by alguien | Oct 18, 2024 | Cultural |
¿QUÉ ES SOBRE FOTOGRAFÍA?
Un libro, recién publicado, que aborda el panorama actual de la fotografía en España contando con algunos de sus protagonistas y analiza los pilares sobre los que podría asentarse el futuro Centro Nacional de Fotografía, que tendrá sede en Soria.
Su título completo es Sobre fotografía. Una mirada transversal desde la educación, el patrimonio, la creación y las industrias culturales y podemos acceder a él libre y gratuitamente.
¿QUIÉN LO EDITA?
Ha sido editado por la Universidad de Alcalá de Henares y promovido por la plataforma Centro de Fotografía e Imagen.
¿QUÉ NOS OFRECE?
Propone un examen a la fotografía en España hoy desde las perspectivas de la educación, el patrimonio, la creación y las industrias culturales, pilares sobre los que se entiende que debería establecerse el futuro Centro.
Contiene cuarenta y seis artículos de proyectos que se presentaron durante el I Congreso Internacional sobre Fotografía celebrado en marzo de 2023, muchos de ellos vinculados a cuestiones de género e identidad, territorio y maneras de habitar, además de cinco artículos inéditos realizados por profesionales del sector, profesores, investigadores, fotógrafos y comisarios.
En el apartado de creación, Concha Casajús y Rafael Trobat, doctores por la Complutense de Madrid y fotógrafos, firman Realidad e imaginación, y los creadores y doctores, también de la Complutense, Toya Legido y Tomás Zarza nos ofrecen el texto Del registro fotográfico a la imagen computacional. En el de industrias creativas, la fotógrafa Carma Casulá y Natalia Garcés, editora de la publicación y directora del Aula de Fotografía de la Fundación General de la Universidad de Alcalá, firman Vivir de la fotografía.
En el capítulo centrado en educación, los docentes y doctores Luis Castelo (Universidad Complutense de Madrid) y Pedro Vicente-Mullor (Universidad Politécnica de Valencia) escriben La paradoja de la fotografía en la universidad, y en el de patrimonio en fotografía, la publicación cuenta con el ensayo ¿Quién cuida de nuestro patrimonio fotográfico?, a cargo del Grupo de Conservación del Patrimonio Fotográfico, ligado al Grupo Español del Instituto Internacional de Conservación.
¿EN QUÉ FECHA Y DÓNDE SERÁ PRESENTADO?
Sobre fotografía se presentará al público el 23 de octubre a las 19:00 horas, en la Universidad de Alcalá. El acto empezará con una bienvenida institucional y contará con la intervención de Juan Manuel Castro Prieto, Premio Nacional de Fotografía y miembro de la Asociación Plataforma Centro de Fotografía e Imagen; Pedro Vicente (Universidad Politécnica de Valencia) y Natalia Garcés (Universidad de Alcalá), editores de la publicación; Toya Legido, artista, como dijimos fotógrafa y docente en la Universidad Complutense de Madrid; y Angélica Soleiman, miembro del Grupo de Conservación del Patrimonio Fotográfico del Grupo Español del Instituto Internacional de Conservación.
Su conversación podrá seguirse en streaming en este enlace.
PARA MÁS INFORMACIÓN:
https://publicaciones.uah.es/
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by alguien | Oct 18, 2024 | Cultural |
Fotografía: Olivier Collet
NOMBRE: Martí
APELLIDOS: Madaula Esquirol
LUGAR DE NACIMIENTO: Sabadell, Barcelona
FECHA DE NACIMIENTO: 1996
PROFESIÓN: Artista
A Martí Madaula, nuestro fichado esta semana, lo conocimos hace unas semanas de la mano de la Galería Prats Nogueras Blanchard: su sala barcelonesa presentó este verano, coincidiendo con Art Nou, The Living Wardrobe, una videoinstalación basada en las experiencias de este artista mientras desarrollaba una residencia en Bilbao hace cuatro años. Tras empezar a quedar con un chico, y según pasaban los días, el gran armario vacío que había en su dormitorio comenzaba a llenarse de ropa, lo que llevó a Madaula a comenzar a pensar en él como un ser vivo que se alimentaba de esas prendas y que, en el camino, convertía a este autor en alguien diferente a quien era. Ese guardarropa, por tanto, se convertía en esa pieza, una suerte de ensayo videográfico de autoficción, en metáfora de esa tensión entre el deseo de mantener independencia y el de entregarse a un amor.
Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, Martí ha cursado un máster centrado en medios mixtos en la LUCA School of Arts de Gante y otro sobre cine, vídeo, nuevos medios y animación en la escuela del Art Institute of Chicago, obteniendo en el camino un Premio de Excelencia Académica de la Fundació Catalunya La Pedrera (2014), una beca de la Fundación Mutua madrileña para estudiar un posgrado en Europa, la muy prestigiosa de la Fundación “la Caixa” para hacer lo propio en Estados Unidos y el Premio Extraordinario de Bellas Artes de su Universidad.
Con anterioridad, y desde 2016, protagonizó otras individuales en La Marineta Centro Cultural, de Mollet del Vallès, la Sala Stripart de Barcelona, Kolder y el Observatorio Astronómico de Gante, el Museo de Arte de Sabadell y SITE 280 Gallery (Chicago), mientras que su participación en colectivas le ha llevado a espacios como la Grosvenor Gallery de Manchester, Roca Umbert. Fàbrica de les Arts (Granollers), Cal Trepat (Tàrrega), La Virreina, la Sala d´Art Jove, La Escocesa y La Capella (Barcelona), la Drongenhofkapel de Gante, la Fundación BilbaoArte, La Panera de Lleida, SAIC Galleries (Chicago) y Palmadotze (Els Monjos, Barcelona).
