La novena edición de Cine y Ciencia arranca con El planeta de los simios

Isaac

Cine y Ciencia proyección El planeta de los simios

La nueva edición del ciclo ‘Cine y Ciencia’ ya está en marcha y levanta el telón con la proyección de El planeta de los simios, un clásico de la ciencia ficción que sirve como punto de partida para pensar en la condición humana, la deriva del poder y los futuros posibles. El programa, consolidado como una de las citas invernales con más personalidad en el panorama cultural vasco, vuelve a apostar por el diálogo entre el séptimo arte y el pensamiento científico.

Impulsado por la Filmoteca Vasca, el Donostia International Physics Center (DIPC) y el Festival de San Sebastián, el ciclo recorrerá de nuevo sus sedes habituales en Vitoria-Gasteiz, Donostia / San Sebastián, Bilbao, Pamplona y San Juan de Luz, con una selección de películas que enlazan con disciplinas tan variadas como la biología, la física, la ecología, la antropología, las matemáticas o la ética contemporánea. La idea de fondo es sencilla pero potente: utilizar el cine como herramienta para acercar la ciencia al gran público de una forma cercana y comprensible.

Una apertura marcada por la ciencia ficción y la reflexión sobre la humanidad

El programa arranca en Vitoria-Gasteiz con El planeta de los simios, una obra referencial del género que permite examinar los avances y retrocesos de la humanidad, las tentaciones autoritarias y la fragilidad de nuestros modelos de civilización. No se trata únicamente de revisitar un título mítico, sino de aprovecharlo como excusa para hablar de ciencia, ética y sociedad con el público.

La sesión inaugural en la capital alavesa, así como el pase siguiente en Pamplona, estarán introducidas por el físico, escritor e investigador Ikerbasque del DIPC Juan José Gómez Cadenas, que se encargará de contextualizar la película y de abrir el debate en la sala. En las proyecciones de San Sebastián y Bilbao tomará el relevo el presidente del DIPC y Premio Príncipe de Asturias Pedro Miguel Etxenike, una de las figuras científicas más reconocidas del Estado.

La presentación oficial de esta novena edición ha tenido lugar en Tabakalera (San Sebastián), con la participación de la vicelehendakari primera y consejera de Cultura y Política Lingüística, Ibone Bengoetxea; el consejero de Ciencia, Universidades e Innovación, Juan Ignacio Pérez Iglesias; el director de la Filmoteca Vasca, Joxean Fernández; y el director del DIPC, Ricardo Díez Muiño. Junto a ellos han estado otros responsables de las instituciones colaboradoras, como el director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, representantes de Artium Museoa, de los cines Golem Baiona y Le Sélect, y de la propia Tabakalera.

Bengoetxea ha insistido en que cultura y ciencia funcionan aquí como herramientas de cohesión social, subrayando que, a través del cine, el lenguaje científico se vuelve más accesible y cotidiano, y se convierte en un vehículo eficaz para promover pensamiento crítico y valores compartidos. La responsable de Cultura ha defendido además el valor de la cooperación entre instituciones culturales, centros de investigación y agentes diversos para que este tipo de proyectos tenga continuidad.

Por su parte, Pérez Iglesias ha recordado que la ciencia aparece tanto en los lugares esperados como en los insospechados, y que el cine muestra fenómenos naturales, comportamientos animales, rasgos humanos y conflictos sociales en los que la mirada científica tiene mucho que aportar. Para el consejero, no resulta extraño que en innumerables películas se encuentren argumentos y situaciones sobre las que la ciencia puede iluminar nuevas lecturas.

Un programa que une clásicos, nuevas miradas y disciplinas científicas

Desde la organización se ha destacado que el espíritu de ‘Cine y Ciencia’ se mantiene intacto desde su creación: defender la belleza de la ciencia a través del lenguaje cinematográfico y, al mismo tiempo, dejar que la mirada científica arroje luz sobre las imágenes que vemos en pantalla. En palabras de Ricardo Díez Muiño, el ciclo propone una aproximación distinta a la ciencia y a su impacto social, aprovechando que las películas reflejan y estimulan muchas de las preocupaciones, utopías y distopías que surgen ante los avances tecnológicos.

Tras la apertura con El planeta de los simios, la programación continuará con Haur basatia (El pequeño salvaje), de François Truffaut, centrada en la historia de un niño que crece fuera de la sociedad y que permite acercarse con sobriedad a lo que consideramos intrínsecamente humano: los afectos, el aprendizaje y el descubrimiento del lenguaje. Esta película enlaza con cuestiones de antropología, psicología y educación.

Otra de las paradas destacadas es Sare soziala / La red social, el retrato que David Fincher y Aaron Sorkin hacen de los orígenes de las redes sociales. Lejos de ser solo una biografía empresarial, la cinta invita a pensar en el modo en que la tecnología digital ha reconfigurado la comunicación, la intimidad y el poder, constituyéndose en un punto de partida clave para entender el presente.

El ciclo se adentrará también en el comportamiento animal y el riesgo colectivo con Los pájaros, de Alfred Hitchcock. Más allá del suspense, la película sigue generando lecturas científicas sobre el miedo, el instinto y nuestra relación con un entorno natural que puede rebelarse. Se trata de un ejemplo claro de cómo un clásico del cine comercial puede dialogar con la ecología y la etología.

En el marco de la iniciativa Emakumeak Zientzian se proyectará Sisters with Transistors, un documental que recupera la historia de las pioneras de la música electrónica y que visibiliza las aportaciones de mujeres que a menudo han quedado en un segundo plano. Esta elección conecta cine, género, tecnología y creación sonora, y forma parte de la apuesta del ciclo por una mirada plural y diversa.

Biología, ética, humor y memoria en la gran pantalla

Uno de los títulos más esperados desde el punto de vista científico es La mosca, el célebre drama de David Cronenberg. La película servirá para abrir un debate sobre la mutación, los límites del cuerpo, la experimentación y las implicaciones éticas de determinadas investigaciones. La dimensión biológica y moral está muy presente en la historia, por lo que se espera que el coloquio posterior con especialistas resulte especialmente rico.

El tono cambiará con Irakasle zoroa, una comedia que aporta un respiro humorístico dentro de una programación cargada de preguntas complejas. Aun así, el humor no excluye la reflexión: el personaje del profesor excéntrico sirve para poner sobre la mesa la figura del científico y su representación en el imaginario popular, una cuestión que también interesa a quienes trabajan en divulgación.

La francesa La Voie Royale se centrará en la trayectoria de una joven cuyo talento para las matemáticas la lleva por caminos que, a primera vista, no parecían escritos para ella. Más allá del relato personal, la película aborda temas como el acceso a carreras científicas, la vocación, la presión académica y las barreras de género, de clase o de expectativas sociales.

El final de la vida será uno de los ejes temáticos más delicados del ciclo con Los destellos, obra que abre espacio a una mirada reposada sobre la enfermedad, el acompañamiento y las decisiones al final del camino. Este filme conectará directamente con una de las actividades paralelas más relevantes, una mesa redonda específica sobre literatura, cine y ciencia en torno a este tema.

El viaje cinematográfico se completa con otros títulos que se acercan a la memoria colectiva y a la relación entre comunidades y naturaleza. En el apartado de recuerdo histórico se proyectará Hirugarren gizona / El Tercer Hombre, un clásico que permite revisitar la memoria europea en la posguerra; mientras que La balada de Narayama ofrece una reflexión de corte antropológico sobre las tradiciones, el envejecimiento y los vínculos familiares.

Nausicaä y la mirada ecológica hacia el futuro

La clausura de la edición correrá a cargo de Nausicaä del Valle del Viento, la influyente película de animación dirigida por Hayao Miyazaki. Más allá de su dimensión fantástica, el film plantea cuestiones muy actuales sobre la crisis ecológica, la responsabilidad humana en la degradación ambiental y las posibles formas de convivencia con otros seres vivos. La sensibilidad futurista y verde de esta obra la convierte en un broche ideal para un ciclo que quiere mirar hacia adelante.

Además de cerrar el programa general, Nausicaä del Valle del Viento será protagonista de varias sesiones escolares en San Sebastián, Bilbao y Vitoria-Gasteiz, con lo que estudiantes de distintos niveles educativos podrán acercarse a la ecología y a la ciencia a través de la animación japonesa. Esta vertiente pedagógica es uno de los elementos característicos de ‘Cine y Ciencia’, que lleva años trabajando con centros educativos.

En conjunto, la selección de películas de esta novena edición combina clásicos del canon cinematográfico con propuestas más recientes y documentales, todos ellos con un denominador común: abrir preguntas sobre la ciencia, la tecnología y las formas de vida contemporáneas. No se trata tanto de explicar teorías científicas al detalle como de suscitar curiosidad y de ofrecer marcos para debatir.

La programación se proyectará de forma íntegra en San Sebastián, Bilbao, Vitoria y Pamplona, mientras que en San Juan de Luz el público podrá disfrutar de un bloque representativo con títulos como Haur basatia, Sare soziala, La mosca, Hirugarren gizona, La balada de Narayama y Nausicaä del Valle del Viento. Esta distribución permite mantener una presencia transfronteriza del proyecto, reforzando los lazos culturales entre Euskadi e Iparralde.

A lo largo de los meses que dura el ciclo, cada sesión contará con la presencia de especialistas procedentes del DIPC, de la Universidad del País Vasco (EHU/UPV), de otros centros de investigación y de ámbitos como la biología, la química, la acústica, la filosofía o la antropología. Esta fórmula de proyección más coloquio se ha consolidado como seña de identidad del programa, facilitando que el público plantee dudas y contraste puntos de vista directamente con la comunidad científica.

