La figura de Kalimán vuelve a escena con una propuesta que actualiza su universo sin traicionar su ADN: un héroe que confía en la inteligencia antes que en el músculo. El equipo creativo relanza sus aventuras para un público que hoy consume cómics, series y plataformas digitales en paralelo.

Detrás de este regreso hay un plan editorial que combina memoria y presente: rescatar al personaje que arrasó en kioscos y radios de México y América Latina, y ponerlo a dialogar con los dilemas contemporáneos que interpelan a nuevas generaciones.

Orígenes y rasgos del «hombre increíble»

Nacido como radionovela el 16 de septiembre de 1963 en Ciudad de México, Kalimán fue creado por el cubano Modesto Vázquez González y el productor mexicano Cutberto Navarro Huerta. Su estética con ecos de Oriente y su talante meditativo lo distinguieron desde el principio.

Su seña de identidad no era la fuerza desatada, sino la disciplina mental, la prudencia y la reflexión. A lo largo de sus aventuras desarrolló habilidades como artes marciales, telepatía, oído agudo e inteligencia fuera de lo común.

Siempre acompañado por Solín, un joven de linaje faraónico, se midió con villanos memorables como la Araña Negra, Karma, Humanón o el profesor Van Zeland, en tramas que mezclaban misterio, viaje y aprendizaje.

En su época de esplendor editorial, la historieta alcanzó tirajes cercanos al millón de ejemplares, y registros de la industria señalan que llegó a superar en ventas locales a iconos extranjeros como Batman o Superman.

El impacto desbordó el papel y la radio: en los setenta dio el salto al cine, y su primera película lideró la taquilla mexicana en 1972, consolidando el fenómeno más allá de las fronteras nacionales.

Un fenómeno cultural en México y América Latina

Durante más de 25 años ininterrumpidos en kioscos y en antena, las historias de Kalimán formaron parte de colecciones familiares y del habla cotidiana. Su eco se extendió por Centro y Sudamérica, con especial arraigo en países como Colombia, además de presencia en Perú y Ecuador.

Quienes impulsan su nueva etapa reivindican su lugar en el panteón popular. Para el productor y guionista Edgar David Aguilera, se trata del primer superhéroe creado en México y de una de las figuras de ficción más grandes de la región, una valoración que enmarca la dimensión histórica del personaje.

Su lema no escrito resumía una filosofía clara: la mente como el arma más poderosa, una ética que apostaba por negociar, persuadir y contener, y solo recurrir a la defensa cuando el peligro era inminente.

Ese enfoque distinto, menos tecnológico y más espiritual, le dio un perfil único frente al molde clásico del superhéroe norteamericano, acercándolo al público latino con una épica de sabiduría y templanza.

El renacer editorial y su enfoque actual

Tras el lanzamiento en 2019 de El regreso de Kalimán: el legado de Kali, el equipo encabezado por Aguilera y Alfredo Rodríguez presenta la continuación, El despertar de Kalimán, mostrada al público en el Hay Festival de Querétaro 2025.

En esta nueva etapa, las tramas colocan al héroe frente a desafíos contemporáneos como el narcotráfico y la trata de personas, buscando mantener la esencia del personaje a la vez que dialoga con problemáticas reales de México.

Rodríguez subraya que Kalimán “crece” cuando crecen sus antagonistas: los poderes se amplían y la dimensión espiritual se profundiza, sin perder el tono de aventura que lo hizo perdurable.

El proyecto está en marcha y ya circulan varias entregas de la nueva serie, con la intención de fidelizar a lectores veteranos y atraer a quienes hoy descubren al héroe por primera vez.

En cuanto al equipo artístico, la producción reúne a más de 30 profesionales coordinados como en un rodaje, con guion detallado, planificación de páginas y una narrativa visual pensada para el lector actual.

Cómo se hace hoy una historieta de Kalimán

El proceso creativo arranca con un guion que describe cada página y cada viñeta, pasando después al arte secuencial. Ricardo Osnaya lidera el trazo en la etapa actual, en diálogo constante con los guionistas para ajustar encuadres y ritmos.

A lo largo del relanzamiento han participado distintos artistas: en determinadas entregas, José Luis Gutiérrez García firmó interiores y portadas de 24 páginas, mientras otras etapas quedaron en manos de dibujantes como Rodolfo Pérez, reflejando la naturaleza colaborativa del proyecto.

Cada número implica entre uno y dos meses de trabajo, con revisión de guion, lápices, tinta y rotulación. La narrativa visual ha evolucionado: menos texto expositivo y más acción que “habla” por sí misma con viñetas de tamaños variables.

La editorial Kamite respalda el plan de publicación, con la mira puesta en sostener una periodicidad estable y abrir puertas a formatos digitales sin abandonar el papel.

La ambición es clara: reposicionar a Kalimán en el mapa de los cómics de habla hispana, compitiendo por la atención del lector en un ecosistema saturado de pantallas.

El reto frente a Marvel, DC y el manga

El cómic pelea hoy con series, videojuegos y redes; por eso, el equipo reconoce que ganar tiempo de lectura es tan importante como cerrar buenas historias. La competencia no es solo entre viñetas, sino con todo el ocio digital.

Frente al dominio de Marvel, DC Comics y el manga, Kalimán ofrece una alternativa con sello propio: un héroe que conjuga acción y ética, aventura y aprendizaje, con un timbre latino reconocible.

La expectativa es que lectores de distintas edades encuentren valor en el personaje: para unos, la nostalgia de un mito de infancia; para otros, un descubrimiento que dialoga con sensibilidades actuales.

Sin perder su mística original, el proyecto explora posibles expansiones transmedia en el futuro, desde ediciones digitales a adaptaciones audiovisuales si se alinean los tiempos y los socios adecuados.

La vigencia del personaje reside en una promesa sencilla y potente: aventura con esperanza, en tiempos en que la violencia suele imponerse sobre la razón.

Legado e identidad cultural

Mucho antes de la globalización del género, Kalimán ya tejía una identidad latinoamericana del superhéroe: viajes, misticismo, compañerismo y un código moral que privilegiaba el equilibrio sobre el castigo.

Ese molde dialoga con otras figuras populares de México, pero su combinación de sabiduría y acción lo llevó a un territorio propio, más cercano a la aventura clásica con un pie en la fábula y otro en la reflexión.

