Son muchos los subgéneros de novela romántica que han surgido en los últimos años, quizás porque está más de moda que nunca y eso que nunca ha dejado de estarlo. Y todos vienen con su anglicismo, también muy de moda por el uso que hacemos de ellos en cualquier ámbito.
Damos una vuelta por los que más éxito están teniendo, fruto de los muchos autores, y aún más autoras, que han salido gracias a las plataformas de publicación, promoción en redes sociales y el boca-oreja. Este éxito que ha sido total entre los lectores más jóvenes, pero no exclusivo de ellos. Veamos.
Subgéneros de novela romántica
Friends to lovers
Literalmente, de «amigos a amantes»: pone el foco en historias de amor que comienzan con una amistad entre los protagonistas, que comparten una gran conexión en todos los aspectos y, conforme pasa el tiempo, se van enamorando.
Sus características son esa amistad sólida y duradera que tienen como base, de confianza y apoyo porque se conocen muy bien; la evolución realista de esos sentimientos, que van transformando gradualmente esa amistad en amor, aunque los personajes luchan contra lo que sienten por miedo a perder la amistad o por otras razones. También está la tensión sexual, que avanza con la historia y hace aumentar la expectativa de los lectores. Y, por supuesto, la superación de conflictos y obstáculos a los que suelen enfrentarse y que ponen a prueba su relación, como lo que piensan los demás, las diferencias de personalidad u otras circunstancias.
Todo en conjunto consigue que los lectores se identifiquen con estas historias.
Algunos títulos famosos de este subgénero son Antes de diciembre, de Joana Marcús, El arte de ser nosotros, de Inma Rubiales, o ¿Solo amigos?, de Ana Álvarez.
Enemies to lovers
Literalmente, de «enemigos a amantes»: es el caso contrario, con historias que empiezan con dos personajes que se odian por diferentes motivos, desde personales hasta profesionales o solo por tener caracteres opuestos. Pero a lo largo de la trama esa enemistad se va suavizando y, al final, se convierte en un profundo amor.
Entre sus características están ese típico conflicto del principio en el que los protagonistas (que suelen ser compañeros de trabajo, vecinos, rivales en alguna actividad o incluso miembros de familias enemistadas) sienten una gran antipatía entre ellos. Así que se dan provocaciones y enfrentamientos constantes que, poco a poco, se van difuminando cuando comienzan a descubrir cualidades atractivas en el otro, algo que les va a hacer tener unos sentimientos que negarán al principio.
Además, también surgirán obstáculos tanto internos (miedos, inseguridades) como externos (presiones sociales, opiniones de los demás) a los que tendrán que enfrentarse. Pero, al final, habrá reconciliación y aceptación de ese sentimiento romántico que los llevará a la historia de amor intensa y apasionada.
Algunos títulos que podemos destacar de este subgénero los encontramos en clásicos como Orgullo y prejuicio, de Jane Austen, y mucho más recientes como en la saga de Los Bridgerton, de Julia Quinn. Pero son innumerables.
Sports romance
Otro de esos subgéneros de novela romántica es este, traducido como «romance deportivo»: es posiblemente uno de los más populares ahora. En realidad, son las novelas románticas con elementos deportivos, cuyo gancho reciente se ha disparado gracias a los descubrimientos y recomendaciones en las redes sociales.
Sus características principales es que todas tienen en común que están ambientadas en entornos deportivos y, normalmente, uno o ambos protagonistas suelen ser jugadores profesionales de algún deporte. Aunque en un principio ese era el protagonista masculino, la tendencia ha cambiado y cada vez son más ellas las que juegan a todo de forma profesional. Algunos de los deportes más populares en este subgénero son el fútbol y el fútbol americano, el béisbol, y sobre todo recientemente, el hockey sobre hielo.
Algunos títulos que se pueden nombrar son Las reglas del juego, de Sarah Adams, Romper el hielo, de Hanna Grace, o Sigue mi ritmo, de Amy Lea.
Dark romance
O «romance oscuro»: es el subgénero romántico-erótico juvenil y de adultos con novelas que cuentan relaciones amorosas apasionadas pero ambientadas en entornos oscuros y con personajes o elementos peligrosos. Algunas tienen un alto nivel de pasión, sexo y, en algunos casos, violencia.
Algunas autoras que han revolucionado el mundo editorial en este subgénero son Ana Huang con su saga Twisted love o Sarah Rivens, todo un fenómeno en Francia, con Captive: No juegues conmigo, el primer volumen de una serie.
Pero son muchos más subgéneros de novela romántica como el slow burn, o romance a fuego lento, en que los protagonistas no se enamoran de pronto, sino que su relación va despacio hasta culminar, o el romantasy, que combina el romance en un mundo de fantasía con toques de aventura.
Y, para terminar, hay que decir que todos ellos se entremezclan o se prestan elementos, lo que conforma así un panorama muy amplio para todos los gustos.
«Nada es imposible», «El cielo es el límite», «Dentro de ti hay un poder sin límites que puedes desatar si cambias tu actitud» son mensajes que aparecen frecuentemente en nuestras sociedades modernas y chocan con la realidad de precariedad, inestabilidad, incesante competencia y profunda soledad de nuestras sociedades neoliberales.
