El mundo literario latinoamericano e ibérico despide a Alfredo Bryce Echenique, fallecido en Lima a los 87 años, según han confirmado fuentes cercanas al autor y diversas instituciones culturales peruanas. La noticia, adelantada por medios como El Comercio y la emisora RPP, ha sido refrendada después por la Casa de la Literatura Peruana y la Cátedra Vargas Llosa en sus redes sociales.

Considerado uno de los narradores más singulares de la lengua española, Bryce deja tras de sí una obra marcada por el humor, la nostalgia y una mirada implacable —aunque siempre compasiva— sobre la alta burguesía limeña y las contradicciones de la sociedad peruana del siglo XX. Su figura, a caballo entre Perú y Europa, ha sido clave para el diálogo literario entre ambos lados del Atlántico.

Confirmación de su muerte y reacciones en Perú y España

La Casa de la Literatura Peruana publicó en X un mensaje en el que lamenta profundamente la partida del escritor, al que define como “una de las voces más representativas de la literatura peruana contemporánea”. En ese comunicado se recuerda que su producción abarcó novela, cuento, ensayo y memorias, y que ha dejado huella en varias generaciones de lectores dentro y fuera del país andino.

El Ministerio de Cultura, el Congreso y la Presidencia de Perú han expresado también sus condolencias oficiales por la muerte de Bryce, subrayando su relevancia como referente cultural del país. Entidades como la Casa de la Literatura Peruana y la Cátedra Vargas Llosa coinciden en que la literatura del siglo XX en español no se entiende sin su voz y su legado intelectual.

Las muestras de pesar han cruzado rápidamente el Atlántico. La editorial Anagrama, una de sus casas fundamentales en España, destacó que “supo convertir el humor, la memoria y la fragilidad humana en literatura extraordinaria” y se declaró honrada por haber sido una de sus editoriales. Desde Barcelona y Madrid se han sucedido recordatorios que insisten en su talento para mezclar ironía, ternura y crítica social.

Incluso la Casa Real española se ha sumado a los homenajes, calificando a Bryce como “uno de los referentes de las letras iberoamericanas, maestro y relator de experiencias humanas”. En su mensaje subraya que su voz literaria acompañó a generaciones de lectores y enriqueció la narrativa en español, enviando sus condolencias a la familia y a la comunidad literaria.

Un mundo para Julius: la novela que lo cambió todo

La obra que consolidó la fama internacional de Bryce fue “Un mundo para Julius” (1970), considerada por muchos críticos como una de las mejores novelas peruanas de todos los tiempos. Escrita a partir de un relato breve que se le fue de las manos, se convirtió en un fresco monumental de la oligarquía limeña de los años cincuenta y sesenta, vista desde los ojos de un niño huérfano que vive en un palacete frente al antiguo hipódromo de San Felipe.

En sus primeras páginas se describe la mansión familiar, los jardines, la piscina y el pequeño huerto en el que el pequeño Julius aparece fascinado por detalles mínimos, como una flor, mientras a su alrededor se despliega un mundo de servidumbre, fiestas, racismo y clasismo. Ese punto de vista infantil —tierno y despiadado a la vez— permitió a Bryce diseccionar la alta sociedad limeña sin concesiones, pero con un tono que mezcla candidez y crueldad.

La novela le valió el Premio Nacional de Literatura de Perú en 1972 y el galardón a la Mejor Novela en Francia en 1974, abriéndole definitivamente las puertas de Europa. En España, la obra encontró un eco especial gracias a la difusión de Seix Barral, en pleno auge del interés por la narrativa latinoamericana. No es raro que muchos lectores europeos hayan llegado al autor precisamente por Julius y su universo de palacios decadentes y criados entrañables.

Durante años, parte de la crítica interpretó el libro en clave política, como una metáfora de la ruptura de la inocencia de una clase social entera. Sin embargo, la propia trayectoria posterior de Bryce dejó claro que, más que la teoría política, lo que le interesaba era la oralidad, el humor y la memoria sentimental. En el desenlace de la novela, cuando Julius descubre que la criada que más quiere ejerce la prostitución en sus días libres, lo que se tambalea no es un sistema ideológico, sino la confianza infantil en los adultos.

Del boom al post-boom: un peruano en el corazón de la literatura latinoamericana

Bryce Echenique fue presentado muchas veces como uno de los últimos representantes del boom latinoamericano, aunque él prefería situarse en la generación posterior, el llamado post-boom. Era contemporáneo de figuras como Gabriel García Márquez, Julio Cortázar, José Donoso y Mario Vargas Llosa, pero empezó a publicar un poco más tarde, cuando la “explosión” del boom ya había cambiado el mapa literario.

Su obra comparte con esos autores la ambición formal y la atención a las transformaciones políticas y sociales de América Latina, pero se distancia por un uso muy peculiar del humor, una oralidad contagiosa y un tono confidencial, casi de charla de bar a punto de cerrar. Sus personajes hablan, recuerdan y se contradicen como si improvisaran ante el lector, lo que acercó sus libros a públicos que quizá veían con cierta distancia la solemnidad de otras novelas de la época.

En Europa, y especialmente en España, Bryce se convirtió en uno de los rostros más visibles de la narrativa peruana junto a Vargas Llosa y Julio Ramón Ribeyro. Los tres formaron lo que muchos han llamado la “tríada sagrada” de la narrativa del Perú de la segunda mitad del siglo XX. Compartieron generación, origen social acomodado, exilios voluntarios y una relación intensa con ciudades como París, Barcelona y Madrid.

El propio autor reconocía que el resplandor de los grandes nombres del boom llegó a deslumbrarlo, y que en Barcelona prefería mantener cierta distancia de esos círculos para preservar su estilo personal. Su literatura, decía, iba de amor, amistad y memoria, y en más de una entrevista confesó que escribía “para que mis amigos me quieran más”, reduciendo con ironía toda ambición de grandeza.

Infancia aristocrática y formación entre Lima, París y Europa

Nacido en Lima el 19 de febrero de 1939 en el seno de una familia de banqueros y linaje político, Bryce creció en un entorno aristocrático marcado por palacetes imposibles de mantener, clubes exclusivos y una red de parientes en la que aparecen figuras como un tatarabuelo presidente del Perú a mediados del siglo XIX. Su infancia transcurrió entre colegios religiosos como el Inmaculado Corazón y un internado inglés, el San Pablo, experiencia que luego trasladó con ironía a sus ficciones.

Presionado por su entorno, estudió Derecho en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, aunque pronto compaginó esas clases con estudios de Letras. La literatura terminó imponiéndose: presentó en 1964 una tesis sobre Ernest Hemingway en la Sorbona de París y se doctoró en literatura francesa clásica y contemporánea, un giro definitivo hacia la vida de escritor que no todos en su familia encajaron bien.

La Lima de su juventud, con su arquitectura afrancesada, sus clubes selectos y sus tensiones de clase, fue el material de base de buena parte de su obra. Bryce solía recordar la “mirada hacia abajo de los amos” con la que la élite observaba a los sectores más desfavorecidos, una actitud que conoció de cerca aun cuando en su casa, insistía, se trataba con consideración a los empleados. Esa mezcla de pertenencia y distancia le permitió retratar a los ricos desde dentro, algo poco habitual en la narrativa latinoamericana de su generación.

A mediados de los años sesenta viajó a Europa, siguiendo la estela del mito del escritor latinoamericano que debía “cruzar el charco” para consagrarse. En París fue acogido por Julio Ramón Ribeyro, cuentista peruano exiliado, con quien entabló una amistad decisiva. Ribeyro le regaló el título de su primer libro de relatos, “Huerto cerrado” (1968), un volumen en el que un joven limeño llamado Manolo atraviesa los ritos de paso de la burguesía urbana: prostíbulos, tedio familiar, hipocresía y racismo, siempre matizados por el humor.

Un escritor entre París, Barcelona, Madrid y Lima

Durante su largo periplo europeo, Bryce vivió en Francia, Italia, Grecia y Alemania antes de establecerse con mayor estabilidad en España. En 1985 se instaló en Madrid, ciudad en la que residió hasta 1999, cuando decidió regresar a Perú y cerrar lo que él mismo definió como su “exilio voluntario de 34 años en Europa”. Pese a ese retorno, poco después retomó su vida a caballo entre Lima y Barcelona, ciudad a la que dedicó páginas llenas de afecto.

En más de una entrevista explicaba que en Barcelona se sentía especialmente cómodo: “La gente es discreta y formal, pero sabe reírse”, comentaba, contraponiendo esa sensación a la falta de privacidad que decía experimentar en Madrid. No es casual que varias de sus obras y de sus “antimemorias” tengan a España como escenario clave, ni que haya participado en cursos de verano de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo en Santander o que eligiera Barcelona como lugar de residencia en sus últimos años europeos.

Su presencia en el sistema literario español fue intensa: publicó en sellos como Seix Barral, Anagrama y posteriormente otras editoriales, y fue lector habitual en clubes de lectura y festivales. En 1998 recibió en España el Premio Nacional de Narrativa por “Reo de nocturnidad”, una novela gestada a partir de sus curas de sueño en una clínica de Montpellier. Cuatro años más tarde, en 2002, se alzó con el Premio Planeta por “El huerto de mi amada”, comedia romántica ambientada en la Lima de los años cincuenta, donde vuelve a aparecer la burguesía limeña, aunque aquí teñida de ternura amorosa.

El vínculo sentimental con Europa y, en particular, con España, fue también personal. En 1968 contrajo matrimonio con Maggie Revilla, quien lo animó decididamente a apostar por la escritura. Más tarde, ya instalado en la península, se casó en 1989 con la asturiana Pilar de Vega y en 2004 con la abogada peruana Ana Chávez, en una vida afectiva tan movida como la de muchos de sus personajes.

Humor, amor y memoria: las claves de su estilo

Si algo distingue a Bryce dentro del panorama del boom es la forma en que convirtió la ironía y la oralidad en su principal marca de autor. Él mismo repetía que en su literatura “el amor y el humor van juntos, no se pueden separar” y que sus personajes se pasaban la vida haciendo el amor y el humor al mismo tiempo. Esa combinación le permitía abordar temas dolorosos —la desigualdad, el clasismo, el racismo o la decadencia de una clase social— sin caer en el panfleto ni en la solemnidad.

Novelas como La vida exagerada de Martín Romaña (1981) y El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz (1985), que forman el célebre díptico Cuaderno de navegación en un sillón Voltaire, llevaron esa apuesta al límite. Su protagonista, Martín Romaña, es un neurótico entrañable, bebedor, locuaz, maniaco-depresivo y consumista que se confiesa ante el lector con un desparpajo muy moderno, rozando la autoficción. Para muchos, se trata de textos adelantados a su tiempo, llenos de humor autocrítico y de experimentos con la voz narrativa.

Otra vertiente importante de su obra son los relatos y crónicas. En A vuelo de buen cubero y otras crónicas (1977), fruto de una beca Guggenheim que lo llevó a Estados Unidos en 1975, dejó una serie de textos sobre el Sur profundo norteamericano escritos para un periódico mexicano. En libros como Magdalena y otros cuentos, Crónicas personales o Guía triste de París, alternó la mirada nostálgica con la sátira, siempre atento a la vida cotidiana de las ciudades por las que pasó.

Ya en el tramo final de su carrera, se volcó en lo que llamó “antimemorias”: Permiso para vivir, Permiso para sentir y Permiso para retirarme, esta última publicada en 2021. En esos libros revisa su biografía con un tono ácido y autorreflexivo, repasando la transformación del Perú de finales del siglo XX y su propia evolución como escritor. “Permiso para retirarme” fue leída por muchos como una despedida, una forma de ir poniéndose a un lado con la misma picardía que lo caracterizó siempre.

Premios, reconocimientos y también controversias

A lo largo de su trayectoria, Bryce recibió numerosos premios. Además del ya mencionado Premio Nacional de Literatura de Perú por “Un mundo para Julius”, el Nacional de Narrativa español por Reo de nocturnidad y el Planeta por El huerto de mi amada, fue distinguido en Italia con el Grinzane Cavour por La amigdalitis de Tarzán (2002) y obtuvo en 2012 el Premio de Literatura en Lenguas Romances de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara por su condición de gran cronista de la vida, con una prosa llena de humor y de registro oral.

Su figura, sin embargo, no quedó al margen de polémicas. En 2009 fue sancionado por el Instituto Nacional de Defensa de la Competencia y de la Protección de la Propiedad Intelectual (Indecopi) de Perú, que acreditó plagios de artículos periodísticos firmados con su nombre en medios peruanos y españoles. La multa superó los 41.000 euros y parte del sector editorial mostró su incomodidad, especialmente cuando, pese a este episodio, recibió el premio de la FIL de Guadalajara.