Científicas y científicos que dialogan con el público

El listado de personas que participarán en las presentaciones es amplio y diverso. Entre otros, intervendrán los ya citados Pedro Miguel Etxenike y Juan José Gómez Cadenas, junto a investigadoras como Amaia Carrión-Castillo, experta en neurociencia educativa y trastornos del desarrollo; filósofos como Antonio Casado da Rocha; biólogos como Gabriel Berasategui; y voces procedentes de instituciones de prestigio internacional, como la exdirectora de Arts at CERN, Mónica Bello.

También se sumarán especialistas en ámbitos muy concretos, como la bióloga y entomóloga Beatriz Díaz, el químico y catedrático Xabier López, la economista y exrectora de la UPV/EHU Eva Ferreira, o la tecnóloga y música Lorea Argarate, premiada por su labor de divulgación. Su presencia garantiza que las proyecciones dedicadas a temas como los insectos, los materiales, la economía o la creación sonora cuenten con miradas expertas y al mismo tiempo divulgativas.

En la vertiente más ligada a la salud y la bioética aparecerán nombres como el oncólogo Ander Urrutikoetxea, vinculado a la Unidad de Cáncer de Gipuzkoa-Osakidetza y presidente de GEICAM; la doctora en Bioquímica Itziar Alkorta; o la especialista en derechos humanos María Jesús Goikoetxea Iturregui. Sus intervenciones permitirán enmarcar mejor las cuestiones que plantean películas como Los destellos o La mosca, conectando la ficción con debates clínicos y éticos muy actuales.

El ámbito de la antropología y la ecología estará representado por investigadoras como Aitzpea Leizaola, directora del máster oficial en Antropología de la UPV/EHU, o por perfiles centrados en el estudio de los ecosistemas, como Ibone Ametzaga y Bosco Imbert, profesor en la Universidad Pública de Navarra. Su participación será especialmente relevante en los coloquios vinculados a La balada de Narayama y Nausicaä del Valle del Viento, donde tradición, territorio y medio ambiente se cruzan de forma constante.

En el plano cinematográfico, el ciclo contará con la presencia de la directora y guionista Pilar Palomero, responsable de Los destellos, que podrá dialogar de primera mano con el público sobre las decisiones narrativas y estéticas de la película. Esta mezcla de cineastas, científicas, filósofos y profesionales de distintos campos consolida el carácter multidisciplinar que desde el inicio ha definido a ‘Cine y Ciencia’.

La organización recalca que uno de los objetivos principales es fomentar un clima de conversación abierto, donde las preguntas del público juegan un papel central. Más que ofrecer lecciones magistrales, las presentaciones buscan compartir herramientas para interpretar lo que vemos en pantalla, tejiendo conexiones entre escenas concretas y conceptos científicos o humanísticos.

Actividades paralelas: conferencia y mesa redonda

Además de las proyecciones, la novena edición incluye un pequeño pero significativo programa de actividades paralelas. El 12 de febrero, a las 18:00 horas, la Sala Z de Tabakalera acogerá una conferencia del biólogo Ginés Morata, Premio Príncipe de Asturias de Investigación Científica y Técnica. La charla tendrá lugar en vísperas de la proyección de La mosca en Donostia y servirá para profundizar, junto al público, en las cuestiones biológicas y éticas que plantea la película.

Morata, figura clave en la investigación sobre desarrollo y genética, aportará claves para entender mejor conceptos como mutación, regeneración o control del crecimiento celular, siempre desde un enfoque accesible. La actividad está pensada para espectadores habituales del ciclo, pero también para cualquier persona interesada en conectar la ciencia básica con las ficciones que consumimos.

La segunda cita paralela llegará el 6 de marzo, también a las 18:00 horas y en la Sala Z de Tabakalera, con la mesa redonda titulada ‘El final de la vida: literatura, cine y ciencia’. En ella participarán la cineasta Pilar Palomero y el oncólogo Ander Urrutikoetxea, en un diálogo que girará en torno a la película Los destellos. La sesión estará moderada por Itziar Vergara, directora científica del IIS Biogipuzkoa.

Esta mesa se propone como un espacio para abordar con calma temas habitualmente difíciles de tratar en el día a día: el acompañamiento al final de la vida, el papel de la medicina, la representación del sufrimiento en la ficción y la forma en que el arte puede ayudar a poner palabras y imágenes a experiencias límites. La combinación de una cineasta y un médico en la misma conversación promete enfoques complementarios.

Tanto la conferencia de Ginés Morata como la mesa redonda en torno a Los destellos serán de acceso libre y gratuito hasta completar aforo, reforzando la voluntad de la organización de mantener una programación abierta al conjunto de la ciudadanía. La intención es que nadie se quede fuera por motivos económicos, especialmente en actos que buscan generar debate colectivo.

En lo relativo a las entradas para las proyecciones, los tickets podrán adquirirse tanto en las páginas web como en las taquillas de Tabakalera, Artium Museoa, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, los cines Le Sélect de San Juan de Luz y Golem-Baiona de Pamplona. Los precios oscilarán entre 3,50 y 6 euros, sin contar con los descuentos habituales, de modo que el ciclo mantiene una política de precios moderados para favorecer la asistencia.

Quienes quieran consultar horarios detallados, fichas completas de las películas o cambios de última hora tienen a su disposición la web oficial de la Filmoteca Vasca, donde se irá actualizando toda la información relacionada con ‘Cine y Ciencia’ a medida que avancen las sesiones.

Con este conjunto de películas, coloquios y actividades complementarias, la novena edición del ciclo se consolida como una cita en la que cine, ciencia y pensamiento crítico se dan la mano. Desde la primera proyección de El planeta de los simios hasta la clausura con Nausicaä del Valle del Viento, el público dispone de varios meses para asomarse, desde la butaca, a algunos de los interrogantes que marcan nuestro tiempo: qué significa ser humanos, cómo nos relacionamos con la tecnología y el medio ambiente, y de qué manera la ficción puede ayudarnos a mirar la realidad con otros ojos.


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Autores españoles que pasan a ser de dominio público

Isaac

Autores españoles en dominio público

Este cambio de año trae consigo una novedad importante para el patrimonio cultural: un amplio grupo de autores españoles pasa a ser de dominio público, lo que permite acceder a su obra sin las limitaciones habituales de derechos de autor. Se trata de creadores fallecidos en 1945, cuyas obras, cumplido el plazo legal, pueden ya reproducirse, editarse y difundirse libremente.

La Biblioteca Nacional de España (BNE) ha aprovechado esta circunstancia para poner en abierto un gran conjunto de materiales digitalizados, reforzando así su línea de trabajo orientada a abrir el acceso a la producción literaria, artística y científica cuando la normativa lo permite. Para el público lector, investigador o simplemente curioso, el cambio supone un auténtico filón de recursos gratuitos.

Más de 600 obras de 154 autores disponibles sin restricciones

Obras en dominio público en la BNE

Según detalla la institución, más de 600 obras correspondientes a 154 autores españoles fallecidos en 1945 han pasado a dominio público este 2026. Esto significa que cualquier persona puede consultarlas y descargarlas sin coste a través de la plataforma en línea BNE Digital, sin necesidad de permisos adicionales.

La BNE integra estos títulos dentro de su catálogo de acceso abierto, que se va ampliando cada año con nuevas incorporaciones. No se trata solo de libros, sino también de otros tipos de materiales que abarcan textos científicos, producción artística, ensayos, obras divulgativas y recursos especializados de muy distinto perfil.

Este esfuerzo forma parte de un proyecto estable de la Biblioteca Nacional, que trabaja de manera continuada para identificar qué obras han agotado ya los plazos de protección y pueden compartirse sin trabas legales. La actualización de 2026 se suma así a las de años anteriores, configurando un archivo público cada vez más abundante.

En términos legales, el criterio aplicado es claro: al cumplirse 80 años desde la muerte del autor, la obra pasa a estar libre de derechos patrimoniales, lo que habilita su edición, reproducción y comunicación pública sin necesidad de autorización ni pago de royalties.

Perfiles muy variados: de científicas a pintores y periodistas

Diversidad de autores españoles en dominio público

El listado de nombres que se incorporan al dominio público este año es especialmente rico y diverso. Entre las personas incluidas aparecen científicos, médicos, pintores, músicos, maestras, novelistas, actrices, bailarinas, historiadoras, editores, periodistas, poetas, docentes y religiosas, lo que evidencia la amplitud de campos representados.

Para contextualizar a parte de estos perfiles, la Biblioteca Nacional ha preparado semblanzas biográficas de diez autores y autoras, disponibles en el portal institucional Autores en la BNE. Estas fichas ayudan a situar su trayectoria, su obra principal y su papel en la vida cultural y científica de su época.

No hablamos únicamente de figuras muy conocidas, sino también de investigadores, docentes, escritoras y creadores menos populares cuya obra resulta esencial para comprender la historia intelectual y artística del primer tercio del siglo XX. Que sus trabajos se encuentren ahora en abierto facilita nuevas lecturas, relecturas y estudios.

La iniciativa pretende, por tanto, no solo liberar jurídicamente las obras, sino también dar visibilidad a trayectorias que en muchos casos habían quedado en un segundo plano. Esta reapertura del catálogo ofrece una oportunidad para revisar discursos dominantes y ampliar el foco hacia otras voces.