El resultado de esto es evidente. Dominan la insatisfacción, la culpa, la depresión, la ansiedad y, por último, lo que hoy se conoce como el síndrome de burnout, que no es otra cosa más que un agotamiento extremo como resultado a la exposición de estrés crónico, según lo define la Organización Mundial de la Salud.
Nada lo explica mejor que uno de los hits swiftianos más recientes – I can do it with a broken heart (Lo puedo hacer hasta con un corazón roto). Horas después de su lanzamiento como parte del disco The Tortured Poets Department, una de las frases más replicadas en TikTok fue «I cry a lot but I am so productive, it’s an art» (Lloro mucho pero soy tan productiva, es un arte), demuestran el valor que como sociedad asignamos a la productividad, independientemente de nuestro estado emocional y o hasta de salud.
En un duro contraste con el brillo del Eras Tour de Taylor Swift, la depresión, la ansiedad, el síndrome del agotamiento, el trastorno por déficit de atención dominan nuestro tiempo. El filósofo surcoreano Byung-Chul Han lo describe como la «sociedad del agotamiento »pero, ¿qué tiene que ver Taylor Swift con todo esto?
La teoría de Byung-Chul Han se basa en la transición de la sociedad disciplinaria de Michel Foucault a la sociedad del logro, la positividad, la hiperactividad y el narcisismo. El control que antes se ejercía principalmente a través de las instituciones educativas, hoy ha hecho nido en nuestras cabezas. Somos nuestro propio patrullero. Y este es un elemento fundamental en el sostenimiento y reproducción voraz del capitalismo del siglo XXI.
Cueste lo que cueste, tenemos la autoexigencia de buscar incansablemente el éxito. «Hoy cada uno/a es un/a trabajador/a que se autoexplota en su propia empresa. Las personas ahora son amo y esclavo al mismo tiempo, »dice Byung-Chul Han en una de sus frases más resaltadas del libro Burnout Society.
Esta autoexigencia nos lleva a mantenernos constantemente ocupados e insatisfechos en un contexto de inestabilidad, precariedad, competencia y soledad.
Lights, camera, bitch – smile, even when you wanna die (Luces, cámara, ¡sonríe perra! Hasta cuando quieras morir).
No en vano dicen que una de las claves de la arrasante popularidad de Taylor Swift se encuentra en su capacidad de escribir canciones con las cuales podemos identificarnos fácilmente.
O en este caso, con las cuales reforzamos la ideología capitalista que iguala el valor personal al valor profesional, especialmente cuando este llega a pesar del burnout. Como lo dice la reina de los corazones rotos: You know you’re good when you can even do it with a broken heart (Sabes que eres buena cuando puedes hacerlo hasta con el corazón roto).
Historias en miniatura: el arte de los relatos breves
Para nadie es un secreto que contar historias es un arte en sí mismo. Las novelas extensas, como Los miserables, de Víctor Hugo o Los hermanos Karamázov, de Fiodor Dostoievski, han pasado a los anales de la literartura como verdaderas obras maestras. Pero existen relatos que, a partir de unas breves líneas, son capaces de retratar vidas completas, incluyendo toda su complejidad.
“¿Cómo podría ser esto posible?”, se preguntarán algunos, pues es inevitable pensar en ello como una proeza digna de genios. Y sí: los microrrelatos bien escritos son —nada más y nada menos— pequeñas gotas de brillantez lingüística. Algunos de los autores más destacados en llevar a cabo este género han sido Jorge Luis Borges, Julio Cortázar y el joven Santiago González Pedraza.
Qué es un relato breve
Los relatos breves —sobre todo cuando se habla específicamente del relato breve literario— son narraciones cortas y estructuradas que pretenden contar una historia ficticia haciendo uso del lenguaje. Dentro de este recurso entran géneros como la leyenda, la fábula, el cuento, la novela y la epopeya. Esta forma de texto construye a sus personajes, espacios, tiempos y finalidades desde el inicio.
El relato breve puede recurrir a una o varias voces narrativas, y requiere de una gran maestría para que no haya una pérdida de sentido, dada la concisión del texto. Asimismo, se hace un uso irrestricto de la imaginación y la creatividad en pos de presentar historias que, incluso, pueden estar cimentadas en la realidad. Por otro lado, la estructura siempre dependerá del autor, así como el tipo de obra.
Para distinguir una narración breve de muchas otras, es necesario comprender cuáles son sus rasgos más distintivos, los cuales se componen de los siguientes puntos:
La cantidad de palabras
Parece obvio, ¿verdad? Sin embargo, es necesario aclarar que, para que un relato se considere “breve”, la cantidad de palabras escritas en él no debe sobrepasar las 1700 palabras. Este tipo de texto exige que las frases sean escritas de forma creativa y sucinta. Hacer uso de oraciones cortas ayuda a que las situaciones se desarrollen de manera rápida.
Otra forma de constatar la longitud de un relato breve
Una manera de saber qué tan corto es un relato es a través de la cantidad de páginas. En este sentido, el texto no debe contar con más de cinco cuartillas, porque, de ser así, estaríamos hablando de un cuento propiamente dicho. Un ejemplo de ello podría ser El corazón delator, de Edgar Allan Poe, que, dependiendo de la edición, solo posee cuatro páginas, o menos.
