La semilla de la higuera sagrada, la épica del cine iraní

by alguien | Feb 1, 2025 | Cultural | 0 comments

Mohammad Rasoulof inició su trayectoria como cineasta hace más de veinte años y, si bien sus primeros largometrajes tuvieron un eco más o menos limitado (The Twilight, La isla de hierro, The White Meadows), los que viene realizando desde hace aproximadamente una década han sido ampliamente reconocidos en los festivales europeos (Goodbye, Manuscripts Don’t Burn y Un hombre íntegro obtuvieron premios en la sección Un Certain Regard de Cannes y La vida de los demás se llevó el Oso de Oro en Berlín, en 2020, y el Premio de Cine de Sídney en 2021).
Al igual que su amigo Jafar Panahi, otro de los directores iraníes que mayor oportunidad hemos tenido de conocer en Occidente -junto a Asghar Farhadi-, Rasoulof ha sido sometido a numerosos juicios y prohibiciones por parte del gobierno de su país a raíz del compromiso que ha manifestado en sus películas; desde la pasada primavera se encuentra, de hecho, exiliado en Alemania y allí ha manifestado su voluntad de seguir filmando trabajos vinculados a la realidad social de Irán y que puedan interesar al público europeo.
Ese doble propósito se hace evidente en La semilla de la higuera sagrada, su obra ahora en cines y candidata al Óscar a la Mejor Película Internacional 2025; puede fácilmente percibirse su estructura en dos partes: una primera en la que asistimos a las primeras rebeliones tras el arresto y asesinato de Mahsa Amini reclamando la libertad de las mujeres en Irán, y a la brutalidad con que fueron reprimidas, imbricándose secuencias reales grabadas aquellos días con la vivencia ficcional de esos hechos por parte de una familia; y una segunda, traslado geográfico mediante, en la que la trama, que ya nos había dejado atisbar un principio de thriller, se sumerge del todo en esa senda para ofrecernos el desarrollo de un oscuro conflicto familiar que no deja de suponer sino la traslación al ámbito privado de aquel otro conflicto y brutalidad pública.
En ese primer desarrollo de La semilla…, la narración conecta con los relatos enlazados de La vida de los demás, historias sobre víctimas de la pena de muerte que no lo eran de forma directa: se trataba de verdugos y cercanos a los ajusticiados envueltos en un sistema que los somete a la culpa y al dolor, a la decisión de afrontar las consecuencias de la resistencia moral o las de plegarse a las normas. Los protagonistas de lo nuevo de Rasouluf son un matrimonio y sus dos hijas adolescentes: él, como juez reciente que busca un ascenso, es presionado para aplicar los mayores castigos a la masa de jóvenes que se rebela; su mujer, cuya actitud remite en ocasiones a la de la esposa de Rudolf Hoss en La zona de interés, parece más interesada por la prosperidad material que por los escrúpulos éticos; y las jóvenes se alinean, en la medida de lo posible, con la causa de las protestas. La familia nada entre las aguas del deseo de bienestar que ofrece el nuevo (y sanguinario) empleo del padre, al que se ha querido llamar Imán, y la incomodidad con la violencia.
El macguffin que desencadena el arranque del thriller es la desaparición de la pistola que se ha concedido al propio Imán para su seguridad, aparentemente en su casa. Ese suceso parece hacer evolucionar al personaje: primero padre ausente, pero razonable y moderado, deviene desconfiado hasta el punto de someter a su mujer y a sus hijas al interrogatorio espeluznante de un experto y, después, de conducirlas a la casa familiar de su infancia, aislada en el campo, con el pretexto de recuperar la unidad familiar. Allí tiene lugar un intento de secuestro, que finalizará en persecución abierta con ecos de El resplandor, con un desenlace, algo impactante y excesivo, que apunta al que el director desearía para la lucha en la que en aquellos días se encontraba sumido su país: el de la victoria de la cordura en este caso representada por las mujeres y, muy especialmente, por las más jóvenes.
A medio camino, por tanto, entre el cine social y el de suspense, Rasoulof nos deja una película que, examinada en sus costuras narrativas, ofrece algunas incoherencias -transiciones difíciles en el carácter de ambos padres y en la relación del matrimonio- y un final que no responde a la complejidad y matices del conjunto del filme, pero que en ningún momento pierde el pulso durante casi tres horas de metraje. Resulta magnética en su fondo y su forma (en una de sus mejores secuencias, la mano materna recoge con tacto y decisión los muchos perdigones disparados al rostro de una joven inocente, convertidos por el buen trabajo en fotografía en semillas de la revolución) y deja poso, además de por la valentía del director en su contexto particular, por translucir el lastre del integrismo en las vidas cotidianas, y las psicologías, de la gente corriente.