De la radio al cine y del papel a lo digital, su trayectoria demuestra una notable capacidad de adaptación, que explica cómo atravesó generaciones y fronteras sin diluir su esencia.

El regreso actual no es un ejercicio de arqueología, sino una relectura de un mito cercano, en un país que sigue buscando referentes de justicia, templanza y coraje para contar sus historias.

Con las nuevas historietas en marcha, quedan claros el propósito y el desafío: sumar capítulos a una leyenda que nació en 1963 y que hoy quiere volver a conversar, de tú a tú, con lectores exigentes y curiosos.

Quien haya seguido su trayectoria sabe que Chimamanda Ngozi Adichie no publica a la ligera. Su nueva novela, Unos cuantos sueños (Random House), llega tras más de una década sin ficción larga y lo hace como un retorno que hunde sus raíces en el duelo, el oficio y la vida familiar. La escritora nigeriana, que reparte su tiempo entre Estados Unidos y Lagos, vuelve a poner el foco en la experiencia de las mujeres, la migración y la identidad, con el tono preciso y la mirada franca que la han hecho inconfundible.

Durante este tiempo, la autora de Americanah fue madre y perdió a sus progenitores con pocos meses de diferencia; en sus palabras, ese golpe íntimo desbloqueó la escritura cuando pensó que no podría volver a una novela. Adichie, conocida también por las charlas TED Todos deberíamos ser feministas y El peligro de la historia única, insiste en la complejidad: la vida no cabe en eslóganes, y el arte debe atreverse a contarlo sin maquillajes.

Un regreso impulsado por la pérdida y la necesidad de contar

Adichie ha explicado que, tras la muerte de su padre y su madre, creyó que el impulso de la ficción se había evaporado. Probó, perseveró, rezó incluso, sin resultado. Hasta que, de forma inesperada, las voces de sus personajes volvieron. No idealiza el proceso: la creación, dice, tiene algo misterioso y frágil; el miedo a no poder escribir, tras sus seres queridos, es el que más la acompaña.

Ese regreso llega con una madurez distinta. La autora habla de una «novela de adulta»: escribe ya como madre y como hija sin padres, con esa inestabilidad que cambia la perspectiva, lo que toleramos y lo que exigimos al mundo. El duelo, reconoce, puede dar una libertad rara: frases más largas, placer por el lenguaje, menos prisa por encajar en moldes.

En lo público, mantiene distancia: evita leer noticias sobre sí misma, no se busca en Internet y protege una frontera entre la vida íntima y la figura mediática. No por ello elude el debate: cuando cree que algo importa, opina y asume las consecuencias, sin pretender representar a nadie.

También mira con preocupación el clima cultural y universitario estadounidense, que percibe más rígido y punitivo que cuando estudió allí. La literatura, sostiene, pide «muchos ojos» y menos consignas; si se juzga una novela solo por alineamiento ideológico, perdemos matices y verdad.

De qué va Unos cuantos sueños

Ambientada entre Nigeria y Estados Unidos, y en el telón de fondo de la pandemia, Unos cuantos sueños entrelaza las vidas de cuatro mujeres con vínculos de sangre, amistad y trabajo. Son historias que dialogan entre sí y que muestran ambiciones, dilemas, afectos y presiones cotidianas.

Chiamaka es una escritora de viajes que busca el amor y pelea con el aislamiento; Zikora, una abogada brillante que encara la maternidad en circunstancias difíciles; Omelogor, una mujer que triunfó en finanzas y replantea su vida para impulsar a otras; y Kadiatou, trabajadora doméstica guineana que emigra en busca de dignidad y futuro.

La novela avanza con humor, observación aguda y escenas que no rehúyen lo incómodo. La extranjería, la soledad migrante, el deseo y las lealtades familiares marcan el pulso de un relato que alterna puntos de vista y ritmos, sin convertir a sus personajes en arquetipos ni consignas.

Adichie subraya que buena parte de lo que escribe nace de lo real, «prestado» de la vida y transformado por la ficción. No hay tesis disfrazadas de trama; hay personas con contradicciones, decisiones difíciles y una humanidad que incomoda a veces.

Migración, identidad y la familia que se ensancha

«Salir de casa es un acto que tiene que ver con soñar», afirma. La criminalización actual de quienes migran le parece especialmente deshumanizadora. En Unos cuantos sueños, todas buscan una vida mejor y lidian con prejuicios, soledades y burocracias que se pegan a la piel.

La autora, que se siente entre dos mundos, reconoce una soledad particular de la extranjería. Observar desde cierta distancia, admite, forma parte de su condición de escritora. Esa mirada fronteriza permite captar matices de ambos lados.

Otro eje es la familia extensa nigeriana, donde criar no es tarea exclusiva de los padres y tías, primos y mayores ocupan un lugar crucial. A veces asfixia, a veces sostiene: muchas protagonistas protestan por las intromisiones, pero no renunciarían a esa red.

Adichie introduce además el tema del privilegio de clase sin caer en caricaturas. Recuerda que Nigeria no es solo pobreza: hay riqueza concentrada, materialismo y tensiones que moldean la vida social. Contarlas también ayuda a romper miradas simplificadas sobre África.

Cuerpos, maternidad y lo que la literatura suele apartar

La autora defiende que la llamada «literatura seria» debe ocuparse más del cuerpo y la vida interior de las mujeres. Menstruaciones dolorosas, partos reales, violencia sexual o la menopausia rara vez comparecen con honestidad; cuando se omiten, falta un trozo decisivo de la experiencia humana.

Se reivindica feminista como persona, pero rechaza la etiqueta de «escritora feminista»: no quiere que sus novelas se lean como un catecismo donde los personajes hagan siempre lo correcto. Prefiere la libertad radical de la ficción, que permite mostrar contradicciones sin moralejas.

También insiste en la lectura cruzada: si más hombres leyeran libros sobre las vidas y cuerpos de las mujeres, quizá mejoraría la conversación entre géneros. Las mujeres, recuerda, leen a autoras y autores; con los hombres, no siempre sucede lo mismo.

En paralelo, cuestiona las ideas prefabricadas de éxito y maternidad. La presión para casarse o ser madre —externa e interna— sigue vigente, y muchas veces el sueño propio de una mujer se juzga como menos prioritario que el de los hombres.