La presentación de conflicto
En un relato breve es menester que el conflicto de la trama se presente desde el inicio, y se vaya desarrollando a medida que se avanza en la historia. Además, este despliegue debe involucrar a todos los personajes con rapidez, de modo que las conexiones se desencadenen en la misma medida, con el objetivo de obtener un desenlace acompasado de cada uno de los actores.
¿Cuántos personajes admite un relato breve?
Para mayor comodidad del autor —y por una cuestión de coherencia— es necesario que la trama no abarque a más de tres o cuatro personajes. El porqué es muy simple: la inclusión de demasiados actores podría distraer al lector de la verdadera función del relato: contar una historia. En el caso de este tipo de textos, los acontecimientos en sí mismos importan más que los protagonistas.
Un inicio intenso
En general, se recomienda que los relatos breves comiencen de la manera más intensa posible, con una oración o párrafo que invite a la acción desde el principio. De igual manera, el desenlace se caracteriza por surgir de una forma inesperada, o con un evento que le transmita al lector un gran impacto. En suma, un cuento corto no debería ser predecible ni contar con rellenos.
El tipo de lenguaje utilizado en un relato breve
Al contener tan pocas palabras, muchos autores prefieren hacer uso de un lenguaje más bien culto, rico, ofreciendo al lector la oportunidad de descubrir palabras nuevas y familiarizarse con un léxico que lo mueva a la investigación. En contraposición, no dejan de existir escritores que se abocan a maneras más autóctonas, optando, incluso, por el uso de la jerga.
Partes de un relato breve
Tema
Se refiere a la base fundamental del relato, la cual funciona como foco central de la obra. Al contar con un tema específico, los diálogos, acciones, conflictos y objetos de los personajes estarán alineados bajo un mismo matiz, lo que llena de verosimilitud y coherencia cualquier cuento.
Argumento
Muchas veces, es fácil confundir el argumento con el tema, pero ambos cuentan con concepciones completamente diferentes. Por ejemplo, en un relato breve de terror, el suspenso es el tema, mientras que el argumento es el deseo de un asesino serial por atacar a dos amantes en una cabaña en el bosque. En otras palabras: el argumento determina todos los sucesos asociados a la trama.
Conflicto
Se trata del mayor punto de interés para todo lector. Se suele presentar como un problema que los protagonistas deben resolver, lo que termina por darle sentido a la existencia misma de la historia. De igual forma, es común que el conflicto jamás llegue a resolverse, logrando con ello que el relato breve en cuestión posea un final abierto, algo muy utilizado en los cuentos de misterio.
Personajes
Una curiosidad sobre los personajes en los relatos breves, es que pueden ser representados a través de personajes, animales u objetos. En mayor medida, suelen resaltar más por sus acciones y diálogos que por su apariencia, por lo que, en cuanto a esto último se refiere, el autor puede optar por hacer una descripción escueta de sus personajes, o prescindir de ella en absoluto.
Ejemplos de algunos de los mejores libros de relatos breves
Cuentos, de Antón Chéjov;
Historias de Nueva York, de O. Henry;
Cuentos completos, de Edith Wharton;
Crónicas marcianas, de Ray Bradbury;
Manual para mujeres de la limpieza, de Lucia Berlin;
El negro artificial y otros escritos, de Flannery O’connor;
Brujas es una ciudad sorprendente repleta de vida, arte y cultura, en la que podemos pasear por lugares monumentales y de postal, casi siempre concurridos, pero también disfrutar del silencio y la contemplación en sus canales, en los callejones medievales adoquinados y en las salas de sus museos e iglesias. Además, menos de 15 kilómetros separan Brujas del mar y de su flamante puerto, Zeebrugge, el segundo más grande Bélgica, con el que siempre ha estado muy conectada.
En Brujas la tradición y el patrimonio arquitectónico conviven con la creación más actual e innovadora. Hasta el 1 de septiembre, su casco histórico, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2000, acoge una nueva edición de la Trienal de arte y arquitectura, ofreciendo al visitante la experiencia de descubrir otra ciudad a través de las intervenciones artísticas y arquitectónicas presentes en sus calles, canales y parques, y, este año, también, en la playa.
Recordando brevemente los temas sobre los que versaron las ediciones anteriores, en 2015 los comisarios Till-Holger Borchert y Michel Dewilde quisieron que se reflexionara acerca de la urbanización global y el punto de partida para hacerlo fue qué ocurriría si los cinco millones de visitantes que recibe la ciudad decidieran quedarse a vivir en ella. En 2018 el lema de la Trienal fue el de “ciudad líquida”, partiendo de la idea desarrollada por el sociólogo y filósofo Zygmunt Bauman sobre los continuos cambios sociales y económicos derivados, en buena parte, de la globalización, en una metáfora aplicable también a la arquitectura y al uso del espacio público. La edición de 2021, “TraumA”, trasladaba la atención del espacio público a algunas de las dimensiones ocultas de la ciudad y sus habitantes, buscando el equilibrio entre lo visible y lo oculto, entre lo privado y lo público, entre el paraíso y el infierno. En esta ocasión, la Trienal de Brujas 2024 mira decididamente hacia el futuro y explora el potencial oculto de la ciudad con el tema “Spaces of possibility”.