Algunos nombres destacados entre los nuevos autores en dominio público

Dentro de este conjunto de 154 autores, la BNE ha señalado una serie de figuras cuya presencia resulta especialmente representativa. En el terreno de las artes plásticas sobresalen José Gutiérrez Solana, Pedro Antonio Villahermosa y Borao (más conocido por su firma Sileno) e Ignacio Zuloaga, todos ellos parte esencial del panorama artístico español entre finales del XIX y la primera mitad del XX.

En el ámbito de la literatura y el pensamiento destacan nombres como María de la Concepción Alfaya López, maestra, historiadora y etnógrafa, o Leonor Canalejas y Fustegueras, que firmó muchas de sus obras bajo el seudónimo Isidora Sevillano. Ambas representan la aportación de las mujeres a la escritura y la vida intelectual de su época, con textos que abarcan historia económica, transformaciones sociales y acción pedagógica.

También adquiere relevancia un grupo de científicos y especialistas que contribuyeron a la consolidación de disciplinas clave. Entre ellos figuran Blas Cabrera, físico y divulgador de las teorías más avanzadas de su tiempo; José Castillejo, catedrático de Derecho romano e impulsor de la investigación a través de la Junta para Ampliación de Estudios; y Joaquín Gimeno Riera, médico psiquiatra que firmó uno de los primeros libros sobre psicoanálisis publicados en España.

Junto a estos nombres aparece el bibliógrafo Antonio Graíño, conocido por su labor como coleccionista y estudioso de la producción relacionada con la colonización española en América y Filipinas. La BNE conserva varias de sus obras, entre ellas títulos dedicados a la bibliografía lingüística filipina.

La relación de autores señalados incluye, además, figuras como Telésforo de Aranzadi y Odón de Buen, vinculadas al desarrollo de la ciencia naturalista y la biología marina; el compositor Joaquín Larregla, con un amplio repertorio que abarca desde obras religiosas a zarzuelas; el escritor y periodista Antonio G. de Linares, impulsor de publicaciones como Estampa o Crónica; o Antonio de Zayas, diplomático, historiador y uno de los nombres centrales del parnasianismo en España.

Distribución territorial y autores nacidos fuera de España

Uno de los elementos llamativos del listado es su amplia cobertura territorial. Aunque el foco está puesto en autores españoles, la BNE destaca que entre los 154 nombres hay personas nacidas en Argentina, Cuba, Inglaterra y Francia que desarrollaron una parte relevante de su trayectoria vinculada al ámbito hispánico. Pese a estas excepciones, la institución recalca que la gran mayoría de autores son de origen español.

El grupo representa a todas las comunidades autónomas, reflejando un mapa cultural muy repartido. En la relación aparecen, por ejemplo, 10 autores procedentes de Andalucía, 14 de Aragón, 11 de Asturias y 5 de las Islas Baleares, así como 2 de Canarias y 1 de Cantabria. Castilla y León suma 11 nombres y Castilla-La Mancha aporta 6.

En el caso de Cataluña se contabilizan 24 autores, mientras que la Comunidad de Madrid reúne 16. La Comunidad Valenciana suma 13 perfiles, Extremadura aporta 2, Galicia está presente con 9 autores y La Rioja con 1. Por su parte, Navarra cuenta con 3 representantes, el País Vasco con 6 y la Región de Murcia con 3.

Este reparto evidencia que el patrimonio que entra en dominio público no se concentra únicamente en los grandes centros editoriales tradicionales, sino que está ligado a prácticamente todas las regiones del país. Así, el usuario que se acerque a estas obras encontrará voces procedentes de contextos locales muy distintos, tanto urbanos como rurales.

La presencia de autores nacidos fuera de España pero integrados en este conjunto muestra también la dimensión internacional de la cultura en lengua española, con trayectorias que cruzan fronteras y que ahora pueden rastrearse con mayor facilidad gracias a la digitalización.

Mapa interactivo y herramientas de búsqueda en la BNE

Para facilitar la exploración de este nuevo corpus de obras en dominio público, la BNE ha desarrollado un mapa interactivo que permite visualizar de manera gráfica la distribución geográfica de los autores. Esta herramienta ofrece varias vías de consulta, pensadas tanto para usuarios especializados como para quienes solo quieren curiosear.

El mapa permite localizar a las personas incluidas en el listado por nombre de autor, por provincia de nacimiento o por ocupación principal. De esta forma, es posible, por ejemplo, filtrar únicamente a las escritoras de una determinada comunidad, o concentrarse en los científicos de un territorio concreto.

Además del mapa, la plataforma BNE Digital ofrece su propio sistema de búsqueda, desde el que se pueden acceder directamente a las obras digitalizadas. El usuario puede navegar por autor, título, materia u otros criterios habituales de catálogo, descargando los documentos en distintos formatos cuando es posible.

La combinación de catálogo y recursos visuales pretende hacer más intuitivo el acceso al patrimonio digitalizado, reduciendo las barreras de entrada para quienes no están acostumbrados a manejar bases de datos bibliográficas complejas. Ello resulta especialmente útil para docentes, estudiantes y lectores no especializados.

El trabajo de la BNE con las obras que pasan a dominio público

Desde la propia institución se subraya que este proceso no es puntual ni improvisado. La Biblioteca Nacional recalca que cada año lleva a cabo un trabajo de estudio y selección para determinar qué obras pueden abrirse al público de acuerdo con la legislación vigente. Este esfuerzo incluye tanto la revisión de datos biográficos como la planificación de la digitalización de materiales.

En los comunicados difundidos, la BNE insiste en que su objetivo es identificar, dar visibilidad y poner al alcance de la ciudadanía las obras de creación literaria, artística y científica que han dejado atrás el periodo de protección. La entrada en dominio público es, por tanto, una oportunidad para que estos contenidos pasen de los depósitos y estanterías a la pantalla de cualquier usuario.

El marco legal es determinante en este punto: una vez transcurridos 80 años desde el fallecimiento del autor, dejan de aplicarse los derechos patrimoniales de explotación. A partir de ese momento, las obras pueden ser reproducidas, editadas, traducidas o difundidas públicamente sin pago de derechos, siempre que se respeten las normas sobre integridad y reconocimiento de la autoría.

Este cambio de estatus jurídico no solo incumbe a bibliotecas y archivos, sino también a editoriales, proyectos educativos, plataformas culturales y creadores que quieran reutilizar estos contenidos en nuevas ediciones, antologías, investigaciones o propuestas artísticas. La disponibilidad en abierto reduce costes y amplía las posibilidades de circulación.

En la práctica, cada mes de enero se convierte en una especie de “frontera” simbólica: un nuevo grupo de autoras y autores se incorpora al espacio común, sin las mismas restricciones que regían el año anterior. La actualización correspondiente a 2026, centrada en quienes fallecieron en 1945, refuerza esa dinámica de renovación constante del dominio público.

Con este nuevo paquete de más de 600 obras accesibles libremente, el ecosistema cultural en España gana un recurso de primer orden: un repertorio amplio y multidisciplinar que abarca ciencia, ensayo, literatura, artes plásticas y música, disponible para cualquier persona con conexión a internet. La labor de la BNE, sumando digitalización, herramientas de búsqueda y materiales contextuales, facilita que estos autores que pasan ahora a dominio público sigan presentes en la conversación cultural y académica, y abre la puerta a que sus textos e investigaciones vuelvan a circular, se reediten, se estudien y se relean desde las preguntas del presente.


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Txemi Parra profundiza en el euskal noir con Un asunto de familia

Isaac

Txemi Parra autor de novela negra

Txemi Parra vuelve a poner la novela negra en el centro del escaparate con el lanzamiento de Un asunto de familia, un thriller criminal que mezcla secretos de clan, intriga policial y un paisaje vasco tan reconocible como inquietante. El escritor, guionista y autor teatral se aleja por un momento del Pirineo oscense para llevar la acción a un caserío cercano a Bilbao, donde un crimen sacude a una familia de empresarios de largo recorrido.

Con este nuevo título, el autor consolida su hueco dentro de lo que ya se conoce como euskal noir, una corriente de novela negra que aprovecha la geografía, el clima y la tensión del entorno rural de Euskadi como parte activa de la trama. Sin recurrir a una sucesión de asesinatos gore ni a psicópatas desbocados, Parra apuesta por un misterio sostenido, una atmósfera cargada y personajes que se mueven en esa franja incómoda entre la lealtad familiar y la culpa.

Un crimen en un caserío vizcaíno y una familia bajo sospecha

En Un asunto de familia, la acción se concentra en torno a un caserío de Elorrio, propiedad de los Elordi, una dinastía empresarial acomodada dedicada al sector del mueble. Tras la muerte del patriarca, los dos hijos que permanecen en la empresa asumen el mando, mientras que el tercero renuncia a sus acciones para llevar una existencia mucho más bohemia y alejada de los negocios familiares.

La novela arranca cuando la novia del hijo mediano despierta en un caserío cercano a Bilbao junto a un cadáver degollado que asegura que es el de su pareja. Sin embargo, cuando la Ertzaintza acude al lugar y realiza las primeras comprobaciones, descubre que el muerto no es ningún Elordi, sino un hombre desconocido para todos. Ese giro inicial abre una investigación que va deshilachando, poco a poco, las costuras de la familia.

A partir de ese momento, los secretos, rencillas antiguas y celos cruzados empiezan a salir a la superficie. Mientras la joven trata de reconstruir, con enormes lagunas, lo que ocurrió durante la noche del crimen, el supuesto asesino se mueve oculto entre la niebla que rodea el caserío. Nadie parece estar diciendo toda la verdad: cada declaración oculta matices y viejos reproches, y la desconfianza se convierte en la norma en una saga acostumbrada a guardar las apariencias.