#MeToo, el caso Diallo y la mirada sobre la víctima

Kadiatou, uno de los centros morales del libro, se inspira en Nafissatou Diallo, la trabajadora de hotel que acusó en 2011 a Dominique Strauss-Kahn. Adichie siguió aquel caso con esperanza y luego con desgarro: el foco público terminó posándose sobre la víctima, no sobre el presunto agresor.

Para la autora, el acoso sexual es de los pocos delitos donde se exige perfección a quien denuncia. Si la víctima no encaja en el molde del «ángel impecable», parece que pierde de antemano. La novela no reabre expedientes, pero restituye dignidad narrativa a un personaje históricamente desoído.

Sobre #MeToo, ve avances y retrocesos: un impulso valioso al que le faltó recorrido y que hoy convive con discursos más reaccionarios sobre el lugar de las mujeres. Le preocupa que las simplificaciones morales borren matices imprescindibles para entender la conducta humana.

Adichie propone, además, redefinir la masculinidad en positivo —valentía, fuerza, justicia— sin convertirla en su versión «feminizada». Y, ante la violencia contra mujeres y niñas, pide centrar la respuesta en quienes la causan, no en quienes la sufren.

Fuera del libro, su figura también ha sido objeto de controversias públicas —desde debates sobre la identidad de género hasta su maternidad mediante gestación subrogada legal en su lugar de residencia—. Las asume sin victimismo: hablar claro tiene costes, pero el silencio no es una opción cuando algo le importa.

Lo que Adichie pone sobre la mesa con Unos cuantos sueños es una invitación a mirar sin filtros: cuatro vidas entrelazadas que iluminan migración, deseo, familia y justicia, contadas con la libertad de la ficción y la honestidad de quien sabe que el mundo es complejo. Una novela grande de tema y de aliento que confirma, sin aspavientos, por qué su voz pesa tanto en el mapa literario contemporáneo.

El Ayuntamiento de Molina de Segura ha hecho pública la relación de aspirantes que competirán por el Premio Setenil al mejor libro de relatos publicado en España. En su 22.ª edición, el certamen reúne a 101 títulos presentados por editoriales y autores de todo el país y mantiene una dotación de 10.000 euros, consolidado desde hace años como uno de los referentes del cuento en español.

Esta convocatoria está marcada por la composición del jurado, presidido por la escritora y psicoanalista Lola López Mondéjar, junto a los vocales Vicente Cervera, Charo Guarino y Leonardo Cano. El consistorio prevé anunciar el fallo entre finales de octubre y comienzos de noviembre de 2025, mientras que la entrega oficial se celebrará en diciembre en Molina de Segura.

Diez libros en la recta final

La comisión de preselección ha configurado una lista de dez obras finalistas que refleja la diversidad de sellos y estilos presentes hoy en el panorama del relato breve en España.

• Las iras, de Pilar Adón (Galaxia Gutenberg)
• Después nos hicimos grandes, de Elena Alonso Frayle (Trea)
• Peligro extremo de incendio, de Juncal Baeza (Dieciséis)
• El bozal, de Marc Colell (Ya lo dijo Casimiro Parker)
• Cada lunes de aguas, de Juan Montiel (Fulgencio Pimentel)
• Mamíferos, de Virtudes Olvera (Esdrújula)
• Johnny Cash no es para niños, de Elena Prieto (Talentura)
• Alcaravea, de Irene Reyes-Noguerol (Páginas de Espuma)
• No sabe del amor quien vuelve vivo, de Miguel Sánchez Robles (Villa de Indianos)
• Un lugar mejor, de Pedro Ugarte (Páginas de Espuma)

Entre los sellos participantes destaca Páginas de Espuma, con dos candidaturas, junto a editoriales como Galaxia Gutenberg, Trea, Dieciséis, Ya lo dijo Casimiro Parker, Fulgencio Pimentel, Esdrújula, Talentura y Villa de Indianos.

El escritor caravaqueño Miguel Sánchez Robles figura en la selección con No sabe del amor quien vuelve vivo, una presencia que subraya la pluralidad geográfica y editorial de la convocatoria y el buen momento del relato breve en España.

Un galardón con trayectoria

Creado en 2004 por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Molina de Segura, el Premio Setenil supera ya las dos décadas distinguiendo libros de cuentos publicados en España y ha sido apodado en numerosas ocasiones como el “Óscar del cuento” por su repercusión en el sector, similar a otros premios de cuento hispanoamericano.

Además de la cuantía económica, el consistorio edita una separata con una muestra de la obra ganadora y perpetúa el reconocimiento con un banco conmemorativo en el Paseo de Rosales dedicado a cada premiado, una seña de identidad del certamen en la ciudad.

En la edición anterior, el premio recayó en Antonio Tocornal por su debut en el género, Cadillac Ranch (Sloper), título que previamente había sido distinguido con el XXX Premio Andalucía de la Crítica, lo que refleja el nivel de exigencia del Setenil.

La organización corresponde a la Concejalía de Cultura de Molina de Segura, responsabilidad que recae en María Teresa Hernández Avilés, con el objetivo de seguir afianzando la narrativa breve como un espacio central de creación y lectura.

Jurado y calendario de esta edición

La presidencia de Lola López Mondéjar aporta una mirada doble, literaria y clínica, respaldada por su trayectoria: finalista del Premio de Narrativa Torrente Ballester con Mi amor desgraciado y ganadora del Premio Anagrama de Ensayo con Sin relato. Atrofia de la capacidad narrativa y crisis de la subjetividad. La acompañan Vicente Cervera, Charo Guarino y Leonardo Cano, voces con acreditada experiencia en el ámbito académico y literario.

Según la previsión municipal, el veredicto se hará público entre finales de octubre y primeros de noviembre de 2025. A continuación, el autor o autora ganadora participará en actos programados y recibirá el galardón en diciembre en Molina de Segura, como cierre del calendario del premio.

Voces y expectativas

Tras difundirse la lista, varios finalistas han expresado su satisfacción por formar parte de la selección. En el caso de Miguel Sánchez Robles, el autor ha destacado la alegría de figurar entre los diez elegidos y ha mostrado su agradecimiento al comité de preselección, poniendo el foco en la comunidad literaria que hace posible el certamen.

La obra que resulte ganadora estará llamada a incrementar su visibilidad con encuentros y actividades públicas en la localidad, una antesala a la ceremonia de entrega que culminará con la recepción del premio de 10.000 euros ante lectores y profesionales del sector.