El propio Bryce atribuyó el caso a una suplantación de su identidad informática, defensa que no evitó que el asunto dejara una sombra en su reputación pública. Aun así, no abandonó la escritura ni la publicación de libros, y buena parte de la crítica ha terminado por situar esta controversia como un episodio incómodo pero no definitivo dentro de una obra vasta y muy influyente.

En el plano cívico, también se destacó por su gesto de rechazar la Orden El Sol del Perú cuando esta distinción le fue ofrecida por el gobierno de Alberto Fujimori, alegando convicciones democráticas. Ese episodio reforzó la imagen de un autor capaz de tomar distancia crítica frente al poder político, a pesar de proceder de una familia históricamente vinculada a las élites del país.

Relación con Vargas Llosa, Ribeyro y el ecosistema editorial español

La relación de Bryce con España y Europa no puede entenderse sin mencionar nombres propios como Mario Vargas Llosa y Julio Ramón Ribeyro. Con el primero compartió universidad en San Marcos y luego trayectoria internacional; con el segundo, amistad estrecha en el París de los sesenta. Fue precisamente Vargas Llosa quien leyó los primeros manuscritos de Bryce, le dio consejos editoriales y le recomendó a Carlos Barral, de Seix Barral, como editor ideal.

En entrevistas citadas por la prensa peruana, Bryce reconocía que Vargas Llosa lo apoyó desde el inicio, y que gracias a esa mediación su primer libro de relatos, Huerto cerrado, encontró casa en Barcelona tras una primera edición en La Habana. Años después, tras la muerte del Nobel peruano en 2025, Bryce escribió que consideraba a Vargas Llosa “el peruano de todos los tiempos”, dejando constancia de una admiración que, pese a las diferencias de estilo y temperamento, fue mutua.

Con Ribeyro, en cambio, lo unió una afinidad más íntima. Lo acogió en París, le cedió el título de Huerto cerrado y lo ayudó a encontrar una voz literaria en la que el humor aligerara el dolor de hablar del Perú. Bryce confesó alguna vez que, gracias a ese tono irónico, le resultaba menos duro escribir sobre su país y sobre la nostalgia del “bien perdido”, un motivo recurrente en la tradición peruana.

El ecosistema editorial español desempeñó además un papel determinante en su proyección europea. Seix Barral fue clave en la difusión inicial de sus novelas dentro del boom latinoamericano, mientras que Anagrama y otros sellos consolidaron su presencia en librerías españolas. Premios como el Biblioteca Breve o el propio Planeta, así como la acogida crítica en diarios y suplementos culturales, convirtieron a Bryce en una figura habitual del panorama literario español desde los años setenta hasta bien entrado el siglo XXI.

Vida personal, excesos y la construcción de un personaje público

Más allá de los libros, Bryce cultivó una imagen pública inconfundible. Muchos amigos y colegas evocan su inagotable sentido del humor y su picardía, rasgos que lo hacían tan querido como imprevisible. Circulan anécdotas sobre conferencias en las que se quedaba dormido, defensas caballerescas de amigos resueltas con golpes de kárate poco ortodoxos o coplillas que cantaba en su propio honor, como aquella que empezaba “De vascos sin una pela / e ingleses sin un penique / nació para la novela / Alfredo Bryce Echenique”.

Él mismo se definía como un “novelista disparatado” y un “nostálgico de oficio”, más cerca del bar de madrugada que del despacho solemne. Su relación con el alcohol fue notoria, hasta el punto de sostener, medio en broma medio en serio, que corregía mejor sus textos con unas copas de más. Defendía que muchas buenas páginas nacían de ese atrevimiento alcohólico, corregido luego en frío al día siguiente.

Ese modo de vida, entre parranda y escritura, terminó pasándole factura y su segunda mitad de carrera se volvió más contenida y melancólica. Sin abandonar del todo la escena literaria, se fue retirando poco a poco de los focos públicos, sobre todo en la última década. Las “antimemorias” funcionan en parte como rendición de cuentas consigo mismo y con los lectores, un ajuste de cuentas irónico con sus excesos y contradicciones.

En el terreno afectivo, sus rupturas con familia, amigos y clase social fueron, según confesó, el precio que tuvo que pagar para dedicarse a la escritura. “Mi familia no quería que fuera escritor; me hizo estudiar Derecho. Para escribir, rompí con ellos, con amigos, con mi clase social… y hasta me fui de Perú”, recordaba en una entrevista, definiendo ese proceso como un exilio voluntario que, con el tiempo, alimentaría muchas de sus tramas.

Últimos años, despedida y permanencia de su obra

En 2019 Bryce comenzó a preparar lo que sería la tercera y última entrega de sus ‘antimemorias’, volumen que vería la luz en 2021 bajo el título Permiso para retirarme. El libro, en el que Barcelona ocupa un lugar destacado, fue recibido como un gesto claro de despedida, sin estridencias pero con la ironía intacta. El propio título parecía un guiño a esa forma suya de pedir “permiso para vivir” primero, y “permiso para retirarse” después.

Ya instalado de nuevo en Lima tras sus décadas europeas, decidió volver a su ciudad natal para envejecer y reencontrarse con sus amigos de infancia, muchos de los cuales aparecieron transformados en personajes de sus últimos textos. Ese retorno cerraba el círculo vital de un escritor que había convertido el viaje —geográfico y sentimental— en motor de su narrativa.

Tras conocerse su muerte, el escritor Jorge Eduardo Benavides lo recordó como alguien que no solo fue un grandísimo escritor, con un estilo personal, certero y lleno de hallazgos, sino también “un amigo leal, cariñoso y lleno de detalles y atenciones”. Álvaro Vargas Llosa, por su parte, lo definió como uno de los grandes autores peruanos y de la lengua española de las últimas décadas, subrayando que su obra lo sobrevivirá sin duda.

Entre homenajes, obituarios y relecturas que se multiplican a uno y otro lado del Atlántico, se consolida la sensación de que sin la voz de Alfredo Bryce Echenique resultaría mucho más difícil entender la literatura hispanoamericana contemporánea, así como los intensos lazos culturales tejidos entre Perú, España y Europa durante la segunda mitad del siglo XX. Sus novelas, cuentos y crónicas quedan ahora como la mejor forma de seguir conversando con él.

El teatro madrileño suma un nuevo título a su cartelera con la llegada de “El veneno del teatro” a la Sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez, una propuesta que se adentra en los rincones más incómodos de la interpretación y del poder. Lejos de ser un montaje de época al uso, esta versión apuesta por un enfoque contemporáneo que juega con la psicología, la manipulación y la delgada línea que separa lo que se finge de lo que se vive de verdad sobre el escenario.

La producción se presenta como un cara a cara de alta intensidad entre una actriz famosa y una poderosa marquesa, donde cada palabra y cada gesto se convierten en arma. Bajo un envoltorio de thriller teatral, la obra lanza preguntas incómodas: qué estamos dispuestos a hacer por la autenticidad artística, hasta dónde llega el juego de la ficción y en qué momento la experiencia escénica se convierte en un experimento con las emociones ajenas.

Estreno en Madrid y equipo artístico

El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa incorpora este montaje a su programación, acogiendo el estreno en castellano en la capital del texto de Rodolf Sirera. La obra se representará en la Sala Jardiel Poncela, un espacio habitual para propuestas que buscan dialogar con el público desde la cercanía y la intensidad dramática.

La versión en lengua castellana, firmada por José María Rodríguez Méndez, adapta el texto original para el público español sin perder su esencia de juego intelectual y emocional. Al frente del proyecto se sitúa Robert Torres, responsable tanto de la adaptación escénica como de la dirección, que imprime al montaje un tono de tensión constante y un ritmo que no da tregua al espectador.

En el escenario, el peso de la función recae en Silvia Maya y Marta Sangú, encargadas de dar vida a la actriz y a la marquesa. Este reparto a dos manos intensifica la sensación de duelo íntimo, casi a puerta cerrada, donde la vulnerabilidad de una y el control férreo de la otra conforman el núcleo del conflicto.

Argumento: un encargo teatral que se convierte en experimento psicológico

La trama traslada al público a un refinado París en el que una aristócrata de gustos singulares cita en su palacio a Gabrielle de Beaumont, una actriz que goza de gran fama. La invitación parece, en un primer momento, un simple encargo artístico: interpretar una obra escrita por la propia marquesa sobre la muerte de Sócrates.

Ese punto de partida, aparentemente inocente, se va transformando poco a poco en un experimento psicológico cuidadosamente diseñado. Lo que se planteaba como una colaboración creativa se convierte en un juego de poder en el que la anfitriona somete a la intérprete a pruebas cada vez más extremas para poner a examen su compromiso con la verdad escénica y con los límites de su oficio.

El corazón del montaje es el duelo interpretativo y emocional entre ambas mujeres. La marquesa dirige la situación con mano firme y un grado de obsesión que roza la psicopatía, mientras la actriz se ve empujada a cuestionar si lo que está viviendo sigue siendo teatro o ha traspasado la frontera de la realidad. Esa ambigüedad mantiene al espectador en una incertidumbre constante.

A partir de esta premisa, la obra explora la relación entre la escritura creativa y la vida cotidiana. Lo que ocurre en el salón del palacio no es solo una representación, sino también un reflejo deformado de las máscaras que utilizamos fuera del escenario, de las poses sociales y de la manera en que el poder puede apropiarse del arte para sus propios fines.

Un thriller escénico sobre poder, verdad y manipulación

“El veneno del teatro” funciona como thriller de cámara en el que el poder se ejerce a través de la palabra, del silencio y de las reglas del juego que marca la marquesa. El texto se adentra en las zonas más turbias del comportamiento humano: la necesidad de control, la fascinación por el sufrimiento ajeno y la obsesión por alcanzar una verdad absoluta en la interpretación.

La marquesa aparece como una figura que lleva al extremo la idea de autenticidad interpretativa. No le basta con un trabajo bien hecho o una emoción sugerida; exige a la actriz una entrega total, incluso si eso implica cruzar líneas éticas y personales. La búsqueda de la verdad artística se convierte, así, en una especie de laboratorio cruel en el que se experimenta con la mente y los sentimientos de la otra persona.

Frente a ella, la actriz Gabrielle de Beaumont representa la fragilidad de quien vive de exponer sus emociones en público. A medida que avanza el encargo, se ve obligada a desnudarse psicológicamente, a revisar su propia idea del oficio y a preguntarse si existe un límite que no esté dispuesta a traspasar a cambio de una interpretación «perfecta».

Este choque convierte el montaje en una reflexión incómoda sobre la ética en el proceso creativo. Hasta qué punto es legítimo exigir sacrificio al intérprete, cómo se maneja la frontera entre dirección y abuso de poder, y qué sucede cuando la experimentación artística afecta a la integridad de quien está sobre las tablas son cuestiones que sobrevuelan toda la función.

Escenografía minimalista y atmósfera claustrofóbica

El dispositivo visual acompaña y refuerza este universo opresivo. La puesta en escena construye un salón frío, casi aséptico, con influencias del diseño japonés. Los elementos decorativos se reducen al mínimo, de modo que cada objeto tiene un peso simbólico y nada distrae del duelo verbal y emocional entre las protagonistas.

Uno de los rasgos más llamativos del montaje es el suelo de espejo que domina el espacio. Este recurso incrementa la sensación de inestabilidad y obliga a los personajes a confrontar su propia imagen de manera constante. A la vez, subraya la idea de que todo lo que sucede puede ser un reflejo, una ilusión o una proyección distorsionada de la realidad.

La iluminación, cuidadosamente medida, contribuye a generar una atmósfera de encierro y tensión psicológica. Los contrastes de luz y sombra marcan los cambios de tono en la relación entre actriz y marquesa, y acentúan la sensación de que el público está asistiendo a un experimento casi clínico, en el que se analizan reacciones y emociones al detalle.

Esta estética sobria y calculada dialoga con el contenido de la obra: el vacío escénico refuerza la idea de que lo esencial ocurre en la mente y en la palabra. Sin grandes artificios, la escenografía se convierte en un marco en el que cualquier gesto adquiere relevancia y en el que el espectador no puede escapar de la incomodidad que generan ciertas situaciones.

Del siglo XVIII a un futuro cercano: actualización de contexto

Aunque el texto original de Rodolf Sirera se enmarca en el clima intelectual del siglo XVIII y el racionalismo ilustrado, la versión que llega al teatro Fernán Gómez traslada la acción a un tiempo más próximo al nuestro. La adaptación de Robert Torres plantea un futuro cercano atravesado por la incertidumbre, lo que permite establecer paralelismos directos con las inquietudes actuales del público.

