Lo que empezó como un simple hilo en un foro de internet se ha terminado convirtiendo en una de las sensaciones cinematográficas más potentes del año en España y el resto de Europa. El universo de los Backrooms, esa pesadilla de pasillos amarillos y luces parpadeantes que nos ponía los pelos de punta en las pantallas de nuestros ordenadores, ha dado el salto definitivo a las salas de cine de la mano de A24, la productora que ya nos dejó locos con títulos como Midsommar. Detrás de las cámaras encontramos a Kane Parsons, un director de apenas 20 años que ha pasado de ser un creador de contenido en YouTube a convertirse en la nueva gran promesa de Hollywood.

La acogida por parte del público español ha sido masiva, demostrando que el terror que nace de las entrañas de la red tiene una fuerza imparable. La película no solo se limita a repetir lo que ya vimos en los vídeos virales, sino que expande una mitología que tiene su origen en el folclore digital o creepypasta de hace unos años. Lo que muchos consideraban una moda pasajera de internet ha demostrado tener la suficiente chicha para aguantar un largometraje de más de cien minutos, manteniendo al espectador pegado a la butaca con una atmósfera asfixiante que no da tregua.

El origen de una pesadilla colectiva en la red

Para entender por qué medio mundo está obsesionado con estas habitaciones vacías, hay que remontarse a 2019, cuando un usuario anónimo de 4chan colgó una foto de una oficina de aspecto bastante rancio. La imagen mostraba un laberinto de paredes amarillentas con un olor a moqueta húmeda que casi se podía oler a través del monitor. Ese post fue la chispa que encendió la imaginación de miles de personas, quienes empezaron a añadir detalles sobre niveles infinitos, criaturas que te acechan en el silencio y la posibilidad de salir de nuestra realidad por error.

Parsons, que por aquel entonces era solo un chaval de 16 años con mucho talento para el diseño 3D, supo captar esa esencia mejor que nadie. Utilizando herramientas como Blender, creó una serie de cortos en formato found footage que acumularon millones de reproducciones en tiempo récord. Su visión era tan potente que no tardó en llamar la atención de pesos pesados de la industria como James Wan, quien ha ejercido de productor en esta adaptación cinematográfica para asegurar que la esencia del material original no se perdiera por el camino.

Aunque la foto original se rastreó recientemente hasta una antigua tienda de muebles en Wisconsin, el mito ya había cobrado vida propia. En la película, esta idea se lleva al extremo, presentándonos un entorno que resulta familiar pero profundamente inquietante, algo que los expertos denominan espacios liminales. Son lugares de tránsito donde no debería haber nadie y que, precisamente por ese vacío, generan una sensación de peligro inminente que te hace mirar por encima del hombro constantemente.

Una trama que mezcla la psicología con lo sobrenatural

La historia que nos plantea el film nos sitúa en la década de los 90, una elección estética que le sienta de maravilla al tono de la cinta. El protagonista es Clark, interpretado por el nominado al Oscar Chiwetel Ejiofor, un vendedor de muebles que atraviesa una crisis personal y profesional. Su vida da un vuelco cuando descubre un portal oculto en el sótano de su propio negocio, una brecha que lo absorbe hacia una dimensión que parece no tener fin ni salida lógica.

Clark no está solo en esta aventura, ya que su terapeuta, a quien da vida la actriz Renate Reinsve, acaba involucrada en la búsqueda cuando su paciente desaparece sin dejar rastro. La película juega muy bien con la idea de que los espacios vacíos reflejan nuestros propios traumas internos, haciendo que el terror no sea solo físico, sino también psicológico. El reparto se completa con nombres como Finn Bennett y Lukita Maxwell, quienes aportan frescura a una narrativa que alterna entre el cine convencional y esos fragmentos de grabaciones caseras que tanto gustan a los fans del género.

El guion, firmado por Will Soodik, consigue darle una vuelta de tuerca a la premisa original de internet. No se trata solo de correr por pasillos, sino de intentar mapear un lugar que desafía todas las leyes de la física conocidas. La película explora la soledad extrema y esa paranoia de sentir que, aunque no veas a nadie, hay algo ahí fuera que te escucha respirar. Es una propuesta que se aleja de los sustos fáciles para centrarse en una tensión constante que te deja el cuerpo un poco del revés.