Asimismo, Madaula ha participado este mismo año en festivales cinematográficos como Visions du Réel, el Bangalore Queer Film Festival, Doc at Work (en los prolegómenos del Festival dei Popoli), el Kasseler Dokfest, el Festival Internacional de Cortometrajes de Vila-seca. FICVI y el Iowa International Documentary Film Fest. Ha llevado a cabo residencias artísticas de la mano de Nau Estruch Sabadell, la citada Fundación Bilbaoarte, Sounds of Our Cities (cooperación europea), el HISK de Gante y Cultures d’Avenir y, entre otros premios, ha obtenido el galardón Visiones del Arte, en su categoría internacional, concedido por el Museo Universitario Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Autónoma de México (2016) y, en dos ocasiones, el Premio de Creación Art Jove (2018 y 2020).
Se suma este artista a nuestros Fichados porque queremos conocer mejor los caminos por los que su obra se nutre de lo diario y cotidiano, profundizar en el cariz narrativo de sus propuestas y en el modo en que introduce este en disciplinas muy diversas y no siempre tan propicias al relato como el vídeo.
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Nos cuenta Madaula que muchos de sus intereses nacieron mientras estudiaba, tanto de los propios contenidos de su carrera como de su relación con otros estudiantes o de la experiencia de trasladarse a cursar un erasmus en el Reino Unido: Empecé a hacer proyectos en los que reconozco las temáticas e intereses de mi práctica artística cuando estudiaba tercero de Bellas Artes. En segundo descubrí el arte conceptual en una clase de historia de arte contemporáneo que cambió mi percepción de lo que el arte podía hacer. Me interesaban artistas como Sophie Calle, Martha Rosler, Tracey Emin o Félix González-Torres, entre otros, que utilizaban el arte para reflexionar sobre temáticas que me interpelaban directamente, como la intimidad, la sexualidad, el género, etc. En ese momento, abandoné la pintura y me adentré en el mundo del arte conceptual.
Creo que, en ese tiempo, hubo dos aspectos que fueron importantes en moldear mi práctica. Uno de ellos era mi grupo de amistades de Bellas Artes. Había mucha sintonía entre algunas personas de mi curso y del curso superior al mío. Compartíamos un interés por el arte conceptual y unos intereses que a veces se cruzaban. Recuerdo que cada uno de ellos me inspiraba muchísimo, solíamos charlar mucho de arte, de nuestros proyectos e ideas, a parte de muchas otras cosas, por supuesto. Así que recuerdo ese grupo de amigos como algo muy importante en mis inicios y formación artística. Me asombraban sus ideas y me sentía parte de un grupo en el que me sentía muy comprendido, fue bonito y a menudo he echado de menos ese espacio que creamos.
En segundo lugar, a nivel individual para mí fue importante dejar la facultad unos meses para realizar un erasmus en Manchester en 2017. Era la primera vez que vivía fuera de casa y, gracias a esta experiencia, pude mirar al mundo que yo conocía desde una nueva perspectiva. Esa experiencia hizo que muchos de mis proyectos rotaran alrededor de analizar la idea de hogar. ¿Qué constituye un hogar? ¿Cómo se transforma esa idea cuando uno se desplaza? Estas son algunas de las preguntas que me hacía entonces e intenté responder a estas cuestiones con mis proyectos, que dieron lugar a una línea de trabajo que aún es relevante para mí hoy en día.
Marti Madaula. First and Last Page, 2020
Marti Madaula. First and Last Page, 2020
Marti Madaula. First and Last Page, 2020
Como anticipamos, la de cercanía es una noción clave en la producción de Martí, que suele partir últimamente de sus propias vivencias a la hora de crear e incluso concibe sus proyectos como un modo de comunicación con sus personas queridas: La cotidianidad es un aspecto fundamental de mi obra. Me gusta pensar que mis proyectos invitan a redescubrir aquello cotidiano, los detalles de nuestro entorno que, por su cercanía, hemos dejado de ver. A veces pienso, también, que muchos de mis proyectos son una carta de amor a las personas que me han cuidado y me han querido: una forma de dar las gracias, de reconocer esos gestos.
Desde hace años, el aspecto autobiográfico y la autoficción también caracterizan mis proyectos. Me interesa partir de lo personal para ficcionarlo y crear historias universales. Por último, la investigación artística también es fundamental en mis últimos proyectos. Y el storytelling, el placer por narrar, que siempre está allí. Al fin y al cabo, cada uno de mis trabajos es una historia que quiero contar.
Muchos de mis proyectos son una carta de amor a las personas que me han cuidado y me han querido: una forma de dar las gracias, de reconocer esos gestos.
No podemos decir que, en su trayectoria hasta ahora, se haya decantado Martí por una técnica sobre otras, pero el vídeo ha ganado peso reciente en su producción y, nos explica, la palabra también tiene su lugar: Mi trabajo es multidisciplinar. Como comentaba, mis proyectos son historias y siento que deben ser contadas de distintas maneras. A veces, siento que la mejor forma de narrar esa historia es desarrollando una escultura, una instalación, un libro de artista o una pieza audiovisual.
En general, el texto siempre es un elemento clave que atraviesa todos los proyectos. En los primeros, ese texto iba acompañado de fotografías y piezas de videoarte; en los últimos años, el texto es la voz en off de mis películas experimentales.
Mi interés en el cine experimental y de ensayo me llevó a pedir una beca de “la Caixa” para estudiar un MFA in Film, Video, New Media, and Animation en la School of the Art Institute of Chicago, una oportunidad que me permitió ahondar en mi interés por el cine y producir tres cortometrajes. Uno de estos cortos está terminado y se titula The Living Wardrobe, tuvo su estreno mundial en la sección oficial de Visions du Réel 2024, uno de los festivales de cine documental y no-ficción más importantes del mundo. Los otros dos cortometrajes se encuentran en fases avanzadas de postproducción.
