Tejiendo redes: la lana se cuela en las propuestas de Madrid Design Festival

by alguien | Feb 15, 2025 | Cultural | 0 comments

En la anterior edición de Madrid Design Festival, un proyecto específico desarrollado en colaboración con Amazon y llamado Tejiendo redes trataba de restar peso a la primera palabra del nombre de esta cita, impulsada por La Fábrica: mostraba trabajos de diseñadores que residen fuera de las grandes ciudades. Este año, este compendio de exposiciones dedicadas a las diversas facetas del diseño hoy cumple ocho ediciones, acaba de echar andar y hemos conocido la buena nueva de que aquella propuesta tendrá continuidad, ganará carácter transversal y se centrará en analizar el presente y el futuro del empleo de la lana.
Además de habilitar una web específica para el que llamaremos diseño lanar, el festival homenajeará al sector el 22 de febrero, dentro de su Fiesta Design, y nos presenta, como centro de este renovado Tejiendo redes, Oro Blanco, una instalación y una colección cápsula que viene a reivindicar la importancia de este material y sus posibilidades desde la mirada de Inés Sistiaga y Regina Dejiménez, que han contado con la colaboración de Wool4Life, una de las escasas empresas familiares que aún preservan todos los oficios asociados a la lana en Mota del Cuervo (Cuenca) y que, desde hace más de un siglo, la ha lavado, cardado, hilado y comercializado en telares artesanales de madera.
Si hace solo unas décadas la lana sustentaba, en lo económico pero también en lo cultural, a comunidades rurales y artesanos en las zonas dedicadas a la ganadería, en nuestro país y en otros, a día de hoy solo el 1% de las fibras textiles a nivel global son de lana y el 90% de la lana española es desaprovechada, de modo que su explotación llega a suponer pérdidas económicas. Lo recalcó Álvaro Matías, director de Madrid Design Festival, en su apertura: A pesar de sus innumerables beneficios, la lana ha sido desplazada en un mercado que prioriza lo barato y desechable. Actualmente, España es el mayor productor de lana en la Unión Europea, pero esta fibra ha perdido el protagonismo y el valor económico que tuvo en el pasado. El sistema ha convertido este recurso en un residuo y ha relegado a las personas que trabajan con ella a una situación de vulnerabilidad. Ganaderos, lavaderos, artesanos y pequeños productores enfrentan grandes desafíos para mantener viva esta tradición, mientras ven cómo su trabajo y su producto se consideran sin valor en el mercado.

Ante este panorama, el portal que han llamado precisamente Tejiendo redes recoge tanto un análisis del estado de la cuestión como ejemplos de buenas prácticas y una red de agentes enfocados en hallar soluciones innovadoras -del que forman parte, junto a Wool4Life, Prados (Filogramas), ALAdina, DESANUDA Fiber Lab, Hilandia Tejiendo Experiencias, RESOTEX y Studio Folklore-, mientras que la colección cápsula de Sistiaga y Dejiménez ha tratado de desafiar los citados datos negativos intentando conceder a la lana salidas viables en el mercado y abordar dicha materia siguiendo los pasos tradicionales de su manejo (limpieza, secado, hilado). Además, han empleado especies autóctonas españolas, algunas de ellas en riesgo de extinción, y localizadas en diversas regiones, no en una sola. Por último, su instalación para el festival puede contemplarse, hasta el próximo 23 de febrero, en la sede de la Institución Libre de Enseñanza.
Un día antes, el 22, todos los interesados tendrán ocasión de profundizar en muchas de las tradiciones, y capas de riqueza, asociadas a la lana, en charlas, encuentros y actividades varias. Blanca Fernández Navas de Hilandia, junto a Anunci Marazuela, diseñadora gráfica y fundadora de La Real Lana, y Lupe Estévez, artista y creadora escénica, nos presentarán el filandón, práctica tradicional en León, Asturias y Galicia por la que un grupo de personas se une para contar historias, conversar y tejer en directo; el artista Alejandro Abarzúa, miembro de Tetuán Crea, enseñará en un taller a tejer con los dedos; Claudy Jongstra, artista y activista, artífice de obras que reinventan las técnicas tradicionales de fieltrado de lana y teñido con plantas, impartirá la conferencia Pathway to Resilience and Regeneration; e Inés Quezada, Kavita Parmar y Beatriz Muñoz Goetsch compartirán impresiones en la mesa redonda Seguir el hilo. Relatos hacia la moda y el textil, sobre el impacto de las fibras y de las tendencias en nuestra identidad.
En otra mesa redonda, Regina Degiménez, Inés Sistiaga y Ramón Cobo, de Wool4Life, explicarán cómo crearon Oro blanco y el día acabará con un tributo a este sector de la lana, desde ganadores e hiladores, con varios de sus protagonistas.
Inés Sistiaga, Regina Dejiménez y Ramón Cobo. Fotografía: © Jorquera
Algunas cifras: aunque, como avanzamos, España es el mayor productor en la Unión Europea, nuestra lana representa menos del 0,5% de las fibras textiles utilizadas mundialmente. A su vez, en términos globales, supone menos del 1% de las fibras utilizadas en el sector textil, en comparación con el 70% que ocupan las sintéticas. Dada la situación, más del 85% del tejido empresarial productivo relacionado con ella ha desaparecido, y el riesgo para el que pervive es grave. Asimismo, más del 90% de la lana producida en el país o no encuentra mercado, o se vende a un precio muy bajo, lo que la convierte casi en un desecho.
Sin embargo, es un recurso completamente natural, renovable y biodegradable. Se descompone en pocos meses, aportando nutrientes al suelo, y ofrece cualidades únicas: regula la temperatura, es hipoalergénica, resistente al fuego, absorbe la humedad y es duradera y adaptable. Su puesta en valor, y la de las ovejas, podría favorecer la economía en zonas rurales apenas pobladas.
 