El éxito de la Generación Z en el cine comercial

El estreno ha sido un auténtico bombazo en taquilla, recaudando cifras que han dejado con la boca abierta a los analistas de la industria. Solo en su primer fin de semana, la cinta logró superar los 100 millones de dólares a nivel mundial, una burrada para una producción independiente con un presupuesto ajustado de unos 10 millones. Este éxito confirma que los creadores que vienen de plataformas como YouTube tienen una conexión directa con el público joven que las grandes productoras tradicionales a veces no terminan de pillar.

Durante la promoción, surgió una pequeña polémica en redes sobre si Parsons era realmente quien llevaba la voz cantante en el set debido a su juventud. Se llegó a rumorear la presencia de un director fantasma, pero el propio Kane zanjó el asunto con bastante guasa en sus redes sociales. Lo cierto es que su estilo visual es inconfundible y se nota que ha tenido libertad total para trasladar su visión desde la pantalla del ordenador a la pantalla gigante, manteniendo esa atmósfera de baja fidelidad que tanto mola.

Este movimiento no es un caso aislado, ya que otros youtubers como Markiplier también están probando suerte en la dirección con proyectos como Iron Lung. Parece que estamos ante un cambio de paradigma en el cine de terror, donde las historias ya no solo vienen de libros o guiones originales, sino de la creatividad colectiva de internet. Parsons ya ha dejado caer que esto es solo el principio y que tiene planes para seguir explorando este universo, ya sea con secuelas o incluso con una serie de televisión si la cosa sigue funcionando así de bien.

La película consigue trasladar de forma magistral esa sensación de agobio que sentíamos al ver los primeros vídeos de Kane Pixels, demostrando que el terror digital tiene un lugar privilegiado en la industria actual. Con una factura técnica impecable y una historia que sabe tocar la fibra sensible del aislamiento moderno, esta propuesta se posiciona como un referente para futuros proyectos que quieran adaptar mitos nacidos en foros. Al final, lo que queda es la inquietante certeza de que, tal vez, nuestra realidad sea mucho más frágil de lo que pensamos y que cualquier esquina mal iluminada podría ser la puerta de entrada a un mundo del que es imposible escapar.

Parece que el idilio entre las páginas de una novela y el celuloide no tiene fin, y es que la industria del entretenimiento lleva años demostrando que un buen libro es el mejor guion posible. El próximo 5 de junio, las salas de España se preparan para recibir uno de esos estrenos que prometen reventar la taquilla y emocionar a miles de lectores que llevan tiempo esperando ver a sus personajes favoritos en carne y hueso. Se trata de la primera parte de la bilogía de Alice Kellen, un proyecto que ha generado una expectación increíble en redes sociales.

Esta tendencia de llevar historias de papel a la gran pantalla no es casualidad, ya que las productoras han encontrado en la literatura romántica una auténtica mina de oro. Warner Bros. Pictures Spain se pone al frente de esta apuesta con Todo lo que nunca fuimos, intentando capturar esa esencia tan íntima que caracteriza a la autora valenciana Silvia Hervás, más conocida por su pseudónimo Alice Kellen. La película busca no solo satisfacer a los fans acérrimos, sino también posicionarse como un referente dentro del cine romántico español actual.

Warner Bros apuesta por el fenómeno literario de Alice Kellen

La historia nos presenta a Leah, una joven que intenta encontrar su sitio en el mundo tras un accidente que le cambió la vida por completo. En ese proceso de reconstrucción personal, aparece Axel, el mejor amigo de su hermano, interpretado por un Maxi Iglesias que encaja perfectamente en ese perfil de personaje protector pero con sus propios conflictos internos. La química entre él y Margarida Corceiro es uno de los platos fuertes de una cinta que huye de los giros locos para centrarse en lo que de verdad importa: los sentimientos.

El rodaje se ha llevado a cabo en localizaciones que quitan el hipo, moviéndose entre el bullicio de Madrid y la paz melancólica de los paisajes naturales de Zumaia y San Sebastián. Esta elección visual no es moco de pavo, ya que ayuda a que el espectador se sumerja en ese tono contemplativo que pide la historia a gritos. Bajo la dirección de Jorge Alonso, el filme trata de mantener un equilibrio complicado entre ser fiel al material original y funcionar como una obra cinematográfica con personalidad propia.

