La herida invisible: niñas atrapadas entre usos, costumbres y silencio

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Por: Emilia Heinz

 

¿Qué pasa cuando a una niña la obligan a iniciar una relación con un hombre mucho mayor? La sociedad se indigna, lo condena, lo señala y tristemente, lo olvida. Son prácticas enquistadas bajo el nombre de “tradiciones”; el intento de cuestionarlas se apaga pronto, sofocado por una resignación colectiva que prefiere normalizarlas antes que confrontarlas. En ese silencio, se perpetúan desigualdades, violencias y omisiones, desdibujando el verdadero sentido de la autonomía indígena.

 

La autodeterminación de los pueblos indígenas es un principio fundamental, pero no debe convertirse en escudo para justificar prácticas que vulneran vidas. Los sistemas normativos tradicionales (lo que comúnmente conocemos como usos y costumbres) no pueden estar por encima de los derechos humanos de niñas y niños.

 

Durante mucho tiempo, algunos usos y costumbres han sido, y seguirán siendo, señales de alerta mientras no nombremos las cosas por lo que son: uniones tempranas y matrimonios forzados. Para que exista una unión temprana, no hace falta una ceremonia. Basta con que una niña sea convencida o presionada para irse a vivir con un hombre mayor y asumir el rol de esposa. 

 

En algunas regiones, esa “decisión” responde a acuerdos entre familias, donde la niña se intercambia por una despensa, unas gallinas o, simplemente por el “honor” y aunque esperen a que cumpla 18 años para llevar a cabo el reconocimiento legal, la violencia ya ocurrió, porque cuando no hay consentimiento libre, pleno e informado, hablamos de un matrimonio forzado. La violencia no deja de ser violencia solo porque alguien la llame costumbre. 

 

Una niña que carga a su propio bebé en lugar de cuadernos no es una anécdota aislada. Es una realidad que se repite. Una situación empujada por la falta de oportunidades o por la creencia de que no hay alternativas. Historias con nombre y apellido, que no se reconocen como injusticias, y por eso se han normalizado generación tras generación.

 

Actualmente, en Chiapas, según cifras del Censo de Población y Vivienda 2020 realizado por el INEGI, más de 3.500 niñas entre 12 y 17 años viven en condición de unidas o casadas. De esas adolescentes el 7.9% pertenece a pueblos originarios, lo que evidencia una incidencia más alta en contextos indígenas. Y no se trata solo de uniones; según la misma fuente, más de 11.300 niñas ya son madres dentro de ese mismo grupo de edad.

 

En 2024, Chiapas registró la tasa más alta a nivel nacional de nacimientos en niñas de 16 años o menos. Hubo más de 5.100 partos, lo que equivale a 92 nacimientos por cada 100.000 habitantes. ¿Te imaginas a 92 niñas embarazadas? Algunas de apenas 10 o 12 años, incluso con hombres mayores de 60 años, sin mencionar cuántas de ellas pierden la vida durante el embarazo o el parto. Un hecho terrible.

 

Muchas de ellas no saben que esa situación nunca debió ocurrir. La unión temprana desencadena abandono escolar, embarazos adolescentes y múltiples formas de violencia: física, sexual y psicológica. Lo más alarmante es que muchas ni siquiera lo identifican como una injusticia, porque han aprendido que “así debe ser”.

 

Aunque el matrimonio infantil está prohibido por ley en México desde 2019, la norma aún choca contra una realidad persistente: una deuda histórica con las niñas, que no se salda con discursos bienintencionados, sino con voluntad política, inversión pública, educación y acción comunitaria.

 

Los derechos de las niñas no pueden depender del lugar donde nacieron, tampoco pueden ser vistas como moneda de cambio o soluciones económicas para sus familias. Visibilizar estos temas no significa exhibir ni juzgar moralmente, significa actuar con responsabilidad ética y sentido de urgencia.

 

Necesitamos abrir espacios seguros, donde las niñas puedan informarse, decidir y expresarse. Donde su voz cuente. Reconocer este problema es el primer paso para abrir caminos donde cada niña pueda elegir su propia vida, sin miedo, sin presiones, sin que nadie decida por ella.

 

Llamemos violencia a lo que muchos llaman tradición. Llamemos delito a lo que muchos ven como costumbre y reconozcamos a las niñas por lo que son: personas, mujeres, libres, con conciencia propia. Acompañémoslas a soñar, imaginar futuros distintos, saberse capaces. No basta con señalar lo evidente ni juzgar a las comunidades: hay que cuestionar las estructuras que están fallando.

 

Respetar los usos y costumbres no significa aceptar la injusticia. Podemos hacerlo desde la cultura, desde la educación y desde los derechos humanos. Porque no todo lo que ha sido siempre tiene que seguir siendo.

 

Nombrémoslo. Cuestionémoslo. Y si incomoda… es porque ya no estamos dispuestas a callar.