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Cristina Reid

by alguien | Ene 31, 2025 | Cultural | 0 comments

NOMBRE: Cristina
APELLIDOS: Reid
LUGAR DE NACIMIENTO: Nueva York
FECHA DE NACIMIENTO: 1993
PROFESIÓN: Artista
 
 
 
 
 
La última edición de Art Nou, el pasado verano, nos dio la oportunidad de conocer a Cristina Reid, nacida en Nueva York y establecida en Barcelona. En Espai Souvenir presentó Maintenance, una instalación, compuesta por imágenes encontradas y textiles, que proponía nuevos modos de narrar. Haciendo referencia al Manifiesto para el arte del mantenimiento de Laderman Ukelis, que dividía la sociedad entre quienes participaban en labores de desarrollo (de innovación y vanguardia) y de mantenimiento (conservación, repetición y cuidado), asociaba esas fotos y esas telas a esta última vertiente y a la preservación tanto de la tierra, el hogar, la mente y el cuerpo como de las estructuras sociales y políticas; se preguntaba, además, la artista si hoy no somos todos trabajadores de mantenimiento y qué es aquello que, de forma monótona y continua, nos empeñamos en conservar.
Licenciada en Historia del Arte en la Syracuse University, Reid se ha formado también en el marco del Metàfora Studio Arts Program y defendió su tesis en el Centro de Estudios del MACBA. Actualmente es residente en Tangent Projects, cursa un máster en Producción e Investigación Artística en la Universidad de Barcelona y ha participado en muestras colectivas o a dúo, desde 2021, en el Mutuo Centro de Arte, 200 Cent, el Centro Cívico Barceloneta, FOC, la Galería Joan Prats (Espacio Poblenou) y los centros cívicos Can Verdaguer y Guinardó, en Barcelona; asimismo ha llevado a cabo residencias en la Casa d’Artistes de ES Far Cultural (Menorca) y Tangent Projects (L’Hospitalet de Llobregat), ha sido asistente para EThall y Arash Fayez, ha desarrollado prácticas en la biblioteca de los Uffizi y formó parte del programa de proyecciones Arte en la Plaza de la Sala Equis madrileña.
Esta autora se suma a nuestros Fichados porque queremos saber más de sus indagaciones en los lazos de la actual cultura visual y las pasadas narrativas del arte y en el modo en que las estructuras de autoridad se hacen notar tanto en el funcionamiento de las imágenes como en la conciencia colectiva.
Cristina Reid. Maintenance
Sus comienzos, nos explica, tienen que ver con su voluntad de aunar sus estudios con la práctica creativa, de explorar la vigencia de los postulados pasados en el presente y los caminos por los que aquellos pueden ser cuestionados: Empecé a trabajar como artista hace unos quince años, durante mi formación universitaria en la Universidad de Syracuse (Nueva York), donde estudiaba Historia del Arte con especialización en el Renacimiento italiano. Durante esa época, estudié artes visuales y me atraía la idea de combinar ambas disciplinas en una práctica artística visual. Siempre he pensado en cómo se construyen los discursos históricos y en cómo el trabajo con imágenes y material encontrados puede romper o cuestionar estas estructuras y experimentar con la narrativa. Esto es y ha sido constante en mi trabajo desde el principio.
Como decíamos, interesa a Reid encontrar sentidos y lecturas ocultas en las imágenes que ejercen, sin embargo, su influencia sobre quienes las contemplamos, los modos en que el poder se sirve de ellas con el fin de controlar o dividir, o las derivas, los frutos, de ese trabajo de mantenimiento que suele quedar opacado por aquel otro más visible: Investigo y trabajo con imágenes y sistemas de información, mostrando cómo se infiltran en la conciencia colectiva. A menudo busco las formas ocultas en imágenes, texto y vídeo, y me planteo cómo elementos fuera del lenguaje, como el sonido, el color y la luz, pueden afectar a nuestra comprensión del pensamiento tradicional y articular lo no dicho. En este marco he investigado temas como las narrativas históricas dominantes, la vigilancia, la polarización y el trabajo invisible.