Un legado de adaptaciones que viene de muy lejos

Aunque ahora estemos a tope con las novedades de Kellen, la realidad es que el cine lleva bebiendo de la literatura desde que el mundo es mundo. No hace falta ir muy lejos para recordar cómo obras de William Shakespeare o Jane Austen han sido reinterpretadas una y otra vez para encajar con los gustos de cada generación. Películas que hoy consideramos clásicos modernos, como Clueless o 10 razones para odiarte, no son más que versiones actuales de textos que se escribieron hace siglos, demostrando que los dramas humanos son universales.

Incluso el cine de animación ha echado mano de los grandes clásicos sin que a veces nos diéramos cuenta. Un ejemplo clarísimo es El Rey León, que guarda parecidos razonables con la tragedia de Hamlet, trasladando los conflictos de poder y familia a la sabana africana. Esta capacidad de los estudios para transformar un relato denso en una aventura para todos los públicos es lo que mantiene viva la llama de la literatura en el imaginario colectivo, permitiendo que historias que podrían haber quedado en el olvido sigan muy presentes.

La eterna cuestión: ¿el libro o la película?

Siempre que se estrena una adaptación, surge el eterno debate de si la película le hace justicia al papel. En el caso de Todo lo que nunca fuimos, muchos se preguntan si será posible transmitir toda la carga emocional que Alice Kellen imprime en sus párrafos. Algunos espectadores prefieren ver estas producciones como algo totalmente independiente, disfrutando de la fotografía y la banda sonora sin compararlas constantemente con lo que imaginaron al leer, mientras que otros no perdonan ni un cambio en el color de ojos de los protagonistas.

Lo que es innegable es que este tipo de proyectos sirven de puente para que mucha gente joven se acerque a las librerías, explorando el panorama actual de la novela juvenil. Al final, da igual si la historia viene de una obra de Louisa May Alcott como Mujercitas o de un musical inspirado en Romeo y Julieta; lo que cuenta es que el cine sigue siendo ese altavoz gigante que permite que las grandes tramas literarias sigan emocionándonos como el primer día. El próximo junio saldremos de dudas sobre si Leah y Axel logran conquistar la pantalla con la misma fuerza con la que conquistaron las estanterías.

La industria audiovisual española sigue demostrando un músculo envidiable al apostar por producciones que cuidan tanto la estética como el trasfondo emocional. La llegada de esta nueva adaptación es un recordatorio de que las buenas historias no tienen fecha de caducidad y que, por mucho que cambien los formatos, siempre buscaremos vernos reflejados en relatos que hablen de amor, pérdida y esperanza. La cita en los cines marcará un antes y un después para una generación de lectores que, por fin, verán su mundo cobrando vida bajo los focos.

La capital vizcaína se prepara para oler a libro nuevo y disfrutar de ese trasiego tan especial que solo se vive cuando las casetas toman la calle. El icónico Paseo del Arenal se convierte en el lugar de paso obligado para quienes buscan perderse entre estanterías, ya que la cincuenta y seis edición de esta cita literaria arranca con una propuesta que mezcla grandes nombres de las letras con esas pequeñas joyas editoriales que a veces cuesta encontrar.

Este año, la organización corre a cargo de la Cámara del Libro de Euskadi, que junto al Ayuntamiento ha conseguido reunir un total de cincuenta y seis puestos que estarán abiertos al público durante diez días intensos. Aunque el grueso de la actividad en las casetas se concentra entre finales de mayo y la primera semana de junio, la ciudad ya calienta motores con una programación cultural que se extiende unos días antes y después para que nadie se quede con las ganas de conocer a sus escritores favoritos.

Encuentros literarios y firmas en Bidebarrieta

Uno de los platos fuertes de esta edición es el ciclo de presentaciones que acogerá el salón de actos de Bidebarrieta Kulturgunea. Por allí pasarán figuras de la talla de Santiago Valcárcel, que nos traslada al Bilbao de 1920 con su obra sobre pandemias y conflictos laborales, o Clara Sánchez con su esperada incursión en la intriga psicológica. Estos encuentros son una oportunidad de oro para charlar de tú a tú con los creadores, aunque conviene estar vivos y reservar la invitación con antelación en la web municipal, que luego vuelan.