La frase que preside la contraportada, “siempre puedes confiar en la familia, incluso para cometer un crimen”, resume el tono del libro: la familia se presenta a la vez como refugio y como potencial condena. El caserío no es solo el escenario del delito, sino también el símbolo de un linaje que ha levantado su fortuna sobre decisiones que ahora pasan factura.

Más allá del «quién lo hizo», Parra utiliza el caso criminal para hablar de amor, identidad, culpa, perdón y de esas herencias emocionales que se transmiten entre generaciones sin necesidad de figurar en ningún testamento. La intriga policial y el trabajo de la Ertzaintza sostienen el ritmo del thriller, pero el foco se desplaza a menudo hacia las dinámicas íntimas de los Elordi y de quienes orbitan a su alrededor.

Euskal noir: clima, paisaje y realismo por encima del espectáculo

El propio autor reconoce que en sus historias el espacio geográfico y los caracteres humanos tienen un papel tan importante como la propia trama criminal. En el caso de Un asunto de familia, el valle en el que se ubica el baserri le resulta especialmente cercano: es el lugar donde pasó su infancia, un territorio que conoce de primera mano y en el que ha convivido con familias adineradas y herederos de empresas de corte tradicional.

Ese conocimiento directo del entorno, según subraya, contribuye a que el relato resulte muy verosímil para el lector. No se trata solo de describir un decorado rural, sino de trasladar la temperatura del ambiente: el frío que cala, la montaña que impone y protege a la vez, la cercanía de los pueblos, las tensiones soterradas en comunidades pequeñas donde todos se conocen.

Dentro de este marco se entiende la etiqueta de euskal noir, una denominación que ha surgido casi de forma espontánea, al estilo de lo que ocurrió con la novela negra nórdica; véase, por ejemplo, obras que exploran secretos familiares y mitos vascos. Parra remarca que no existe, por ejemplo, un «Sevilla noir» o un «Madrid noir» con la misma fuerza, mientras que en Euskadi se ha formado una generación de autores que sitúan sus historias en este territorio, con el clima, los paisajes y el marco rural como elementos centrales.

Este grupo de escritores, de edades y trayectorias diversas, comparte la voluntad de escribir novela negra situada en Euskadi y en tiempo presente. Algunos vienen del mundo de las letras puras, otros —como Parra— de la televisión y el teatro, y también los hay procedentes de profesiones ajenas al sector cultural. Lo que les une es la necesidad de explorar el crimen y el conflicto moral desde una perspectiva muy pegada a la realidad vasca.

En este contexto, Parra se aleja del «serial killer» clásico y de la acumulación de cadáveres. Sus novelas, según él mismo explica, son más naturalistas y menos sangrientas, centradas en personas corrientes que, empujadas por las circunstancias, cruzan la línea y cometen un asesinato. No se busca glorificar al criminal ni provocar empatía absoluta, pero sí ofrecer claves para comprender a quien termina dando un paso que cambia su vida para siempre.

Del guion televisivo a la novela negra: un cambio de formato y de ritmo

Antes de consolidarse como novelista, Txemi Parra desarrolló una extensa carrera como guionista y actor. Estudió Derecho en la Universidad de Deusto, aunque nunca llegó a colegiarse, y pronto se movió hacia los escenarios y los platós. Durante más de quince años escribió para algunas de las series españolas más populares, como 7 Vidas, Aída, Los Serrano, El internado o Águila Roja, combinando esa labor con su faceta de monologuista y autor teatral.

Parra explica que la escritura ha sido siempre una constante en su vida, tanto en televisión como en teatro y cine. Sin embargo, la novela le permite algo que el guion no ofrece con la misma amplitud: un espacio más largo, más libre y también más solitario para contar historias. Mientras que en las series el trabajo suele estar muy escaletado, con una planificación minuciosa y equipos de varias cabezas pensando a la vez, en la literatura el proceso se vuelve más introspectivo.

En su forma de trabajar, Parra se fija especialmente en la idea de «enigma». Parte de un misterio central, de un final que persigue desde el principio y de un conjunto de personajes bien definidos. A partir de ahí, va construyendo la historia según avanza, dejando que las figuras se muevan por el tablero y que el suspense crezca de manera orgánica. El resultado es un tipo de thriller de intriga, donde también tienen cabida la psique de los personajes y, de forma puntual, la mente de los psicópatas.

Para el escritor, la gran recompensa de este esfuerzo llega cuando hay lectores esperando su siguiente libro. No es raro que, ya en plena lectura de sus novelas, muchos seguidores le escriban para compartir sus sospechas sobre quién es el asesino. Él mismo admite que rara vez aciertan, lo que refuerza esa búsqueda de sorprender sin romper la lógica interna del relato.

Trayectoria literaria: del humor negro al Pirineo oscense y regreso a Euskadi

Como autor de novela, Txemi Parra se estrenó en 2016 con Los muertos no comen yogures, una historia que mezclaba elementos de novela negra con un tono marcadamente humorístico. Con ella dejó claro que el crimen y la risa podían compartir página, siempre que se mantuviera cierto equilibrio entre la tensión y la ironía.

En 2023 dio un giro hacia un registro más oscuro con El eco de las sombras, el primer título de una serie de novela negra ambientada en el Pirineo oscense. En estas entregas, la trama gira en torno a la teniente de la Guardia Civil Gloria Maldonado y su compañero, el sargento Jaime Bermúdez, un tándem investigador que ancla la acción en paisajes de montaña alejados del tópico urbano asociado a la novela negra clásica.

Esta línea continuó en 2024 con Solo queda silencio, su primera novela en la editorial Grijalbo, donde consolidó ese escenario pirenaico y desarrolló aún más la psicología de sus personajes recurrentes. Ambas obras reforzaron su presencia en el género y le permitieron explorar temas como la violencia soterrada en comunidades aparentemente tranquilas o el peso de la memoria en lugares con un pasado complejo.

Con Un asunto de familia, Parra aparca de manera temporal esta saga del Pirineo oscense para regresar a un territorio vitalmente cercano: el País Vasco. El cambio de escenario no implica una ruptura con sus preocupaciones narrativas, sino una reubicación de esas mismas tensiones en un entorno que conoce muy bien. El caserío, la empresa familiar y las relaciones entre hermanos sustituyen, en esta ocasión, a los cuarteles y pueblos de montaña del Alto Aragón.

Hoy en día, el escritor reparte su tiempo entre Madrid, Bilbao y Milán, combinando sus proyectos teatrales y televisivos con la escritura de nuevas novelas. Ese ir y venir entre ciudades y geografías se refleja, en cierta medida, en la diversidad de escenarios que han ido poblando su obra, desde el humor negro más desenfadado hasta el thriller rural vasco.

La figura de Txemi Parra se consolida como una de las voces más reconocibles de la novela negra actual en lengua española, especialmente en lo que respecta a ese euskal noir que ha encontrado en el clima, el paisaje y la familia un terreno fértil para hablar de crimen, culpa y secretos que rara vez se quedan enterrados del todo.


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Kaguya-sama: Love is War tendrá una película final con final alternativo

Isaac

Kaguya-sama Love is War pelicula final

El fenómeno romántico Kaguya-sama: Love is War pondrá punto final a su anime con una película que funcionará como cierre definitivo de la adaptación televisiva. El proyecto, anunciado tras el especial de fin de año, llega con una particularidad importante: no adaptará los últimos arcos del manga, sino que apostará por una historia completamente nueva concebida como despedida del anime.

Esta decisión ha generado expectación y cierto desconcierto entre los seguidores, especialmente entre quienes conocen bien el material original. Muchos esperaban una cuarta temporada que completara los acontecimientos del manga, pero el equipo creativo, junto a su autor, ha optado por un largometraje independiente que se presenta como un final alternativo, «nuevo pero cargado de nostalgia».

Una película final con final alternativo escrito por Aka Akasaka

El anuncio oficial confirma que la película final de Kaguya-sama: Love is War contará con un guion original de Aka Akasaka, creador del manga. No se trata de una simple condensación del tramo final de la obra, sino de una nueva propuesta narrativa diseñada específicamente para el formato cinematográfico.

El propio Akasaka reveló que la idea de cerrar el anime con una película se tomó hace unos cuatro años, cuando la serie todavía se encontraba en pleno auge. Desde entonces, autor y staff han trabajado en paralelo a la serialización del manga para perfilar un final diferente, que no siga al pie de la letra lo publicado en papel pero que respete el espíritu de los personajes.

Según las declaraciones difundidas en el anuncio, la intención es ofrecer “el último Kaguya-sama” en clave animada, una obra que funcione tanto como carta de despedida para la audiencia del anime como complemento para quienes ya conocen el final del manga. Akasaka la describe como algo «nuevo, pero nostálgico», una historia que mira hacia atrás sin limitarse a reproducir escenas ya conocidas.

Esto implica que varios arcos y momentos importantes del manga nunca tendrán versión animada. La película no pretende cubrir esos huecos, sino proponer una ruta alternativa para Kaguya Shinomiya y Miyuki Shirogane en el tramo final de su historia, lo que convierte al largometraje en un ejercicio de “qué habría pasado si…” respaldado por el propio autor.

Pelicula final anime Kaguya-sama Love is War

Conexión directa con el especial Stairway to Adulthood

El proyecto cinematográfico se anunció justo después de la emisión del especial de televisión Kaguya-sama: Love is War – Stairway to Adulthood (Otona e no Kaidan), un episodio de unos 52 minutos que continúa los hechos vistos en la anterior película First Kiss wa Owaranai.