Este nuevo marco temporal aparece marcado por la revolución tecnológica, la hiperconectividad y la globalización. En ese entorno, la noción de autenticidad se vuelve todavía más problemática: se vive rodeado de pantallas, filtros y representaciones constantes de uno mismo. El montaje aprovecha este contexto para sugerir que, en una sociedad así, la búsqueda de una verdad pura en el teatro puede adquirir tintes obsesivos.

La obra también introduce en su trasfondo un escenario de crisis climática e inestabilidad política, elementos que no se muestran de forma literal, pero que condicionan el clima general de desasosiego. Esa sensación de mundo en transformación refuerza la idea de que el salón donde transcurre la acción es una especie de burbuja aislada, en la que la marquesa se permite jugar con las emociones ajenas mientras afuera todo parece tambalearse.

Al actualizar la temporalidad, el montaje invita a leer el conflicto entre actriz y aristócrata como un reflejo de las dinámicas de poder contemporáneas. La dependencia de la mirada ajena, la vigilancia constante y la presión por ofrecer una imagen perfecta resuenan con cuestiones muy presentes en la Europa actual, tanto en el ámbito artístico como en la vida cotidiana.

“El veneno del teatro” se presenta, así, como una propuesta que combina thriller psicológico, reflexión sobre el oficio de actuar y crítica a ciertas formas de poder, envolviéndolo todo en una estética fría y minimalista que intensifica la experiencia del público. La obra llega al teatro Fernán Gómez dispuesta a poner contra las cuerdas la idea que cada espectador tiene de la verdad, de la ficción y del precio que estamos dispuestos a pagar por cruzar esa frontera.

El municipio asturiano de Avilés vuelve a apostar por la creación literaria en formato breve con una nueva convocatoria de su Concurso de Microrrelatos ligado al Día Internacional del Libro, que se celebra cada 23 de abril. La iniciativa se canaliza a través de la Red de Bibliotecas Municipales, que mantiene este certamen como una de sus actividades centrales de animación a la lectura.

En esta sexta edición se consolidan las cuatro franjas de edad que ya son habituales: de 6 a 8 años, de 9 a 12, de 13 a 18 y la categoría reservada para personas mayores de 18 años. El objetivo es que tanto el público infantil como el juvenil y adulto encuentre su espacio para participar, siempre con un relato muy corto como protagonista.

Convocatoria y plazos del Concurso de Microrrelatos de Avilés

El Ayuntamiento, a través de las bibliotecas municipales, ha puesto oficialmente en marcha la sexta convocatoria del Concurso de Microrrelatos de Avilés. Las personas interesadas pueden enviar sus textos hasta el martes 31 de marzo, a las 23:59 horas, momento en el que se cerrará el plazo de recepción de originales.

Este concurso se organiza en el marco de las actividades por el Día Internacional del Libro, por lo que el calendario está diseñado para que el fallo del jurado coincida con esa fecha señalada. Así, está previsto que la resolución se haga pública el 23 de abril, una vez valoradas todas las obras presentadas dentro del plazo establecido.

El Consistorio ha reiterado que se trata de una iniciativa abierta a la participación de toda la ciudadanía, siempre que se respete la categoría de edad correspondiente. De este modo, se busca implicar a escolares, adolescentes y personas adultas en una misma propuesta cultural, con el microrelato como hilo conductor.

Requisitos de los microrrelatos y formato de presentación

Las bases del certamen subrayan que las obras deberán ser completamente originales e inéditas. No se admitirán textos que hayan sido publicados previamente ni que hayan obtenido premios en otros concursos literarios, con el fin de garantizar la igualdad de condiciones entre quienes se presentan. Consulte ejemplos de bases y plazos de otros concursos para orientarse sobre requisitos habituales.

En cuanto al idioma, los microrrelatos podrán escribirse tanto en castellano como en asturiano, lo que permite que las personas participantes elijan la lengua en la que se sientan más cómodas. Eso sí, todos los textos tendrán que incluir de forma obligatoria la palabra «libro» en algún punto del relato.

Otro aspecto clave es la extensión: los trabajos deberán ajustarse a un límite máximo de 200 palabras, contando también el título. Se trata, por tanto, de piezas muy breves, donde cada frase y cada término tienen un peso especial a la hora de construir la historia. Para inspirarse en relatos de formato muy corto, puede leer algunos microrrelatos recomendados.

Para garantizar una presentación homogénea, se exige que los microrrelatos se redacten usando un procesador de textos compatible con Microsoft Word. La tipografía requerida es Times New Roman, con un tamaño de letra 12 puntos y interlineado sencillo, de modo que todos los documentos tengan un formato similar cuando lleguen al jurado.

Envío de las obras y documentación necesaria

La participación en el Concurso de Microrrelatos de Avilés se realizará de manera íntegra por correo electrónico. Las personas que deseen presentar su texto tendrán que enviarlo a la dirección [email protected], siguiendo las indicaciones fijadas en las bases.

Uno de los puntos que se insiste en respetar es el asunto del mensaje: deberá figurar la leyenda «VI CONCURSO DE MICRORRELATOS DÍA DEL LIBRO» (o la fórmula equivalente indicada por el Ayuntamiento), para que la organización pueda identificar con claridad todos los correos relacionados con el certamen y gestionarlos de forma ordenada.

En el propio correo será obligatorio adjuntar dos documentos separados. El primero de ellos contendrá únicamente el microrrelato y el seudónimo elegido por la persona que participa, sin ningún otro dato identificativo, con el objetivo de que la valoración del jurado se haga de manera anónima.

El segundo archivo estará destinado a recoger los datos personales del autor o autora. En este documento se incluirán el título del microrrelato, el seudónimo, el nombre y los apellidos, la edad, la categoría en la que se concursa, así como la dirección postal, el número de teléfono y el correo electrónico de contacto.

Categorías de edad y premios previstos

El concurso mantiene las cuatro categorías de edad que se han consolidado en ediciones anteriores: de 6 a 8 años, de 9 a 12, de 13 a 18 y la categoría de personas mayores de 18 años. Esta división permite valorar los textos en función del nivel madurativo y la experiencia lectora de cada grupo; iniciativas similares pueden verse en concursos como el concurso juvenil de Sant Josep.

Para cada una de las categorías se ha establecido un único premio principal, de manera que habrá cuatro personas ganadoras en total. Los galardones consistirán en lotes de libros, una fórmula que refuerza la dimensión cultural y de fomento de la lectura que persigue esta iniciativa municipal. Acciones de promoción parecidas incluyen iniciativas como la de Gadis con libros de microrrelatos.

Tal y como se ha señalado desde la organización, la publicación del fallo del jurado el 23 de abril servirá también como acto de celebración del Día Internacional del Libro. En esa fecha se darán a conocer los nombres de las personas premiadas en cada franja de edad, junto con las obras distinguidas.

Aunque el premio es fundamentalmente simbólico y de carácter cultural, el certamen suele atraer a participantes de perfiles muy diversos, desde estudiantes de primaria hasta personas adultas con afición por la escritura. Esta variedad contribuye a que el concurso se haya consolidado como una cita reconocible dentro del calendario cultural local.

Derechos de autor y condiciones de publicación

Las bases legales del Concurso de Microrrelatos de Avilés incluyen un apartado específico dedicado a los derechos de autor. En él se establece que las personas autoras de las obras ganadoras y finalistas aceptan ceder a la organización los derechos de reproducción y comunicación pública de sus textos. Para ver cómo abordan estas cuestiones otros certámenes consulte el certamen Pablo Aranda como referencia.

Gracias a esta cesión, la Red de Bibliotecas Municipales y el Ayuntamiento podrán utilizar los microrrelatos premiados en distintos soportes, proyectos o actividades vinculadas al fomento de la lectura, incluida la posible publicación en medios propios o en materiales de difusión cultural.

La organización se compromete a reconocer siempre la autoría de los textos cuando estos se difundan o se reproduzcan, manteniendo el nombre de la persona autora ligado a su obra. Sin embargo, las bases también especifican que no se abonará ninguna cantidad económica en concepto de compensación por esta cesión de derechos.

Este tipo de condiciones son habituales en concursos literarios de ámbito municipal, donde el foco está en el reconocimiento simbólico y la difusión cultural más que en la dotación económica. Aun así, se recomienda a quienes participen que lean con atención las bases completas antes de enviar sus textos.

Con esta nueva edición del Concurso de Microrrelatos, Avilés refuerza su apuesta por la lectura, la escritura creativa y la participación ciudadana en torno al Día Internacional del Libro. La combinación de varias categorías de edad, un formato de relato muy breve y premios en forma de libros contribuye a que la iniciativa siga ganando peso dentro del panorama cultural local y se mantenga como una cita esperada por lectores y autores noveles. Para quienes buscan talleres relacionados con la escritura creativa, existen actividades como el taller de escritura en construcción que complementan este tipo de convocatorias.

La tercera edición del Festival Internacional de cuento literario Aldecoa ya tiene todo listo para abrir sus puertas en Álava. Del 10 al 14 de marzo, Vitoria-Gasteiz y Laudio-Llodio se convertirán en punto de encuentro para quienes viven y disfrutan el relato breve, con una programación que combina nombres consolidados, nuevas voces y propuestas que cruzan la literatura con otras artes.

Este año, el certamen da un salto cualitativo y refuerza su vocación de apertura. Además de ampliar su presencia territorial con actividades más allá de la capital alavesa, el festival apuesta por una mayor proyección internacional gracias a la participación de autoras latinoamericanas de referencia y de invitados procedentes de Iparralde, consolidando así su posición en el mapa europeo de eventos dedicados al cuento.

Un festival que convierte Álava en territorio del cuento

El Festival Internacional de cuento literario Aldecoa se celebrará durante cinco jornadas consecutivas, entre el 10 y el 14 de marzo, con epicentro en Vitoria-Gasteiz y una parada clave en Laudio-Llodio. La Diputación Foral de Álava, junto con la dirección del festival, subraya que el objetivo es claro: consolidar el territorio como un espacio de referencia para el cuento literario en España.

La diputada de Cultura y Deporte, Ana del Val, ha remarcado que el certamen se ha convertido en una cita imprescindible para el sector cultural alavés, tanto por la calidad de los autores convocados como por la creciente respuesta del público. Según ha destacado, el crecimiento experimentado en estas tres primeras ediciones demuestra que el relato breve mantiene una presencia viva y relevante en Álava.

En la misma línea se ha pronunciado el director del festival, el escritor Iban Zaldua, quien ha insistido en la idea de hacer de Álava “el territorio del cuento”. Con esta tercera edición, el proyecto consolida una línea de trabajo que combina diálogo intergeneracional, diversidad de procedencias y un programa que busca llegar a públicos distintos, desde lectores habituales hasta quienes se acercan por primera vez al género.

El festival no solo se orienta a profesionales o aficionados a la literatura, sino que pretende acercar el cuento a la ciudadanía en general, mediante actividades abiertas y formatos ágiles. Las conversaciones con autores, las lecturas en voz alta y las mesas redondas están pensadas para generar debate, disfrute y reflexión sobre el estado actual del relato breve.

De Vitoria-Gasteiz a Laudio-Llodio: expansión territorial

Una de las novedades de esta tercera edición es la expansión del programa a Laudio-Llodio. Hasta ahora, la actividad se concentraba en Vitoria-Gasteiz, pero este año el festival decide dar un paso más y extenderse a otra localidad alavesa, reforzando su vocación de servicio al conjunto del territorio.

Laudio-Llodio acogerá en su Kultur Etxea una mesa redonda el 12 de marzo, en la que se abordarán algunos de los retos y posibilidades del cuento en la actualidad. Con este movimiento, el certamen se convierte en la primera edición que desplaza parte de sus contenidos fuera de la capital, algo que desde la organización se valora como un gesto clave para acercar la literatura a más rincones de Álava.

Esta apuesta territorial responde a un objetivo de fondo: romper con la centralización cultural y facilitar que el público de diferentes municipios pueda acceder a actividades de calidad sin necesidad de desplazarse a Vitoria-Gasteiz. Al mismo tiempo, se busca tejer redes entre agentes culturales locales y el propio festival, de forma que las futuras ediciones puedan seguir creciendo en complicidades y sedes.

Según la Diputación Foral, esta línea de trabajo está pensada a medio y largo plazo, con la intención de que el Festival Aldecoa se consolide como un proyecto vertebrador del territorio alavés en torno a la narrativa breve, y no únicamente como un evento puntual de calendario cultural.