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
De algunos de sus referentes ya nos ha hablado -los descubrió mientras se formaba-; otros son artistas de su generación que han trabajado, como él, en torno a la narración y las posibilidades artísticas que ofrece la vida diaria, así como cineastas: Al inicio de mi carrera, los referentes principales eran artistas que ponían lo personal y lo cotidiano en el centro de su trabajo. Artistas cuya obra, a menudo, también tenía un marcado interés por el storytelling; pienso en Félix González-Torres y la sutileza y elegancia con la que habla de lo personal y político. Pienso en Sophie Calle, Tracey Emin, Miranda July. En el contexto local, Lúa Coderch es una de mis mayores influencias, siempre me ha inspirado la elegancia de todos sus proyectos y su exploración con el acto de narrar. También pienso en Fermín Jiménez Landa, Dora García, Núria Güell, Pep Vidal, Irene Solà, Alicia Kopf…
En el mundo del audiovisual experimental, soy fan absoluto del trabajo de Deborah Stratman, Su Friedrich, Christopher Harris o Jessica Bardsley: artistas que trabajan de formas muy distintas e interesantes la fricción entre realidad y ficción.
Martí Madaula. Com conquerir l’espai, 2021
Entre los principales proyectos que hasta ahora ha desarrollado elige citar tres: Com conquerir l’espai (Cómo conquistar el espacio), un libro de artista de 2021 que publicó junto a la Sala d’Art Jove y el Centre d’Art La Panera; la instalación, acompañada de una acción artística, Tough, reliable and almost cuddly (2022) y la propuesta de la que comenzábamos hablando, The Living Wardrobe (2024).
El primero da cuenta de esa importancia del texto a la que se refería: En 2018 viví un año en Bélgica, mi tesis de máster fue un proyecto narrativo que combinaba un diario autoficcionado sobre el hecho de vivir lejos de casa con mi investigación artística sobre la intimidad de los astronautas en la exploración espacial. Gracias a una beca de Sala d’Art Jove, pude trabajar más en el proyecto y la investigación y publicar el libro en catalán. Para mí, es mi primera novela y fue importante porque me permitió explorar el aspecto más narrativo de mi trabajo y llegar a un público más amplio.
Martí Madaula. Com conquerir l’espai, 2021
Martí Madaula. Com conquerir l’espai, 2021
En Tough, reliable and almost cuddly ya enlazaba ropa e intimidad, además de reivindicar a trabajadoras olvidadas: En 2021, A Bao A Qu me invitó a participar en EN RESiDÈNCiA, un programa que invita a artistas contemporáneos a trabajar en un proyecto nuevo en un instituto público de Barcelona, incorporando un grupo de alumnos en el proceso de creación e ideación de una nueva pieza. En este contexto, ahondé en mi investigación artística sobre el espacio exterior y la intimidad. Conjuntamente con los alumnos, nos centramos en investigar la impresionante historia detrás de la manufacturación de los vestidos espaciales de los primeros astronautas, un proceso que nos llevó a descubrir que estos fueron cosidos a mano por un grupo de mujeres expertas en la confección de ropa interior para mujeres. Un grupo de mujeres cuya historia había sido olvidada durante décadas, así que nos propusimos recordar y celebrar su legado.
Martí Madaula. Tough, reliable and almost cuddly, 2022
Martí Madaula. Tough, reliable and almost cuddly, 2022
Martí Madaula. Tough, reliable and almost cuddly, 2022
Martí Madaula. Tough, reliable and almost cuddly, 2022
Por último, The Living Wardrobe fue su primer corto y se alimentaba de los asuntos que han venido poblando su carrera, entre ellos las emociones de las que pueden hablar los objetos. Ya adelantamos, en parte, su sinopsis: Martí llega a Bilbao para participar en una residencia artística. Su ropa tan solo ocupa una pequeña parte del gigantesco armario de su nueva habitación. Cuando conoce a un chico que le gusta, el armario comenzará a llenarse. Pero, ¿dónde han ido parar el vacío, el espacio libre, su pequeño rincón? ¿Se lo ha tragado todo el armario, o ha sido el amor?
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Martí Madaula. The Living Wardrobe, 2024
Próximamente, encontraremos a Martí en Bilbao y su corto continuará proyectándose en citas internacionales: En noviembre, voy a participar en una exposición colectiva titulada “Nadie sabe compartir el gusto de la menta”, comisariada por Lorenzo Galgó e Iñigo Villafranca Apesteguia en la sala Uribitarte de la Fundación BilbaoArte, junto a artistas que admiro muchísimo.
También voy a mostrar The Living Wardobre en distintos festivales de cine de no-ficción internacionales, como el Festival dei Popoli en Florencia o el Kasseler Dokfest en Alemania.
Por último, estoy trabajando en la postproducción de dos proyectos audiovisuales nuevos. Uno de ellos es una ficción inspirada en diversas entrevistas que realicé hace dos veranos. Ahora mismo estoy interesado en explorar el documental experimental, jugando con la fricción entre ficción y realidad.
Podemos seguir sus pasos, aquí: https://martimadaula.hotglue.me/
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
Martí Madaula. Recuperar els llençols de Manchester, en curso
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by Sorevitno | Oct 17, 2024 | Cultural |
Juan Ortiz
Rompe la barrera del no
Rompe la barrera del no: 9 principios para negociar como si te fuera la vida en ello —o Never Split The Difference: Negotiating As If Your Life Depended On It, por su título original en inglés— es un libro de autoayuda y desarrollo personal escrito por el exnegociador de rehenes del FBI, consultor y autor estadounidense Chris Voss. La obra fue publicada por primera vez el 17 de mayo de 2016.
El 3 de noviembre del mismo año, ya traducido al español, fue comercializado por la editorial Conecta. Tras su lanzamiento, el superventas ha sido elogiado por otros reconocidos autores del género, como Daniel H. Pink, escritor de Vender es humano. También habló de él Joe Navarro, un agente especial retirado del FBI que se hizo famoso por haber creado el libro El cuerpo habla.