Con una selección de diez títulos representativa y un jurado de reconocido prestigio, el Setenil encara su tramo decisivo como cita clave del cuento en España, pendiente del fallo de otoño y de una ceremonia en diciembre que pondrá broche a esta edición.

Imagen promocional

El nuevo adelanto de Marvel Zombies ya está aquí y deja claro que Marvel Animation apuesta por una propuesta más cruda de lo habitual: el tráiler oficial confirma acción sin concesiones, un enfoque para mayores y un regreso a ese universo devastado que ya vimos de pasada en televisión.

La miniserie llega integrada en el UCM a través de Disney+, pero funciona como producción independiente: héroes y villanos infectados, supervivientes a la fuga y un panorama donde los superpoderes se vuelven amenaza cuando la plaga lo devora todo.

Tráiler oficial y enfoque creativo

Escena del tráiler

El avance se recrea en set pieces muy explícitas: hay violencia gráfica, sangre a borbotones y una puesta en escena que no oculta el terror. Se ven héroes icónicos zombificados desplegando sus poderes con fines letales y escenas que empujan el límite de lo que suele verse bajo el sello Marvel.

Entre los momentos más llamativos destacan un Spider-Man desatado contra hordas de no muertos, Namor ejecutando un corte devastador y un Blade que porta una armadura reconocible para los fans del Caballero Luna. El tono oscila entre el survival y el espectáculo superheróico, sin perder el pulso del horror.

El tráiler también deja ver guiños a amenazas mayores: el concepto de un Thanos zombificado planea como recuerdo de aquella primera incursión en un mundo arrasado, ahora ampliado con nuevas facciones, villanos y rutas de escape (o de perdición) para los pocos que siguen con vida.

Todo ello viene acompañado de una animación dinámica, con cortes rápidos y un diseño de acción que pone el foco en la brutalidad de los combates, reforzando la calificación para adultos que la plataforma luce de forma destacada.

Fecha de estreno, episodios y clasificación por edades

Avance de estreno

Disney+ ha movido ficha y lanzará Marvel Zombies el 24 de septiembre, adelantando su llegada respecto al plan inicial de ubicarla en octubre. La estrategia sitúa a la miniserie como uno de los reclamos fuertes del servicio en la recta final del mes.

La producción consta de cuatro episodios, planteados como un evento concentrado que evita rellenos y apuesta por un ritmo alto desde el primer momento. La duración compacta encaja con la ambición de ofrecer un relato intenso y autocontenido.

La serie aterriza con etiqueta de solo para adultos, consecuencia directa de su aproximación al gore, el lenguaje visual contundente y la naturaleza de los antagonistas. Es un movimiento alineado con otras propuestas recientes que exploran una animación más madura dentro del género.

La distribución corre a cargo de Disney+ en exclusiva. Además del estreno en esa fecha, el material promocional indica que los cuatro capítulos estarán disponibles desde el lanzamiento, facilitando el maratón para quienes prefieran verla del tirón.

Reparto de voces y personajes confirmados

Arte de reparto

La conexión con el UCM se refuerza gracias a un elenco de primera línea: regresan Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Florence Pugh, David Harbour, Tessa Thompson, Simu Liu, Awkwafina, Hailee Steinfeld, Wyatt Russell, Randall Park, Iman Vellani y Dominique Thorne, entre otros, para prestar su voz a versiones animadas de sus personajes.

También se incorporan Todd Williams como Blade y Hudson Thames como Spider-Man, ampliando el abanico de rostros (y voces) que los seguidores reconocerán al instante por su peso en la continuidad del universo compartido.

El tráiler deja entrever una buena variedad de figuras en cada bando: desde Yelena Belova, Red Guardian y Kate Bishop hasta apariciones de Shang-Chi, Abominación o Namor. La combinación de héroes, antiheroínas y rivales promete choques tan espectaculares como descarnados.

La idea de ver a personajes con habilidades superhumanas bajo el influjo de la infección eleva el nivel de amenaza: si ya es complicado sobrevivir a un zombi, imagina uno con poderes. De ahí que el grupo de supervivientes deba hilar fino si quiere mantener opciones en un mundo que no da tregua.

De los cómics a la pantalla: antecedentes y continuidad

La semilla de este proyecto está en los cómics. A mediados de los 2000, Robert Kirkman y Sean Phillips popularizaron el concepto de un universo Marvel colapsado por una plaga de no muertos: héroes conservaban sus recuerdos y poderes, pero pervertidos por un hambre imposible de saciar.

Esa idea saltó por primera vez a la animación con el episodio zombi de What If…?, que presentó una Tierra alternativa en ruinas y dejó imágenes potentes, incluida la presencia de un Thanos infectado. Aquella pieza sirvió de banco de pruebas para medir el interés del público en este enfoque.

Marvel Zombies funciona ahora como expansión de ese universo apocalíptico. No es un simple remiendo del capítulo, sino una historia propia que amplía escenarios, eleva la intensidad y se apoya en un reparto coral para explorar nuevas dinámicas de supervivencia y conflicto.

Al frente de la serie está Bryan Andrews en la dirección, con guiones de Zeb Wells. La producción ejecutiva recae en nombres ya conocidos en el estudio: Kevin Feige, Louis D’Esposito, Brad Winderbaum y Dana Vasquez-Eberhardt, garantía de continuidad con el resto de la marca.

Con su combinación de terror, acción y un planteamiento breve pero contundente, la miniserie se posiciona como una prueba de hasta dónde puede estirarse el lenguaje del UCM en animación: una apuesta adulta, canónica en espíritu y dispuesta a morder con fuerza.

Quedan, por tanto, definidos los pilares: estreno inminente en Disney+, cuatro capítulos intensos, despliegue de voces reconocibles y una estética que abraza la crudeza del apocalipsis; todo apunta a un regreso ruidoso al rincón más oscuro del multiverso Marvel.

El último vídeo de María Pombo en TikTok ha puesto el foco en un debate tan viejo como recurrente: el valor de la lectura y el papel de los influencers cuando hablan de hábitos culturales. La conversación arrancó por un comentario sobre su nueva estantería y terminó desatando una discusión de gran alcance en redes.