La literatura lusa también tiene un hueco de honor gracias a Lídia Jorge, quien ha sido reconocida con el premio Atea. Su obra, que ahonda en la memoria y los desencantos de la guerra, es un ejemplo de cómo las ferias son espacios abiertos donde los pueblos se cuentan a sí mismos. Junto a ella, otros nombres como Lorenzo Silva o Daniel Innerarity aportarán su visión sobre la soledad contemporánea y los retos que afrontan nuestras democracias en un mundo cada vez más digitalizado y complejo.

Premios y el auge de la novela negra

Si hay un género que está pegando fuerte y que tiene un protagonismo especial este año, ese es el noir. Los amantes del suspense están de enhorabuena, ya que se van a entregar los prestigiosos galardones Pluma de Plata a autores como Mikel Santiago y Jon Arretxe. Además, el escritor griego Petros Márkaris recibirá el premio JJ Abasolo, confirmando que la conexión entre Bilbao y la novela negra internacional está más viva que nunca. Habrá incluso mesas redondas específicas para analizar cómo la ambientación local influye en esas tramas que nos mantienen en vilo hasta la última página.

Pero no todo son grandes superventas en el Arenal. Paseando por los puestos, el visitante puede toparse con casetas como la de la librería diocesana Jakinbide, que apuesta por dar visibilidad a textos de temática social y teológica que habitualmente no ocupan las portadas de los suplementos culturales. Es el sitio ideal para hacerse con testimonios vitales o reflexiones eclesiales que invitan a una lectura más reposada y profunda entre tanto ruido mediático.

Divulgación histórica y compromiso social

La historia de nuestro propio territorio también tiene su espacio en esta gran fiesta del papel. Julián Casanova y Carles Esquembre presentan una adaptación gráfica que busca acercar los episodios de la Guerra Civil a los más jóvenes, combinando el rigor del dato con la fuerza visual de la novela gráfica. Es una forma estupenda de entender de dónde venimos sin que resulte un ladrillo, situando el conflicto en ese contexto europeo tan convulso que marcó el siglo pasado.

Por otro lado, la psicología y el comportamiento humano se cuelan en la agenda gracias a las charlas sobre experimentos clásicos que nos ayudan a entender por qué actuamos como lo hacemos bajo presión. En definitiva, se trata de una oferta que toca todos los palos, desde la reflexión feminista en clave literaria hasta el análisis de la desinformación actual. Con este despliegue de actividades, la Villa se asegura unos días donde el intercambio de ideas y el placer de la lectura se convierten en los verdaderos protagonistas para todos los públicos.

La emblemática institución teatral madrileña ha dado a conocer los detalles de lo que será su próxima andadura sobre las tablas, una propuesta que busca trascender la mera exhibición de obras para convertirse en un diálogo abierto con la historia cultural de España. Bajo la batuta de Eduardo Vasco y con el respaldo del área de cultura del Ayuntamiento, el Teatro Español ha diseñado un ciclo que pone el foco en la riqueza literaria de la Generación del 27, aprovechando la efeméride de su centenario para revisitar textos fundamentales y descubrir joyas que el tiempo había dejado en un segundo plano.

Durante la presentación oficial, se ha destacado que este nuevo curso no pretende ser un ejercicio de nostalgia académica, sino una forma de traer al presente las inquietudes de un grupo de creadores que revolucionaron la lengua española. La programación, que arrancará oficialmente a mediados de septiembre, se desplegará de forma simultánea en la Sala Principal, la Sala Margarita Xirgu y el Salón de los Balcones, asegurando una actividad frenética que combinará la producción propia con colaboraciones de primer nivel nacional e internacional.

El universo de Lorca como epicentro creativo

Como no podía ser de otra manera, Federico García Lorca se erige como el gran protagonista de la temporada, con presencia en todos los rincones del edificio de la Plaza de Santa Ana. El plato fuerte será, sin duda, la nueva versión de Yerma dirigida por el propio Eduardo Vasco, que contará con Lara Grube para dar vida a la tragedia de la maternidad y las convenciones sociales. Es una oportunidad de oro para reencontrarse con la esencia del poeta granadino en el mismo escenario donde ya triunfó hace casi un siglo, ofreciendo una lectura cruda sobre la opresión y el deseo femenino.