Sinopsis de Rompe la barrera del no
Nunca dividas la diferencia: negocia como si tu vida dependiera de ello
Es probable que, en el caso de otros autores, el título de este volumen fuera solo un cúmulo de palabras. Pero Chris Voss es un hombre que realmente ha tenido que negociar para salvar su vida y la de muchas otras personas, lo que le confiere la experiencia suficiente en aras de abordar este asunto con suma propiedad, ofreciendo estrategias para sentarse en cualquier mesa de negociación.
En suma, el escritor explica que la base principal para negociar es obtener la confianza del interlocutor, logrando que nazca un deseo de resolver el conflicto —esto puede ser aplicable a cualquier campo, desde las ventas hasta las relaciones de pareja—. Por otro lado, cabe destacar que en ningún momento se debe recurrir a la manipulación del otro, sino, simplemente, al diálogo honesto.
La importancia de la empatía táctica
En concordancia con el apartado anterior, Rompe la barrera del no está basado en los principios de la empatía táctica, los cuales indican formas genuinas de comprender el punto de vista de la contraparte, en pos de hacerla sentir cómoda, a la par de entender su mundo interior y lograr que la conversación parezca catártica y terapéutica para esa persona, creando la ilusión de control.
Esta última pauta es esencial para que la negociación transcurra con éxito. A través de ella, se ubica al interlocutor en una zona de confort donde, al final, entrará en ese modo colaborativo que se busca. Por otro lado, es fundamental encontrar y utilizar los Cisnes negros. Estos son no más que piezas de información escondidas o inesperadas que suelen provocar cambios radicales.
Estructura narrativa de la obra
Rompe la barrera del no está dividido en 10 capítulos prácticos, en los que se trabajan las ideas centrales del libro, a la par que se desarrollan en apartados más profundos. Por ejemplo: en el capítulo 1, Las nuevas reglas, Chris Voss afirma que, para negociar mejor, es necesario tener un hondo conocimiento de la psicología humana, ya que el hombre es un animal irracional e impulsivo.
Así, el negociante se verá beneficiado de la comprensión de la propia locura del ser humano, y de su naturaleza emocional. En este sentido, las matemáticas y la lógica salen volando por la ventana, siendo recomendable recurrir a los más profundos miedos, necesidades, percepciones y deseos del otro. Claramente, siempre con el afán de ayudarlo a mejorar, y no lo contrario.
La investigación de Amos Tversky y Daniel Kahneman
En este libro de autoayuda, Chris Voss recurre a material dispuesto en el título Pensar Rápido, Pensar Lento, el cual aborda las investigaciones de Amos Tversky y Daniel Kahneman. Estos estudios plantean que el ser humano nunca es enteramente racional o egoísta, y que los gustos adquiridos son todo menos estables. De hecho, el cerebro distorsiona el mundo a través de más de 150 sesgos cognitivos.
A su vez, el material expone dos principales sistemas de pensamiento. En el primero, la mente es lenta, emocional e instintiva. En el segundo, esta se desenvuelve de manera más deliberada y lógica. Al mismo tiempo, se explica que, si un negociador es capaz de afectar el procesamiento del sistema uno de una persona, podrá guiarlo a la racionalidad y modificar las respuestas del sistema dos.
Las negociaciones se resumen en calmar al otro
Rompe la barrera del no asegura que una de las maneras más efectivas para llevar a cabo una negociación es establecer rapport, ganar confianza, verbalizar las necesidades, y persuadir a la otra persona con empatía y escucha comprometida. Esta premisa parte de que, en el fondo, todos quieren sentirse entendidos y aceptados, sin ser sometidos a juicios de valor.
Para lograrlo, hace falta que el negociador se comprometa a prestar atención, que es lo que, a fin de cuentas, se espera de los interlocutores. Esta práctica se ha vuelto cada vez más difícil debido a la presencia de internet y las redes sociales. Sin embargo, es posible recuperarla si se dispone de la paciencia, disciplina, estudios y firmeza necesarios.
Sobre el autor
Christopher Voss nació el 28 de noviembre de 1957, en Mt. Pleasant, Iowa, Estados Unidos. Se licenció en Ciencias en la universidad de su ciudad natal. Posteriormente, obtuvo una maestría en Administración Pública en la Escuela Kennedy de Harvard. Voss fue miembro del Grupo de Trabajo Conjunto contra el Terrorismo de la Ciudad de Nueva York desde 1986 hasta 2000.
Más tarde, se vio involucrado en el monitoreo del complot de la bomba en el hito de la Ciudad de Nueva York, después de pasar tres años investigando el atentado al World Trade Center de 1993. Asimismo, fue el agente encargado durante la investigación de la explosión del vuelo 800 de TWA en 1996. En 1992, recibió capacitación en negociación de rehenes en la Academia del FBI.
A partir de entonces, trabajó durante veinticuatro años en la Unidad de Negociación de Crisis del FBI y fue el principal negociador internacional de rehenes y secuestros de esta entidad entre 2003 y 2007. También es un comentarista habitual en medios como CNBC, CNN, MSNBC, Fox News y NPR, y ha aparecido en Forbes, The New York Times, Inc., Variety y Time.
Otros libros de Chris Voss
- The Full Fee Agent: How to Stack the Odds in Your Favor as a Real Estate Professional (2022);
- Empathy and Understanding In Business (2024).
Ir a la fuente en actualidadliteratura.com
by Sorevitno | Oct 17, 2024 | Cultural |
Juan Ortiz
Personas decentes
Personas decentes es una novela negra escrita por el guionista, periodista y autor cubano Leonardo Padura. La obra fue publicada por primera vez el 1 de agosto de 2022 en la colección Andanzas de la Serie Mario Conde, perteneciente a la editorial Tusquets. Desde entonces, ha obtenido opiniones favorables por parte de la crítica y los lectores, con notas de 4.4 y 4.13 estrellas.