A partir de esa chispa inicial, la creadora de contenido explicó su punto de vista con naturalidad: no todas las personas disfrutan leyendo y, a su juicio, eso no debería medirse como un marcador de superioridad. Sus palabras, lejos de quedar en anécdota, se viralizaron y generaron reacciones para todos los gustos.

Qué ocurrió y por qué estalló la polémica

Todo empezó cuando respondió a un seguidor que, al ver su librería recién instalada, sugería que sería “más bonita” si estuviera llena de libros ya leídos. Pombo recogió el guante y dejó clara su postura: considera lógico que haya gente a la que leer no entusiasme y que la afición por los libros no convierte a nadie en “mejor”.

Para contextualizarlo, habló de su propia experiencia: prefiere textos ligados a temas concretos que le interesan frente a perderse en una novela por la noche. Como ejemplo cercano, citó a sus hermanas: Marta, que devora libros, y Lucía, piloto, a quien no le atrae la lectura tradicional. Ella misma se situó en un punto intermedio.

Esa explicación vino acompañada de una idea general: a todos, en algún momento, nos han invitado a probar la lectura, ya sea en casa o en el colegio; a partir de ahí, cada cual se queda con lo que le funciona. La afirmación, formulada sin rodeos, multiplicó los comentarios y abrió un hilo de discusión sobre gustos, costumbres y presunta “superioridad moral”.

Lo que hay en su estantería y por qué lo enseña

En el mismo vídeo y en publicaciones posteriores, la influencer mostró los objetos que ha colocado en su librería. Además de libros de interiorismo, moda y viajes, enseñó recuerdos personales y piezas con valor sentimental. Subrayó que disfruta viendo esos volúmenes de gran formato por dentro: fotografías, referencias de estilo y casas que le inspiran.

Entre los elementos que destacó hay un ejemplar de El Principito adquirido en Zara Home que le evoca a su abuelo, algunos libros heredados de sus abuelas y una balda dedicada a lecturas infantiles para sus hijos, con la intención de facilitarles el acceso y comprobar si el hábito les atrae con el tiempo.

La estantería también reúne “su vida en objetos”: un coral que le regalaron, fotos familiares —incluida una etapa de embarazo—, reconocimientos profesionales, arte de seguidores, álbumes (como el del bautizo de su hijo), un número 22 con carga emocional, flores secas y otros recuerdos. La idea, según contó, es crear un espacio que mezcle estética y memoria.

Entre los títulos antiguos mencionó una colección clásica firmada por José María de Cossío, así como libros de decoración “bonitos por dentro”. Recalcó que no son “trastos” sin sentido, sino piezas que aprecia y que, en muchos casos, cuentan historias personales.

Reacciones en redes: críticas y apoyos

La conversación se amplió rápidamente en X, Instagram y TikTok. Parte del público le reprochó el mensaje por su posible efecto entre millones de seguidores, enfatizando que leer enriquece y abre puertas. Algún comentario cargó contra la falta de ejemplo para los más pequeños, mientras otros insistieron en la responsabilidad cultural de los perfiles masivos.

Frente a esa oleada, también surgieron muchas voces que defendieron su derecho a expresar una opinión honesta sin convertir la lectura en un medidor de valía personal. Entre ambos polos se coló otro debate satélite: si la conversación sobre libros en influencers se trata con demasiada rigidez o si importa más animar a leer que juzgar a quien no lo hace como hábito.

Al hilo de la discusión, incluso se rescató que Pombo afirma ser descendiente de Concha Espina, dato que algunos utilizaron para reavivar la controversia y otros para relativizarla, recordando que el parentesco no obliga a compartir costumbres lectoras.

Su segunda respuesta: aclaraciones y lecturas en la mesilla

Con el debate aún activo, publicó otro vídeo para matizar ideas. Aseguró que no cuestiona que leer sea positivo, pero criticó la tendencia a llevarlo “todo a los extremos”. Explicó que, cuando lee, suele hacerlo de forma tranquila, antes de acostarse, y por eso guarda ciertos libros en la mesilla y no en la estantería del salón.

En esa réplica mostró varios títulos que tiene a mano y sobre los que ha ido haciendo anotaciones o lecturas salteadas. Entre ellos hay obras de crecimiento personal, lenguaje, crianza y una historia real que le resultó especialmente emotiva. Esta es la selección que enseñó:

• La vida es bonita incluso ahora, de Belén Domínguez: una historia real de superación que, contó, le ha conmovido.
• La palabra exacta: un compendio sobre el significado y el uso de términos, fácil de consultar.
• Tu mentalidad de buena suerte: enfoque práctico y de lectura por capítulos.
• Diario para padres estoicos y 366 meditaciones sobre crianza, amor y educación de los hijos: ideas diarias para madres y padres.
• Actitud positiva: consejos aplicables al día a día.
• Botas de colores para días de lluvia, de María G. de Jaime y Tomás Páramo: lo leyó con rapidez por conocer su historia.
• Hábitos atómicos: lo tiene empezado tras una recomendación en TikTok.
• La obra más reciente de Tomás Páramo, que aseguró haber leído en un viaje.

Con esa lista dejó claro que, aunque no sea lectora de ficción de continuo, sí dedica tiempo a libros prácticos y temáticos. Invitó además a su comunidad a recomendarle títulos afines a sus gustos, abierta a seguir probando géneros hasta encontrar el que más la atrape.

Contexto personal y otros datos que han salido a colación

Más allá del debate, la conversación se cruza con su momento vital: está embarazada de su tercer hija junto a Pablo Castellano —se llamará Mariana— y es madre de Martín y Vega. Su enorme alcance —más de tres millones de seguidores— ayuda a explicar por qué un comentario aparentemente doméstico acaba ocupando titulares.

La dimensión del caso, en realidad, habla de algo mayor: cómo se discuten hoy los hábitos culturales, qué esperamos de quienes influyen en tanta gente y si el fomento de la lectura debe hacerse desde la prescripción dura o desde la invitación amable. La secuencia —primera reacción, críticas, apoyo, réplica y lista de libros— ha dejado ver todos esos matices.

Una opinión nacida de una estantería ha terminado por abrir una conversación amplia sobre hábitos, gustos y referentes. Quien se acercó buscando una “polémica exprés” se ha encontrado, además, con un inventario de recuerdos, lecturas de cabecera y la idea de que leer —o no— es un camino personal que puede transitarse con menos ruido y más curiosidad.