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Yturralde y Torner, el verano de la línea

“Mi intención ha sido lograr una atmósfera de fluida transparencia, de comunión con una cierta energía en lenta expansión; esa energía se refiere a la sensibilidad y a la emoción, a una vivencia poética. Quizás haya un aspecto espiritual o místico, pero no creo que sea específicamente religioso o sagrado: la sensualidad de la vida sencillamente, el aquí y el ahora de este acontecimiento”. Así explicaba hace una década José María Yturralde el aura de sus pinturas, marcadas por las texturas, los contrastes y las transiciones cromáticas y por la reflexión en torno al universo y la noción de vacío: en sus composiciones suelen cobrar tanta importancia las líneas y los ocasionales motivos geométricos como los espacios que los rodean.
Entre sus series más reconocibles se encuentran Horizontes, en la que exploraba a través del color, la materia y la textura las ideas de tiempo e infinito, o Eclipse, un tributo a Malevich iniciado en la década de los noventa en el que trabajó partir de la nada y el silencio. A la hora de plantear cuestiones relativas al cosmos, el conquense se sirve de la numerología y de conceptos ligados tanto al arte en sí como a la ciencia y la metafísica: cree en el valor de la energía, de la luz o la incidencia del propio tiempo y del espacio en la creación y en nuestras vidas, por eso su obra parece aunar vías contradictorias: lo científico y lo trascendente, lo razonado y lo sentido.
José María Yturralde. Postludio, 2004. Colección del artista
José María Yturralde. Enso, 2024. Colección del artista
Similares inquietudes las ha volcado Yturralde en sus trabajos sobre papel y a ellos se dedica la exhibición que, hasta el próximo octubre, le dedica el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, la ciudad donde él mismo nació: “Una línea de papel”. Consta de piezas de índole diversa, que tienen como nexo común la estética que le es propia, y su inclinación a lo cósmico, pero responden a procesos creativos muy distintos: se trata de dibujos, maquetas, ensayos, cometas, dibujos preparatorios para sus series pictóricas, pruebas de delineación y color, maquetas para carteles, fotografías y experimentos con varias técnicas de impresión, desde los realizados en los computadores tempranos del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense, activo a finales de los sesenta y principios de los setenta, hasta las últimas impresiones digitales de la serie Enso.
Todas ellas responden, no obstante, a la concepción del artista de su producción, y de los procedimientos de elaboración de la misma, como caminos de conocimiento hacia terrenos abiertos tanto a la ciencia como al arte: al ser fruto de viajes, estudios, experiencias personales u observaciones detenidas, han ido consolidando su perfil como creador en el que el rigor geométrico y la propensión al orden son compatibles con la celebración de las posibilidades del color y de la luz y el estudio de esos asuntos clave de la física o la astronomía.
José María Yturralde. Generación de variaciones de figuras imposibles hexagonales, 1968. Colección del artista
José María Yturralde. Sin título, 1969. Colección del artista
Otro geométrico conquense, Gustavo Torner, ocupa este verano las salas de las Casas Colgadas, en el año de su centenario. La exhibición “Sur-Géométries, homenaje a nueve arquitectos” recoge otras tantas serigrafías que este artista llevó a cabo en 1972, con la colaboración de Abel Martín, quien estampara centenares de los grabados de Sempere. Rinden tributo a figuras fundamentales, occidentales y orientales, desde el Renacimiento hasta el siglo XX, cuyas aportaciones fueron tanto teóricas como prácticas: Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Andrea Palladio, Juan de Herrera, Wendel Dietterlin, Kobori Enshu, Franceso Borromini, Étienne-Louis Boullée y Mies van der Rohe. Los eligió por encontrar con ellos algún tipo de afinidad; su admiración hacia algunos fue confesada.
Este homenaje arquitectónico se explica por el hondo interés de Torner por esa disciplina -colaboró en un buen número de proyectos arquitectónicos y diseñó varios- y puede contemplarse en la sala negra de este museo, un espacio concebido por el mismo Torner junto a Zóbel en 1966 para aquel centro destinado a impulsar la producción gráfica entre autores de nuestro país en las décadas siguientes, y con ella el coleccionismo de grabados, ediciones y libros de artistas y el conocimiento de esas técnicas gráficas.
Resumen asimismo quizá, estas nueve imágenes, lo fundamental de su repertorio: el tratamiento sutil y pulcro de geometrías, espacios, colores y planos, definitorios tanto o más de sus modos de pensar que de los de hacer.
Gustavo Torner. Sur-Géométries, homenaje a nueve arquitectos. Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca
 
 
Gustavo Torner. “Sur-Géométries, homenaje a nueve arquitectos”
MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL
Casas Colgadas, s/n
Cuenca
Del 13 de julio al 26 de octubre de 2025
 
José María Yturralde. “Una línea de papel”
MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL
Casas Colgadas, s/n
Cuenca
Del 12 de junio al 12 de octubre de 2025
 
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Ana Bernal: “En los chats se daban trucos de cómo grabar sin que ellas se dieran cuenta”

Dos jóvenes han sido acusados de colocar cámaras ocultas en los dormitorios y baños de sus parejas, grabarlas sin que ellas lo supieran y difundir las imágenes en chats grupales de WhatsApp. A continuación, el análisis de Ana Bernal sobre este caso.