Dimensión internacional: Uruguay, Argentina e Iparralde

La programación de este año refuerza de manera notable el perfil internacional del festival. Uno de los ejes más destacados es la participación de autoras procedentes de Uruguay y Argentina, que se suman a invitados provenientes de Iparralde y a algunas de las voces más sólidas del ámbito estatal y vasco.

Entre los nombres confirmados figuran la uruguaya Fernanda Trías y las argentinas Clara Obligado y Valeria Correa Fiz, tres creadoras con una trayectoria reconocida en la narrativa breve contemporánea. Su presencia en Álava permite abrir un diálogo directo con las tradiciones del cuento en América Latina, donde este género tiene un peso histórico especialmente relevante.

La organización subraya que la inclusión de estas autoras no responde solo a una cuestión simbólica, sino a la voluntad de favorecer un intercambio real entre distintas tradiciones narrativas. Las actividades programadas con ellas incluyen conversaciones, lecturas y encuentros con el público, en los que se abordarán tanto sus obras como la situación actual del cuento en sus respectivos contextos.

Junto a la representación latinoamericana, el festival contará también con la presencia de invitados de Iparralde, que aportarán una mirada específica sobre la creación en euskera y las particularidades del cuento en ese ámbito geográfico y lingüístico. Con ello, el certamen se posiciona como un espacio de cruce entre diferentes orillas del Atlántico y entre diversas realidades culturales del entorno europeo.

Grandes referentes del relato breve y nuevas voces

El programa reúne una combinación de autores de larga trayectoria y escritores emergentes. Entre los nombres más destacados figuran Manuel Rivas y Juan Garzia, considerados referentes del relato breve y con una obra que ha contribuido a situar el cuento en el centro de la escena literaria contemporánea.

Su participación tiene como objetivo reforzar el diálogo entre tradiciones diversas, desde la literatura en castellano hasta la creación en lenguas cooficiales, y poner en común diferentes maneras de entender la forma breve. Las sesiones en las que intervendrán se plantean como espacios de conversación, más que como conferencias unidireccionales, para fomentar un intercambio cercano con el público.

Junto a estas figuras consolidadas, el festival apuesta por nuevas voces con creciente proyección, como la sevillana Irene Reyes-Noguerol o el autor Xan Idiart. Ambos representan a una generación que está renovando el género con propuestas arriesgadas y un trabajo muy cuidado sobre el lenguaje y la estructura de los relatos.

La presencia de Uxue Alberdi supone otro de los puntos fuertes de la programación. Considerada una de las autoras clave de la literatura vasca contemporánea, su trabajo en el ámbito del cuento y de otras formas narrativas ha contribuido a visibilizar la potencia creativa en euskera. Su participación se materializará tanto en actividades literarias como en una propuesta híbrida que la vincula con la música.

Programa de cinco días: conversaciones, mesas redondas y lecturas

La tercera edición del Festival Aldecoa se articulará en torno a un programa de cinco jornadas que busca combinar profundidad y variedad de formatos. Según ha avanzado la dirección, el calendario incluye conversaciones literarias, mesas redondas temáticas, lecturas públicas, un taller en euskera y actividades que ponen en relación el cuento con otras artes.

La jornada inaugural tendrá como uno de sus momentos centrales una conversación entre Fernanda Trías y la autora Josebe Martínez, prevista en la sede de Ignacio Aldecoa a las 19:00 horas. Esta sesión servirá como carta de presentación de la mirada latinoamericana sobre el cuento contemporáneo y abrirá el tono del festival.

Para el día 11, está programada una mesa redonda en la Universidad del País Vasco (EHU) a las 11:00 horas, centrada en la literatura y la escritura de cuentos en Iparralde. Esta actividad permitirá abordar tanto las particularidades lingüísticas y culturales de la zona como las conexiones con otros espacios de creación en euskera.

A lo largo de las cinco jornadas se celebrarán asimismo lecturas de cuentos, encuentros con el público y sesiones de debate sobre el estado actual del género. Una de las actividades de cierre será una mesa redonda calificada como “un tanto provocativa”, en la que se discutirá si el cuento en español vive realmente una “edad de oro” o si esta percepción debe matizarse, invitando al público a participar en un debate abierto.

Literatura, música y cine: una apuesta por la hibridación

Además de las propuestas estrictamente literarias, el Festival Aldecoa mantiene y refuerza su apuesta por la hibridación artística. La intención es mostrar cómo el cuento puede dialogar con otras disciplinas y abrir espacios de experimentación que amplíen sus posibilidades expresivas.

En este sentido, una de las actividades más llamativas será la colaboración entre la escritora Uxue Alberdi y el músico Eñaut Elorrieta, que compartirán escenario en una propuesta donde la palabra y la música se entrelazan. Esta sesión se desarrollará el 12 de marzo y aspira a ofrecer una experiencia distinta, en la que texto y sonido se complementan y potencian mutuamente.

El cine también tendrá su hueco en la programación, con una sesión dirigida por el escritor José Ovejero que explorará las relaciones entre el lenguaje cinematográfico y el relato breve. La idea es analizar cómo se adaptan los cuentos a la pantalla, qué se gana y qué se pierde en ese proceso, y de qué manera las técnicas narrativas del cine influyen también en la escritura.

Con estas propuestas, el festival refuerza la idea de que el cuento no es un género aislado, sino un territorio de cruce donde pueden converger música, imagen y palabra. La intención es atraer también a públicos interesados en otras manifestaciones artísticas y mostrarles el potencial del relato breve como forma de creación contemporánea.

Premio Aldecoa, Beca Aldecoa y compromiso con el euskera

La tercera edición del Festival Internacional de cuento literario Aldecoa servirá también como escaparate para reconocer y difundir el trabajo de autores premiados en convocatorias vinculadas al propio certamen. Entre los actos previstos destaca la presentación de la obra Un bucle de tiempo, de Fernando Garriga, galardonada con el Premio Aldecoa 2025.

El autor compartirá con el público las claves de su libro y el proceso creativo que le llevó a obtener este reconocimiento. Se trata de una oportunidad para acercar al lector al trabajo de un premiado reciente y para visibilizar la continuidad de la labor del festival más allá de los días de celebración.

Asimismo, está prevista la presencia de Rubén Sánchez Bakaikoa, ganador de la Beca Aldecoa 2025, una iniciativa destinada a apoyar el desarrollo de proyectos literarios vinculados al cuento. Su participación permitirá conocer en qué está trabajando y cómo esta beca está contribuyendo a su trayectoria como escritor.

El programa incorpora también talleres y actividades en euskera, así como mesas dedicadas a temas específicos, entre ellos la ciencia ficción en la literatura vasca. De este modo, el festival subraya su compromiso con la creación en las lenguas propias del territorio y con la diversidad de géneros dentro del propio campo del cuento.

Accesibilidad, difusión y presencia en la ciudad

El certamen presta especial atención a que las actividades sean accesibles al mayor número posible de personas. En esta edición, tres de las sesiones principales contarán con interpretación en Lengua de Signos, una medida que busca mejorar la inclusión de personas sordas o con dificultades auditivas y normalizar su participación en eventos culturales.

Además, la organización ha preparado una serie de periódicos informativos del festival que se distribuirán por diferentes puntos de Vitoria-Gasteiz, como centros cívicos, bares y otros establecimientos. En estos materiales se detalla la programación completa, se presentan a los autores participantes y se ofrece información práctica sobre horarios y sedes.

Esta forma de difusión en papel se complementa con los canales habituales de comunicación digital, de manera que los contenidos del festival resulten fáciles de localizar tanto para residentes en Álava como para visitantes de otras zonas de España o de Europa que quieran acercarse a alguna de las jornadas.

Con el conjunto de estas medidas, el Festival Aldecoa quiere afianzar su imagen como proyecto cultural abierto, cercano y participativo, que no se limita a un público especializado, sino que busca ampliar la base de lectores y curiosos que se acercan al cuento como forma literaria.

Con una combinación de autores de prestigio, voces emergentes, programación internacional y propuestas que cruzan la literatura con la música y el cine, la tercera edición del Festival Internacional de cuento literario Aldecoa se perfila como una ocasión idónea para tomarle el pulso al estado del relato breve en Álava y más allá. La expansión a Laudio-Llodio, el impulso a actividades en euskera, la presencia de creadoras latinoamericanas y el refuerzo de la accesibilidad apuntan a un proyecto que, paso a paso, va construyendo en Álava un auténtico territorio del cuento.

El Salón del Cómic de València 2026 vuelve a convertir el pabellón 7 de Feria Valencia en uno de los grandes focos culturales del año en España. Del 27 de febrero al 1 de marzo, miles de aficionados, familias y profesionales se reunirán en un evento que combina industria editorial, creación artística y ocio creativo en torno al noveno arte.

Con más de un centenar de autores nacionales e internacionales, once exposiciones temáticas, espacios específicos para manga, anime, cómic infantil y juvenil, juegos de mesa y rol, además de un escenario dedicado a creadores de contenido, el Salón refuerza su identidad como lugar de encuentro entre generaciones y culturas, con una atención especial al cómic africano, asiático y palestino.

Fechas, sede y carácter del evento

La cita se celebra del viernes 27 de febrero al domingo 1 de marzo en Feria Valencia, con el pabellón 7 como gran espacio expositivo y de actividades. Durante tres días, el recinto se transforma en un punto de encuentro intergeneracional donde conviven cómic europeo y americano, manga, anime, webtoon, juegos de rol y de mesa, cosplay e ilustración, además de espacios para editoriales, librerías y firmas de autores.

Según los datos del Ministerio de Cultura, uno de cada siete ciudadanos en España consume cómic, y el Salón de València se consolida como uno de los principales escaparates de este auge lector. La organización subraya que se trata de un evento que combina el entretenimiento con la reflexión social, el diálogo entre culturas y la profesionalización del sector.

El horario de apertura será de 11 a 20 horas el viernes y el sábado, y de 11 a 19 horas el domingo, con una programación continuada de charlas, sesiones de firmas, concursos, conciertos, talleres y presentaciones editoriales repartidas por distintos escenarios y salas del pabellón.

La organización insiste en que el Salón no se limita a ser un gran escaparate de ocio, sino que se ha consolidado como plataforma de negocio para la industria del cómic, con presencia de editoriales internacionales invitadas, mercado de derechos y encuentros profesionales que van más allá de la simple visita de público general.

Gran elenco de autores internacionales

Uno de los grandes reclamos del Salón del Cómic de València 2026 es la presencia de importantes figuras del cómic europeo, americano, africano y asiático. En el ámbito europeo destacan nombres como el francés David B, que llega con su obra El señor Búho y el País de los Muertos; Pierre Alary, autor de Don Vega; la alemana Ulli Lust, que presenta La mujer como lo humano. Al principio de la historia, primer cómic galardonado con el Premio Alemán del Libro de No Ficción; y los italianos Lelio Bonaccorso, Teresa Radice y Stefano Turconi, vinculados a títulos de corte histórico y de aventuras.

Gracias a la editorial valenciana Andana Gràfica, el Salón contará también con las autoras checas Tereza Drahonovská y Štěpánka Jislová, responsables de la novela gráfica Calva. Desde Estados Unidos, una de las invitadas destacadas es Rosemary Valero-O’Connell, ilustradora asentada entre Zaragoza y Mineápolis, conocida por títulos como Laura Dean me ha vuelto a dejar y por su adaptación ilustrada de Carmilla de Sheridan Le Fanu.

Desde Asia acude la coreana Yudori, autora de Hijos del Imperio, que participa tanto en el programa general como en las actividades de la Zona Asia. Junto a ella, la autora de raíces chinas Quan Zhou Wu forma parte de varias charlas donde se debatirá sobre representación cultural y nuevas generaciones lectoras.

En el ámbito del cómic africano, el certamen contará con Marguerite Abouet, autora originaria de Costa de Marfil y referente internacional gracias a la serie Aya, y con la creadora egipcia Mai Koraiem, cuya obra combina crónica periodística y experimentación plástica. Además, el camerunés Ejob Nathaniel Ejob presentará la aplicación Zebra Comics, plataforma pionera de webtoon africano que busca dar protagonismo a voces del continente.

Autores españoles y cómic USA

La representación nacional es especialmente amplia, con autores de primera línea de la novela gráfica española como Paco Roca, Cristina Durán, Miguel Ángel Giner Bou, Keko, Kim, Miguel Brieva, Ana Miralles, Candela Sierra, Jaime Martín y los hermanos Gallego, entre otros muchos. La presencia de estos creadores se combinará con sesiones de firmas, encuentros con lectores y participación en mesas redondas.