El género de la comedia romántica vuelve a estar en boca de todos entre estrenos, rodajes y miradas renovadas en películas románticas en Netflix. Italia, que a comienzos de los 2000 vivió un pequeño repunte con títulos como Manuale d’amore y el fenómeno juvenil de Federico Moccia, vuelve a asomar con fuerza gracias a un éxito reciente que ahora llega a España.

En paralelo, cineastas de la nueva hornada están ajustando el foco para contar el amor con menos artificio y más vida diaria, mientras aquí se ruedan nuevas historias y la televisión recupera romcoms nacionales que muchos recuerdan con cariño. A continuación, repasamos lo más destacado.

El fenómeno de LocaMente: una cita dentro de la cabeza

La nueva película de Paolo Genovese (creador de Perfectos desconocidos) desembarca en la cartelera española el 29 de agosto con un planteamiento reconocible y juguetón: en su primera cita, Piero y Lara intentan gustarse mientras, en paralelo, asistimos al caos de sus pensamientos. No es casual que muchos espectadores evoquen Del revés; aquí, no obstante, el dispositivo se aplica al terreno amoroso con cuatro voces internas que encarnan la razón, el romanticismo, el deseo y una faceta más insegura o impulsiva.

El reparto está liderado por Edoardo Leo y Pilar Fogliati, acompañados por Claudio Santamaria, Vittoria Puccini, Marco Giallini, Claudia Pandolfi, Emanuela Fanelli, Rocco Papaleo, Maria Chiara Giannetta y Maurizio Lastrico. La propuesta, que se ha coronado como una de las romcoms más vistas en su país, pone sobre la mesa miedos, expectativas y clichés de las primeras citas con ánimo de comedia coral.

Genovese ha explicado que la semilla de la idea germinó hace décadas, cuando realizó para la RAI una pieza publicitaria que jugaba con la noción de que cada persona alberga múltiples facetas en conflicto. Aquel concepto derivó luego en trabajos como Nessun messaggio in segreteria y, con el tiempo, en esta película centrada en la experiencia emocional (y algo caótica) de intentar conectar con alguien.

El director defiende que la identificación del público con la ansiedad, el vértigo y el entusiasmo de la primera cita ha sido clave en su recepción, incluso fuera de Italia: según relata, en pases internacionales de ciudades como Shanghái, Varsovia, Budapest, París o Tokio, las reacciones se sincronizaban en los mismos momentos, algo que, a su juicio, avala la universalidad del dispositivo cómico.

No todo son aplausos. Parte de la crítica señala que la alternancia constante entre lo que ocurre fuera y dentro de las cabezas puede restar profundidad a los protagonistas, además de reprocharle un aire continuista respecto a Del revés. También hay voces que consideran que, pese a la pátina contemporánea, la película se parapeta en códigos demasiado tradicionales sobre el amor heterosexual. El balance, con todo, confirma que el título ha logrado conectar con un público amplio, que acude a la sala buscando una romcom de alto reconocimiento inmediato.

Una nueva ola: el realismo íntimo de Celine Song

Más allá de los fuegos artificiales, la comedia romántica también se está reformulando desde lugares de realismo íntimo y cotidianos. Celine Song ha hecho de esa vía su marca con Vidas Pasadas y la más reciente Materialistas, un díptico que sustituye el carril del final feliz prefijado por diálogos con silencios, dudas y pequeñas decisiones que pesan. Su apuesta se alinea con narrativas de intimidad ya vistas en referentes como Fleabag, Lady Bird o la trilogía Antes del amanecer, donde lo minúsculo adquiere hondura.

En Materialistas, la cineasta retrata a una casamentera de élite en Nueva York (Dakota Johnson) que se reencuentra con un antiguo amor (Chris Evans) y conoce a un candidato opuesto en estatus (Pedro Pascal). El triángulo sirve para mirar de frente si buscamos afecto, estabilidad o ambas, y si el emparejamiento contemporáneo se rige por criterios afectivos, económicos o de imagen. El filme, además, coloca a su protagonista ante un conflicto profesional que la obliga a revisar los límites y consecuencias de su trabajo.

La conversación pública que ha acompañado a la película no ha sido menor. Algunos espectadores han censurado lo que interpretan como una idealización de la precariedad o el hecho de regresar a una relación pasada por miedo a la soledad. Song ha respondido con firmeza a esas lecturas, subrayando que el relato no equipara valor humano con saldo bancario y que la pobreza no es una culpa individual, sino un marco social que el cine no debería invisibilizar.

Sea como fuere, este giro hacia un realismo íntimo deja una conclusión clara: hay público para comedias románticas que no renuncian a la chispa, pero tampoco a la complejidad, y que prefieren aulas de sentimientos a manuales de instrucciones.

Rodajes en casa: Belle Isle busca figurantes en Miami Platja

La productora Infinito TV, con Jo Ann Arpin a los mandos, ha elegido el litoral de Mont-roig del Camp para su nuevo largometraje de comedia romántica, Belle Isle, una historia que transcurre entre los 90 y la actualidad. El rodaje está previsto para los días 2, 3 y 4 de septiembre en Miami Platja, con localizaciones como la Pèrgola de la Platja de la Punta del Riu, la Cala Misteri, la Cala del Pescador, la Cala Bot, la Cala Califòrnia y exteriores de viviendas.

La producción ha lanzado una convocatoria de figuración con especial interés en una escena festiva el miércoles 3 de septiembre por la tarde en la Pèrgola de la Platja de la Punta del Riu: ensayo a las 16:30 y rodaje desde las 19:00, con coreografía enseñada in situ.

Se prioriza la asistencia en parejas, aunque quienes acudan solos serán emparejados allí. El código de vestimenta para la escena central es camiseta blanca, vaqueros, calzado oscuro y pañuelo de color; habrá música y picoteo. También se busca figuración para otras secuencias con ropa casual, de playa (sin logos) y atuendos veraniegos elegantes.

Las personas interesadas pueden escribir a [email protected] para inscribirse o ampliar información. Además de aportar extras, el municipio pondrá en valor sus espacios más emblemáticos como telón de fondo.

En la parrilla: «Buscando al hombre perfecto» vuelve a la TV

La doble sesión del martes se completa con Buscando al hombre perfecto (2008), comedia romántica española dirigida por Jesús Font y protagonizada por Carmen Belloch, Marcel Borrás, Pep Cortés y Domènec de Guzmán, entre otros. La cita es el martes 26 de agosto a las 00:45 en Canal Sur Televisión.

