Clásicos para festejar una década: vuelve Cibeles de cine

by alguien | Jun 13, 2025 | Cultural | 0 comments

El verano es tiempo de cine también fuera de las salas y, en Madrid, una de las programaciones más asentadas es la de Cibeles de Cine, que este mes cumplirá una década. Viene contando con el respaldo de numerosos espectadores -el año pasado recibió 35.000- y a los próximos los espera del 26 de junio al 11 de septiembre, de nuevo en la Galería de Cristal de CentroCentro, el espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.
Organizado por el propio CentroCentro y por mk2, se prolongará durante esas doce semanas y proyectará setenta títulos, diversos para atraer a públicos que también lo sean.
Podrán verse trabajos recientes y premiados (Anora, Wicked, Los pecadores, The brutalist, Emilia Pérez, La Sustancia), filmes independientes estrenados en los últimos meses (Aún estoy aquí, Por todo lo alto, Flow, Parthenope), obras aún en salas (La trama fenicia, Fórmula 1, Materialistas) y cine de culto de los setenta, ochenta y noventa, destinado a nostálgicos y jóvenes que quieran abrir miras, como Annie Hall, Dirty Dancing o Pulp Fiction.
Las películas españolas también tendrán su sitio en Cibeles de cine: pasarán por CentroCentro Sorda, La infiltrada, El 47, La habitación de al lado o Sirat, una de las ganadoras del Premio Del Jurado en el último Festival de Cannes. En algunos casos, se ofrecerán sesiones especiales para que el público pueda charlar con sus equipos.
Los domingos del verano se desarrollará, de nuevo, el ciclo TCM Nights, con más clásicos: Dos en la carretera, Desayuno con diamantes, West Side Story y títulos fundamentales de aniversario, como La quimera del oro de Charles Chaplin (que cumple un siglo), El crepúsculo de los dioses de Billy Wilder (se rodó hace setenta y cinco años), El apartamento, también de Billy Wilder (cumple sesenta y cinco), Tiburón de Steven Spielberg (en su medio siglo) o Deseando Amar de Wong Kar-Wai (se filmó hace veinticinco). Además, se homenajeará en Madrid al cineasta David Lynch, que murió a principios de año, con la proyección de Mulholland Drive. 
En cuanto a los sábados, serán los días elegidos para las propuestas familiares e infantiles: este año podrán verse Lilo & Stitch, La princesa prometida, Cómo entrenar a tu dragón, Vaiana 2 o Robot Salvaje.
Además, las sesiones Sala Glamour albergarán las proyecciones de Maria Callas, La sustancia, Anora y Dirty Dancing y contarán con un coloquio previo a cargo del equipo de esa revista.
No todo serán visionados: CentroCentro trabaja en la presentación de “Pop Icons”, una exhibición aérea de ilustraciones de retratos pop de grandes figuras del cine realizados por la artista francesa Flore Maquin, que ha trabajado con Universal Pictures, Paramount Channel, The Hollywood Reporter o el Festival de Cannes (ella ha sido la diseñadora del cartel de esta décima edición de Cibeles de cine).

La venta de entradas online ya está disponible en cibelesdecine.com para las propuestas de junio y julio. La programación correspondiente a los meses de agosto y septiembre se anunciará en los próximos días.
A tener en cuenta: las proyecciones comenzarán a las 22:00 horas, pero las puertas para esta actividad se abrirán a las 20:00 horas. Son 650 las plazas y las películas se escuchan a través de auriculares inalámbricos en VOSE, excepto los sábados que suelen ser en versión doblada.
El precio de la entrada general es de seis euros en taquilla y siete euros online. También se facilitan entradas combinadas con packs de bebidas y cena desde doce euros.