Brujas. Dijver. Foto: masdearte
El equipo curatorial, integrado por Shendy Gardin y Sevie Tsampalla, ha invitado a 12 artistas y arquitectos para pensar en los desafíos y oportunidades sociales, económicas y ecológicas que nos esperan como sociedad. Ante preguntas como ¿cómo podemos salvaguardar la habitabilidad de Brujas y de las ciudades en general de forma protectora? o ¿cómo abordamos conceptos como la sostenibilidad y el cambio en un entorno protegido por la UNESCO donde la preservación es central?, el arte y la arquitectura contemporáneos crean un nuevo marco para estas cuestiones y lanzan su mensaje como elementos catalizadores para un cambio sostenible.
Con sus proyectos e instalaciones site-specific, los participantes han creado nuevas conexiones entre espacios de la ciudad, pero también entre residentes y transeúntes y entre personas y animales; y han recuperado lugares poco o nada utilizados, mostrando nuevas formas de usar el espacio. Los 12 artistas y arquitectos invitados son: Iván Argote, Mariana Castillo Deball, Studio Ossidiana, Traumnovelle, SO–IL, Bangkok Project Studio, Norell/Rodhe, Shingo Masuda + Katsuhisa Otsubo Architects, Adrien Tirtiaux, Sumayya Vally, Mona Hatoum e Ivan Morison.
IVÁN ARGOTE
Who?
Dirección: Speelmansrei a la altura de Beenhouwersstraat 2
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Ivan Argote. Who. Foto: Filip Dujardin
Iván Argote (1983, Colombia) juega con la idea de historia y patrimonio, pero lo hace desde una ficción paralela. El artista ha instalado un par de grandes botas de bronce envejecido sobre el agua del canal y nos invita a reconstruir una historia, en la que tendrá mucho que ver la forma en la que cada uno interpreta los monumentos. Como su propio título indica, Who?, la escultura nos permite especular sobre la identidad del personaje detrás de esas botas. ¿A quién pertenecen? ¿Desde cuándo está ahí? Parecen formar parte de una enorme escultura, pero, de ser así ¿dónde está el resto? ¿Se ha perdido o es que está en proceso de instalación? Así, la inconcreción permite a los espectadores imaginar, quizá, que las botas corresponden a una figura histórica o, por el contrario, pueden inventar sus propios relatos. Más allá de la identidad, la obra también deja abierto el debate sobre quiénes tienen derecho a ser representados en el espacio público y a escribir la historia.
MARIANA CASTILLO DEBALL
Firesong for the bees, a tree of clay
Dirección: parque Sebrechts
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Mariana Castillo Deball. Firesong for the bees, a tree of clay. Foto: masdearte
Firesong for the bees, a tree of clay es una estructura de dos metros y medio de altura creada por Mariana Castillo Deball (1975, México) para alojar docenas de singulares colmenas elaboradas en arcilla, colocadas y distribuidas de manera diferente. Castillo Deball hace así referencia a la historia de la apicultura en Europa, donde, durante cuatro mil años, los apicultores fabricaban sus colmenas con paja, arcilla y cerámica cocida, hasta que los modelos de madera más habituales hoy en día fueron introducidos a partir de 1852. En la parte superior de la instalación, tres colmenas típicas de madera albergan la colonia de abejas de unos jóvenes apicultores de Brujas, Margot y Uther, que seguirán cuidando de su colonia de abejas mientras dure la Trienal, llevándola de vuelta a su lugar habitual una vez concluya el evento. La pieza, por su parte, será donada por la artista a esta protectora de abejas. Firesong for the bees, a tree of clay no solo nos invita a recordar aspectos relacionados con la tradición sino también a reflexionar sobre cómo la acción del hombre está provocando la desaparición de algunas especies.
STUDIO OSSIDIANA
Earthsea Pavilion
Dirección:Corte Bladelin, Naaldenstraat 19
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Studio Ossidiana. Earthsea Pavilion. Foto: Filip Dujardin
Inspirados por la idea de yacimiento arqueológico, donde los trabajos de excavación dejan al descubierto varias capas de tierra, en cada una de las cuales el sustrato contiene innumerables relatos sobre la historia de la zona, Studio Ossidiana ha diseñado un silo cilíndrico de seis metros de ancho que conecta la tierra y el mar, la historia y la naturaleza. Construido con conchas, tierra, turba, cáscaras y hojas, apilados unos encima de otros, en cada capa se han introducido semillas de plantas y flores, hongos, minerales y bacterias, que dan lugar a un ecosistema único. La idea de Studio Ossidiana (formado por Alessandra Covini y Giovanni Bellotti) es la de una edificación en constante transformación que atraerá a insectos, pájaros y otros animales, creando a su vez un lugar de encuentro para las personas y de estas con la naturaleza. La instalación se encuentra ubicada en el patio del palacio conocido como Corte Bladelin, un edificio histórico mandado construir en 1435 por el acaudalado diplomático Pieter Bladelin, consejero de Felipe el Bueno, duque de Borgoña, que posteriormente fue propiedad de la familia de banqueros italianos de Medici.