La historia sigue a Virginia, decidida a ser madre en solitario tras varias malas experiencias sentimentales. Para elegir al candidato ideal como futuro padre, se debate entre tres opciones: Gabriel (un escritor bohemio y viejo conocido del instituto), Miguel (su nuevo jefe) y Daniel (el marido de su mejor amiga). El guion es de Luis Marías y la música, de Xavier Capellas.

Entre éxitos de taquilla que apelan a lo universal, corrientes autorales más íntimas, rodajes que activan nuestras costas y rescates televisivos del fondo local, la comedia romántica atraviesa un momento tan diverso como estimulante para quien quiera asomarse a sus múltiples caras.

Con el lanzamiento en Netflix de El club del crimen de los jueves, la plataforma refuerza su oferta de misterio amable de sello británico. La película adapta el fenómeno editorial de Richard Osman y propone un juego de pistas en clave ligera, con un cuarteto protagonista que da la réplica a la policía local.

El largometraje, firmado por Chris Columbus, llega con un estreno fijado para el 28 de agosto y un envoltorio de producción clásico: ritmo ágil, humor sin estridencias y un escenario muy reconocible para amantes del cosy crime, Coopers Chase, una residencia de lujo para jubilados donde el pasado nunca está del todo enterrado.

Fecha de estreno y sinopsis esencial

La historia arranca cuando Joyce, recién viuda, se instala en Coopers Chase pese a la reticencia de su hija. Allí conoce a Elizabeth, que detecta en ella experiencia sanitaria tras una vida como enfermera y la invita a sumarse a un peculiar pasatiempo: analizar, cada jueves, crímenes olvidados.

Ese grupo, formado por Elizabeth, Ron e Ibrahim hasta la llegada de Joyce, indaga en casos fríos por puro entretenimiento… hasta que la actualidad llama a la puerta. Un empresario vinculado a la propiedad de la urbanización aparece muerto y las viejas pesquisas se conectan con el presente de forma inesperada.

En paralelo, el intento de transformar los terrenos de la residencia en viviendas de lujo enciende la protesta vecinal, con Ron —ex líder sindical— al frente. Desde ese momento, el club dejará el tablero de corchos e hilos rojos para involucrarse en una investigación real con consecuencias para su comunidad.

El caso policial avanza con pistas cruzadas, falsas apariencias y un humor que aprovecha la invisibilidad social de la tercera edad: la ingenuidad aparente se convierte en arma, ya sea con tartas de ron o con modales impecables para desarmar sospechosos.

Reparto y personajes

El cuarteto protagonista lo encabezan Helen Mirren (Elizabeth, ex inteligencia), Pierce Brosnan (Ron, histórico sindicalista), Ben Kingsley (Ibrahim, psiquiatra retirado) y Celia Imrie (Joyce, enfermera con mano para la repostería). Su química sostiene tanto la intriga como los momentos de comedia.

La película suma rostros conocidos en papeles clave: Jonathan Pryce como Stephen, marido de Elizabeth; Naomi Ackie (Donna de Freitas) y Daniel Mays (Chris Hudson) como la pareja policial que acaba necesitando la ayuda del club.

En el frente empresarial que sacude a Coopers Chase, David Tennant interpreta a Ian Ventham, promotor con prisa por recalificar y construir; Geoff Bell encarna a Tony Curran, socio con cuentas pendientes, y Richard E. Grant aparece como Bobby Tanner, otra pieza del entramado.

El reparto se completa con Tom Ellis como Jason, el hijo de Ron, y otras apariciones que aportan chispa y complicidad al conjunto, sin eclipsar el foco principal en el grupo de investigadores veteranos.

Entre los guiños autoirónicos destaca un momento en el que el personaje de Mirren entra en escena y su pareja comenta que “parece la reina”, una alusión traviesa a la carrera de la actriz que encaja con el tono ligero del film.

La presencia coral se traduce en dinámicas de equipo donde cada uno aporta habilidades: experiencia clínica, temple negociador, lectura psicológica del sospechoso o contactos del pasado. Ese engranaje eleva la sensación de juego colectivo sin perder claridad en la trama.

Equipo creativo y producción

La dirección corre a cargo de Chris Columbus, que aquí opta por un clasicismo funcional al servicio de la historia. El guion lo firman Katy Brand y Suzanne Heathcote a partir de la novela de Richard Osman, con una adaptación que conserva el espíritu accesible del libro.

En el apartado técnico, la fotografía de Don Burgess prioriza luz y color frente al noir tradicional, mientras que la edición de Dan Zimmerman busca fluidez en las transiciones entre comedia y pesquisa. La música de Thomas Newman aporta elegancia melódica sin subrayados invasivos.

El rodaje aprovechó localizaciones como Englefield Estate (Berkshire), que refuerzan el aire señorial de Coopers Chase. La producción llega avalada por Amblin, con el sello industrial que se percibe en diseño artístico, vestuario y atención al detalle.

Con una duración cercana a las dos horas (118 minutos), el montaje evita el exceso de subtramas, dosifica la información y reserva energía para el tramo final, más desenfadado que sombrío.

Tono, género y temas

El film se sitúa sin complejos en el cozy mystery, al estilo de la señorita Marple: violencia fuera de campo, humor cotidiano y un enigma que se resuelve con lógica y pistas a la vista. Aquí las sorpresas existen, pero el objetivo es que el espectador juegue a la par del club.

Funciona especialmente bien el contraste entre Joyce y Elizabeth: la primera recupera la chispa aventurera; la segunda maneja contactos y oficio con mano firme. Esa complicidad, salpicada de pequeñas travesuras, genera algunos de los pasajes más simpáticos.

El guion incorpora una idea recurrente en la película: la “invisibilidad” de la tercera edad como ventaja operativa. Ser subestimados les permite acercarse a testigos y escenarios sin levantar sospechas, otro guiño amable del tono general.

Aunque el relato evita la dureza, desliza asuntos incómodos —como la muerte asistida— desde una mirada prudente, más sugerida que confrontativa. El equilibrio se mantiene del lado de la comedia dramática y del entretenimiento.