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Navarro Baldeweg, modos de hacer

No es buena idea establecer jerarquías entre las diferentes disciplinas que conforman el quehacer artístico de Juan Navarro Baldeweg, tan arquitecto como pintor, académico de Bellas Artes en San Fernando y Premio Nacional de Artes Plásticas en 1990. Sus primeros estudios, en Santander, se centraron en el dibujo y la pintura, se formó después en grabado en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y finalmente obtuvo su licenciatura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, en la que sería catedrático de Proyectos.
Como arquitecto se le deben, en un repaso somero, la Casa de la Lluvia de Santander; el Palacio de Congresos y Exposiciones de Castilla y León, en Salamanca; la Biblioteca Municipal de San Francisco el Grande (Madrid); el centro cultural de Villanueva de la Cañada (Madrid); la biblioteca de la Facultad de Música de la Universidad de Princeton; o el Centro de Investigación y Museo de Altamira; como pintor ha protagonizado una veintena de muestras individuales y su trabajo está presente en un buen número de centros españoles e internacionales, entre los primeros el Museo Reina Sofía, la misma Academia de San Fernando, Patio Herreriano o el Museo de Bellas Artes de Álava.
Autor igualmente de esculturas e instalaciones, Baldeweg es objeto hasta noviembre de una extensa exposición en la quinta planta de CentroCentro en la que, bajo el comisariado de Ignacio Moreno Rodríguez, se revisan los lazos entre su producción en esas diversas áreas en lo temático y lo formal: se han reunido setenta piezas entre pinturas, obra bidimensional y tridimensional, dibujos, fotografías y maquetas, datadas entre principios de los sesenta y este mismo año, pues parte de ellas son inéditas. No faltan sus pinturas tempranas, las instalaciones que llevó a cabo durante su estancia en el Center for Advanced Visual Studies del MIT de Boston o sus telas más recientes.
Navarro Baldeweg. Hacer y azar. CentroCentro. Fotografía: Amapola creativa
Navarro Baldeweg. Hacer y azar. CentroCentro. Fotografía: Amapola creativa
“Hacer y azar”, que así se titula este proyecto, forma parte de la reciente línea expositiva de este espacio madrileño destinada a difundir la obra de artistas fundamentales del panorama español que no hayan sido objeto de exposiciones recientes en la capital (era, asimismo, el caso de Rafael Canogar) y viene a señalar que, si bien contempladas de manera autónoma las creaciones en esas distintas técnicas de Baldeweg ofrecen evidentes especificidades, es posible atisbar que, estudiándolas en conjunto, parecen responder a ciertos principios o impulsos comunes; incluso a algunos esquemas característicos en las formas de hacer. Entre ellos se encontrarían la atención a la gravedad como aglutinante de la materia, a la luz como transformadora de espacios y generadora de emociones o a los flujos de energías y de información (que ya estructuraron su exhibición “Un zodiaco” en el Museo ICO, la última institucional de este autor en Madrid); también atienden a una inquietud por la participación activa del cuerpo humano en la obra de arte, sobre todo en lo relativo a la configuración del horizonte visual y a la expresividad gestual de la mano, o al examen de comportamientos universales en procesos físicos de acción que señalan la reciprocidad existente en el mundo entre consumo y gasto energético, y en el camino, entre el acto de crear y el de destruir.
Navarro Baldeweg. Hacer y azar. CentroCentro. Fotografía: Amapola creativa
Navarro Baldeweg. Hacer y azar. CentroCentro. Fotografía: Amapola creativa
Se trata de asuntos que han vertebrado la trayectoria de Navarro Baldeweg en casi todas sus facetas desde sus inicios y que salen a nuestro paso -en aquellas exposiciones que, como ésta, han enhebrado sus trabajos en distintos formatos- con insistencia, apuntando a una estrategia creativa, a un abanico complejo de conceptos que le son propios, en definitiva a unas coordenadas comunes en las que desenvolverse independientemente de cuáles sean sus herramientas. En expresión propia del artista, a una “casa anterior”.
Aunque, como dijimos, todos sus medios técnicos quedan aquí representados, es inevitable que cobre protagonismo la pintura, como ese escenario donde de manera más clara los azares del camino, lo inesperado, dejarán su huella en los lienzos, y las expectativas del autor tienen que contar desde un principio con ese grado de indefinición. La arquitectura se debe a una función y debe hacer frente a unas necesidades, lo que determina su predictibilidad respecto al devenir poco reglado de las artes plásticas.
Navarro Baldeweg. Hacer y azar. CentroCentro. Fotografía: Amapola creativa
Navarro Baldeweg. Hacer y azar. CentroCentro. Fotografía: Amapola creativa
 
 
Navarro Baldeweg. “Hacer y azar”
CENTROCENTRO. PALACIO DE CIBELES
Plaza Cibeles, 1
Madrid
Del 12 de junio al 2 de noviembre de 2025
 
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