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Inés Sistiaga, Regina Dejiménez. Oro blanco. Fotografía: © Jorquera
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Suite Vollard: el Picasso delicado y el brutal

by alguien | Feb 14, 2025 | Cultural | 0 comments

Inmerso desde 2012 en una programación expositiva dedicada a la arquitectura y a sus fotógrafos, que retomará el próximo otoño, el Museo ICO no mostraba sus colecciones propias desde entonces en su sede madrileña; sí fuera de la capital, porque su Suite Vollard se ha exhibido en cerca de una treintena de centros españoles y en más de una veintena de espacios internacionales.
La ocasión de reencontrarnos con una selección de esos fondos, con parte de sus trabajos gráficos, la tendremos hasta el próximo verano: una muestra en realidad doble, “La Suite Vollard de Picasso y el grabado en la Colección del Museo ICO”, presenta por un lado la emblemática serie picassiana, adquirida por este organismo en 1991, y por otro medio centenar de grabados, acompañados de algunas pinturas, realizados por artistas que, en su mayoría, resultaron galardonados con el Premio Nacional de Artes Plásticas en los ochenta y los noventa; este conjunto responde a un encargo efectuado en 1985 por el Ministerio de Cultura y la editora Decaro, salvo esas ocho pinturas, cuyos autores coinciden con los de algunos de esos grabados y que se han incorporado al recorrido precisamente para que el espectador pueda relacionar la estética y recursos de una y otra técnica.
El encargo inicial, que demandaba dos obras por cada autor, se materializaría en una exposición que tuvo lugar en el entonces Museo Español de Arte Contemporáneo -antecesor del Reina Sofía- dirigido en aquel momento por Aurelio Torrente, después primer responsable del Museo ICO. Gonzalo Doval ha comisariado ahora este montaje, del que forman parte Díaz-Caneja, que apenas frecuentó la obra múltiple; Manuel Boix, Ràfols-Casamada, Hernández Pijuan, Luis Gordillo, José Hernández, Eduardo Arroyo, Rafael Canogar, Josep Guinovart, Lucia Muñoz, Alfonso Fraile, Manolo Valdés, Darío Villalba -que también en el grabado trabajó desde la fotografía-, José Caballero, Hernández Mompó, Juan Genovés, Pérez Villalta, Juan Barjola, Miguel Ángel Campano y Fernando Bellver.
El grabado en la colección del Museo ICO. 2025
El grabado en la colección del Museo ICO. 2025
En cuanto a la Suite Vollard, la principal serie de grabados de Picasso -y es posible que del siglo XX- se fecha entre 1930 y 1937 y compone un diario íntimo de su vida y arte en esa etapa, una de las más fructíferas de su trayectoria. Su nombre procede del marchante que la imprimió y que primero expuso al artista en París en 1901, pero no se trata de un encargo suyo: el francés propuso a Picasso intercambiar sus planchas (que en un primer momento eran noventa y siete, y se redondearon a cien con retratos del propio Vollard) por algunas pinturas que al malagueño le interesaban, entre ellas algún Cézanne.
La suite arranca, como dijimos, en 1930, casado Picasso con Olga Khokhlova -sobre los papeles no dejaría de estarlo hasta la muerte de la bailarina, en 1955-, pero evolucionaría en su mayor parte, desde 1932, al ritmo de su relación con la muy joven Marie-Thérèse Walter y al de su propia actitud ante la creación, su consideración de sí mismo como autor y su entendimiento del asunto del artista y la modelo. En sus primeros grabados, y bastante menos en los últimos, se maneja en parámetros bastante clásicos, de retorno al orden, con una línea nítida, volúmenes contundentes o reminiscencias de las odaliscas; en su momento algunos críticos consideraron estas obras como una involución en su producción.
Pablo Picasso. Modelo y escultura surrealista, 1933. Suite Vollard. Museo ICO
Pablo Picasso. Joven escultor trabajando, 1933. Suite Vollard. Museo ICO