El cómic de influencia norteamericana también tendrá un peso significativo. Nombres como David Aja, Guillem March, Jorge Fornés, Daniel Acuña y Fernando Blanco representan lo más destacado del vínculo entre autores españoles y mercado estadounidense. De Blanco se mostrarán originales de su serie w0rldtr33, en una de las exposiciones dedicadas a su trabajo.

El Salón será además escenario de entrevistas y programas en directo, como el espacio radiofónico Territorio 9 de Radio 3, que emitirá desde la propia Feria Valencia y contará con la participación de autores como Rosemary Valero-O’Connell, Miguel Ángel Giner Bou y Toni Caballero, entre otros invitados.

La organización del certamen insiste en la idea de que esta amplia nómina de nombres consolida la cita valenciana como uno de los grandes encuentros de autores del panorama europeo, tanto por la variedad de estilos como por la mezcla de figuras consolidadas y nuevas voces emergentes.

Espacio AU-K! y programación infantil y juvenil

Una de las grandes apuestas de esta edición es el reforzado espacio AU-K!, especialmente diseñado para el público infantil y juvenil. Este área acoge presentaciones, encuentros con autores, lecturas dramatizadas y actividades pensadas para acercar el cómic a los más jóvenes y a sus familias, con la intención de consolidar el cómic como herramienta de fomento de la lectura.

Entre las invitadas principales destaca la estadounidense Raina Telgemeier, referente absoluto del cómic juvenil internacional, ganadora de varios Premios Eisner y habitual de las listas de superventas del New York Times. En València presentará su nueva obra El club de los dibujantes, realizada junto a Scott McCloud.

Completa este bloque infantil y juvenil la presencia de la neozelandesa Kay O’Neill, conocida por La sociedad de los dragones de té, y del francés Vincent Caut, autor de la serie AVNI. Junto a ellos participarán autores nacionales como Pau Clua, vinculado a la serie Xorigat 1; Arkaitz González, creador de Astrid y su familia; el colectivo Malavida; y Luis Orús, que presentará su cómic infantil Me encantan los dinosaurios.

Durante los tres días de feria se organizarán talleres de creación e ilustración para escolares y familias, con actividades que buscan la participación activa de los asistentes. Estas propuestas están pensadas para introducir a los niños y niñas en el lenguaje del cómic, potenciar su creatividad y reforzar el hábito lector en clave lúdica.

En la zona de acceso al Salón se instalará además un photocall con portadas de cómic de editoriales valencianas y un fotomatón temático de superhéroes, abiertos a todo el público, que permitirán a los visitantes llevarse un recuerdo gráfico de su paso por el evento.

Zona Asia: manga, anime, manhwa y webtoon

La Zona Asia vuelve a ser uno de los grandes motores del Salón del Cómic de València, con un espacio propio que reúne manga, anime, manhwa y webtoon, además de actividades relacionadas con la música, el K-pop y la cultura popular asiática. La zona se estructura en varios espacios: un escenario principal, un área de charlas y un espacio vinculado a la música y la tradición.

En el escenario de charlas participarán tanto autores nacionales como invitados internacionales ligados a este fenómeno. Entre los nombres destacados figuran Toni Caballero, Carles Esquembre, Judit Mallol, Luis Montes, Ricardo Vílbor, Estel·la Ramírez o la ilustradora Inthegras, además de la ya citada Yudori y la autora de raíces chinas Quan Zhou Wu. Las charlas abordarán temas que van desde la creación de manga en España hasta la representación cultural y las nuevas tendencias de lectura digital.

La música tendrá un peso propio, con concursos de K-pop, el Arenal Kpop Revolution y la Gran Final Kpop Season 3, donde actuarán grupos y solistas que compiten a lo largo del año. La programación se completa con actuaciones de artistas como Hane y la boyband Risin’ Stars, así como con proyecciones y actividades vinculadas a la cultura asiática contemporánea.

La organización subraya que la Zona Asia se ha consolidado como uno de los principales referentes nacionales dedicados a la cultura pop asiática, reflejando un fenómeno que sigue ganando adeptos entre las nuevas generaciones de lectores y espectadores en España.

Además de lo estrictamente lúdico, este espacio incorpora actividades divulgativas y encuentros con editoriales especializadas, consolidando puentes entre el mercado español y las tendencias asiáticas en historieta y animación.

Exposiciones: del cómic valenciano a las voces globales

El Salón del Cómic de València 2026 programa once exposiciones que abordan la narrativa gráfica desde múltiples enfoques. Entre ellas figura “València Cómic KM0”, iniciativa del Área de Cultura de la Diputación de València que rastrea los orígenes del cómic y distintos formatos de relato visual producidos en la ciudad y su entorno, subrayando el peso de la escena local.

Otra muestra destacada es “Contes i llegendes valencianes”, comisariada por Jordi Peidro y Pablo Herranz, que revisita mitos y relatos tradicionales de la Comunitat Valenciana a partir de la serie publicada en la revista Xiulit. De este modo, el Salón conecta patrimonio cultural y difusión contemporánea a través de la viñeta.

El ámbito internacional encuentra espacio en exposiciones como “Fernando Blanco. Algoritmo de terror”, centrada en su trabajo para la serie w0rldtr33 y su imaginario gráfico; “Voces desde el cómic italiano. Entre la novela gráfica y la autobiografía”, organizada con el apoyo del Istituto Italiano di Cultura di Barcelona; y “Los webcómics son el presente: 25 años de webcómic en español”, que repasa la evolución del formato digital en nuestro idioma.

También se exhibe “Represalias contra el humor gráfico. Manchados por la censura”, centrada en los ataques y limitaciones que han afrontado autores de viñeta satírica, así como la muestra dedicada a los artistas españoles reconocidos en el Japan International MANGA Award, impulsada por el Consulado General del Japón en Barcelona, la Escola Joso y el propio certamen valenciano.

En conjunto, estas exposiciones muestran cómo el cómic funciona tanto como herramienta artística como vehículo de memoria, crítica y reflexión, ofreciendo al visitante un recorrido que va desde lo local hasta lo global, de la tradición a la experimentación digital.

Cómic africano y cooperación internacional con AECID

Un año más, la AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo) colabora estrechamente con el Salón del Cómic de València para reforzar su dimensión internacional y su compromiso con la diversidad cultural. En esta edición, el foco se sitúa en el cómic africano y árabe, entendido como herramienta de reflexión social, política y cultural.

Desde Egipto, la autora Mai Koraiem presenta la exposición “Entre el arte visual y el reportaje”, que muestra un trabajo donde se combinan crónica periodística, memoria histórica y una intensa exploración del color. Sus obras invitan a pensar en las realidades sociales, económicas y culturales del país, con una mirada que mezcla denuncia y sensibilidad plástica.

La muestra “Zebra Comics: el cómic africano conquista el móvil” recorre el nacimiento y desarrollo de esta innovadora aplicación de webtoon surgida en Camerún. A través de paneles informativos y selección de páginas, se analizan las condiciones que impulsaron el proyecto, su filosofía de “narrar África desde África” y su papel en la creación de un ecosistema creativo panafricano que conecta autores y lectores de todo el mundo.

Completa el bloque africano la exposición “Marguerite Abouet. El poder de lo cotidiano”, dedicada a la autora de origen marfileño afincada en Francia. Sus historias, ambientadas en barrios populares como Yopougon, tratan cuestiones como relaciones de género, desigualdad, jerarquías sociales o peso de la tradición, siempre con un tono cercano y crítico que utiliza lo cotidiano como espacio de resistencia.

Estas tres exposiciones cuentan con coordinación y textos de Daniel Tomás, director de contenidos del Salón, y diseño expositivo a cargo de MacDiego, lo que garantiza una presentación cuidada y accesible para el gran público.

La Palestina de Mohammad Sabaaneh y el cómic árabe

Otra de las grandes presencias internacionales es la del autor palestino Mohammad Sabaaneh, uno de los nombres más reconocidos de la ilustración política contemporánea. La exposición “La Palestina de Sabaaneh. Cómic, compromiso y generosidad” explora cómo sus viñetas y relatos gráficos se han convertido en un instrumento de memoria, denuncia y resistencia frente a las violaciones de derechos humanos sufridas por la población palestina.

En la muestra se incluye la reproducción de su impactante “Guernica palestino”, obra creada en 2017 para conmemorar la Nakba en la sede de Naciones Unidas en Nueva York. También se presenta material de su novela gráfica No me voy a ir. Mi historia de Palestina, centrada en su experiencia en cárceles israelíes y en el testimonio de quienes padecen la ocupación.

Sabaaneh mantiene además un fuerte compromiso con el impulso del cómic palestino contemporáneo, como refleja su participación en proyectos colectivos y la exposición “Cómic palestino. Voces propias, grito colectivo”, mostrada en ediciones anteriores del Salón. En València, su trabajo se enmarca en la línea de contenidos que usan la historieta como lenguaje para visibilizar conflictos y luchas por los derechos humanos.

En el programa de actividades, Sabaaneh participará en la charla “Actualidad y retos del cómic árabe” junto a Mai Koraiem, donde se analizará el estado del medio en la región, sus dificultades y sus posibilidades como vehículo de expresión independiente. Este encuentro tendrá lugar el sábado 28 de febrero a las 12:00 horas en la Sala 2 de Feria Valencia.

El auge del cómic valenciano y el Día del Cómic

El Salón del Cómic de València también sirve de escaparate al buen momento que vive el cómic valenciano. La Associació d’Editorials del País Valencià (AEPV) coordina un espacio de 345 m² dedicado a editoriales y librerías de la Comunitat bajo el lema “Còmics valencians”, donde se muestran novedades y catálogos de la producción local.

En este marco, el Ministerio de Cultura y la AEPV presentarán el cartel del IV Día del Cómic, que se celebra cada 17 de marzo para reconocer la importancia del noveno arte en España. El cartel de este año está firmado por Candela Sierra, Premio Nacional del Cómic y Premio València de novela gráfica, y se dará a conocer en un acto oficial el 27 de febrero a las 13:00 horas en Feria Valencia.

Al evento de presentación asistirán la directora general del Libro, el Cómic y la Lectura, María José Gálvez; el presidente de la AEPV, Pedro F. Medina; el director de Feria Valencia, Mario Soler, y representantes de distintas entidades vinculadas al sector. La elección del Salón como escenario para este anuncio subraya su condición de gran plataforma nacional para el cómic.

Pedro F. Medina destaca que el sector valenciano atraviesa un momento “magnífico”, con crecimiento en número de títulos y, sobre todo, en calidad. A su juicio, el cómic goza de prestigio institucional gracias a premios consolidados como el Ciutat de València y el Alfons el Magnànim, a la vez que gana proyección internacional por la presencia de editoriales locales en ferias de todo el mundo.

El espacio “Còmics valencians” no se limita a la exhibición, sino que funciona también como centro de negocios donde editoriales extranjeras invitadas por IVACE mantienen reuniones para la venta de derechos. Nueve sellos internacionales de referencia han confirmado su presencia, reforzando la vertiente profesional del Salón.

Apoyo institucional y fomento de la lectura

La Conselleria de Educación, Cultura y Universidades de la Generalitat Valenciana participa activamente en esta edición del Salón con el objetivo de impulsar la lectura y acercar el cómic al público infantil y juvenil. El director general de Cultura, Miquel Nadal, destaca que la Conselleria ve la historieta como herramienta educativa y creativa de primer orden.

Durante los tres días del evento, la administración autonómica organiza talleres para escolares y familias centrados en la creación de personajes, la ilustración y el relato gráfico. Estas actividades buscan fomentar la participación activa de niños y jóvenes, ligando el cómic con el aprendizaje y la imaginación.

La Conselleria también estará presente en el escenario principal y en el espacio AU-K!, colaborando en charlas, encuentros con autores y propuestas dirigidas a familias. De este modo, se refuerza la idea del Salón como lugar de encuentro entre creadores, público general y comunidad educativa.

Además, la Generalitat apoya el VI Concurso Escolar organizado en el marco del Salón, que persigue utilizar el cómic como vehículo de transmisión de valores positivos en el ámbito educativo. La administración participará, asimismo, en la entrega de los Premios Antifaz, que reconocen la excelencia en el cómic nacional e internacional, la traducción y la trayectoria valenciana.

Este respaldo institucional se suma al del Ministerio de Cultura, la AECID, la AEPV y el Ayuntamiento de València, conformando una red de alianzas que sitúa el Salón en el centro de las políticas públicas de fomento de la lectura y la cultura.