TRAUMNOVELLE
The Joyful Apocalypse
Dirección: Patio de la Lonja de Brujas
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Traumnovelle. The Joyful Apocalypse. Foto: Filip Dujardin
El estudio de arquitectura Traumnovelle (fundado en 2015 en Bruselas por Léone Drapeaud, Manuel Léon Fanjul y Johnny Leya) busca con sus intervenciones suscitar debates de actualidad y generar equilibrios en la frontera entre ficción y realidad. En este caso, eligen para trabajar el patio de la Lonja, un lugar que en la Edad Media era el centro comercial más importante de la ciudad y que hoy en día es un lugar de paseo para los visitantes, que regularmente se convierte en platea para conciertos de carillón o incluso en pista de baile. El objetivo de The Joyful Apocalypse es revivir este lugar con un gran potencial como espacio de encuentro de los habitantes y turistas, así como un incentivo para hacer mejor uso de este tipo de espacios en la ciudad.
Una estructura de andamios transitable, de nueve metros de altura en tres pisos, cubre el patio de la Lonja. Los que entran, lo recorren y observan cómo otros también los recorren, formando parte de la obra al mismo tiempo, reflejados en los paneles de aluminio reflectante que conforman la estructura, junto a las cortinas plateadas semitransparentes, que crean la sensación de cambio continuo. Durante la Trienal tendrán lugar conciertos o actuación en el patio.
SO-IL
Common Thread
Dirección: Jardín del convento de los Capuchinos. Hauwerstraat 3c-5
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. SO–IL. Common Thread. Foto: Filip Dujardin
Por primera vez se abre al público este jardín oculto de la ciudad, que gracias al trabajo de SO-IL (abreviatura de Solid Objectives, estudio fundado en 2008, en Nueva York, por Florian Idenburg y Jing Liu) podrá ser recuperado para Brujas y sus visitantes. Un pasaje serpenteante nos conduce a través del jardín del monasterio, conectando dos partes del barrio de Brujas occidental y creando una nueva relación urbana. Inspirado en la historia de Brujas como destacado centro de creación de encajes en la Edad Media, se puede decir que SO-IL “teje” un nuevo capítulo de la historia al utilizar precisamente el tejido como material con el que establecer lazos sociales y económicos. Se trata de una membrana de alta tecnología consistente en elementos impresos en 3D, tubos y segmentos textiles hechos de botellas de PET recicladas, elaborada en colaboración con la Dra. Mariana Popescu, de la UT de Delft, y la empresa holandesa Summum Engineering.
BANGKOK PROJECT STUDIO
The tower of balance
Dirección: frente al Parque Rey Alberto I, cerca de la Abadía de Santa Godeleva
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Bangkok Project Studio. The tower of balance. Foto: Filip Dujardin
Uno de los edificios que más llamaron la atención del tailandés Boonserm Premthada, fundador de Bangkok Project Studio, en su visita a Brujas tras recibir la invitación de la Trienal fue el fantástico campanario de la ciudad. No en vano, con sus 83 metros de altura, es la torre más importante de Brujas. Fue erigida en el siglo XIII y hoy es patrimonio de la humanidad. Además, junto con la catedral de San Salvador y la iglesia de Nuestra Señora, simboliza el poder de la Iglesia y el Estado. La propuesta de Premthada ofrece un contrapunto contemporáneo y popular con una torre campanario de 18 metros de altura, contemporánea y abierta, realizada en madera de pino y con una campana de bronce, que puede ser tocada sin temor por los visitantes. Un espacio que además conecta la ciudad con un entorno más próximo a la naturaleza.
NORELL/RODHE
Raamland
Dirección: plaza en la calle Sint-Obrechtsstraat
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Norell/Rodhe. Raamland. Foto: Filip Dujardin
Ya hemos señalado cómo recuperar espacios olvidados era uno de los objetivos de “Spaces of Possibility” y eso es lo que ha hecho el estudio de arquitectura Norell/Rodhe (fundado en 2012, en Suecia por Daniel Norell y Einar Rodhe), enfocado a diseñar instalaciones sostenibles. Con materiales desechados, restos de obras y en un lugar desconocido para la gran mayoría de habitantes de Brujas (hasta el siglo XVII había sido una zona urbana pantanosa inhabitable), la pareja de arquitectos ha transformado una especie de plaza anónima en un lugar de encuentro o de descanso, con un pabellón que albergará una biblioteca y un jardín comunitario con bancos, chimenea y vegetación. Raamland es un campo de pruebas y una investigación sobre cómo podemos lidiar con los flujos de materiales de manera diferente en el futuro. Se acerca a la arquitectura como un organismo vivo, como algo que cambia gradualmente de forma, junto con su entorno más amplio: la ciudad.