Investigo y trabajo con imágenes y sistemas de información, mostrando cómo se infiltran en la conciencia colectiva.
Cristina Reid. Red, 2021
Cristina Reid. Red, 2021
Las imágenes son su material primario, pero basándose en ellas trabaja en técnicas diversas; esa disparidad forma parte de su discurso: Como mi práctica se basa en la imagen, suelo trabajar con el collage como punto de partida, para luego pasar al vídeo de imágenes encontradas, la instalación y el multimedia. Creo que esta forma de trabajar es constante en mi práctica debido a mi interés por las formas de pensamiento y comportamiento existentes. Pienso que combinar medios y lenguajes es una forma interesante de romper o hacer visibles estas estructuras.
Entre sus referentes cita tanto a ensayistas como a artistas que, normalmente utilizando el vídeo, han reflexionado sobre la memoria, la temporalidad, los sistemas de categorización y clasificación en un sentido amplio o los efectos de la circulación global de imágenes: Algunas referencias son artistas visuales y cineastas como John Akomfrah, Christian Marclay, Taryn Simon, Adam Curtis e Hito Steyerl, y ensayistas y escritoras como Joan Didion, Silvia Federici y Rebecca Solnit.
Sus principales proyectos hasta el momento corresponden a instalaciones y ensayos en vídeo, aunque como señalábamos al principio también se ha valido de textiles y grabados. Comienza hablándonos de la instalación videográfica Ctrl + Shift + 5: Definition of Red, en la que examinaba lo que ha llegado a sugerirnos el color rojo y el modo en que puede influirnos en relación con política y lenguaje, a veces de manera evidente y otras en absoluto: Esta videoinstalación es un ensayo visual que ofrece una definición semiótica e idiosincrásica del color rojo, destacando la ambigüedad del lenguaje y la complejidad de las estructuras lingüísticas. Toma una sola palabra y alude a sus infinitas definiciones, expresiones, metáforas y asociaciones. Examina cómo el “rojo” ha sido instrumentalizado histórica, política y comercialmente para vender objetos o ideologías, así como su papel subliminal en la construcción de percepciones de género, poder, deseo e identidad. Esta investigación hace referencia a la biopolítica; cómo las estructuras de poder, cómo el lenguaje, se infiltran en todos los aspectos de la vida y la conciencia humanas a través de la educación que recibimos y los medios de comunicación que consumimos. El rápido movimiento de las imágenes y los datos en el vídeo refleja nuestra relación actual con la tecnología. La frenética energía de la era digitalizada en la que vivimos y la enormidad de datos que consumimos hacen imposible definir ninguna palabra, idea o concepto en particular, ni siquiera algo tan ostensiblemente simple como un color.
Cristina Reid. Ctrl + Shft + 5: Red
Cristina Reid. Ctrl + Shft + 5: Red
Otra instalación videográfica, This is a Diptych, examinaba las razones de nuestra tendencia a la dualidad y recordaba la importancia de tener en cuenta los matices (los grises, cromáticamente hablando): This is a Diptych es una videoinstalación multicanal que explora las formas en que las cosas se polarizan o dividen en dos, y cómo este gesto se ha instrumentalizado para construir determinadas formas de pensamiento. La instalación consiste en cinco proyecciones que conversan entre ellas y un audio que recita una recopilación de notas sobre la cuestión de las dicotomías.