Ese especial, emitido en Japón a través de cadenas como TOKYO MX y BS11 y disponible en España y otros territorios en Crunchyroll, ya dio pistas de por dónde irían los tiros: saltos temporales y omisión de segmentos del manga para cuadrar el calendario de estrenos y situar a los protagonistas en un punto adecuado para el largometraje final.

La nueva película retomará la historia después de que Kaguya Shinomiya y Miyuki Shirogane comienzan formalmente su relación. Las informaciones adelantadas describen una primera escena íntima y calmada, con Kaguya hojeando un álbum de fotografías que recorre sus años en la Academia Shuchiin, un recurso pensado para combinar nostalgia y repaso emocional del camino recorrido.

De este modo, el especial Stairway to Adulthood funciona como puente narrativo hacia el largometraje, ajustando la cronología del anime para que el desenlace original encaje en una sola película. A cambio, el espectador se encuentra con lagunas respecto a la versión original en papel, lo que ha generado debate entre quienes priorizan la fidelidad al manga.

Final alternativo Kaguya-sama Love is War

Reparto, equipo creativo y música: regresa el núcleo de la serie

En el apartado técnico, la película mantiene la columna vertebral de la serie de televisión. El estudio A-1 Pictures volverá a encargarse de la animación, garantizando continuidad visual con las tres temporadas y los especiales anteriores.

La dirección correrá de nuevo a cargo de Mamoru Hatakeyama, responsable del peculiar tono entre comedia, drama y batalla psicológica que ha caracterizado al anime desde su estreno en 2019. Yuko Yahiro retomará el diseño de personajes, mientras que Kei Haneoka seguirá al frente de la composición musical, consolidando una identidad sonora ya muy reconocible para la comunidad fan.

También repiten las voces protagonistas: Aoi Koga como Kaguya y el resto del elenco habitual dan continuidad a un reparto que ha cimentado buena parte del éxito de la serie en Japón y fuera de él. En el terreno musical, el especial televisivo ya dejó caer algunas cartas que podrían enlazarse con la película.

El ending del especial, “Red and Blue”, interpretado por Aoi Koga, se concibió como una pieza que acompaña ese repaso al álbum de fotos que veremos en el largometraje, casi como si el espectador fuera pasando páginas junto a Kaguya. Paralelamente, Masayuki Suzuki, voz habitual de los openings de la franquicia, regresó con el tema principal “Abunai Kioku”, de nuevo con la colaboración de Koga, reforzando la sensación de “fiesta de despedida” para el anime.

De serie de culto a fenómeno multimedia: manga, anime y live action

Más allá de este final cinematográfico, Kaguya-sama: Love is War se ha convertido en una franquicia completa que abarca manga, anime, películas y adaptaciones de imagen real. La obra nació como manga de Aka Akasaka, primero en la revista Miracle Jump de Shueisha en 2015 y, poco después, en la Weekly Young Jump, donde permaneció hasta su conclusión en noviembre de 2022.

En total, la historia se recopiló en 28 tomos que narran la guerra psicológica y romántica entre Kaguya Shinomiya y Miyuki Shirogane, dos estudiantes brillantes y orgullosos del consejo escolar de la elitista Academia Shuchiin. En lugar de declararse, ambos optan por toda clase de estrategias y juegos mentales para obligar al otro a confesar primero, dando pie a una comedia romántica que mezcla sátira, drama adolescente y tensión emocional.

El manga ha sido reconocido con premios de prestigio, entre ellos el galardón a mejor obra general en los 65th Shogakukan Awards, y ha cimentado una base de lectores fieles tanto en Japón como a nivel internacional. La adaptación animada, estrenada en 2019, reforzó ese impacto con tres temporadas televisivas y el largometraje The First Kiss That Never Ends, estrenado primero en cines japoneses y posteriormente emitido en formato serie.

La popularidad de la marca también propició dos películas de imagen real, dirigidas por Hayato Kawai, con Kanna Hashimoto en el papel de Kaguya y Sho Hirano como Miyuki. Estas producciones trasladaron el “duelo amoroso” al terreno del live action, manteniendo el tono ligero, aunque con una puesta en escena más cercana al cine juvenil japonés tradicional.

Situación en España y Europa: dónde ver el anime y leer el manga

Para el público español y europeo, el acceso a Kaguya-sama: Love is War es relativamente sencillo, tanto en su versión manga como en su adaptación animada. En España, la editorial Ivrea ha publicado la obra al completo, con los 28 volúmenes disponibles en castellano, lo que permite leer la historia original desde el primer enfrentamiento estratégico hasta el desenlace canónico ideado por Akasaka.

En cuanto al anime, Crunchyroll ofrece en Europa las temporadas más recientes, incluyendo la tercera y la película The First Kiss That Never Ends emitida en formato de cuatro episodios. El reciente especial Stairway to Adulthood también ha ido llegando a la plataforma, como ocurrió con el regreso de Escaflowne al streaming español, de modo que los espectadores de la región pueden seguir casi al día los movimientos que conducen hacia la película final.

Esta disponibilidad ha contribuido a que Kaguya-sama se consolide como una de las comedias románticas de referencia para el público hispanohablante, compitiendo en popularidad con otros títulos de peso en el catálogo. La futura película, una vez se estrene en Japón, previsiblemente seguirá el camino habitual: pase por salas selectas o circuitos de festivales, y posterior llegada a plataformas, aunque por ahora no existe confirmación oficial para España o el resto de Europa.

Mientras tanto, quienes quieran conocer el final original de la historia cuentan con la edición de Ivrea como vía principal. El contraste entre el desenlace del manga y el cierre alternativo del anime será, precisamente, uno de los grandes puntos de interés cuando el largometraje vea la luz y empiecen las inevitables comparaciones entre ambos formatos.

Reacciones de los fans y debate sobre el modelo de película final

La confirmación de que el anime terminará con una película de historia original, distinta al manga, ha provocado reacciones divididas. Una parte del fandom recibe con buenos ojos la implicación directa de Aka Akasaka, al considerar que su participación garantiza coherencia con el carácter de los protagonistas y con los temas centrales de la obra.

Otra parte de los seguidores, especialmente quienes han leído los 28 tomos, muestra cierta frustración ante la ausencia de arcos muy queridos en el anime. La idea de que determinadas escenas clave nunca se verán animadas genera sensación de oportunidad perdida, y algunos lectores perciben la apuesta por el largometraje como una decisión más comercial que artística.

El caso de Kaguya-sama se enmarca, además, en una tendencia creciente en la industria del anime: culminar series exitosas en la gran pantalla. Títulos como Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba o el cierre anunciado de Haikyu!! mediante películas muestran un modelo que combina evento cinematográfico, mayor recaudación y fuerte impacto mediático, pero que no siempre convence a quienes prefieren el ritmo pausado de una temporada televisiva.

En foros y redes se repite una idea: el público que solo ve el anime vivirá un final diferente y potencialmente incompleto en términos de desarrollo argumental, aunque pueda resultar satisfactorio en lo emocional. Esa doble vía —final canónico en el manga y final alternativo en la película— convierte a Kaguya-sama en un ejemplo claro de cómo una misma franquicia puede ofrecer cierres distintos dependiendo del medio.

Con la fecha de estreno todavía por anunciar, el interés se mantiene alto tanto en Japón como en Europa. Fans del anime, lectores del manga y curiosos que se acercan a la serie por primera vez están pendientes de nuevos avances, mientras el equipo de producción trabaja en dar forma a una despedida que, al menos sobre el papel, aspira a ser tan ingeniosa y emotiva como las batallas psicológicas que hicieron famosa a esta comedia romántica.

Con el manga ya concluido, la emisión de un especial puente y la confirmación de una película original como cierre, Kaguya-sama: Love is War entra en su recta final consolidada como una de las historias románticas más influyentes del anime reciente. A la espera de conocer cuándo llegará este último capítulo a los cines y, después, a plataformas en España y Europa, la franquicia queda dividida entre un final escrito en papel y otro pensado para la gran pantalla, dos miradas distintas sobre la misma guerra del amor que han mantenido en vilo durante años a Kaguya y Miyuki.


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Miguel de Cervantes, entre nuevas lecturas, homenajes escénicos y museos vivos

Isaac

Retrato Miguel de Cervantes

Miguel de Cervantes vuelve a situarse en el centro del debate cultural gracias a una combinación de novedades editoriales, propuestas escénicas y programas museísticos que, desde distintos ángulos, revisan la figura del autor del Quijote. En España, y muy especialmente en Madrid, Valladolid y Alcalá de Henares, se suceden iniciativas que lo rescatan del mito plano para proponer un retrato más complejo, humano y cercano al lector y al espectador de hoy.

Este renovado interés se plasma en libros que mezclan archivo e imaginación, montajes teatrales que revisitan sus textos y proyectos de divulgación que convierten sus casas museo en espacios vivos. Todo ello contribuye a que Cervantes deje de ser únicamente el busto solemne de los manuales escolares y se convierta, otra vez, en un escritor del que todavía quedan muchas cosas por contar.

Por José Belló Aliaga

Una presentación en Madrid que reimagina las vidas de Cervantes

Imagen literaria de Miguel de Cervantes

En el Espacio del Grupo Editorial Sial Pigmalión, situado en la madrileña calle Huesca, se presentó recientemente el libro Las Vidas (im)posibles de Miguel de Cervantes, de Basilio Rodríguez Cañada. La obra propone un juego consciente con la biografía cervantina, explorando la frontera entre lo que sabemos, lo que intuimos y lo que la ficción puede completar allí donde el archivo calla.