Esto se dio en las comunidades lectoras de Amazon y Goodreads, respectivamente. Algo dentro de la novela se ha vuelto un eco para los sobrevivientes de las dictaduras de Latinoamérica, sobre todo cuando el protagonista resalta que no va a dejar Cuba porque, como dijo alguna vez Dulce María Loynaz: «Él llegó primero y los comunistas no van a lograr echarlo de su país»
Sinopsis de Personas decentes
El cambio que jamás llega
La historia transcurre en 2016, justo en el marco de la visita del presidente estadounidense Barack Obama a Cuba, un evento cargado de simbolismo y esperanza para muchos ciudadanos que veían en la apertura un posible cambio. La elección de este momento no es casual, ya que Padura aprovecha la coyuntura política para explorar cómo es la sociedad de su propio país.
En especial, las situaciones que atraviesan la clase media y baja, así como la forma en que estas lidian con las promesas de transformación y la realidad del estancamiento. A través de este telón de fondo histórico, la novela se enriquece con una atmósfera cargada de tensiones entre el pasado y el futuro. La llegada de Obama a la isla no solo es una cuestión de política internacional, sino también un reflejo de esperanza.
Las expectativas inciertas que muchos cubanos tienen sobre su propio país.
La novela negra se desarrolla en torno a Mario Conde, un detective ya retirado que no logra desprenderse del trabajo policial, y es llamado nuevamente para resolver un asesinato. En esta ocasión, el crimen de un influyente exfuncionario, conocido por su corrupción y sus múltiples conexiones, lleva a Conde a un terreno espinoso, sobre todo por las implicaciones políticas y sociales que lo enmarcan.
La víctima, quien alguna vez tuvo un rol importante en el gobierno, es asesinada en circunstancias misteriosas, y su muerte abre la puerta a un mundo de secretos, traiciones y la lucha por el poder. En este sentido, Personas decentes refleja una problemática real dentro del acontecer noticioso de Cuba o el resto de América, imponiéndose como una poderosa voz que habla por el pueblo.
Un retrato de la verdadera Cuba
Conde está más desencantado que nunca con el estado de su país. A través de sus reflexiones, Padura ofrece una mirada crítica a la situación social, política y económica de Cuba, especialmente en un momento en que la posibilidad de una apertura parecía tangible. Sin embargo, la novela se aleja de cualquier optimismo, enfocándose más en la descomposición moral de una sociedad atrapada en el inmovilismo y la corrupción.
El título de la novela no es accidental: a lo largo de la obra, Padura hace una cavilación profunda sobre lo que significa ser una «persona decente» en una sociedad marcada por la corrupción, la desilusión y las concesiones morales. A través de sus personajes, cuestiona el concepto de decencia y cómo este puede ser moldeado por las circunstancias vividas por un entorno en decadencia.
¿Qué significa ser una persona decente?
La decencia, dentro del argumento de la novela, no es solo una cuestión de comportamiento individual, sino también un tema de supervivencia. Los personajes de la obra, tanto los corruptos como los honestos, navegan en un entorno donde la moralidad se diluye y las decisiones éticas se complican por la necesidad y la desesperación, elementos que cuesta juzgar por ser realista.
Padura utiliza el género policial para construir una intriga que mantenga al lector atrapado, pero también para hablar sobre la decadencia moral de la sociedad cubana. En su obra, el crimen y la corrupción no son excepciones, sino síntomas de un malestar más profundo que afecta a todos los niveles de la vida en Cuba.
Estilo narrativo del autor
Leonardo Padura tiene un estilo narrativo que se destaca por su aguda observación de la realidad cubana y por su capacidad para crear personajes hondos y complejos. En Personas decentes, la voz de Mario Conde sigue siendo un vehículo para la crítica social. A través de su cinismo, su melancolía y su humor negro, Conde se convierte en un observador lúcido de los problemas que aquejan a su país.
La prosa de Padura es rica en descripciones de La Habana, una ciudad que aparece en la novela casi como un personaje más. El descenso arquitectónico, las desigualdades sociales y la lucha diaria por sobrevivir en medio de las carencias se presentan con un realismo que refleja la vida cotidiana de los cubanos, una ciudad que, pese a su potencial, sigue viviendo en la miseria.
Sobre el autor
Leonardo de la Caridad Padura Fuentes nació el 9 de octubre de 1955, en La Habana, Cuba. Estudió Literatura Latinoamericana en la universidad de su ciudad natal, comenzando su carrera como periodista en 1980. Su primer empleador en este rubro fue el medio El Caimán Barbudo, aunque también solía escribir para el periódico Juventud Rebelde. Más tarde, creó ensayos y guiones.
Escribió su primera novela entre 1983 y 1984. Durante los seis años siguientes, se dedicó a desarrollar largos reportajes culturales e históricos, lo que le ayudó a pulir una visión crítica sobre su entorno y las personas que lo habitan. Posteriormente, se hizo famoso gracias a su serie Mario Conde, protagonizada por un personaje que «No podía ni quería ser policía», pero termina siendo el mejor en su área.
Otros libros de Leonardo Padura
Novelas
- Fiebre de caballos (2013).
Tetralogía de las Cuatro Estaciones: Serie Mario Conde
- Pasado perfecto (1991);
- Vientos de cuaresma (1994);
- Máscaras (1997);
- Paisaje de otoño (1998);
- Adiós Hemingway (2001);
- La novela de mi vida (2002);
- La neblina del ayer (2005);
- El hombre que amaba a los perros (2009);
- La cola de la serpiente (2011);
- Herejes (2013);
- La transparencia del tiempo (2018);
- Como polvo en el viento (2020);
- Ir a la Habana (2024).
Cuentos
- Según pasan los años (1989);
- El cazador (1991);
- La puerta de Alcalá y otras cacerías (1998);
- El submarino amarillo (1966 y 1991);
- Nueve noches con Amada Luna (2006);
- Mirando al sol (2009);
- Aquello estaba deseando ocurrir (2015).