Recepción y futuro de la franquicia

Las primeras reacciones de la prensa apuntan a una recepción mixta con tendencia positiva: se valora el carisma del reparto y el confort del formato, a la vez que se señala una falta de riesgo formal y un desenlace más ligero de lo esperado.

Para el público aficionado a los rompecabezas narrativos y a los detectives literarios sin excesos de sordidez, la propuesta cumple. Y para quienes siguen el fenómeno literario, la película deja puertas abiertas a nuevas entregas si el desempeño en Netflix acompaña.

En paralelo a la cinta, la saga de Osman continúa viva en librerías, entre los libros de misterio y suspense que arrasan. Tras las cuatro novelas ya publicadas, el quinto título, Una fortuna de muerte, tiene prevista su llegada a comienzos de octubre, un contexto que facilita pensar en continuidad audiovisual si la respuesta es favorable.

Con una base popular sólida, un universo reconocible y un elenco que encaja como un guante, El club del crimen de los jueves aterriza como entretenimiento sobrio, bien acabado y consciente de su público objetivo, combinando intriga relajada, humor británico y personajes a los que apetece volver a visitar.

La llegada de la San Diego Comic-Con de Málaga ya tiene fecha y lugar, marcando un hito al ser la primera edición oficial que se celebra fuera de Estados Unidos. La cita será del 25 al 28 de septiembre en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga (FYCMA), con una oferta pensada para fans del cómic, las series, el cine, el cosplay y el gaming.

La organización ha ido destapando nombres y contenidos, con especial foco en paneles exclusivos, estrenos y experiencias inmersivas. Entre lo confirmado destacan dos eventos de AMC y un nutrido cartel de invitados internacionales, además de áreas de videojuegos y un espacio de coleccionismo de gran formato.

Fechas y sede del evento

El encuentro se celebrará en FYCMA durante cuatro jornadas, del jueves 25 al domingo 28 de septiembre. Aunque la parrilla horaria detallada se comunicará más adelante, la organización avanza más de 300 horas de contenidos entre charlas, presentaciones, proyecciones, cosplay y actividades participativas.

Desde la organización apuntan que será un evento con el espíritu de la Comic-Con de San Diego adaptado al público local, con presencia de grandes franquicias y espacios dedicados a la industria para impulsar talento.

Invitados y paneles de series

AMC desembarca con dos grandes citas. Por un lado, The Walking Dead: Daryl Dixon contará con la presencia de Norman Reedus y Melissa McBride, además del equipo creativo y artístico: David Zabel (showrunner), Dan Percival (dirección), Alexandra Masangkay, Eduardo Noriega, Óscar Jaenada, Hugo Arbués y Candela Saitta. El panel repasará el nuevo capítulo europeo de la saga y su rodaje en múltiples localizaciones de España.

El otro gran panel será el del Universo Inmortal de Anne Rice con Talamasca, centrado en la sociedad secreta que vigila brujas, vampiros y otras criaturas. Están confirmados Nicholas Denton (protagonista), John Lee Hancock (dirección) y Mark Lafferty (producción), quienes presentarán avances y contexto de la serie.

A la lista se suma el actor hispanobritánico Taz Skylar, reconocido por encarnar a Sanji en la adaptación en imagen real de One Piece en Netflix. El intérprete, nacido en Tenerife, compartirá vivencias del rodaje y su preparación física y culinaria para el personaje.

Cómic, ilustración y cosplay

El capítulo de cómic llega con grandes referentes. Encabeza la comitiva Jim Lee, presidente, editor y director creativo de DC, que participará en sesiones dedicadas al presente y futuro de la editorial. En el ámbito de Marvel, destaca la presencia de Peach Momoko, ilustradora japonesa que ha renovado con su estilo distintivo varias líneas de la Casa de las Ideas.

El cosplay tendrá espacio propio con la participación de Yaya Han, referente internacional con más de dos décadas de trayectoria. La organización trabaja en un concurso de cosplay que se anunciará con sus bases y categorías en fechas próximas.

Videojuegos y una zona de figuras premium

En el terreno del gaming, la feria confirma a Bandai Namco, responsable de sagas tan populares como Tekken, Elden Ring, Pac-Man o Dragon Ball. También está prevista la presencia de Nintendo, con un espacio orientado a novedades jugables y actividades para el público asistente.

El coleccionismo tendrá un área de más de 1.000 metros cuadrados dedicada a figuras “premium”, con piezas de Hot Toys, Sideshow Collectibles y Prime 1 Studio. Será una de las zonas más visitadas para quienes buscan ediciones de alta calidad y exposición a escala real.

Entradas, registro previo y menores

Las entradas se adquieren a través de VivaTicket y requieren un registro previo en la web oficial sandiegocomicconmalaga.com. Tras completar el formulario, se genera un ID personal necesario para poder comprar los pases y acceder al recinto.

El precio general anunciado para esta primera edición es de 50 euros (más gastos de gestión) para las jornadas disponibles. Los menores de 13 años pueden entrar gratis acompañados de una persona adulta, que deberá incluir sus datos durante el proceso de compra para emitir la acreditación correspondiente.

La organización habilitará puntos de acreditación y fanzones para gestionar el canje escalonado de entradas, con el fin de agilizar accesos y evitar esperas en los momentos de mayor afluencia.

Banda sonora oficial

La convención contará con banda sonora propia compuesta por Lucas Vidal, autor de partituras para cine y televisión reconocido con un Emmy, un Hollywood Music in Media Award y dos premios Goya. La pieza, de corte cinematográfico, ha sido grabada en Viena y busca transmitir la épica del héroe de película en un entorno de convención.

Según la organización, se trata de una música potente y emocionante, pensada para acompañar los momentos clave del evento y envolver a los asistentes en una experiencia inmersiva desde el primer día.

Próximos anuncios

El programa completo, con horarios, mapa del recinto y actividades, se presentará en una puesta de largo en Madrid fijada para comienzos de septiembre. En los días previos a la feria se comunicarán más invitados, estrenos y dinámicas, así como detalles prácticos para planificar la visita.

Con un calendario repleto, grandes nombres de las series y el cómic, espacios para el cosplay, el videojuego y el coleccionismo, y una producción a gran escala en FYCMA, la San Diego Comic-Con de Málaga se perfila como una parada ineludible para la cultura pop en nuestro país, con contenido para todos los públicos y un despliegue que promete no dejar a nadie indiferente.