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Peter Hujar, retratista siempre

by alguien | Jun 10, 2025 | Cultural | 0 comments

El año pasado se cumplieron nueve décadas desde el nacimiento de Peter Hujar, el fotógrafo de Trenton que pronto marchó a Manhattan y que fue retratista incluso cuando sus obras no se enmarcasen estrictamente dentro de ese género: en sus trabajos, al margen del tema, lo relevante era la captación de la chispa del encuentro entre el propio autor y su motivo o modelo. Buena parte de ellos ofrecen formato cuadrado, que le permitía suscitar serenidad y a la vez conceder gravedad al objeto de su atención, la sensación del tiempo detenido en torno a él.
Apenas reconocido en vida (falleció en 1987), publicó únicamente un libro de fotografías, Portraits in Life and Death, pero hoy lo consideramos uno de los fotógrafos más personales, y fieles a su propio lenguaje, de la segunda mitad del siglo XX. En sus retratos supo conjugar lo revelado y lo oculto, a veces la sensación de fiereza y la de calma; se dice que sus imágenes no pueden valorarse sólo por lo que dejan ver, sino también por lo que parecen mostrar.
Trató de combinar, en un principio, la vertiente más creativa y original de su trabajo, en la que se encuadrarían sus retratos de intelectuales en Nueva York, con la búsqueda de reconocimiento en el ámbito de las revistas de moda, en la senda de sus maestros Irving Penn, Lisette Model o Richard Avedon. Pero sin separar ambos caminos: nunca expuso sus fotos por separado, de forma individual o cronológica; sino que las superponía en yuxtaposiciones que pudieran sorprender o desconcertar. Para su última exposición, en enero de 1986 en la Gracie Mansion Gallery del East Village, organizó durante varios días setenta fotografías en treinta y cinco pares verticales dispuestos muy próximos entre sí, procurando que en ninguna fila hubiera dos fotos contiguas del mismo género. Sí le preocupó preservar la invisibilidad de la técnica en sus composiciones, sin dejar por ello de cuidarla.
Entre 1958 y 1963 vivió fundamentalmente en Italia, primero con Joseph Raffael y después con Paul Thek. Tras estudiar durante un año en la escuela de cinematografía de Roma, volvió a Nueva York, donde se movió en el ambiente de Susan Sontag y de la Fábrica de Andy Warhol. Una década más tarde, entre 1968 y 1972, fue cuando emprendió su citada andadura como fotógrafo de moda freelance, publicando más de una docena de reportajes en Harper’s Bazaar y GQ antes de concluir que el ajetreo del trabajo en las revistas no era su terreno.
Peter Hujar. Susan Sontag, 1975. The Morgan Library & Museum, The Peter Hujar Collection. Adquirida gracias a The Charina Endowment Fund, 2013.108:1.4 © The Peter Hujar Archive, LLC. Cortesía Pace/MacGill Gallery, Nueva York, y Fraenkel Gallery, San Francisco
Peter Hujar. Lynn Davis (Pulling Hair), 1981. The Peter Hujar Archive
En 1973 ya había abandonado sus aspiraciones profesionales para emprender una vida de creación personal (y de pobreza) en el East Village neoyorquino. Los únicos trabajos pagados que realizaba los llevaba a cabo para concentrarse en lo que realmente le motivaba: retratar a artistas que conocía, animales, el cuerpo desnudo y el Nueva York que le era cotidiano, aunque no se encontrara en su mejor momento.
En 1976 publicó el citado Portraits in Life and Death, en el que combinó estudios íntimos de su círculo de personajes del downtown (pintores, actores, coreógrafos y escritores como Susan Sontag y William S. Burroughs) con retratos de momias que había hecho trece años antes, durante una visita con Thek a las catacumbas de Palermo.
Su atención por la muerte se acentuó en los ochenta, coincidiendo con el crecimiento del sida. En los últimos años que vivió, fue amante Hujar de David Wojnarowicz, del que también sería mentor, y no cejó en su rol autoasumido de cronista de la cultura creativa de la que era partícipe.
Peter Hujar. Candy Darling on Her Deathbed, 1973. Colección de Richard y Ronay Menschel © The Peter Hujar Archive, LLC. Cortesía Pace/MacGill Gallery, Nueva York, y Fraenkel Gallery, San Francisco
Su modelo más habitual en esos años fue el actor drag Ethyl Eichelberger, que era su vecino y su amigo y a quien consideraba “el actor más grande de América”. Además, junto a Wojnarowicz se desplazaba a las zonas deprimidas de los alrededores de Nueva York para capturar ruinas industriales en Queens, los barrios de Newark, una Nueva Jersey marcada por los disturbios de finales de los años sesenta y los muelles abandonados del río Hudson en la parte baja de Manhattan.
Hujar murió en la ciudad que amó el Día de Acción de Gracias de 1987, casi un año después de ser diagnosticado de sida. Nunca fue un activista, pero conoció de cerca los disturbios de Stonewall, estuvo presente en las primeras reuniones del llamado Frente de Liberación Gay y para ellos creó un póster, en 1970.
Frente a los autores que preferían el dinamismo y la sorpresa que podía facilitarles la fotografía callejera, él siempre eligió la quietud y la calma de su estudio o de espacios interiores, el trabajo meditado y silencioso. Así podía captar las esencias del tema abordado, el reflejo de la relación vulnerable entre el fotógrafo y su modelo, que había de mostrarse sin inhibiciones ante la cámara. Por esa razón le resultaba más sencillo trabajar con personas de su confianza, amigos y amantes. Alguna parte de sus personalidades se nos hace casi transparente.
Peter Hujar. David Wojnarowicz Smoking, 1981. The Peter Hujar Archive
Peter Hujar. Sin título (Rostro en la tierra), 1991
 