El acto estuvo conducido por el dramaturgo, actor y director Daniel Miguelañez, responsable también del prólogo del volumen, quien destacó el carácter híbrido del libro, a medio camino entre la reflexión ensayística y la fabulación literaria. Junto al autor participaron el catedrático de la UNED Francisco Gutiérrez Carbajo, encargado del estudio introductorio, y la profesora universitaria y poeta Adelaida Porras-Medrano, conformando un panel que unía universidad, creación literaria y escena.

La presentación se completó con una lectura dramatizada a cargo de los actores Antonio Hernández Fimia, Alma Vidal, Ángel Solo y el propio Miguelañez, que pusieron voz a los pasajes del libro y reforzaron su dimensión teatral. Este dispositivo escénico subrayó la idea de que, alrededor de Cervantes, la realidad histórica y la invención artística se espejean continuamente.

El encuentro, concebido casi como una pequeña función, evidenció cómo la figura del autor del Quijote sigue siendo un territorio fértil para la experimentación formal, donde pueden convivir la crítica académica, el ensayo biográfico y la recreación ficcional sin que ninguna de esas vías anule a las demás.

Basilio Rodríguez Cañada: del oficio de editor a la exploración cervantina

Cervantes y la literatura española

El autor de Las Vidas (im)posibles de Miguel de Cervantes, Basilio Rodríguez Cañada, llega a este proyecto con una sólida trayectoria en el mundo del libro. Nacido en Navalvillar de Pela (Badajoz), es editor, poeta, profesor, articulista y gestor cultural, además de presidente del Grupo Editorial Sial Pigmalión, sello fundado en 1997 que ha publicado casi 2.200 títulos en España e Hispanoamérica.

A su labor editorial se suma una intensa dedicación a la docencia y a la difusión cultural: imparte cursos de comunicación, edición, técnicas de dirección y creación literaria, participa con frecuencia como conferenciante en instituciones nacionales e internacionales y forma parte de jurados de premios literarios de relieve. Esta combinación de práctica editorial y reflexión crítica le permite abordar la figura de Cervantes desde un conocimiento directo del ecosistema del libro.

Rodríguez Cañada ha publicado diecisiete poemarios y diversas antologías de su obra, reconocida con galardones internacionales y traducida a numerosas lenguas europeas y extraeuropeas. Su pertenencia a instituciones como la Real Academia de Extremadura de las Letras y las Artes, la Academia Norteamericana de Literatura Moderna Internacional o academias de la lengua en Colombia, Bolivia y México, refuerza una trayectoria marcada por el diálogo entre España, América y otros contextos culturales.

En este nuevo libro, toda esa experiencia se vuelca en una lectura creativa de la biografía cervantina, que no pretende competir con los estudios históricos, sino abrir un espacio complementario: el de las vidas posibles, soñadas o imaginadas de un escritor del que, paradójicamente, seguimos sabiendo menos de lo que cabría esperar para alguien de su talla literaria.

Las (im)posibles vidas de Cervantes: entre archivo y ficción

Obra y legado de Miguel de Cervantes

El punto de partida del libro de Rodríguez Cañada es una pregunta sencilla solo en apariencia: ¿cuántas vidas caben en el nombre Miguel de Cervantes? A partir de ahí, el autor propone un recorrido que superpone las vidas efectivamente documentadas, las que el propio Cervantes pudo soñar o fabular y las que los lectores y estudiosos han ido proyectando con el paso de los siglos.

Esta aproximación asume que, más allá de la dimensión estrictamente biográfica, Cervantes se ha convertido en un personaje literario en sí mismo, sometido a reescrituras constantes. La escasez de datos directos, de cartas personales o de testimonios de primera mano ha alimentado una cadena de conjeturas, biografías noveladas y reconstrucciones imaginarias que, en muchos casos, han contado tanto como los documentos.

Frente a la tentación de cerrar el relato, el libro se decanta por un juego de espejos: al repertorio de vidas posibles del propio Cervantes —las vividas, las olvidadas, las ficcionadas— se suman las que los lectores actuales pueden seguir imaginando. La figura del escritor se multiplica, se fragmenta y se reconstruye en cada nueva lectura, cuestionando la idea de una biografía única y definitiva.

En el prólogo, Daniel Miguelañez y, en un texto complementario, el cervantista José Manuel Lucía Megías, subrayan que el volumen invita a los lectores a participar activamente en esa exploración. No se trata de sustituir una versión «verdadera» por otra, sino de reconocer la convivencia entre rigor, intuición y fantasía en la forma en que nos acercamos a un clásico que, cuatro siglos después, sigue generando preguntas nuevas.

El Cervantes de los documentos: la mirada de Alfredo Alvar Ezquerra

En el otro extremo del espectro —pero dialogando de manera indirecta con esas vidas posibles— se sitúa el trabajo del historiador Alfredo Alvar Ezquerra, investigador del CSIC, que ha dedicado un minucioso estudio a la figura histórica de Cervantes a partir de los documentos conservados. Tras una primera biografía, Cervantes: genio y libertad, ha publicado el ensayo Cervantes: La verdad del hombre a través de sus documentos (La Esfera), donde reivindica el archivo como herramienta principal para «desnudar» al escritor de capas de leyenda.

Alvar Ezquerra trabaja con unos 330 documentos, que suman alrededor de 900 páginas y están disponibles en formato digital, y cuya lectura le permite desmontar varias de las imágenes más extendidas. Entre otras cosas, sostiene que no hubo un único Miguel de Cervantes en los papeles de la época, sino decenas de homónimos, lo que ha contribuido a confusiones posteriores, y que el escritor no fue hidalgo ni judeoconverso, sino un cristiano viejo cuyo padre intentó, sin éxito, acreditar una condición nobiliaria.

El historiador también cuestiona episodios que la tradición había dado por buenos, como la famosa pelea con el alarife Antonio de Segura antes del viaje a Italia, y sitúa en Argel el gran punto de inflexión vital del futuro autor del Quijote. Allí, como soldado cautivo tras Lepanto, se juega su vida en varios intentos de fuga, no reniega de su fe y cuenta con el apoyo de su madre, Leonor de Cortinas, que se ve obligada a presentar una falsa viudedad para suscitar ayudas y limosnas destinadas al rescate.

Del patrimonio del escritor, el propio Alvar reconoce que los datos son fragmentarios, en parte porque no se conserva su testamento, aunque se sabe que otorgó uno. Lo que sí parece claro es que Cervantes no fue tan pobre como se ha repetido a menudo, sino que logró moverse con cierta habilidad en los márgenes de la administración —como recaudador, agente fiscal y gestor de arbitrios—, aunque esa relativa estabilidad nunca se correspondió con el éxito literario en vida.

Con un tono a menudo irónico y escéptico, el autor se distancia de las biografías más novelesco‑románticas, muchas de ellas escritas desde el siglo XVIII en adelante, y propone un retrato más pedestre: un hombre de su tiempo, nacido en Alcalá de Henares en 1547, con ambición, contradicciones y frustraciones, que regresa a una España que no recompensa sus esfuerzos militares y que solo tarde —muy tarde— reconoce la importancia de su obra.

El escritor y su estilo: entre la vida real y la leyenda literaria

Las conclusiones de Alvar Ezquerra chocan, en ocasiones, con la imagen casi heroica que muchos lectores proyectan sobre Cervantes, pero encajan con la idea, defendida por críticos como Andrés Trapiello, de que el retrato del escritor es en buena medida una suma de ilusiones sucesivas. De hecho, incluso el supuesto retrato de Jáuregui sería, según esta línea de pensamiento, una ensoñación más que una estampa fidedigna.

En esa tensión entre realidad y mito, documentos y leyendas, se vuelve especialmente pertinente recordar que el propio Cervantes se expresaba casi siempre a través de su estilo, como señala la célebre frase del conde de Buffon —«el estilo es el hombre mismo»—, citada a propósito del autor del Quijote. La falta de confesiones personales o memorias explícitas contrasta con la enorme cantidad de pistas que dejan sus novelas, entremeses y prólogos sobre sus obsesiones, su humor y su manera de mirar el mundo.

Mientras el archivo nos devuelve la imagen de un individuo de medianías sociales, con problemas económicos intermitentes y oficios poco lucidos, la literatura revela a alguien capaz de construir un universo narrativo que ha configurado nuestra forma de entender la novela. La investigación documental y la imaginación literaria no se excluyen, sino que ofrecen dos formas complementarias de acercarse a una figura que sigue resistiéndose a los encasillamientos simples.

En ese equilibrio se mueven tanto el ensayo de Alvar Ezquerra como la propuesta ficcionalizada de Rodríguez Cañada: dos caminos distintos —uno pegado al legajo, otro entregado al juego de las posibilidades— que, sin embargo, comparten la voluntad de mirar a Cervantes como algo más que un icono intocable.

Cervantes en escena: la nueva puesta en escena de Numancia

La revitalización cervantina no se limita al terreno del libro. En Madrid, la obra Numancia, atribuida a Miguel de Cervantes, vuelve a los escenarios bajo la dirección de José Luis Alonso de Santos. El montaje, programado en los Teatros del Canal (Sala Verde), apuesta por resaltar la vigencia contemporánea de un texto que narra la resistencia de la ciudad celtíbera frente al asedio romano.

Con un elenco de una veintena de intérpretes encabezado por Arturo Querejeta y Pepa Pedroche, la propuesta enfatiza el carácter colectivo de la lucha y convierte la tragedia clásica en un grito contra la resignación, la humillación y las tiranías que imponen vidas sin dignidad. La historia de Numancia, tal y como la recrea Cervantes, se presenta así como un espejo incómodo de conflictos actuales en los que la defensa de la libertad y la cohesión social siguen estando en juego.

