José María Sicilia, Miguel Ángel Campano o Günther Förg; la figuración y el pop crítico llegarán de manos de Equipo Crónica, Luis Gordillo o Darío Villalba; y las derivas ricas e inclasificables de la pintura, la escultura y la instalación en las últimas décadas quedarán a cargo de Anzo, Juan Barjola, Juan Navarro Baldeweg, Barceló, Miquel Navarro, Cristina Iglesias, Urbano Lugrís o Julian Opie.
Compromiso con el arte. De Miró a Barceló. Fundación Bancaja, 2026
 
Compromiso con el arte. De Miró a Barceló. Fundación Bancaja, 2026
 
 
“Compromiso con el arte. De Miró a Barceló”
FUNDACIÓN BANCAJA
Plaza de Tetuán, 23
Valencia
Del 25 de abril al 6 de septiembre de 2026
 
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La Biblioteca de Nínive: el conocimiento es poder desde el siglo VII a.C.

by alguien | Abr 24, 2026 | Cultural | 0 comments

Dicen que para que un niño aprenda a leer necesita cuatrocientas horas, pero para convertirse en un buen lector hacen falta, como mínimo, cuatro mil. Lo primero no depende sólo de uno mismo, lo segundo sí.
Es imposible saber cuántas horas pudo leer el monarca asirio Asurbanipal, en el tiempo en que no guerreara, pero no debieron ser pocas si nació en él el impulso de crear la primera biblioteca que compendiara todo el conocimiento alcanzado hasta aquel momento, el periodo intermedio del siglo VII a.C. Atesoró en Nínive (hoy Mosul, en Irak) decenas de miles de tablillas con escritura cuneiforme; es imposible saber exactamente cuántas fueron, pues sus restos se hallaron dispersos, pero 32.000 tablas y fragmentos son las que conserva el British Museum, excavados en distintos lugares del túmulo de Kuyunjik.
Se supone que la mayoría fueron recopilados o producidos por orden del mismo rey, que lo fue entre el 669 y el 630 a. C., pero varios serían anteriores.
Quienes, a las órdenes de Austen Henry Layard, excavaron este emplazamiento en el ecuador del siglo XIX no tardaron en percibir que habían dado con una probable biblioteca real: por el contenido de las tablillas (muchas de carácter académico, aunque también las había de temática religiosa, médica, adivinatoria o mítica); por sus materiales de acabados muy conseguidos, gracias a la arcilla fina; por la alta calidad de la caligrafía… y por el hecho de que, en un examen más detenido, hallaran en casi todas las muestras conservadas, o que pudieron ser más o menos reconstruidas, una inscripción que indicaba que pertenecían al rey Asurbanipal.
Esta biblioteca no fue para él un instrumento de propaganda, ni el capricho propio de un monarca que podía concedérselo, ni siquiera (sólo) un espacio donde cultivar su intelecto o su espíritu. Se trató de una herramienta de poder: el conocimiento lo otorgaba y el saber sostuvo su reinado como no había ocurrido antes en 3.500 años de cultura (de escritura) cuneiforme. Todo el saber reunido en Mesopotamia estuvo allí hasta que Asiria cayó y la biblioteca fue quemada durante el saqueo de Nínive en el 612 a. C. Paradójicamente, el fuego lograría preservar esas obras.
Layard, que sería director del British Museum más tarde, fue sólo parcialmente consciente de la importancia del hallazgo, temeroso de que las labores de traducción se extendieran por décadas: No podemos sobrestimar su valor. Nos proporcionan materiales para el desciframiento completo de la escritura cuneiforme, para la reconstrucción de la lengua y la historia de Asiria, y para la investigación de las costumbres, las ciencias y, podríamos añadir, la literatura de su pueblo. Los documentos descubiertos en Nínive probablemente superan con creces todo lo que ofrecen los monumentos de Egipto. Sin embargo, deberán transcurrir años antes de que se puedan reunir los innumerables fragmentos y transcribir las inscripciones para el estudio de la escritura cuneiforme, en Inglaterra y otros lugares.
En efecto, su contenido sigue siendo una mina de oro para los estudiosos de disciplinas muy diversas y una fuente de fascinación para el público en general. Respondiendo a ese interés, y basándose en siglo y medio de investigación académica, el British Museum emprendió Ashurbanipal Library Project, la puesta a disposición de los amantes de la historia, de forma completa y gratuita, del legado ingente de Asurbanipal.
Montaje de la biblioteca de Asurbanipal en el British Museum, 2018-2019. Trustees of the British Museum. CC BY-NC-SA 4.0
Se trata de la traslación digital de sus tablillas, una de las fuentes primarias esenciales para conocer la cultura asiria, y esos textos se completan con imágenes de alta calidad y fotografías realizadas desde la década de 1850. El catálogo se actualiza y mejora constantemente y su diseño se ha concebido, precisamente, para estimular el interés y facilitar la enseñanza y la investigación.
La del propio museo no ha concluido, con el objetivo último de comprender la composición y el funcionamiento de la biblioteca.
Ashurbanipal Library Project surgió hace más de dos décadas, en 2002, con la colaboración de la Universidad de Mosul. Se ha ido desarrollando en fases sucesivas, en las que han participado expertos de primer orden, como Jeanette Fincke, que elaboró ​​una lista de las 3.500 tablillas de la biblioteca escritas en escritura babilónica y estudió los textos astrológicos de adivinación en escritura asiria; o Riekele Borger, que antes de su muerte en 2010 trató de catalogar el fondo.
Entre 2009 y 2013, con el apoyo de la Fundación Andrew Mellon, se produjeron imágenes digitales de alta resolución de todas las tablillas, cada una dividida en catorce partes, que representan el despliegue virtual del objeto 3D en un facsímil 2D. Todas las caras de cada pieza son visibles en una sola imagen y pueden consultarse online.
Desde 2014, los esfuerzos se han dirigido a actualizar y mejorar el catálogo y se han iniciado dos proyectos esenciales: la reconstrucción de textos médicos y la investigación, a partir de las notaciones de los escribas en las tablillas (los llamados colofones), de la magnitud, el alcance, las fuentes y el funcionamiento de la colección.
Se ha avanzado mucho y mucho queda por saber, pero el British cuenta ya con algunas conclusiones: la mayoría de los textos de Nínive son presagios y el extenso corpus de cartas y documentos administrativos ofrece patrones enigmáticos en su ordenación.
Dado que pocas tablillas de la biblioteca están completas, se siguen identificando y reuniendo fragmentos, y se detectan manuscritos duplicados para restaurar, editar y traducir las composiciones. El ritmo de reunificación de fragmentos se ha multiplicado por diez en los últimos años con respecto al promedio histórico y se publican constantemente trabajos basados ​​en los textos de la biblioteca. El museo aspira, asimismo, a mantener una bibliografía actualizada de la investigación.
Los frutos nos esperan aquí: https://oracc.museum.upenn.edu/
L.W. King. Excavaciones en Nínive, 1904-1905. Trustees of the British Museum. CC BY-NC-SA 4.0
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Marina Adams, cuerpo y mente de la abstracción