 
BIBLIOGRAFÍA
Peter Hujar. A la velocidad de la vida. Fundación Mapfre, 2017
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Despejando la niebla en torno a Dora Maar

by alguien | Jun 6, 2025 | Cultural | 0 comments

Nacida como Henriette Théodora Markovitch, en noviembre de 1907, Dora Maar creció entre Argentina y París y estudió artes decorativas y pintura antes de decidir hacer de la cámara su principal medio de expresión y alumbrar fotomontajes osados claramente surrealistas.
Se sumaría, así, a una generación de mujeres artistas que aprovecharon las nuevas oportunidades profesionales que les brindó el auge de la publicidad y la prensa ilustrada; ese fue el comienzo de sus seis décadas de carrera, que desempeñó entre esos encargos más o menos comerciales, imágenes documentales de índole social y pinturas. Estas últimas ofrecen muchas claves sobre sus intereses y continúan siendo poco conocidas, en general, para el gran público.
Fue en 1931, antes de cumplir la treintena, cuando Maar decidió poner en marcha un estudio especializado en retratos, fotografía de moda y publicidad junto al escenógrafo Pierre Kéfer, pero ni siquiera su producción temprana y ejecutada conforme a los criterios de sus clientes se ciñó a convenciones: en sus anuncios introdujo el collage, los citados fotomontajes y las escenografías muy elaboradas, y también ideó sorprendentes estudios de desnudos.
En esos mismos años, Dora participó activamente en colectivos revolucionarios de izquierda dirigidos por artistas e intelectuales: era una etapa de preguerra y depresión económica también en Europa, y sus imágenes callejeras de entonces, tomadas en París, Barcelona y Londres, capturaban miserias. Sus inquietudes sociales las compartía con muchos surrealistas y ella se convertiría en unas de las escasas fotógrafas incluidas en las exposiciones y publicaciones desarrolladas por esta corriente.
Aquellas composiciones corrieron parejas a los inicios de su relación con Picasso: se conocieron en el invierno de 1935 y su unión, que duró unos ocho años, tendría un efecto hondo en las trayectorias de ambos. Ella documentó el proceso de creación del Guernica, en 1937, y fue inmortalizada en infinidad de ocasiones por el malagueño, en la mayoría como emblema del dolor. Pero su mutua alimentación creativa fue más allá: al alimón llevaron a cabo una serie de retratos en los que conjugaron técnicas experimentales de la fotografía y el grabado y que anticiparían el enérgico regreso de Maar a la pintura -que el malagueño propició, aunque ella se sentía más cómoda con la cámara-.
Tras la Segunda Guerra Mundial, la artista dividió su tiempo entre París y el sur de Francia, ahondando en temas y estilos diversos antes de centrarse en la realización de pinturas gestuales y abstractas en las que los paisajes que la rodeaban eran el punto de partida. Aunque estos trabajos se expusieron en París y Londres y fueron aclamados en los cincuenta, Maar se retiraría poco a poco de los círculos artísticos y la segunda mitad de su vida quedaría envuelta en el misterio y la especulación. No obstante, no dejó de crear.
Dora Maar. Retrato de una joven con quimono. Barcelona, 1993. VEGAP, Arxiu Nacional de Catalunya
En la que es la decimocuarta colaboración de la Fundación Loewe con PHotoESPAÑA, una selección de obras de esta autora francesa, entre fotografías, dibujos y uno de esos paisajes pictóricos de los cincuenta, pueden contemplarse en el Museo Lázaro Galdiano, bajo el comisariado de María Millán.