SHINGO MASUDA + KATSUHISA OTSUBO ATCHITECTS
empty drop
Dirección: parque del Hospital de San Juan
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Shingo Masuda + Katsuhisa Otsubo Architects. empty drop. Foto: Filip Dujardin
El ladrillo es el protagonista de la instalación de Shingo Masuda + Katsuhisa Otsubo Architects, estudio japonés que tiene como filosofía de trabajo preguntarse por qué seguimos construyendo en vez de mejorar los lugares ya existentes a través de sutiles intervenciones. Con empty drop, una estructura geométrica de ladrillo, inspirada en el Akakura Shrine, una roca de un metro de altura rodeada de un bosque de cedros en Japón, juegan con el concepto de “espacio libre” y celebran precisamente el vacío en Brujas, una ciudad con una edificación muy densa y un gran bullicio. Al estar rodeado de árboles frutales, en un amplio jardín, y al estar construido por aproximadamente 11 000 ladrillos de arcilla cocida, la obra también ofrece una fuerte conexión con la naturaleza.
ADRIEN TIRTIAUX
Under the Carpet
Dirección: puerta de entrada a la calle Zonnekemeers (puedes ver la de instalación desde el aparcamiento y desde la plaza Wevershof) y calle Professor Dokter J. Sebrechtsstraat
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Adrien-Tirtiaux. Under the Carpet. Foto: Filip Dujardin
Investigando sobre la zona que el arquitecto, ingeniero y artista Adrien Tirtiaux (1980, Bélgica) había elegido para trabajar en su proyecto para la Trienal, descubrió que bajo una alfombra de hierba y musgo se encontraba la antigua carretera que en la década de 1930 unía el Hospital de San Juan con la Clínica Minnewater. El primero se había quedado sin espacio y era necesario ampliar las instalaciones y trasladar a pacientes de un edificio a otro. Para hacerlo de la manera más rápida posible, en 1938 se construyó una vía de comunicación entre ambos, que quedó completamente deteriorada, y prácticamente desaparecida, después de 1976. Como si fuera un arqueólogo contemporáneo, Adrien Tirtiaux ha recuperado algunos tramos y ha extendido gruesas y caprichosas “alfombras de musgo”. Todo este trabajo le sirve a Adrien Tirtiaux para lanzarnos una pregunta: ¿qué consideramos patrimonio y qué no?
SUMAYYA VALLY
Grains of Paradise
Dirección: Minnewater (Lago del Amor). Se puede ver la instalación desde el Begijnenvest, el puente del Lago del Amor y el parque del Lago del Amor
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Sumayya Vally. Grains of Paradise. Foto: masdearte
Con su aparente sencillez, Grains of Paradise, la instalación de Sumayya Vally (1990, Sudáfrica), está inspirada en el próspero pasado comercial de Brujas en los siglos XIV y XV, del que incluso hoy en día se pueden encontrar rastros por la ciudad. Sin embargo, ese pasado mercantil casi siempre se analiza desde el prisma europeo. Sumayya Vally adopta un enfoque diferente y ha examinado las relaciones con el continente africano y el efecto que tuvo la cooperación en África. La artista ha colocado una serie de piraguas negras amarradas al puente de Minnewater, uno de los lugares más idílicos y representativos de la ciudad, llenas de plantas y hierbas frescas, entre las que incluye la pimienta melegueta, o Afromomum melegueta, una especia menos conocida importada a granel del Golfo de Guinea. Esta adquirió el apodo local de paraísokorrel, que significa “grano del paraíso”, gracias a su sabor único y propiedades medicinales. Las piraguas forman una plataforma comunal para el intercambio y el comercio, con la que se hace referencia tanto al pasado como al presente, al norte y al sur.
En 2021, la revista Time incluyó a Sumayya Vally como una de las 100 personas más influyentes del futuro. Ese mismo año diseñó el Serpentine Pavilion de Londres, siendo la arquitecta más joven de la historia en hacerlo. En 2023 fue directora artística de la Bienal de Arte Islámico en Yeda.
MONA HATOUM
Full Swing
Dirección: jardín del hospital psiquiátrico PZ Onzelievevrouw, entrada por Stationslaan
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Mona Hatoum. Full Swing. Foto: Filip Dujardin
La reconocida artista Mona Hatoum (1952, Líbano) interviene en el jardín del hospital psiquiátrico PZ Onzelievevrouw, un lugar deliberadamente escogido por las connotaciones de conflicto, encerramiento, inestabilidad y disciplina que pueden asociarse a una institución de estas características y que, a su vez, están en íntima conexión con el trabajo de Hatoum. Aquí, su Full Swing invita a balancearse en un estrecho pasaje subterráneo excavado en el jardín donde un columpio cuelga de una viga de metal en el centro de la estructura. El descenso a esta estrecha celda puede resultar incómodo e incluso hacernos sentir atrapados. Esta sensación de opresión y tensión, que nos sitúa entre el movimiento y la restricción, la libertad y el encarcelamiento, se ve acentuada por los materiales empleados, como el alambre de púas, el cemento y los gaviones llenos de piedras bastas.
La artista reconoce su interés por edificios penitenciarios o correccionales, por cómo ese tipo de arquitecturas pensadas para la reclusión afectan a los que viven allí y plantea la duda de si se puede prosperar en un sistema tan opresivo. Con Full Swing, donde trata de evocar sentimientos de inestabilidad, desplazamiento e incluso miedo, nos propone ponernos en el lugar de aquellos.