by alguien | Abr 22, 2026 | Cultural | 0 comments

La Peter Blum Gallery de Nueva York acoge una retrospectiva de obras sobre papel de Marina Adams, cuyo recorrido abarca tres décadas desde 1994 hasta 2025.
Adams, residente en Nueva York e Italia, ha desarrollado un lenguaje abstracto claro y potente que analiza las posibilidades de la forma y el movimiento a través del poder estructural del color. Al entender la abstracción no como teoría, sino como una “síntesis de cuerpo y mente”, su trabajo abraza lo que John Keats denominó “capacidad negativa”: la habilidad de existir en la incertidumbre y el misterio sin aferrarse a los hechos ni a la razón. Inspirándose en la naturaleza, los textiles y las cadencias rítmicas de la poesía y la música, Adams propone un diálogo atemporal con artistas de las vanguardias —como Henri Matisse, Joan Mitchell y Willem de Kooning—, manteniendo al mismo tiempo una voz propia.
En sus creaciones, contenidos y formas intercambian una y otra vez sus posiciones, sugiriendo esas últimas recipientes, y el dibujo y la pincelada trazan los contornos de un espacio personal. El montaje esboza una evolución circular de dicha forma en el vocabulario visual de Adams, comenzando con su estancia en Italia durante los noventa. Inspirada en las estructuras esenciales de los pinos piñoneros, su serie Roma (1994) articula la relación entre línea y forma, y en ella el borde de un árbol se convierte en el borde de una hoja. Como reflejo de su posterior traslado a Long Island en 2021, las obras más recientes de la exposición, de 2025, revelan un retorno a la naturaleza en “formas arbóreas” que han ido derivando hacia una arquitectura rítmica donde lo orgánico y lo geométrico se vuelven indistinguibles.
Una pieza clave de la presentación es la obra de gran formato llamada 1996_135x119. Esta composición integrada por tres láminas contiguas, perteneciente a una serie que se exhibió por primera vez en el loft de Heide Fasnacht en TriBeCa en 1996, destaca por su energía gestual y la influencia perdurable de las formas naturales. Asimismo, varios ejemplos de la serie Erótica, de la década de los 2000, establecen un vínculo con sus abstracciones más depuradas: a través del collage y la apropiación de imágenes del Shunga japonés y el Kama Sutra, la artista utilizó telas encontradas para “revelar y ocultar” formas sexuales. Ese impulso inicial de superponer y cubrir se ha transformado desde entonces en una exploración de cómo el color y la forma ocupan el espacio como una presencia singular.
Marina Adams. Works on Paper: A Survey. Peter Blum Gallery
La experiencia colectiva se explora más a fondo en obras de gran envergadura, como New Alphabet (2010), compuesta por veinte hojas. Las formas de Adams adquieren en ella la fuerza de un léxico de símbolos saturados de color que resultan a la vez ancestrales y novedosos, sugiriendo una comunicación que trasciende el lenguaje. Body and Soul (2017), entretanto, va más allá, canalizando el espíritu de improvisación de la música clásica afroamericana y la fluidez de la forma humana. En este caso, las formas de los recipientes se hacen más evidentes: líneas curvas y orgánicas que evocan el hueco de un violonchelo o el arco de un torso en colores saturados.
Italia Tre (2019) refleja un retorno a la luz y la paleta del Mediterráneo, donde el equilibrio entre lo difícil y lo fácil se manifiesta en vibrantes planos de color entrelazados. Y el énfasis en lo orgánico y lo inmediato se evidencia en otra obra más reciente, La Danse (2024), que, compuesta por nueve hojas, funciona como una arquitectura rítmica donde la distinción entre las formas arbóreas de sus años formativos y su geometría posterior se entrelazan.
Un aspecto central de las obras de Adams es su rigor técnico y su compromiso con la transparencia, como se aprecia en composiciones tardías con gouache, acrílico, Flashe y crayón, evitando el brillo reflectante del óleo. Estos medios permiten mayor rapidez en la ejecución, capturando la energía del gesto inicial antes de que pueda ser sobrepensado. Sin embargo, en obras de series como A Series of Dreams (2022), Adams también empleó acuarela para conseguir un aspecto translúcido, y onírico, que se aparta de sus imágenes más opacas.

 
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