El recorrido de esta muestra, planteada desde el propósito de reivindicar su figura como creadora valiosa y autónoma, se abre con la copia ampliada de un retrato que Brassaï realizó de ella en su estudio en 1944, rodeada de trabajos propios; compartió amistad con él, también con Cartier-Bresson. Otro de sus retratos en el arranque de la exposición lo llevó a cabo Picasso; en cuanto a sus trabajos personales en este género veremos imágenes de Frida Kahlo o de Jacqueline Lamba, pintora además de pareja de André Breton. El pope surrealista dijo encontrar en la producción de Maar los valores de la belleza convulsiva. También saldrán a nuestro paso fotocollages o su reflejo de una maqueta para la escultura de Alberto Sánchez El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella.
Pero el centro de esta exhibición lo constituyen las fotografías que tomó en Barcelona en 1933: se fijó sobre todo en trabajadores y gentes humildes en el ejercicio de sus labores cotidianas, desde una perspectiva ligada a la justicia social, que manejó sin sentirse comprometida a involucrarse en ningún partido político.
Dora Maar. Músico en una calle de Barcelona, 1933
A raíz de su tiempo de juventud en Buenos Aires, Maar hablaba sin dificultad español, por lo que su inmersión en los ambientes menos favorecidos de la capital catalana durante la República y su cercanía a niños, ciegos, mendigos, músicos o prostitutas no responden a una curiosidad de turista, sino a la inquietud genuina de quien palpaba de cerca sus experiencias. Se hace inevitable vincular sus imágenes de personas ciegas con los múltiples trabajos de autores surrealistas en los que esa condición adquiere el rol de metáfora.
Contemplaremos a continuación algunas de las fotografías en las que documentó el proceso de creación del Guernica; se dijo que ella misma motivó la decisión de Picasso de trabajar en este asunto, al enseñarle imágenes de la localidad vasca tras el bombardeo. Ella fotografió su labor por encargo de Christian Zervos, entonces director de Cahiers d’Arts; nadie más pudo hacerlo en ese momento.
Dora Maar. Jarrón con despertador sobre la mesa, hacia 1955. Galerie Boquet and Ambroise Audoin-Rouzeau. VEGAP, Madrid 2025
En cuanto a sus dibujos reunidos, sobre todo tipo de soportes, se han seleccionado intencionadamente diversos: algunos realizados a mano alzada y con rapidez, otros más meticulosos y, en muchos casos, indagaciones cubistas en las que daba cuenta de sus sueños y angustias o retratos femeninos.
Su única pintura en el Lázaro Galdiano, presente para dar cuenta de esa faceta de su trayectoria, se data en 1957 y corresponde a un paisaje montañoso del sur de Francia. Su estética resulta del todo distinta a la del resto de las composiciones de la muestra y al cubismo: parece comenzar a virar hacia la abstracción.
Esta presentación, pequeña pero en parte inédita en nuestro país, puede servir de punto de partida para quienes quieran adentrarse tanto en su fotografía como en sus creaciones más oníricas y experimentales. Se acompañará de una conferencia de Victoria Combalía, el día 17 de junio a las 19:00 horas.
Dora Maar. Mujer con capa, 1939
 
 
“Dora Maar. Fotografía y dibujos”
MUSEO LÁZARO GALDIANO
C/ Serrano, 122
Madrid
Del 6 de junio al 14 de septiembre de 2025
 
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