Ensayos y reportajes
- Con la espada y con la pluma: comentarios al Inca Garcilaso de la Vega (1984);
- Colón, Carpentier, la mano, el arpa y la sombra (1987);
- Lo real maravilloso, creación y realidad (1989);
- Estrellas del béisbol. El alma en el terreno (1989);
- El viaje más largo (1994);
- Un camino de medio siglo: Alejo Carpentier y la narrativa de lo real maravilloso (1994);
- Los rostros de la salsa, entrevistas (1997);
- Modernidad, posmodernidad y novela policial (2000);
- La cultura y la Revolución cubana (2002);
- José María Heredia: la patria y la vida (2003);
- Entre dos siglos (2006);
- La memoria y el olvido (2011);
- Yo quisiera ser Paul Auster (2015);
- Agua por todas partes (2019).
Guiones
- Yo soy del son a la salsa, documental (1996);
- Malabana (2001);
- Siete días en La Habana (2011);
- Regreso a Ítaca (2014);
- Cuatro estaciones en La Habana (2016).
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by alguien | Oct 16, 2024 | Cultural |
Cuatro exposiciones celebran en Amberes al artista, cuando se cumplen 75 años de su muerte
James Ensor en su estudio.
James Ensor nació el 13 de abril de 1860 en Ostende. Su madre, belga, y su padre, inglés, regentaban una tienda de souvenirs, entre los que abundaban conchas marinas, peces disecados, jarrones ornamentales y, sobre todo, máscaras de carnaval que desde muy pronto estimularon la imaginación del joven Ensor, convirtiéndose después en uno de los elementos clave de su pintura y en una herramienta con la que manifestar su posición crítica ante el mundo, especialmente el mundo burgués (al que paradójicamente acabaría perteneciendo, pues en 1929 recibió el título de barón). Su vida y su obra están íntimamente ligadas a su ciudad natal, en la que pintó sus obras maestras. También paso tiempo en Bruselas, durante sus años de formación en la Real Academia de Bellas Artes, y su nombre está vinculado a Amberes, donde a día de hoy se conserva la colección más importante y extensa de la obra de Ensor. La atesora el KMSKA, Museo Real de Bellas Artes de Amberes, que es también la sede del Ensor Research Project, el centro de estudios por excelencia en torno al este maestro flamenco.
Es precisamente en el KMSKA donde tiene lugar este otoño la principal exposición conmemorativa del Año Ensor en Amberes (la primera parte de este homenaje se desarrolló a principios de año en Ostende). Aunque comenzaremos por ella, esta no es la única muestra que celebra al artista en Amberes. El MoMU, el FOMU y el Museo Plantin-Moretus también le dedican grandes exposiciones que nos acercan al autor no solo desde la perspectiva de las bellas artes, sino también desde la de las artes aplicadas, como la moda y la fotografía, y nos muestran la forma en la que Ensor sigue inspirando a día de hoy a los creadores contemporáneos.
“Los sueños más salvajes de Ensor. Más allá del Impresionismo” es el título de la gran retrospectiva que hasta el 19 de enero presenta el KMSKA, en la que se nos ofrece una imagen exhaustiva del James Ensor más vanguardista. Se trata de una oportunidad excepcional de acercarnos a su pintura pero también de conocer mejor al creador detrás de la sátira y de las máscaras.
El recorrido por la exposición, que cuenta también con obras significativas de autores internacionales que le inspiraron y con los que quería medirse, como Manet, Monet, Munch o Goya, pone de manifiesto el carácter siempre innovador y experimental de Ensor, considerado hoy una figura indispensable para entender la aparición y el desarrollo del modernismo en el siglo XX.
Edouard Manet. Esquina de un café-concierto. The National Gallery / James Ensor. La comedora de ostras, 1882. KMSKA Amberes
Ya antes del cambio de siglo, su obra era conocida en los círculos literarios de Francia y después de 1900 artistas de vanguardia alemanes como Paul Klee, Emil Nolde, Erich Heckel o Stefan Zweig descubrieron en Ensor un pionero del lenguaje visual modernista. Pero hasta llegar ahí el de Ostende tuvo que descubrirse así mismo, liberando a la pintura del heroísmo romántico, las apariencias y el realismo banal de finales del siglo XX y marcando sus propias pautas, lo que le alejaba cada vez más del ideal clásico de belleza imperante entonces en Europa y del Impresionismo francés, estilo que habría querido introducir en su obra y del que desarrolló su propia versión entre los años 1880 y 1885. Entre las obras de Ensor vinculadas al Impresionismo se encuentra La comedora de ostras (1882), que el artista expuso en el Salón de los XX, en 1886, poniendo de relieve su condición de revolucionario al confrontarla con obras de Manet, Monet o Renoir. Quería demostrar que era el pintor vanguardista más importante del momento.
Un visitante de la exposción “Los sueños más salvajes de Ensor. Más allá del Impresionismo”, en el KMSKA de Amberes, ante la obra de Ensor Autorretrato con sombrero de flores.
James Ensor. Las tentaciones de San Antonio. The Art Institute of Chicago
James Ensor. Esqueletos calentándose, Museo de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas
Decidido a seguir un camino propio, en 1887 Ensor pintó dos obras que resultarían clave en el inicio del nuevo rumbo que iba a emprender su arte: Adán y Eva expulsados del Paraíso (KMSKA) y La tentación de San Antonio (Art Institute of Chicago). A partir de este momento, cualquier contención quedaba definitivamente aparcada en el pasado y Ensor se lanzó a un nuevo mundo expresivo, en el que comenzarían a surgir las formas caprichosas y lo grotesco, dando rienda suelta a su prodigiosa imaginación. Estaba ya a solo un paso de consolidar su estilo, el más satírico y burlón. El del artista de las máscaras, los esqueletos y los contrastes entre lo jocoso y lo siniestro, lo sofisticado y lo salvaje.