IVAN MORISON
Star of the Sea
Dirección: playa de Zeebrugge, a la altura de Zeedijk 34
Trienal de Brujas 2024. Spaces of Possibility. Ivan Morison. Star of the sea. Foto: Jan Darthet
Por último, y no por ello menos importante, os hablamos de Star of the Sea, una de las obras estrella —nunca mejor dicho— de esta edición, que es una coproducción de la Trienal de Brujas y la Trienal de Beaufort. Situada en la playa de Zeebrugge, se trata de una instalación a medio camino entre un búnker, una fortaleza y un castillo de arena, sometida a la impredecibilidad del viento, al agua y la arena, que pondrán a prueba su estabilidad y durabilidad. Ivan Morison (1974, Turquía) ha combinado aquí varias tuberías, formando una voluminosa estructura de hormigón con chimeneas, que desde lejos ya resulta llamativa. Al acercarnos, descubrimos que podemos entrar en ella y recorrerla también completamente en su interior. Al hacerlo, podemos acceder a un patio central, mientras que las diferentes aberturas hacia el exterior nos ofrecen vistas hacia las dunas, al mar, al puerto o al Paseo Marítimo.
El programa de la Trienal de Brujas se completa con paseos guiados, eventos y actividades. Podéis descargar de forma gratuita la app Visit Bruges, donde encontraréis la ruta circular ‘el paseo de la Trienal Brujas‘. Paralelamente, en el marco de la Trienal, tres museos de la ciudad —el museo Groeninge, el museo Gruuthuse y el recientemente renovado museo Hospital de San Juan—, acogen la exposición conjunta: “Rebel Garden”, que ahonda en el impacto del ser humano en la naturaleza a través de una selección de obras de maestros antiguos y creadores contemporáneos.
Además de estas propuestas que conforman la Trienal de Brujas, el arte contemporáneo será también el protagonista de otros dos destacados eventos que se podrán disfrutar este verano en Flandes: la mencionada Trienal de Beaufort, que en su octava edición y comisariada por Els Wuyts, nos invita a descubrir las creaciones de 18 artistas internacionales en diferentes putos de la costa flamenca, y After Paradise, del 29 de junio al 6 de octubre en la creativa ciudad de Kortrijk.
Disponéis de abundante información para visitar la Trienal de Brujas, así como para completar vuestra estancia en la ciudad, en https://www.visitbruges.be/es y en https://www.visitflanders.com/es
The post Spaces of Possibility, la Trienal de Brujas propone imaginar otras ciudades y futuros posibles appeared first on masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas.
«Por los que ya no están, por los que están y por los que vendrán» es la frase que me quedó resonando después de participar en un conversatorio entre la Coordinadora de Víctimas del Ycuá Bolaños y el movimiento Cromañón.
El diálogo, frente a las 400 butacas del auditorio que representan a «los que ya no están», fue un acto simbólico: el objetivo fue mostrar que las vidas de quienes murieron ese 1A siguen siendo recordadas, visibilizar que hay personas que todavía las y los extrañan y que por eso siguen luchando por MEMORIA, VERDAD Y JUSTICIA.
En el escenario, las sillas estaban dispuestas de manera circular. Brenda Marissa Re, sobreviviente de Cromañón; Silvia Alejandra Bigmani, mamá de Julian Rozengardt, fallecido en la discoteca; Liz Torres y Angélica Roa, sobrevivientes de la tragedia de Ycuá Bolaños, hablaron y reflexionaron sobre muchas cosas, pero sobre todo acerca de la importancia de la Memoria Colectiva como derecho humano.
El 1 de agosto de 2004, el incendio del supermercado Ycuá Bolaños en Asunción, Paraguay, dejó un saldo trágico de más de 400 muertos y numerosos heridos. El 30 de diciembre de ese mismo año, la discoteca República Cromañón en Buenos Aires, Argentina, fue escenario de un incendio que cobró la vida de 194 personas y dejó más de 1.400 heridos. Ambos eventos marcaron profundamente a la sociedad y evidenciaron la necesidad urgente de medidas de seguridad más estrictas para los espacios de concurrencia masiva, así como una mayor responsabilidad de las autoridades en la fiscalización de su cumplimiento.
Memoria. La memoria es individual porque cada persona tiene su forma de recordar de acuerdo a cómo sintió, vivió y procesó una situación. Esa memoria individual se hizo colectiva a lo largo de estos 20 años. Así fue que los sobrevivientes, las familias afectadas, amigos y amigas, lograron hacer realidad el Sitio de Memoria y Centro Cultural 1A. Porque este espacio representa MEMORIA.
Fotografía: Milena Ruíz Díaz.
Verdad. Nadie puede contar la verdad de otra persona, siguiendo la misma lógica de que cada quien siente, vive y procesa de manera muy personal. Quienes sobrevivieron al encierro, el fuego y la desesperación de ver a gente morir a su lado cuando se cerraron las puertas, son los protagonistas de esas historias que deben ser narradas, inicialmente en primera persona, para que pasen de generación en generación con la fuerza de la verdad y la memoria, como un acto de reparación y la esperanza de no repetición. Hoy las y los sobrevivientes piden que la tragedia más grande del país en tiempos de paz forme parte de libros de textos en las escuelas, colegios, y la academia.