Además del drama rural, el público podrá disfrutar de propuestas más experimentales y líricas basadas en su legado. El cante jondo: teoría y juego del duende llevará el flamenco y la palabra lorquiana a la sala grande, mientras que piezas como Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín mostrarán el lado más fársico y delicado del autor. Esta apuesta integral se completa con recitales poéticos y coloquios que pretenden profundizar en por qué Lorca sigue hablándonos de tú a tú a pesar del paso de las décadas.

La reparación histórica de las voces femeninas

Uno de los pilares más valientes de este calendario es el espacio dedicado a las creadoras que formaron parte de la Edad de Plata y que, a menudo, quedaron a la sombra de sus compañeros varones. Bajo el paraguas del programa ‘Madrid en la Generación del 27’, se rescatarán textos de autoras como Luisa Carnés o Victorina Durán. Estas piezas exploran temas como el exilio y la identidad desde una perspectiva obrera y vanguardista que resulta sorprendentemente moderna, demostrando que el canon literario español tiene todavía muchas deudas que saldar con sus escritoras.

Nombres como los de María Zambrano, con su visión de Antígona, o Concha Méndez y Ernestina de Champourcin en formatos más íntimos, permitirán al espectador asomarse a una España de vanguardia que fue truncada por el conflicto bélico. La dirección artística del teatro ha subrayado la importancia de que un centro público asuma la tarea de desenterrar estas obras del olvido institucional, dándoles el empaque escénico que merecen y permitiendo que nuevas generaciones conozcan la diversidad real de aquel movimiento artístico tan influyente.

Estrellas de la escena y teatro contemporáneo

Más allá del centenario, la programación no descuida la dramaturgia actual y el gran reclamo de los intérpretes más queridos por el público. Blanca Portillo se pondrá al frente de 7 minutos, una obra de Stefano Massini que disecciona con maestría la precariedad laboral y la resistencia colectiva ante la pérdida de derechos. Por su parte, Carmen Machi asumirá el reto de protagonizar una revisión de La gaviota de Chéjov, bajo la mirada de Miguel del Arco, prometiendo una interpretación llena de matices y melancolía que cerrará el curso por todo lo alto en la Sala Principal.

El interés por el repertorio universal también se hará patente con el estreno en España de Me casé por alegría, de la italiana Natalia Ginzburg, una comedia que bajo su aparente ligereza esconde una crítica feroz a las instituciones tradicionales. Estos grandes montajes se alternarán con proyectos de autoría nacional reciente, consolidando al Teatro Español como un escaparate donde conviven los clásicos inmortales con las preocupaciones sociopolíticas que marcan la agenda europea de nuestros días.

El retorno de los éxitos que cautivaron a Madrid

Debido a la excelente acogida que tuvieron en pasadas ediciones, la dirección ha decidido dar una nueva oportunidad a varias producciones que colgaron el cartel de no hay billetes. Personas, lugares y cosas volverá a abrir sus puertas en septiembre para que quienes se quedaron fuera puedan ver a Irene Escolar en uno de sus papeles más exigentes. Del mismo modo, Historia de una escalera de Buero Vallejo regresa al lugar de su nacimiento escénico, permitiendo que la mítica escalera del Español vuelva a ser testigo de las frustraciones y esperanzas de la clase media española.

Esta estrategia de mantener vivos los éxitos responde a una voluntad de servicio público y a la intención de maximizar el rendimiento de las producciones propias. En el Salón de los Balcones se recuperarán también pequeñas piezas de formato reducido que permiten una cercanía absoluta con el actor, convirtiendo cada función en una experiencia casi ritual. Las entradas para este ambicioso despliegue cultural ya están disponibles, augurando una afluencia masiva de ciudadanos deseosos de sumergirse en la mejor literatura dramática de nuestro país.

La próxima etapa del Teatro Español se presenta como un viaje necesario por la memoria colectiva, equilibrando el peso de los grandes mitos con la frescura de las nuevas interpretaciones. Con un calendario que se extiende hasta julio, la institución madrileña reafirma su compromiso con un teatro de raíz literaria y social, capaz de atraer tanto al espectador fiel como a quienes buscan en la escena una respuesta a los dilemas contemporáneos a través del espejo del pasado.