La representación subraya, además, el peso simbólico de un autor al que solemos asociar exclusivamente con el Quijote, pero que dejó también un repertorio teatral menos conocido y sin embargo cargado de intuiciones políticas y morales. Recuperar Numancia en un gran escenario madrileño significa devolver a la conversación cultural una faceta a menudo olvidada del escritor.

La implicación de medios y entidades culturales en la difusión del montaje —incluyendo sorteos de entradas entre suscriptores y programas especiales— demuestra que la figura de Cervantes funciona como punto de encuentro entre instituciones, público y creadores, capaz de atraer tanto a los habituales del teatro clásico como a espectadores que se acercan por primera vez a su obra dramática.

Valladolid: la Casa Museo como ventana a la vida cotidiana cervantina

Más allá de Madrid, la huella de Cervantes se hace especialmente visible en Valladolid, ciudad donde el escritor residió a comienzos del siglo XVII, coincidiendo con el traslado temporal de la corte de Felipe III. Entre 1604 y 1606 vivió en una casa hoy convertida en Casa Museo de Cervantes, espacio desde el que se explica tanto la biografía del autor como el contexto urbano y social del Siglo de Oro.

La vivienda, reconstruida y adaptada para la visita pública, recrea los ambientes de una familia acomodada de la época, con estancias como la cocina, el estrado, las alcobas o los espacios de trabajo. A través de ellas, los visitantes pueden hacerse una idea de la vida cotidiana del escritor en un momento clave de su carrera, cuando veía la luz la primera parte del Quijote y comenzaba a elaborar sus Novelas ejemplares.

Bajo la dirección de Pedro González, la Casa Museo no se limita a mostrar objetos, sino que plantea recorridos guiados que contextualizan la etapa vallisoletana de Cervantes dentro de la trama política y cultural de la Monarquía Hispánica. El museo se integra así en una red más amplia de espacios cervantinos en Castilla y León, que incluye yacimientos, rutas literarias y actividades educativas.

Estas iniciativas se combinan con una creciente conciencia sobre la necesidad de proteger el patrimonio histórico en la región. Operativos recientes de la Policía Nacional contra el expolio arqueológico en las provincias de León y Valladolid, que han permitido recuperar piezas de gran valor histórico, muestran hasta qué punto la conservación del pasado material es un asunto sensible, estrechamente ligado a la difusión rigurosa de figuras como Cervantes.

Ubicado en el lugar donde se ha identificado la antigua casa familiar del escritor, en pleno casco histórico complutense, el Museo Casa Natal de Cervantes ofrece así una puerta de entrada privilegiada al universo del autor, combinando reconstrucción histórica, divulgación y actividades participativas.

Alcalá de Henares y la Navidad cervantina: un museo que se abre al público

En el eje cervantino español no puede faltar Alcalá de Henares, ciudad natal del escritor y sede del Museo Casa Natal de Cervantes. La Comunidad de Madrid ha impulsado en este espacio un programa de visitas temáticas bajo el título Navidad en casa Cervantes, que invita a recrear las fiestas navideñas de los siglos XVI y XVII tal y como podrían haberse vivido en una casa de familia acomodada.

Las visitas, programadas entre el 11 de diciembre y el 8 de enero, recorren las distintas estancias del museo —botica, cocina, estrado de las damas, alcoba masculina— mientras se explican costumbres sociales, familiares y gastronómicas de aquellos días festivos. El objetivo es ofrecer una experiencia inmersiva que vaya más allá de la contemplación de objetos, situando al visitante en el centro del relato.

El programa se completa con animaciones teatrales dominicales, en las que un solo actor encarna diferentes personajes procedentes del Quijote y de las Novelas ejemplares. A través de pequeñas escenas y monólogos, se da a conocer la literatura cervantina de un modo accesible y lúdico, apto para públicos de todas las edades.

Paralelamente, el museo mantiene su programación habitual de conferencias, audiorutas teatralizadas y exposiciones temporales, como la muestra Ecos del arte del virreinato del Perú, realizada en colaboración con el Museo Pedro de Osma de Lima. Tanto la entrada como las actividades son gratuitas, lo que facilita que el espacio se consolide como un referente cultural para vecinos y visitantes, y refuerza la dimensión internacional de la obra cervantina.

Ubicado en el lugar donde se ha identificado la antigua casa familiar del escritor, en pleno casco histórico complutense, el Museo Casa Natal de Cervantes ofrece así una puerta de entrada privilegiada al universo del autor, combinando reconstrucción histórica, divulgación y actividades participativas.

Todo este conjunto de iniciativas —libros que revisan sus vidas posibles y documentadas, montajes teatrales que recuperan su obra dramática y casas museo que se abren a nuevas formas de visita— confirma que Miguel de Cervantes continúa siendo una figura en movimiento dentro del paisaje cultural español y europeo. Lejos de quedar fijado en un retrato único, el autor del Quijote se multiplica en lecturas cruzadas que oscilan entre el archivo y la imaginación, el escenario y la sala de exposiciones, invitando a lectores y espectadores a seguir interrogándolo desde el presente.


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Lola Maestre irrumpe en la narrativa con Historias de mi historia

Isaac

Lola Maestre debuta en la literatura

La periodista onubense Lola Maestre se estrena en solitario en el ámbito literario con el lanzamiento de Historias de mi historia, un libro de relatos que supone un giro significativo en una trayectoria marcada hasta ahora por la comunicación. La publicación llega de la mano de la editorial Cuadranta y se incorpora al panorama narrativo onubense con una propuesta intimista, centrada en el mundo emocional de sus personajes.

En esta primera incursión como autora única, Maestre apuesta por una narrativa breve, directa y muy cercana, que busca conectar con quienes leen a través de experiencias reconocibles y sentimientos compartidos. La obra se presenta como el resultado de una vocación literaria gestada durante más de dos décadas, que ahora cristaliza en forma de ocho historias breves entrelazadas.

Un debut literario marcado por las emociones

Historias de mi historia se compone de ocho relatos cortos, independientes pero conectados entre sí, que giran en torno al complejo universo de las emociones humanas. A través de escenas cotidianas, la autora se asoma a esa vida interior que muchas veces permanece oculta, pero que condiciona la forma en la que las personas se relacionan consigo mismas y con los demás.

En cada uno de los textos, se abordan sentimientos tan reconocibles como el amor, el miedo, la culpa, la desilusión o la alegría, siempre desde una mirada humana y sin artificios. Los personajes se mueven en entornos cercanos, fácilmente identificables para cualquier lector, lo que refuerza la sensación de que esas vivencias podrían pertenecer a cualquiera.

La autora recurre a una prosa ágil, sencilla y cargada de delicadeza, que favorece una lectura fluida pero, al mismo tiempo, invita a detenerse en los matices. No se trata de relatos grandilocuentes ni de grandes gestas; el foco está puesto en esos momentos pequeños del día a día donde se concentran decisiones, dudas, pérdidas y alegrías que dejan huella.

Maestre ha explicado en distintas intervenciones que este proyecto es para ella “un sueño cumplido” y una forma de llegar de otra manera al corazón del lector. Su intención, asegura, no es otra que provocar identificación o conmoción en quien se asome a sus páginas: si alguna persona se reconoce en uno de los personajes o se ve reflejada en una de las situaciones, considera cumplido su objetivo.

Esta primera obra en solitario llega después de que la periodista haya participado en otros títulos colectivos y proyectos vinculados a la escritura, por lo que no parte de cero en el oficio, aunque sí firma por primera vez un volumen completo bajo su único nombre.

La mirada de Vicente Rodríguez en el prólogo

El libro cuenta con el prólogo del escritor Vicente Rodríguez, que acompaña y contextualiza el debut narrativo de Maestre. En su texto introductorio, el autor subraya que una de las claves del volumen es la aparente sencillez con la que están contadas las historias.

Rodríguez advierte de que esa facilidad de lectura esconde un trabajo minucioso y artesano, fruto de alguien que conoce bien el oficio de escribir y que ha sabido construir cada relato desde la honestidad y el cuidado del detalle. Según el prologuista, la naturalidad de la prosa no debe engañar: detrás hay estructura, intención y una reflexión clara sobre los grandes asuntos que atraviesan la existencia.

En el prólogo también se destaca cómo los relatos consiguen tocar “los grandes temas que inquietan y consuelan al alma humana” sin necesidad de recurrir a discursos solemnes ni a tramas excesivamente complejas. El valor de la obra reside, apunta, en su capacidad para hacer que lo cotidiano resulte significativo y para dar voz a emociones que muchas veces se viven en silencio.

Esta lectura previa sirve como puerta de entrada al universo literario que propone Lola Maestre, orientando al lector sobre el tono y las intenciones del libro, pero sin condicionar en exceso la interpretación de las historias. El prólogo funciona, así, como una invitación a dejarse llevar por los relatos y a transitar sus páginas con la mente abierta.

Presentación en Corteconcepción: el pueblo como escenario y personaje

La obra se presentará oficialmente el 3 de enero, a las 17:30 horas, en el Centro Social de Corteconcepción, un municipio de la provincia de Huelva muy ligado a la biografía y a la sensibilidad de la autora. El acto estará conducido por el historiador Juan Rodríguez y contará también con la presencia de Vicente Rodríguez, prologuista del libro.