Joc&Rol: el universo de juegos de mesa y rol

Uno de los espacios que más crece edición tras edición es Joc&Rol, área dedicada al juego de mesa y de rol como forma de ocio creativo e intergeneracional. Impulsado por el IVAJ y su programa Carnet Jove, este espacio se ha consolidado como punto de encuentro para jugadores veteranos y nuevos aficionados.

Joc&Rol contará con una gran ludoteca de acceso libre y una amplia selección de juegos disponibles para probar durante todo el fin de semana. Habrá partidas de títulos como Blood on the Clocktower, demostraciones de juegos de mesa modernos y torneos específicos, entre ellos el dedicado a La Fallera Calavera, uno de los juegos más emblemáticos vinculados a la cultura local.

La programación incluye demostraciones de juegos tan diversos como Pelusas, Rebel Princess, Exploding Kittens, Coup, Junk Art, Colour Brain, Wavelength, Wonderful World, Azul, Sagrada, Sushi Go, Calicó, That’s not a Hat y Kabuto Sumo, entre otros muchos. El objetivo es mostrar que el juego de mesa contemporáneo ofrece propuestas para todos los gustos y edades.

Otro de los atractivos de Joc&Rol son las 10 mesas dedicadas a prototipos, donde editoriales y creadores presentarán sus futuros lanzamientos. El público podrá probar estos juegos en fase de desarrollo y aportar sugerencias antes de su salida al mercado, lo que convierte este espacio en un auténtico laboratorio de ideas.

La organización cuenta con la colaboración de asociaciones lúdicas como Dreadnought, Roach Room, Valentia Ludika, Ars y Dracs i Espases, encargadas de dinamizar partidas y actividades, reforzando el carácter comunitario y participativo del área.

Creadores de contenido e influencers

Como novedad reciente, el Salón del Cómic de València incorpora un escenario específico para creadores de contenido e influencers, con la idea de reflexionar sobre el papel de la divulgación en redes sociales, podcasts y canales de vídeo dentro del ecosistema del cómic y la cultura pop.

Por este espacio pasarán perfiles como Paco Hernández; el canal Vivaermanga; el equipo de Es la hora de las tortas, representado por Gema Over; El diario de Kovacs, con David Monturiol; All4freak, José Miguel Navarro, Irina Sánchez y miembros de la asociación cultural Hanani Dango, además de los integrantes del podcast Tomos y grapas.

El escenario contará también con la participación de Bocadillos de tinta, que dinamizarán parte de la programación, y de Cacao y Canela, responsables de entrevistas y mesas redondas con profesionales del doblaje y otros ámbitos relacionados con la cultura popular.

La idea de este nuevo espacio es ofrecer un punto de encuentro directo entre influencers y sus comunidades, con sesiones de preguntas, debates y charlas en vivo durante todo el fin de semana. La organización aspira así a integrar la dimensión digital de la afición al cómic dentro de la estructura del propio Salón.

Con este enfoque, el certamen reconoce la relevancia de los creadores de contenido en la recomendación de lecturas, la difusión de novedades editoriales y la creación de comunidad en torno al cómic, el manga, el anime y otros formatos ligados al ocio friki.

Con todo este despliegue de autores, exposiciones, espacios temáticos, apoyo institucional y propuestas para públicos de todas las edades, el Salón del Cómic de València 2026 se reafirma como una cita clave del calendario cultural español. La combinación de cómic valenciano y talento internacional, lectura y juego, reflexión social y cultura pop convierte al pabellón 7 de Feria Valencia en un lugar donde conviven industria, aficionados y nuevas generaciones lectoras, dibujando un panorama optimista para el futuro del noveno arte en España y más allá.

La ciudad de Dénia vuelve a apostar por la creación literaria en valenciano con una nueva edición de su certamen dirigido al público más joven. Con esta convocatoria, el consistorio refuerza su compromiso con la lectura y la literatura pensada para niñas y niños, así como con la normalización del uso del valenciano en el ámbito cultural.

En esta ocasión se ha puesto en marcha el IX Premio de Narrativa Infantil-Juvenil en Valenciano Ciutat de Dénia, una cita ya consolidada en el calendario literario valenciano que combina reconocimiento económico y publicación profesional de la obra ganadora, lo que supone una oportunidad muy interesante para autores noveles y consolidados.

Convocatoria del IX Premio de Narrativa Infantil-Juvenil en Valenciano

El Ayuntamiento de Dénia, a través de la Biblioteca Pública Municipal, convoca la novena edición del premio con la colaboración de la editorial valenciana Andana Editorial, especializada en literatura infantil y juvenil. Esta alianza institucional y editorial pretende dar visibilidad a nuevas voces que escriben en valenciano para lectores jóvenes.

El galardón está dotado con 3.000 euros para la persona ganadora, además de la edición de la obra por parte de Andana Editorial. De este modo, el premio no solo reconoce el trabajo literario, sino que también garantiza que el texto llegue a las librerías y a las bibliotecas en un formato profesional.

Según establecen las bases de la convocatoria, el plazo de presentación de originales ya se encuentra abierto y se mantendrá hasta el 3 de mayo de 2026. Este margen de tiempo permite a los autores preparar, revisar y presentar sus manuscritos con la calma necesaria.

La iniciativa se enmarca en las políticas locales de fomento de la lectura, con especial atención al público infantil y juvenil. Con este premio, Dénia se suma a otras ciudades de España y Europa que impulsan convocatorias literarias en lenguas propias para asegurar su presencia en la producción cultural contemporánea.

Quién puede participar y qué obras se admiten

El certamen está abierto a escritores de cualquier nacionalidad, siempre que las obras cumplan una serie de requisitos formales y de contenido. No es necesario residir en la Comunidad Valenciana ni en España; lo fundamental es presentar un texto en lengua valenciana que se adapte al público al que va dirigido.

Las obras deben ser de narrativa infantil-juvenil, pensadas para lectores de entre 9 y 12 años. Esto implica que la trama, el lenguaje y los personajes han de ser adecuados a esa franja de edad, combinando un estilo accesible con una historia que mantenga el interés del público joven.

Se exige que los textos sean originales e inéditos, es decir, que no se hayan publicado con anterioridad en ningún formato, ya sea en papel, digital o en otras plataformas. Tampoco pueden haber sido premiados en otros concursos ni estar pendientes de fallo en otros certámenes literarios.

En cuanto a la extensión, las bases fijan un mínimo de 30 páginas y un máximo de 80 páginas, una longitud habitual en la narrativa dirigida al tramo final de Primaria y primeros cursos de la ESO. Este rango permite desarrollar historias completas, con personajes y tramas bien definidos, sin resultar excesivamente extensas para el lector al que se dirigen.

Forma de presentación y envío de los originales

La participación se realiza exclusivamente por medios digitales. Las personas interesadas deben enviar su obra por correo electrónico a la dirección [email protected], siguiendo el procedimiento detallado en las bases oficiales disponibles en la web del ayuntamiento y en la página de Andana Editorial.

El manuscrito debe remitirse en formato PDF, respetando las indicaciones de maquetación y presentación que se especifican en la normativa del certamen. Junto al original, es necesario adjuntar una plica en documento separado, donde se incluirán los datos personales del autor o autora (nombre, contacto y otra información requerida por la organización).

Este sistema de plica electrónica mantiene el anonimato durante la evaluación, de manera que el jurado valore las obras sin conocer la identidad de quienes las firman. Solo una vez emitido el fallo se relacionan los datos personales con el texto seleccionado como ganador.

Tras el cierre del plazo de presentación, el Ayuntamiento de Dénia y Andana Editorial publicarán un listado provisional de los títulos recibidos en sus respectivas páginas web. Desde ese momento se abre un periodo de 10 días hábiles para presentar alegaciones o comunicar posibles incidencias relacionadas con las inscripciones.

Una vez revisadas y resueltas las alegaciones, se hará público el listado definitivo de obras admitidas a concurso, también a través de las webs municipales y de la editorial. Este proceso refuerza la transparencia de la convocatoria y permite a los participantes confirmar que su manuscrito se encuentra correctamente inscrito.

Composición del jurado y criterios de valoración

El jurado del IX Premio de Narrativa Infantil-Juvenil en Valenciano estará integrado por cinco miembros: dos representantes del Ayuntamiento de Dénia, dos representantes de Andana Editorial y una persona especialista en literatura infantil. Esta combinación garantiza una mirada conjunta entre el ámbito institucional, el editorial y el experto.

En el proceso de lectura y selección se tendrán en cuenta distintos criterios de valoración. Entre ellos, la calidad literaria de la obra tendrá un peso relevante, así como la originalidad y creatividad a la hora de plantear la historia y los recursos narrativos empleados por el autor o autora.

También se valorará de manera específica la calidad y variedad léxica, con el objetivo de que el texto ofrezca un uso rico y adecuado del valenciano, adaptado a la edad de los lectores sin renunciar a un cierto nivel de exigencia lingüística. Se considera importante que la obra contribuya a ampliar el vocabulario y el contacto de los niños con la lengua.

Otro de los aspectos que contará en la evaluación será la adecuación de la trama y del lenguaje a los lectores de 9 a 12 años. Esto incluye tanto la temática escogida como la manera de abordarla, el tono, el ritmo y la complejidad del argumento, evitando contenidos inadecuados y buscando historias que conecten con las inquietudes de esa franja de edad.

La creación de personajes sólidos y atractivos y el ritmo de lectura completan el conjunto de elementos a considerar. Se valorará que los protagonistas y secundarios resulten creíbles, cercanos y capaces de mantener el interés de quien lee, así como que la narración avance de forma ágil, sin perder coherencia ni profundidad.

Fallo del premio y publicación de la obra ganadora

El veredicto del jurado se hará público durante el mes de octubre, en el marco de una gala organizada por el Ayuntamiento de Dénia. En ese acto se dará a conocer el título de la obra premiada y el nombre de la persona ganadora, que recibirá la dotación económica prevista en las bases.

Coincidiendo con la entrega del premio, se presentará también el libro ya editado por Andana Editorial. De este modo, el reconocimiento no se queda solo en el anuncio del fallo, sino que se acompaña de la puesta en circulación inmediata del texto en formato publicado.

La editorial, además, se reserva el derecho de publicar la obra ganadora en otras lenguas del Estado, si lo considera oportuno. Esta posibilidad abre la puerta a que el libro pueda llegar a nuevos lectores en diferentes territorios, ampliando su impacto más allá del ámbito estrictamente valencianohablante.

El hecho de que el premio incluya la publicación profesional confiere al certamen un especial atractivo para autores que buscan dar un salto en su trayectoria. La combinación de respaldo institucional, edición cuidada y distribución a través de los canales habituales del libro supone un impulso relevante para la visibilidad de la obra.

Con esta novena edición, Dénia consolida un espacio estable para la narrativa infantil y juvenil en valenciano, ofreciendo a los creadores una plataforma para compartir historias con las nuevas generaciones de lectores y reforzando al mismo tiempo el papel del valenciano como lengua de cultura contemporánea.

El Día Internacional de la Lengua Materna, que se conmemora cada 21 de febrero, se ha consolidado como una fecha clave para hablar de diversidad lingüística, derechos culturales y educación en el propio idioma. Desde organismos internacionales hasta pequeños municipios, la jornada sirve para recordar que las lenguas no son solo un medio de comunicación, sino también memoria, identidad y patrimonio vivo.

En Europa y, de forma muy especial, en España, esta efeméride se celebra con programas educativos, actividades culturales y campañas de sensibilización que ponen el foco en las lenguas minoritarias y en aquellas que corren peligro de desaparecer. Bajo ese paraguas común se mezclan iniciativas globales de la red de Ciudades de la Literatura de la UNESCO, propuestas locales en Aragón, León o Ceuta, y llamamientos internacionales para frenar la pérdida de idiomas en todo el planeta.

Un día con origen en la defensa del bengalí y respaldo de la UNESCO

El origen del Día Internacional de la Lengua Materna está ligado a los acontecimientos de 1952 en el entonces Pakistán Oriental, la actual Bangladés, cuando varios estudiantes fueron asesinados por reclamar el reconocimiento del bengalí como lengua oficial. Aquel episodio marcó un antes y un después en la defensa del derecho a expresarse en la propia lengua y, con el tiempo, se convirtió en símbolo de resistencia lingüística.

La UNESCO proclamó esta jornada en 1999, y más tarde la Asamblea General de la ONU la adoptó formalmente, subrayando que las lenguas son esenciales para la educación, la inclusión y el desarrollo sostenible. No se trata solo de proteger un listado de idiomas, sino de garantizar que las personas puedan aprender, participar y convivir en la lengua que dominan mejor, empezando por la que escuchan en casa desde la infancia.