James Ensor. Rue du Bon Secours, Bruselas, 1887, punta seca sobre tela de raso satin. Col
El MUSEO PLANTIN-MORETUS, por su parte, acoge “Ensor y sus estados de imaginación”, que se adentra en la producción gráfica del artista, en la que una vez más destaca su gusto por la experimentación.
Cuando Ensor decide probar con el grabado tiene ya 26 años y se encuentra en el apogeo de su carrera. Pronto descubre las infinitas posibilidades que el medio le ofrece, aprende los entresijos de este nuevo arte para él y experimenta con materiales y técnicas, convirtiendo cada grabado en una obra de arte única. Ensor coloreaba los grabados a mano con lápiz, tiza o acuarela, haciendo surgir detalles inesperados en cada obra. La exposición reúne por primera vez los resultados más sobresalientes de esos experimentos y muestra dibujos preparatorios, planchas de cobre y grabados en varios estampados.
James Ensor. Arriba: Orgullo, 1904, aguafuerte y acuarela. Colección Ciudad de Amberes, Museo Plantin-Moretus. Abajo: Orgullo, 1904, aguafuerte y acuarela. Colección P.F. (versión coloreada)
Cindy Sherman. Untitled #414, 2003 © Cindy Sherman. Cortesía de la artista y Hauser & Wirth
Se suma también a este homenaje a James Ensor el FOMU – PHOTO MUSEUM Amberes, donde podemos ver la primera gran exposición individual de Cindy Sherman (New Jersey, 1954) que se realiza en Bélgica. Una potente muestra que reúne más de 100 obras fechadas desde la década de 1970 hasta la actualidad.
Al igual que Ensor, Sherman es conocida por expresar su visión critica de las convenciones a través de disfraces y caracterizaciones. Para crear sus fotografías, asume múltiples papeles de fotógrafa, modelo, maquilladora, peluquera y estilista, llegando a alterar ligeramente su físico para crear intrigantes cuadros y personajes. Así consigue exagerar los estereotipos hasta dimensiones absurdas e incluso grotescas para poner de manifiesto las rígidas concepciones del género, la belleza y el envejecimiento.
Repartida en varias plantas, la muestra presenta algunas de sus primeras obras (1975-1980), como las fotografías experimentales de sus años de estudiante y su icónica serie Fotogramas de películas sin título, que la llevó a la fama internacional a finales de la década de 1970. Por otro lado, la exposición pofundiza en la fascinación de Sherman por la moda y el nexo entre su trabajo independiente y los encargos de la industria de la moda para firmas como Comme des Garçons, John Galliano y Balenciaga, y de revistas de moda como Vogue, Interview y Harper’s Bazaar.
En su trabajo, Sherman, que nunca considera sus imágenes como autorretratos, no indaga en su interior sino que actúa como un espejo de los estereotipos de la sociedad y los ideales de belleza establecidos. Con ello no pretende imponer ninguna verdad y deja abierta la interpretación a la mirada de cada espectador. Es por eso que nunca pone títulos a sus obras, ya que todo el significado reside en la imagen.
Exposición de Cindy Sherman en el FOMU de Amberes. Ensor2024
Editorial publicado en i-D Magazine, 1996: modelo: Kate Moss, maquillaje: Linda Cantello, peluquería: Julien d’Ys, © Paolo Roversi / Art+Commerce
Por último, el MOMU, MUSEO DE LA MODA, celebra al pintor con la exposición multimedia “Las mascaradas, el maquillaje y Ensor”, que permite disfrutar de varias obras de Ensor junto al trabajos de artistas del maquillaje, estilistas del cabello y fotógrafos contemporáneos a los que el Museo ha invitado para establecer un diálogo entre sus creaciones y algunos de los temas habituales en la obra de Ensor, como la mascarada, lo grotesco, la seducción o el engaño.
Se considera a Ensor un observador crítico del mundo y de la gente que le rodeaba, capaz de reconocer sus inseguridades y su vanidad. A partir de 1888 el artista pintó máscaras, ropa y accesorios como instrumentos para desenmascarar: una forma de revelar la verdadera naturaleza y los sentimientos ocultos de sus figuras enmascaradas, de desnudar su hipocresía, engaño, oportunismo.
James Ensor utilizó lo grotesco para desafiar las normas sociales y las convenciones estéticas de su época. Un cuerpo grotesco se desvía del cuerpo “normativo” definido por la simetría, la proporcionalidad y el orden. A partir de la década de 1990, los diseñadores de vanguardia también empezaron a buscar en el canon grotesco para subvertir la fachada perfecta de la moda, y empezaron a experimentar con el potencial subversivo del maquillaje, las prótesis y las manipulaciones de la imagen.
James Ensor. Retrato de Augusta Boogaerts o La Sirena, c. 1930. Colección privada. /James Ensor. El asombro de la máscara de Wouse, 1889. Colección KMSKA.
Cyndia Harvey & Christian Lacroix. Señorita Havisham en la mascarada. Exposición “Make-up & Ensor at MoMu” , MoMU Amberes, 2024, © MoMu Antwerp, Photo: Stany Dederen
El enfoque multidisciplinar en torno a James Ensor que proporcionan estas exposiciones tiene mucho que ver con lo que fue su diversísima actividad artística. Ensor era, desde luego y principalmente, un artista visual, pero fue también un virtuoso musical y un maestro del lenguaje, amante de las palabras. Toda su carrera artística está marcada por una constante búsqueda de nuevos temas, géneros, técnicas y materiales con los que experimentar e innovar.
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by Sorevitno | Oct 14, 2024 | Cultural |
Juan Ortiz
Nuestra parte de noche
Nuestra parte de noche es una novela de terror escrita por la periodista, docente y autora argentina Mariana Enríquez. La obra fue publicada por primera vez el 27 de noviembre de 2019 de la mano de la editorial Anagrama. Tras su lanzamiento, fue elogiada tanto por la crítica como por los lectores, obteniendo el 37.º Premio Herralde y el Premio de la Crítica de narrativa castellana.