Llama la atención sobre la complejidad de las dualidades convencionales y el amplio espectro de posibilidades que existen dentro del espacio liminal entre “opuestos”. Desafía la definición estable de díptico (obra de arte que consta de dos caras) y la utiliza como parámetro para explorar las dicotomías, la idea del otro, el reflejo, los pares, los polos, los complementos y los opuestos. ¿Qué ocurre cuando se acercan dos ideas opuestas? Al reconocer el opuesto de algo, ¿podemos entenderlo mejor? Las imágenes y la información son, y han sido durante mucho tiempo, instrumentalizadas para organizar a las personas en dos lados del espectro. Sus opciones ayudan a los individuos a definir sus identidades, sus opiniones y las comunidades de las que forman parte. Utilizar cinco pantallas para representar los binarios habla de la complejidad de estos pares.
Cristina Reid. This is a Diptych
Cristina Reid. This is a Diptych
Por último, se refiere la artista a Maintenance, su citada instalación en Art Nou: Maintenance es una instalación que investiga el papel del archivo, la conservación de imágenes y el cuidado en la época de la sobresaturación, la sobreprescripción y la polarización extrema. La exposición consiste en una constelación de imágenes, vídeos y textiles encontrados y explora el modo en que las narrativas colectivas se ven reforzadas constante y repetitivamente por las imágenes y la información que consumimos y replicamos. La obra conversa directamente con el Manifesto for Maintenance Art (1969) escrito por Mierle Laderman Ukeles, que teoriza que la sociedad opera sobre dos sistemas fundamentales: desarrollo y mantenimiento. El desarrollo está vinculado a la vanguardia, la individualidad y la innovación, mientras que el mantenimiento abarca tareas de preservación, refuerzo, repetición y cuidado. El manifiesto postula que se le da más valor al desarrollo que al mantenimiento, ya que facilita el crecimiento y el progreso lineales, priorizados por un sistema capitalista. Mientras tanto, el trabajo de mantenimiento, esencial en la misma medida, a menudo se pasa por alto, es mal pagado e infravalorado.
El trabajo replantea el mantenimiento como un concepto, específicamente su rol fundamental para mantener en su lugar las estructuras sociales, ambientales y políticas actuales, e investiga sus efectos psicológicos y generacionales a largo plazo. Esta división en dos sistemas se explora al situar la práctica del artista junto a la del trabajador de mantenimiento, recopila, organiza, reposiciona y reutiliza narrativas trabajando a partir de una colección personal de imágenes encontradas, cuestionando así el rol del archivo a la hora de determinar qué imágenes perduran en el tiempo y sostienen nuestras historias colectivas. Se propone una constelación alternativa que juega con la imagen, el texto, el objeto y el espacio liminal entre estas estructuras del lenguaje. Imágenes y tejidos se entrelazan para explorar nuevas formas posibles de contar nuestras historias. En un intento de tender un puente entre lo histórico y lo contemporáneo, se transfieren imágenes encontradas a tejidos de segunda mano para generar diálogos entre el pasado y el presente, lo público y lo privado, y la experiencia individual y la colectiva. ¿Cómo luce la historia privada y silenciosa de los trabajos de mantenimiento en medio del clamor de un supuesto progreso imparable?
Próximamente tendremos ocasión de conocer su producción en Barcelona: En este momento estoy trabajando en un cortometraje y una publicación como parte de mi tesina del máster de Producción e Investigación Artística en la Universidad de Barcelona. Participaré en una exposición colectiva en La Capella, que se inaugurará el 17 de junio. También estoy preparando una exposición en colaboración con la artista visual Madhulika Mohan en Tangent Projects, en noviembre de 2025, en el marco del Loop Festival 2025.
Podemos seguir sus pasos aquí: https://www.cristinareid.com/
Cristina Reid. Maintenance
Cristina Reid. Maintenance
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Phelps de Cisneros, la Fundació Sorigué, Juan Carlos Maldonado, Fernando Arriola, Yolanda Zugaza y Álex Ruas Wege, premiados por la Fundación ARCO