Las cifras que manejan los organismos internacionales son contundentes: se calcula que hay alrededor de 8.324 lenguas en el mundo, incluidas las de signos, aunque solo unas 7.000 siguen realmente en uso. De ese conjunto inmenso, apenas unos centenares tienen presencia sólida en los sistemas educativos y en el espacio público, y menos de un centenar se utilizan de forma habitual en el entorno digital.

La UNESCO advierte de que cada dos semanas desaparece una lengua, llevándose consigo formas únicas de transmitir conocimientos, formas de pensar y tradiciones comunitarias. Esta pérdida va mucho más allá de la gramática: implica también la desaparición de canciones, relatos, rituales y modos de entender el territorio y la naturaleza que no siempre se pueden traducir a otros idiomas.

Educación multilingüe y derechos lingüísticos

Una de las ideas centrales que se repiten durante el Día Internacional de la Lengua Materna es que aprender en la propia lengua mejora los resultados educativos. Los estudios y la experiencia acumulada muestran que los alumnos que reciben la primera enseñanza en el idioma que entienden plenamente desarrollan mejor la comprensión, el pensamiento crítico y la participación en el aula.

La educación multilingüe, especialmente cuando incluye lenguas minoritarias e indígenas, se plantea como una herramienta para unir escuela y comunidad. En lugar de imponer un único idioma hegemónico, se busca que los sistemas educativos integren las lenguas que realmente se hablan en los hogares y barrios, favoreciendo así sociedades más inclusivas y equitativas. Esta visión está directamente conectada con los Objetivos de Desarrollo Sostenible y con la idea de no dejar a nadie atrás.

Las organizaciones que trabajan en este ámbito insisten en que la justicia lingüística implica crear entornos donde todas las lenguas tengan valor, no solo las dominantes. Eso pasa por políticas públicas, presencia en los medios de comunicación, materiales escolares específicos y espacios de uso real en la vida diaria. Sin estos elementos, el riesgo es que las lenguas queden relegadas al ámbito privado hasta terminar desapareciendo.

En paralelo, se recuerda que estamos en plena Década Internacional de las Lenguas Indígenas 2022-2032, impulsada por la ONU para proteger los derechos lingüísticos de los pueblos originarios y apoyar la conservación, el fortalecimiento y la transmisión de sus idiomas. Este marco global dota de contexto a muchas de las iniciativas que se organizan en torno al 21 de febrero.

Las Ciudades de la Literatura de la UNESCO: poesía para lenguas en peligro

Dentro de la red de Ciudades de la Literatura de la UNESCO, el Día Internacional de la Lengua Materna se ha convertido en una fecha señalada. En la edición de 2026, Manchester City of Literature tomó el liderazgo de la programación e integró, por primera vez, el festival Voiced: The Festival of Endangered Languages en las actividades de la red.

De esa colaboración nace la exposición digital No Tongues Left to Chant, alojada en la web de Manchester City of Literature. Se trata de una iniciativa internacional que reúne poemas en 16 lenguas amenazadas o vulnerables, escritos por autores procedentes de diversas ciudades que forman parte de la red mundial de Ciudades de la Literatura. La propuesta utiliza la poesía como vehículo para llamar la atención sobre el futuro incierto de muchas lenguas, y conecta con iniciativas como el Premio Bellas Artes de Literatura en Lenguas Indígenas.

Entre los idiomas presentes en la muestra figuran el bielorruso, frisón, gaélico, irlandés, ladino, bajo alemán, galés o yidis, junto a lenguas de otros continentes como el kaili, el kattunayakan, el macasarés, el mixteco o el zapoteco. También se incluyen dos idiomas que ya no cuentan con hablantes nativos, como el wendat y el lushootseed, lo que pone sobre la mesa el debate sobre las lenguas que sobreviven principalmente en archivos, proyectos de revitalización o comunidades muy reducidas.

El público que accede a esta exposición digital puede encontrar caligrafías, canciones, ilustraciones, pictogramas, vídeos y grabaciones de los propios autores leyendo sus obras. Parte del material procede de las extensas colecciones digitales del John Rylands Research Institute and Library de Manchester, que aporta documentos y recursos sobre lenguas poco presentes en los circuitos mayoritarios.

La red de Ciudades de la Literatura destaca que todas estas obras se comparten con un reconocimiento explícito a autores, traductores, comisarios y ciudades participantes, con el objetivo de reforzar la idea de que las lenguas son un pilar para la cultura y que su protección es esencial si se quiere asegurar su continuidad. Más allá de Manchester, muchas otras ciudades de la red aprovechan estas fechas para programar recitales, debates y actividades educativas ligadas a la diversidad lingüística.

España: de las aulas a la calle en la defensa de las lenguas propias

En el contexto español, el Día Internacional de la Lengua Materna sirve también para mirar hacia las lenguas cooficiales y minoritarias que conviven en el Estado. Aunque el castellano es la lengua común, el mapa lingüístico incluye una gran variedad de idiomas y hablas locales que luchan por mantener su espacio tanto en las instituciones como en la vida cotidiana.

En Aragón, por ejemplo, diversas entidades y administraciones aprovechan la cercanía de la fecha para resaltar el valor del aragonés y del catalán de Aragón. La Diputación de Zaragoza ha impulsado actos centrados en «nuestras lenguas», destacando que la educación multilingüe ayuda no solo a preservar lenguas minoritarias, sino también a construir sociedades más inclusivas al dar visibilidad a las comunidades que las usan.

El programa incluye un acto bajo el título «Zine en nuestras luengas / Cine en nuestras lenguas / Cinema a les nostres llengües», en colaboración con entidades como Rolde de Estudios Aragoneses y la Fundación Caja Rural de Aragón. En la sede zaragozana de esta última se presenta MyCulture+, una plataforma de distribución cinematográfica especializada en producciones en lenguas minoritarias, que ya ha reunido más de un centenar de títulos partiendo del trabajo con proyectos locales.

Tras la presentación se proyectan, en estreno, tres cortometrajes subtitulados en lengua aragonesa: «Jaime I, Conquistador», «Ferrández de Heredia, entre armas y libros» y «El Vidal Mayor, una historia rocambolesca», dirigidos por las cineastas Vicky Calavia e Isabel Soria. El objetivo es crear espacios donde el público pueda escuchar y ver historias en idiomas que suelen tener poca presencia en las grandes plataformas.

El protagonismo de las lenguas propias se extiende a otras zonas de Aragón, como la llamada Franja oriental, donde el catalán es lengua habitual en muchos municipios. Entidades y administraciones enfatizan que para miles de habitantes el catalán de la zona es su lengua de crianza, la que aprendieron con padres y abuelos, y que su reconocimiento institucional y su presencia en la educación y la cultura son claves para evitar su retroceso.

Benabarre y el catalán ribagorzano: orgullo local en Aragón

En la provincia de Huesca, el municipio de Benabarre se suma a las celebraciones del Día Internacional de la Lengua Materna con una jornada en la biblioteca local. El acto está impulsado por el Centro de Estudios Ribagorzanos y el colectivo Rebrota Ribagorza, que han diseñado actividades para reivindicar el catalán ribagorzano como parte fundamental del patrimonio lingüístico aragonés.

La propuesta busca, sobre todo, reforzar el uso cotidiano del idioma, no solo su presencia en las aulas. Aunque los datos apuntan a un nivel considerable de enseñanza reglada, varios expertos alertan de un descenso en el uso del catalán ribagorzano en la calle, especialmente entre la población joven, frente a la mayor continuidad que mantiene entre las generaciones más mayores.

A través de charlas, lecturas y encuentros, el objetivo es que vecinas y vecinos puedan compartir su experiencia con la lengua, hablar de cómo la utilizan en la vida diaria y reflexionar sobre los retos de su transmisión a los más pequeños. Este tipo de iniciativas ponen el foco en un aspecto que se repite en muchas lenguas minoritarias: no basta con enseñar la lengua, tiene que usarse de forma natural en la familia, en el ocio y en la comunidad.

Benabarre se presenta así como un ejemplo de cómo un municipio relativamente pequeño puede aprovechar el 21 de febrero para poner su variedad lingüística en el centro de la agenda local, ligando la celebración a la identidad ribagorzana y al deseo de que el catalán propio siga vivo en las próximas generaciones.

El leonés y el gallego de León: llamadas a una política lingüística efectiva

En la comunidad de Castilla y León, el Día Internacional de la Lengua Materna se convierte en altavoz para las reivindicaciones de quienes defienden el leonés y el gallego de León como lenguas autóctonas necesitadas de protección. Colectivos como Alantre utilizan esta fecha para señalar la falta de una política lingüística real y para reclamar medidas concretas de normalización.

Desde estas asociaciones se denuncia que, pese a las recomendaciones reiteradas del Consejo de Europa, las administraciones siguen en gran parte en una situación de inacción o se limitan a gestos simbólicos sin planificación ni continuidad. Lo que se plantea es la elaboración de una Ley específica que reconozca y regule el leonés y el gallego de León, y la puesta en marcha de un Plan de Normalización Lingüística dotado de recursos humanos y económicos suficientes.

Ese plan, según detallan sus defensores, debería abarcar educación, administración, medios de comunicación, cultura, deporte, economía y nuevas tecnologías, para que el uso de estas lenguas no quede restringido a contextos muy puntuales. La idea es garantizar que cualquier persona que quiera aprenderlas o utilizarlas tenga vías reales para hacerlo sin obstáculos.

Los colectivos insisten en que la revitalización de estas lenguas no es solo una cuestión identitaria o cultural, sino también una herramienta de cohesión social y de respeto a los derechos lingüísticos de quienes las hablan o desean recuperarlas. Para ellos, el Día Internacional de la Lengua Materna es una ocasión propicia para recordar que los compromisos internacionales en materia de diversidad lingüística deberían traducirse en políticas concretas y estables.

Ceuta y la convivencia de varias lenguas maternas

En el extremo sur de la península, la ciudad autónoma de Ceuta ofrece un ejemplo particular de convivencia lingüística. Allí, junto al castellano como lengua común, conviven otras lenguas maternas vinculadas a las diversas comunidades que habitan la ciudad, como la dariya de buena parte de la población musulmana o los idiomas presentes en las comunidades israelita e hindú.

Con motivo del Día Internacional de la Lengua Materna, la ciudad organiza varias jornadas destinadas principalmente al alumnado de los centros educativos. Durante varios días, grupos de estudiantes pasan por las instalaciones de la Antigua Estación del Ferrocarril para participar en talleres impulsados por la Fundación Premio Convivencia, en colaboración con otras entidades educativas.

La consejera de Educación y Cultura, Pilar Orozco, subraya que el objetivo de estas actividades es que los jóvenes tomen conciencia de la diversidad cultural y lingüística de su entorno y se sientan orgullosos de ella. Los talleres ponen el acento en la importancia que tiene para cada comunidad su propia lengua, y en cómo este mosaico de idiomas puede convertirse en una herramienta para construir una convivencia más respetuosa y tolerante.

En las distintas propuestas se explica al alumnado qué es una lengua materna, cómo se relaciona con la identidad y por qué es relevante protegerla incluso cuando no es la lengua oficial del Estado. Ceuta aprovecha así esta efeméride para reforzar la idea de que la pluralidad lingüística es parte inseparable de la realidad cotidiana de la ciudad y no solo un concepto abstracto mencionado en documentos internacionales.

Talleres y actividades para niñas y niños: aprender jugando

Las actividades vinculadas al Día Internacional de la Lengua Materna también se orientan a los más pequeños, con talleres específicos que combinan juego, creatividad y aprendizaje. Uno de los ejemplos es el organizado en la Biblioteca Fort Pienc – Ana María Moix, donde se ha programado el taller «Juguem amb els pictogrames xinesos», a cargo de la educadora Sushan Qu de Casa Àsia.

Esta actividad, dirigida a niñas y niños de entre 7 y 12 años, se celebra el propio 21 de febrero por la mañana y requiere inscripción previa aunque la entrada es gratuita. A través de dinámicas lúdicas, el taller propone a los menores aprender a reconocer y escribir pictogramas chinos sencillos, asociando las formas gráficas a conceptos cotidianos y apelando a su imaginación.

La iniciativa tiene una doble vertiente: por un lado, acerca al alumnado a una lengua y una escritura muy distintas de las que utilizan habitualmente, y por otro, les ayuda a comprender que existen múltiples maneras igual de válidas de representar el mundo. De este modo, la diversidad lingüística y cultural deja de ser algo distante y se convierte en una experiencia concreta que se vive en primera persona.

Este tipo de propuestas se integran en un conjunto más amplio de eventos desarrollados por bibliotecas, centros culturales y escuelas, que incluyen lecturas en varias lenguas, talleres de narración oral, concursos de poesía en idioma propio y actividades de descubrimiento de alfabetos y sistemas de escritura de otros países.