Además, Nuestra parte de noche cuenta con una nota media que va de las 4.5 a las 4.28 estrellas en plataformas como Amazon y Goodreads, respectivamente. Esto no es de sorprender, debido a la grata sorpresa que —según una variedad de reseñas personales de lectores—, se han llevado con la cuarta novela de Enríquez, quien, para muchos, se ha convertido en un ícono de la literatura.
Sinopsis de Nuestra parte de noche
La importancia del contexto histórico y político
Una de las características más potentes de Nuestra parte de noche es su ambientación en la Argentina de la dictadura militar, y la manera en que el terror político se funde con el horror sobrenatural. La novela transcurre en distintos momentos históricos, desde los años 60 hasta los 90, y su narrativa salta entre tiempos y personajes, exponiendo la brutalidad del régimen autoritario.
Por lo tanto, este contexto no es solo un telón de fondo, sino que forma parte integral de la construcción de la atmósfera opresiva que impregna el relato. El núcleo de la trama se centra en Gaspar y su padre, Juan, quienes están ligados a una misteriosa organización secreta conocida como La orden, la cual, como toda secta, esconde un propósito destructor difícil de discernir por sus miembros.
Los anhelos más abyectos del hombre
Esta sociedad está obsesionada con acceder a la vida eterna mediante terribles rituales que involucran el contacto con una entidad sobrenatural llamada La oscuridad. La figura de La oscuridad evoca ecos del horror cósmico de autores como H.P. Lovecraft, donde lo desconocido y lo incognoscible representan fuerzas más allá de la comprensión humana, generando un temor profundo.
Enríquez emplea el horror sobrenatural como elemento narrativo, pero también como una metáfora de la violencia y la deshumanización que encarna la sociedad. Asimismo, La oscuridad personifica el poder y la corrupción de los poderosos, en conjunto con los deseos más blasfemos de los seres humanos y su disposición a sacrificar lo que sea necesario para alcanzar el dominio absoluto.
El vínculo entre padres e hijos
El eje emocional de la novela se enfoca en la relación entre Juan y su hijo Gaspar. Juan, que posee poderes para conectarse con La oscuridad, es un personaje complejo, atrapado entre su lealtad a La orden y su deseo de proteger a su heredero del destino que le espera. Gaspar, a su vez, es un niño sensible, cuyo futuro está marcado por las decisiones que su progenitor debe tomar.
El lazo que los une está teñido de amor, sacrificio y dolor. Enríquez explora de manera magistral la ambivalencia de ser padre en un mundo donde el poder y la violencia son las fuerzas predominantes. Al mismo tiempo, la dinámica entre los protagonistas refleja la transmisión de traumas intergeneracionales y la carga que los padres imponen sobre sus hijos.
El cuerpo como espacio de lucha y resistencia
Uno de los aspectos más inquietantes de la novela es el tratamiento del cuerpo como receptáculo del dolor y del placer, así como de un espacio de lucha entre la vida y la muerte. En Nuestra parte de noche, los organismos son usados como instrumentos por La orden en sus rituales, lo que genera escenas de extrema intimidación y horror en una metáfora sobre los sistemas de poder.
Sin embargo, Mariana Enríquez no se queda solo en la descripción del sufrimiento físico, sino que muestra el cuerpo como un espacio de resistencia. Juan, quien sufre de una enfermedad crónica, debe enfrentar su propio deterioro físico mientras intenta proteger a su hijo. A través de su dolor corporal, busca la redención. Así, la autora juega con la idea del cuerpo como frontera entre el poder absoluto y la vulnerabilidad.
Una novela sobre la espiritualidad y la resiliencia
Nuestra parte de noche indaga en lo espiritual de una manera profundamente perturbadora. La obsesión por lo eterno, por la vida después de la muerte y el contacto con entidades sobrenaturales, se mezcla con reflexiones filosóficas sobre la naturaleza de la fe y el poder. La obra no ofrece respuestas fáciles sobre lo espiritual, sino que se adentra en terrenos oscuros.
Es a través de esta fórmula que la búsqueda de lo trascendental se convierte en una forma de opresión. Pero, a pesar del horror, Enríquez deja entrever un rayo de esperanza en la resistencia de sus personajes. Aunque La orden parece tener todo el control, personajes como Juan y Gaspar luchan por encontrar una salida a su destino, por romper con el ciclo de maltrato y dominación.
Sobre la autora
Mariana Lorena Enríquez Ledesma nació el 6 de diciembre de 1973, en Buenos Aires, Argentina. Hoy en día, es considerada como la «reina del terror», pues su narrativa se enmarca dentro de este género, siendo influenciada desde muy joven por clásicos estadounidenses como Stephen King y H. P. Lovecraft, además de la música alternativa, como es el caso de la escena punk rock.
Su carrera literaria comenzó cuando tenía apenas diecinueve años. Su primera novela, publicada por Planeta gracias a una conexión familiar, aborda las preocupaciones de la juventud de la época, como la salud mental, las drogas, el rock y la identidad. A finales de los ochenta, la autora se licenció en Periodismo por la Universidad Nacional de La Plata, donde pulió sus técnicas de investigación.
Otros libros de Mariana Enríquez
Novelas
- Bajar es lo peor (1995);
- Cómo desaparecer completamente (2004);
- Este es el mar (2017).
Cuentos
- Los peligros de fumar en la cama (2009);
- «Chicos que vuelven» (2010);
- Las cosas que perdimos en el fuego (2016);
- «Ese verano a oscuras» (2019);
- Un lugar soleado para gente sombría (2024).
Otros
- Mitología celta (2003);
- Mitología egipcia (2007);
- Alguien camina sobre tu tumba. Mis viajes a cementerios (2013);
- La hermana menor. Un retrato de Silvina Ocampo (2014);
- El otro lado. Retratos, fetichismos, confesiones (2020);
- El año de la rata (2021);
- Porque demasiado no es suficiente. Mi historia de amor con Suede (2023).
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