by alguien | Ene 28, 2025 | Cultural | 0 comments

La Fundación ARCO, dependiente de IFEMA MADRID, ha concedido sus Premios “A” al Coleccionismo 2025, galardones que cumplen veintinueve ediciones, a Patricia Phelps de Cisneros (Premio “A” Honorífico por su apoyo al arte), la Fundació Sorigué (Premio “A” Colección Corporativa), la Colección Juan Carlos Maldonado (Premio “A” al Coleccionismo Internacional), Fernando Arriola y Yolanda Zugaza (Premio “A” al Coleccionismo en España) y Álex Ruas Wege (Premio “A” Colección Joven Internacional).
El fin de estos premios es reconocer el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones y su apoyo a la difusión del arte contemporáneo, y el acto de entrega se celebrará el 4 de marzo en el Círculo de Bellas Artes, antes de la tradicional cena que la Fundación convoca para recaudar fondos para la adquisición de obras en la feria, destinadas a completar su acervo, custodiado por el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles.
La Colección Patricia Phelps de Cisneros, que comenzó a gestarse en los setenta, se centra en América Latina y el Caribe, y cuenta con sedes en Caracas y Nueva York. Se estructura en cinco áreas: la abstracción geométrica latinoamericana del siglo XX; la Colección Orinoco, ligada al Amazonas venezolano; el paisaje latinoamericano entre los siglos XVII y XIX; el arte colonial de Venezuela y el Caribe; y obras contemporáneas de artistas latinoamericanos y caribeños.
Dicha Colección ha efectuado donaciones a más de veinte museos americanos y europeos y ha establecido alianzas estratégicas con universidades y centros culturales, fortaleciendo la investigación sobre arte latinoamericano. En España, Phelps de Cisneros es miembro fundador de los Amigos Internacionales del Museo del Prado y de la Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, e impulsó la creación de la Fundación Museo Reina Sofía, en la que ejerció como patrona fundadora.
En cuanto a la Fundació Sorigué, fue creada en 1992 por Julio Sorigué y Josefina Blasco para canalizar el compromiso social, cultural y educativo de su grupo empresarial. Su colección comenzó en el año 2000 con la donación de pinturas noucentistas por parte de sus fundadores; en este cuarto de siglo, bajo la dirección de Ana Vallés, se ha ampliado a más de 450 piezas que estudian el concepto de ser humano, tanto de autores consagrados (Anselm Kiefer, William Kentridge y Bill Viola) como emergentes.
Hace doce años la Fundación emprendió el proyecto PLANTA, que integra en un entorno industrial ilerdense arte, arquitectura, conocimiento y paisaje.
Venezolano como Phelps de Cisneros, Juan Carlos Maldonado es empresario, especializado en seguros, banca y salud, además de un referente en el coleccionismo de abstracción geométrica. Su fondo, iniciado en 2005, incluye además creación contemporánea, indígena ye’kwana de Venezuela y precolombina del Perú. Posee piezas de Lygia Clark, Joaquín Torres García, Jesús Rafael Soto, Josef Albers, Leon Polk Smith o Max Bill.
En 2016 estableció su colección en Miami, donde inauguró una sede en el Design District que ha organizado exposiciones y editado publicaciones que promueven el estudio y la difusión del arte abstracto geométrico en un contexto universal. Maldonado forma parte, igualmente, del Consejo Internacional del Museo Reina Sofía en Madrid y del Consejo Asesor de Adquisiciones del Instituto de Arte Contemporáneo de Miami.
Respecto a la Colección de Arte Contemporáneo Alkar Contemporary Collection ACC Bilbao, fundada hace dos décadas por Fernando Arriola y Yolanda Zugaza, cuenta con 450 obras de 210 artistas internacionales y emergentes, en pintura, escultura, fotografía, instalación y vídeo.
En sus primeros años, sus adquisiciones se centraron en artistas locales (Ignacio García Ergüin, Txomin Badiola y Eduardo Chillida), para paulatinamente ampliar su enfoque hacia otros autores nacionales, como Miquel Barceló, Luis Gordillo y Antonio Saura, e internacionales (Georg Baselitz, John Baldessari, Louise Bourgeois, Anselm Kiefer, Richard Serra, Olafur Eliasson o Tracey Emin). En su compromiso con el arte joven, también han adquirido trabajos de Jacobo Castellanos, June Crespo o Secundino Hernández. Este año Arriola y Zugaza abrirán un Centro de Arte en Bilbao, diseñado por Juan Herreros.
Por último, Alex Ruas Wege es un joven diseñador de interiores brasileño que ha vivido fuera de su país durante casi una década. Actualmente reside en Lisboa, y en la capital portuguesa ha fundado ARW DESIGN STUDIO, que opera en Londres, Lisboa y São Paulo.
Su colección se encuentra en sus residencias de Lisboa y Londres y aúna obras de artistas brasileños e internacionales, como Erika Verzutti, Laura Lima, Aislan Pankararu, Anna Maria Maiolino, Carlito Carvalhosa, Lucia Koch, Marina Perez Simão, Studio Drift, Tomás Saraceno, Olafur Eliasson, Teresa Solar Abboud, Ugo Rondinone y Étienne Chambaud.

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