La voz del movimiento esperantista en defensa de la diversidad

Con motivo del Día Internacional de la Lengua Materna, la Asociación Mundial de Esperanto también hace públicas sus reflexiones sobre el futuro de las lenguas. En sus comunicados, la organización recuerda que preservar la diversidad cultural del planeta pasa inevitablemente por proteger la diversidad lingüística, y que ambas dimensiones están profundamente conectadas.

El movimiento esperantista defiende la idea de que un mundo verdaderamente multilingüe necesita tanto educación en varias lenguas como un sistema de relaciones internacionales donde ninguna lengua se imponga de forma abusiva sobre las demás. En este sentido, el esperanto se plantea como una herramienta para facilitar la comunicación global sin desplazar a las lenguas maternas, ofreciendo un terreno de igualdad entre hablantes de orígenes distintos.

La asociación destaca que el multilingüismo, bien gestionado, puede contribuir a la paz, la justicia y la cooperación entre los pueblos, en línea con los fines fundacionales de Naciones Unidas. La llamada es a construir entornos donde todas las voces tengan cabida y donde ninguna comunidad lingüística se vea obligada a renunciar a su idioma para poder participar en la vida pública.

A lo largo de todos estos escenarios -desde las pequeñas bibliotecas de barrio hasta las redes globales de ciudades y asociaciones internacionales- el Día Internacional de la Lengua Materna se consolida como una jornada para reivindicar el valor de hablar y aprender en la propia lengua, para dar visibilidad a idiomas amenazados y para recordar que la riqueza lingüística del mundo no es un dato curioso, sino un componente esencial de la vida democrática, la educación de calidad y la convivencia entre culturas.

La sinopsis de Spider-Man: Brand New Day por fin ha salido a la luz y ha confirmado varias de las sospechas que venían circulando entre los fans del UCM. Gracias a la descripción oficial incluida en su libro de arte, ya tenemos una idea bastante clara de en qué punto se encuentra Peter Parker tras los sucesos de No Way Home y qué tipo de historia planteará su nueva aventura en solitario.

Este avance no llega a destripar giros concretos de la trama, pero sí perfila el tono general de la película, el momento exacto en el que se sitúa dentro de la cronología de Marvel Studios y el papel que jugarán tanto los viejos conocidos del héroe como una buena cantidad de villanos urbanos. Para el público de España y de toda Europa, supone el primer gran vistazo a una cinta que se perfila como uno de los estrenos fuertes del verano en cines.

La sinopsis oficial: cuatro años después y un Peter Parker borrado del mapa

El gran bombazo ha llegado a través de Spider-Man: Brand New Day – The Art Of The Movie, el libro de arte oficial de la película que varias editoriales como Barnes & Noble o Penguin Random House han listado en sus catálogos. En esa ficha aparece una descripción extendida que ejerce de primera sinopsis oficial y que todos los medios especializados han recogido prácticamente al instante.

Según ese texto, han pasado cuatro años desde la última vez que vimos al Spider-Man de Tom Holland en No Way Home. El hechizo del Doctor Strange que borró de la memoria colectiva a Peter Parker sigue vigente: “Peter Parker ya no está”, apunta la sinopsis, pero el héroe enmascarado se encuentra “en la cima de su carrera” como protector de la ciudad de Nueva York.

Ese detalle temporal encaja con lo que muchos fans habían calculado a partir de otras producciones del UCM: la historia de Brand New Day se mueve en torno a 2028 dentro del universo Marvel, cuando Peter tendría ya unos 21 o 22 años. Es decir, un Spider-Man adulto, más hecho y con una vida personal prácticamente borrada, algo que abre la puerta a un enfoque algo más maduro sin abandonar la etiqueta de gran película familiar.

La descripción insiste en que el público se encontrará con un “héroe anónimo” al que todo le va razonablemente bien hasta que una serie de sucesos criminales encadena un misterio de gran escala. A partir de ahí, la historia promete rastrear cómo ese pasado que parecía enterrado tras el hechizo vuelve para pasarle factura al protagonista.

Un Spider-Man en plena forma y una ola de crímenes extraños

La sinopsis subraya en varias ocasiones que el héroe se encuentra “en su mejor momento físico y mental”, patrullando Nueva York como un justiciero ya asentado. Lejos de ser el alumno protegido por Iron Man que vimos al comienzo de su andadura, aquí nos toparemos con un Spider-Man autosuficiente, acostumbrado a trabajar por su cuenta y a lidiar con las consecuencias de cada decisión.

Ese equilibrio, sin embargo, se tambalea cuando entra en juego una “inusual serie de crímenes”. El texto habla de un rastro delictivo que arrastra al protagonista a una red de misterio más grande que cualquiera de las que había afrontado hasta ahora en sus películas en solitario. Nada de portales multiversales ni amenazas cósmicas: el foco vuelve al suelo, a los barrios y a las calles de la ciudad.

Este enfoque callejero era una de las grandes demandas de buena parte del fandom europeo, acostumbrado a un Spider-Man más cercano al vecino de la puerta de al lado que al viajero interdimensional. La propia descripción promocional del libro de arte invita a “explorar entornos, trajes y detalles exclusivos del próximo capítulo del héroe local de Marvel”, reforzando la idea de una historia más pegada a la realidad urbana, aunque sin renunciar al espectáculo propio de una superproducción.

La otra gran idea que se repite es la de las “repercusiones de su pasado”. La sinopsis deja caer que el héroe no solo tendrá que estar en plena forma a nivel físico, sino también preparado para afrontar las secuelas emocionales y morales de todo lo ocurrido en la trilogía anterior, especialmente el alto coste personal que supuso el final de No Way Home.

Un reparto lleno de regresos y nuevas caras del UCM

Más allá de la sinopsis, distintas filtraciones y confirmaciones oficiales dibujan un reparto muy cargado de rostros reconocibles para el público del Universo Cinematográfico de Marvel. Al frente volverá a estar Tom Holland como Peter Parker / Spider-Man, acompañado una vez más por Zendaya y Jacob Batalon, que recuperan a MJ y Ned, aunque el gran interrogante es cómo encajarán sus personajes en una realidad en la que ya no recuerdan quién es Peter.

En el apartado de aliados y figuras ambiguas destaca el regreso de Jon Bernthal como Frank Castle / Punisher, un personaje asociado históricamente a las historias más crudas y urbanas de Marvel. Su participación, enlazada también con lo que se ha visto en Daredevil: Born Again, apunta a una película en la que el tono se endurece en determinados momentos, aunque siempre dentro de los límites del gran público.

Otros informes apuntan asimismo a la presencia de Mark Ruffalo como Bruce Banner / Hulk, que volvería a cruzar su camino con el trepamuros en un contexto muy distinto al de los Vengadores. Para el espectador europeo, acostumbrado a ver las películas en maratones del UCM, Brand New Day encajaría como un puente interesante entre historias de escala global y esta vertiente mucho más de “héroe de barrio”.

Completan el elenco nombres como Sadie Sink, Liza Colón-Zayas, Marvin Jones III o Tramell Tillman, en algunos casos con personajes todavía no revelados. En el caso de Sink, los rumores la sitúan en un rol clave dentro de la trama, con un primer diálogo filtrado que la relacionaría con el misterio principal y con las consecuencias del hechizo que borró a Peter de la memoria de todos.

Una galería de villanos muy callejera: Escorpión, Tombstone, Tarántula, Boomerang…

Uno de los puntos que más se repite en los distintos avances y coberturas es el protagonismo de una auténtica galería de villanos de corte urbano. Ya está prácticamente asegurado el regreso de Michael Mando como Mac Gargan / Escorpión, visto por última vez en Spider-Man: Homecoming, que por fin tendría un papel destacado como némesis directa del héroe.

Junto a él, varias fuentes coinciden en señalar la presencia de Lonnie Lincoln / Tombstone, interpretado por Marvin Jones III, un clásico capo del crimen en los cómics del trepamuros. Su participación encaja a la perfección con la idea de esa red criminal que se irá complicando a medida que avance la película.

A la lista se sumarían otros villanos como Tarántula y Boomerang, dos antagonistas tradicionalmente asociados a las tramas de barrio, persecuciones por tejados y enfrentamientos a media noche en callejones de Nueva York. Ese enfoque, muy distinto a las últimas apariciones cinematográficas de Spider-Man entre hechizos y portales dimensionales, puede conectar especialmente bien con quienes disfrutaban de sus aventuras más “a pie de calle”.

La propia sinopsis que acompaña al libro de arte insiste en que el héroe se verá envuelto en “una red de misterio más grande que nunca”, lo que hace pensar en una estructura en la que esos villanos no actúan de manera aislada, sino como parte de un entramado mayor que irá desenredándose poco a poco. Para los lectores de cómic europeos, muchos de estos nombres remiten directamente a las historias de la etapa Brand New Day en viñetas, de las que la película toma título y ciertas ideas de base.

Del hechizo del Doctor Strange al nuevo estatus del héroe

Un punto clave de la sinopsis es la confirmación de que no se ha revertido el hechizo de Doctor Strange visto en No Way Home. El mundo sigue sin recordar que Peter Parker y Spider-Man son la misma persona, y ni MJ ni Ned conservan memoria alguna de su antigua vida con él. Es decir, no ha habido atajo fácil para devolver al héroe al punto de partida anterior.

Ese contexto convierte a Brand New Day en una especie de “nuevo comienzo” para el personaje dentro del UCM, algo que tanto Tom Holland como el director Destin Daniel Cretton han subrayado en entrevistas. El propio actor ha llegado a decir que esta entrega “no se siente como una cuarta parte tradicional”, sino como una forma de reconfigurar la historia del trepamuros en una etapa completamente distinta.

Desde Marvel Studios se ha matizado que no están ante una película “para adultos” en el sentido de ser más oscura o restringida, pero sí ante un Spider-Man más maduro, con un héroe que ya ha dejado definitivamente atrás el instituto y se enfrenta a los problemas de una vida independiente. La parte universitaria, según señalan muchos fans a partir de ese salto temporal de cuatro años, podría quedar prácticamente cubierta en elipsis.

Esta situación encaja con los cómics que dieron nombre a la película, publicados a partir de 2008, donde también se planteaba un status quo radicalmente nuevo para Peter tras un gran evento que alteraba sus relaciones y su identidad pública. Aquí, la combinación del hechizo de Strange y el paso del tiempo permite jugar con un protagonista que carga con todo lo vivido… pero sin nadie a su alrededor que lo recuerde.

Posición en la cronología del UCM y conexión con próximas películas

Otra de las grandes cuestiones que resuelve la sinopsis es dónde encaja Brand New Day dentro del puzle del Universo Cinematográfico de Marvel. Ese salto de cuatro años desde No Way Home sitúa la historia después de producciones como The Marvels y ya en la misma franja temporal que Daredevil: Born Again, con la que se relaciona directamente por el regreso de Punisher.

Diversas fuentes señalan que los acontecimientos de la cinta se ubicarán justo antes de Avengers: Doomsday, lo que convertiría a la nueva aventura del trepamuros en una especie de antesala urbana a los grandes choques cósmicos que se avecinan para el UCM. En Europa, donde las películas de Marvel se suelen seguir en orden de estreno en salas, esta posición refuerza su importancia dentro del calendario de estrenos.

La edad aproximada de Peter en este punto -alrededor de 21 o 22 años- también encaja con esa cronología: un héroe que ya ha tenido tiempo de acumular experiencia, enemigos y cicatrices, pero que todavía está lejos de la veteranía de otros personajes del universo compartido. Ese equilibrio puede permitir una evolución natural hacia las próximas cintas de grupo sin agotar al personaje en solitario.

En paralelo, la publicación del libro de arte está prevista para pocos días después del estreno en cines, de forma que quienes vean la película en salas españolas o europeas en su primera semana podrán profundizar después en bocetos, diseños de vestuario y escenarios. La propia sinopsis del volumen anima a “descubrir la magia entre bastidores”, desde los primeros conceptos visuales hasta la versión final de cada personaje clave.

Con todo este material sobre la mesa, la sinopsis de Spider-Man: Brand New Day dibuja una película que recupera el sabor a cómic urbano, sitúa al héroe en una etapa completamente nueva de su vida y encaja estratégicamente dentro del calendario del UCM. A la espera de que Sony y Marvel lancen un tráiler completo para el público europeo, las pistas oficiales apuntan a un capítulo muy relevante en la trayectoria del Spider-Man de Tom Holland, donde pasado, identidad y barrio vuelven a ser el centro de todo.