Justicia. Es imposible medir la justicia pensando en las penas que recibieron los responsables de esta tragedia. Es imposible pedirle a una mamá, a un papá, a un hijo, hija, hermana, hermano que den por saldada la ausencia de quienes nunca más volverán. Tampoco es posible reparar el daño con el pago de una indemnización, aunque es un derecho por el cual muchos siguen peleando. Y si bien es justicia haber recuperado este espacio y convertirlo en un memorial, no es suficiente porque todavía hoy, a pesar de las 400 muertos y 6 desaparecidos, el Estado sigue sin garantizar seguridad integral para la no repetición. La sociedad sigue anteponiendo, en muchos casos, la propiedad y el lucro a la vida, más allá de la ley y de normas básicas de derechos humanos.
Por estos días de memoria individual, transformada en memoria colectiva y reconocida como derecho humano, es urgente exigir, una vez más, que se cumplan todas las herramientas legales, sociales y judiciales para garantizar la no repetición: «Por los que ya no están, por los que están y por los que vendrán».
Un estudio revela que más de la mitad de los medios en América Latina y el Caribe no tiene protocolos para abordar la violencia de género. La investigación propone un protocolo modelo para prevenir y atender estos casos, buscando crear entornos laborales más seguros y equitativos.
—-
En Paraguay, las denuncias de acoso sexual en los medios de comunicación fueron históricamente ignoradas. Un caso emblemático es el de Carlos Granada, exgerente de la multinacional Albavisión en Paraguay, denunciado por seis trabajadoras de prensa de la empresa. Este caso sigue impune, reflejando una problemática que afecta a toda América Latina y el Caribe: la falta de protocolos para abordar la violencia de género en los medios.
Un reciente estudio titulado «Medios sin violencias. La urgencia de políticas de abordaje y prevención» revela que el 57% de los medios de la región no cuenta con protocolos para tratar la violencia de género en las redacciones. Este informe, realizado por la Asociación Civil Comunicación para la Igualdad junto con la Federación de Periodistas de América Latina y el Caribe (FEPALC) y apoyado por UNESCO, destaca la necesidad urgente de implementar políticas efectivas en este ámbito.
Hallazgos alarmantes
La investigación, que abarcó 95 medios de 14 países, encontró que el 75% de los y las periodistas conoce al menos un caso de violencia de género en su entorno laboral. Las agresiones ocurren principalmente en las redacciones y estudios, seguidas por el ámbito digital a través de redes sociales y aplicaciones de mensajería.
La mayoría de los agresores en entornos offline son personas en cargos jerárquicos altos, mientras que en el ámbito online, los ataques provienen frecuentemente de funcionarios gubernamentales y políticos. Además, en uno de cada diez casos, se combinan ambos tipos de violencia.
Testimonios desgarradores
Los testimonios recogidos son contundentes. Desde agresiones verbales y físicas en las redacciones hasta acoso psicológico en redes sociales, las periodistas enfrentan un ambiente hostil. Un ejemplo es el testimonio de una periodista paraguaya que recibe constantes ataques en redes por compartir información sobre violencia y feminismo.
“Suelo recibir acoso psicológico en redes sociales por tomar postura o compartir información acerca de la violencia, los feminismos y las luchas de las mujeres”.
Propuesta de solución
Frente a este panorama, la investigación propone la elaboración de un Protocolo Marco de Violencia de Género para los medios de comunicación. Este protocolo, construido colectivamente, busca ofrecer lineamientos claros para prevenir y atender casos de violencia de género, adaptándose a la legislación de cada país.
La implementación de estos protocolos es vista como un paso crucial hacia la creación de entornos laborales más seguros y equitativos. Como señala Sandra Chaher, presidenta de Comunicación para la Igualdad, «la existencia de protocolos de violencia de género es un paso más hacia la construcción de organizaciones de medios más democráticas».
El camino hacia la igualdad
El objetivo no es solo proteger a las y los periodistas, sino también fortalecer la libertad de expresión y la democracia en la región. Es fundamental que los medios de comunicación asuman su responsabilidad y se comprometan a desarticular la violencia de género en todas sus formas.
Este es el momento de actuar y exigir cambios concretos. La implementación de un Protocolo Marco de Violencia de Género es una herramienta clave para garantizar que las redacciones sean espacios de igualdad, libres de violencia y acoso.
Este podcast tiene la intención de reproducir interpretaciones personales de algunos clásicos de la poesía universal. Entiendo, al igual que Octavio Paz, que la poesía es una actividad emocional revolucionaria, un ejercicio espiritual, un medio de liberación interior y una búsqueda de transfiguración. Adonis, Ali Ahmad Said y Octavio paz son mis favoritos. Dos clásicos modernos.
Este poema, como tantos otros, tiene que ver con los límites de la vida. Es un poema profundo y desconcertante, pero como todos en los poemas de Adonis nunca sabemos a dónde nos lleva sus impresionantes versos, es como no saber en qué puerto este barco llegará anclar.
 100vw, 620px” data-recalc-dims=”1″><figcaption id=)
Fotografía: Milena Ruíz Díaz.