Este proyecto, a la hora de exponerse, puede ordenarse cronológicamente o por grupos temáticos; dado que en las anteriores exhibiciones se ha optado por articularlo a partir de sus temas, esta vez se ha optado por el criterio temporal, sin dejar de mencionar en las cartelas a qué bloque de asuntos (son siete) corresponde cada pieza. En todo caso, y en general, una mayoría de las obras remiten a la relación entre el artista, la modelo y la obra terminada, esta última vinculada a las esculturas, de raíz surrealista, en las que trabajaba paralelamente en su estudio de Boisgeloup, próximo a París.
Al escultor (a sí mismo) lo presenta como hombre maduro, de cuerpo robusto, que devendrá minotauro y luego minotauro ciego, al identificarse Picasso con la fuerza y respeto que inspiraban y también con la incomprensión en torno a esa figura; a la modelo (Walther) muy joven, primero mirando con mayor atención a las piezas terminadas y paulatinamente fijándose menos en ellas y más, con cierta devoción, en su artífice: la muy joven Marie-Thérèse, de diecisiete años al principio de su relación, no tenía inquietudes intelectuales, a diferencia de su “sucesora” Dora Maar. En los grabados se aprecia como los lazos entre uno y otro evoluciona desde la compañía a la dominación, como se aprecia en el bloque de La batalla del amor.
Pablo Picasso. Escultor, modelo y cabeza esculpida, 1933. Suite Vollard. Museo ICO
Contemplaremos igualmente las planchas que dedicó a Rembrandt, como gran grabador al que deseaba emular (y en su caso intentar superar) y con el que puede que se identificara también en lo personal, en razón de su convulsa relación con Geertje Dircx tras la muerte de Saskia. Los grabados finales, además de un dominio técnico extraordinario (en algún caso combinó aguafuerte y buril; acierta la exposición al comenzar introduciendo al público en la definición de estos procedimientos), prueban su interés por la minotauromaquia y el reflejo de su compleja vida personal en esas escenas en las que es Maya, la hija que tuvo con Walther, quien guía a ese ser mitológico que era su alter ego impulsándolo hacia el futuro.
El espectador podrá ver algunas planchas rayadas -se hacía así para que no se imprimieran de ellas más grabados- y firmas en ellas, no así en los grabados, que si contemplaremos, sin embargo, numerados. Vollard murió en un accidente de tráfico en circunstancias un tanto extrañas: tantas vueltas dio su coche que la escultura de bronce que llevaba en la parte de atrás lo golpeó en la cabeza, quizá causando en sí su fallecimiento. En los años posteriores, los grabados de la Suite Vollard comenzaron a venderse de forma autónoma, de ahí que no se conserven más de diez series completas de este conjunto excepcional que aúna delicadeza y brutalidad, clasicismo y vanguardia.
Pablo Picasso. Escena báquica del Minotauro, 1933. Suite Vollard. Museo ICO
Pablo Picasso. Toro alado contemplado por cuatro niños, 1934. Suite Vollard. Museo ICO
 
 
“La Suite Vollard de Picasso y el grabado en la Colección del Museo ICO”
MUSEO ICO
C/ Zorrilla, 3
Madrid
Del 13 de febrero al 20 de julio de 2025
 
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Esteban Vicente pinta un collage

by alguien | Feb 11, 2025 | Cultural | 0 comments

La primera exposición de la madrileña Galería Cayón en 2025, año en que celebra su vigésimo aniversario, está dedicada a Esteban Vicente; es su primera muestra individual en este espacio, aunque ya hemos podido contemplar aquí su trabajo junto a los de Ràfols Casamada, Rodríguez Acosta y José Guerrero.
Está centrada en sus collages: podemos ver una veintena, fechados entre 1962 y 1988. Ese género se considera su gran aportación al panorama creativo estadounidense de los cincuenta y los sesenta; él lo concebía como otro modo de pintar, más que como un medio limitado y disgregado de la pintura.
Esteban Vicente. Sin título, 1988
 
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