La elección de este enclave no responde únicamente a una cuestión logística. Para Maestre, el pueblo —como espacio de pertenencia, hogar y refugio— tiene un peso simbólico muy fuerte en la obra. De hecho, ha explicado que la idea de pueblo funciona casi como un personaje más en algunos relatos, configurando un paisaje emocional y físico que influye en el modo de sentir y de relacionarse de los protagonistas.

Presentar el libro en Corteconcepción supone, por tanto, un gesto de coherencia entre el contenido de la obra y su puesta de largo. El Centro Social se convierte en un punto de encuentro entre lecturas íntimas y vida comunitaria, en línea con ese hilo que recorre los relatos: la tensión constante entre lo que cada persona vive por dentro y el entorno que la rodea.

Durante el evento, está previsto que se hable del proceso de creación del libro, de la evolución profesional de la autora y del modo en que su experiencia periodística ha influido en su manera de narrar. También se abrirá un espacio para que el público pueda formular preguntas y compartir impresiones sobre la lectura.

La presencia del historiador Juan Rodríguez añade, además, una mirada contextual e interpretativa sobre la importancia del territorio y de la memoria colectiva en los relatos de Maestre, reforzando ese vínculo entre la literatura y los lugares que la inspiran.

De Valverde del Camino a la narrativa breve

Lola Maestre nació en Valverde del Camino (Huelva) en 1977 y se formó como periodista en la Universidad de Sevilla. Desde entonces, ha acumulado más de 25 años de trayectoria profesional en diferentes ámbitos de la comunicación, tanto en medios como en instituciones.

A lo largo de estas décadas, ha trabajado en prensa escrita, radio, televisión, revistas especializadas y gabinetes de comunicación, lo que le ha permitido conocer el oficio desde múltiples ángulos y desarrollar una especial sensibilidad hacia las historias humanas que se esconden tras la actualidad.

Su vinculación con Valverde del Camino y con Corteconcepción, pueblo de su familia materna, se mantiene muy viva y permea de algún modo los escenarios y atmósferas de la obra. Sin nombrarlos siempre de forma explícita, esos territorios y su forma de entender la vida laten de fondo en muchos de los pasajes.

Con Historias de mi historia, Maestre canaliza esa experiencia acumulada en el periodismo hacia un formato más introspectivo, donde el ritmo ya no lo marcan la actualidad ni la inmediatez, sino la profundidad con la que se exploran las emociones y los vínculos. La observación, herramienta fundamental para cualquier periodista, se convierte aquí en un recurso al servicio de la ficción.

Tras su participación previa en obras colectivas, esta publicación marca su entrada oficial en el panorama de la narrativa breve en España, consolidando una voz que se mueve cómoda en el registro cercano, coloquial por momentos, pero sin renunciar al cuidado del lenguaje y a la reflexión sobre aquello que nos conforma como personas.

Con este debut, Historias de mi historia sitúa a Lola Maestre como una nueva voz de la narrativa emocional, capaz de trasladar su oficio periodístico al terreno de la ficción sin perder naturalidad ni cercanía. El libro se presenta como una invitación a mirar hacia dentro a partir de escenas aparentemente sencillas, en las que el amor, el miedo, la culpa, la alegría y la desilusión se cruzan con paisajes reconocibles de la provincia de Huelva y con la huella del pueblo como lugar de referencia vital.


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Santiago Elso Torralba recibe el IX Premio Internacional de Poesía Jorge Manrique

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Premio Internacional de Poesía Jorge Manrique

El poeta y psicólogo navarro Santiago Elso Torralba ha sido distinguido con el IX Premio Internacional de Poesía Jorge Manrique gracias a su poemario La taberna de Shiduri, en una cita literaria que refuerza el peso de Palencia y de Paredes de Nava en el mapa poético en lengua castellana. La obra, elegida entre originales remitidos desde distintos países, se ha impuesto por su hondura temática y su particular diálogo con la tradición manriqueña.

El reconocimiento se entregó en el salón de actos del Palacio Provincial de Palencia, en un acto institucional que reunió a responsables políticos, figuras del mundo de la cultura y miembros del jurado. Con este fallo, el autor pamplonés ve cómo su cuarto libro de poemas se incorpora al catálogo de una de las colecciones de referencia de la lírica actual, mientras el premio consolida su vocación de escaparate internacional de la poesía contemporánea.

Un acto solemne en el Palacio Provincial de Palencia

La ceremonia de entrega del galardón, organizada de forma conjunta por la Diputación de Palencia y el Ayuntamiento de Paredes de Nava, convirtió el Palacio Provincial en epicentro literario. La presidenta de la Diputación, Ángeles Armisén, y el alcalde de Paredes de Nava, Luis Calderón, fueron los encargados de hacer entrega del premio al escritor navarro ante un auditorio en el que se dieron cita representantes institucionales y agentes culturales de la provincia.

Durante el acto, Armisén subrayó “la gran calidad” del poemario y su capacidad para urdir una historia en la que un personaje se lanza a la búsqueda de la inmortalidad, un motivo que entronca con la gran tradición de la poesía meditativa sobre el tiempo y la muerte. La presidenta incidió en que se trata de una obra que invita a pensar en el carpe diem, en la fugacidad de la existencia y en la aceptación del final de la vida.

Por su parte, el jurado —entre cuyos integrantes figuraba el escritor y académico Luis Alberto de Cuenca— puso el acento en la dimensión mítica de La taberna de Shiduri, inspirada en una epopeya mesopotámica. Según destacó De Cuenca, el libro narra la peripecia de un personaje que persigue la planta de la inmortalidad en los límites del mundo, en una especie de viaje poético que dialoga con la percepción de la vida y la muerte tan presente en las célebres coplas de Jorge Manrique.

En sus palabras de agradecimiento, Elso Torralba se mostró visiblemente conmovido por la acogida recibida en la tierra natal del poeta prerrenacentista. Reconoció sentirse “abrumado por la calidez del recibimiento” y evocó la jornada vivida en Paredes de Nava, donde tuvo ocasión de encontrarse con los lectores y de leer sus versos en un acto que, según relató, congregó a un público inusualmente numeroso para una cita poética.

El poeta recordó también el momento en que recibió la llamada telefónica en la que se le comunicó el fallo del jurado. Tal y como contó, estaba trabajando cuando la presidenta de la Diputación le informó de la noticia, y tardó unos instantes en asumir que su manuscrito era el ganador de uno de los premios de poesía más destacados del panorama en español.

Dotación del premio y papel de la editorial Menoscuarto

El IX Premio Internacional de Poesía Jorge Manrique está dotado con 6.000 euros, un diploma acreditativo y la publicación del libro en la colección Cálamo Poesía de la editorial palentina Menoscuarto. Esta combinación de apoyo económico y difusión editorial ha convertido el certamen en una plataforma relevante para la promoción de nuevas voces y trayectorias ya consolidadas de la lírica contemporánea.

La Diputación de Palencia y el Ayuntamiento de Paredes de Nava mantienen desde la primera edición una colaboración estable con el editor José Ángel Zapatero, responsable de la publicación de las obras ganadoras. A través de esta alianza, la colección Cálamo Poesía ha ido incorporando los libros reconocidos cada año, configurando un catálogo que refleja la diversidad de estilos, generaciones y procedencias geográficas de los autores premiados.

En esta novena convocatoria, el jurado examinó un total de 176 originales procedentes de distintos países, remitidos desde lugares muy diversos, lo que confirma la proyección internacional del galardón. Desde los inicios del certamen se han recibido, según destacó Armisén, más de un millar de manuscritos, lo que indica el interés continuado que despierta entre los poetas de habla hispana.

La propia presidenta puso de relieve la doble finalidad del premio: por un lado, estimular la creación poética actual en lengua castellana y, por otro, mantener viva la memoria de Jorge Manrique en su entorno de origen. El reconocimiento a autores contemporáneos se concibe así como una forma de diálogo continuo entre la tradición y las nuevas escrituras, con el poeta palentino como figura tutelar.

En la sesión en la que se dio a conocer el fallo, celebrada en el salón de actos del Ayuntamiento de Paredes de Nava, participaron también la diputada de Cultura, Carolina Valbuena, el coordinador del Área de Cultura, José Luis Campo, y representantes de la administración local y provincial. La reunión contó además con la presencia de la jefa del servicio de Cultura de la Diputación, Teresa Pescador, y de la secretaria de la institución provincial, Virginia Losa Muñiz, lo que evidencia el respaldo institucional al certamen.

Un jurado con nombres de referencia en la poesía en español

El jurado de esta edición reunió a figuras ampliamente reconocidas en el ámbito literario, lo que refuerza el prestigio del premio. Entre sus miembros figuraban el propio Luis Alberto de Cuenca, Carlos Fernández Aganzo y César Augusto Ayuso Picado, además de poetas que en años anteriores fueron distinguidos con el mismo galardón, como José Ángel Losada Gahete o Sergio García Zamora.

A ellos se sumó la diputada de Cultura, Carolina Valbuena, que participó activamente en la deliberación, y representantes del Ayuntamiento de Paredes de Nava y de la Diputación, como el teniente de alcalde Yolanda Díez. El representante de Ediciones Cálamo, José Ángel Zapatero, también estuvo presente en el proceso, aportando la perspectiva editorial de quienes, posteriormente, se encargarán de llevar el libro a librerías y lectores.

Los integrantes del jurado destacaron tanto la coherencia interna del poemario como su apuesta por una poesía que combina relato, mito y reflexión filosófica. La figura de Shiduri, vinculada a la tradición de las epopeyas mesopotámicas, funciona como hilo conductor para una exploración del deseo de trascendencia humana, el límite de la vida y la conciencia del tiempo que se agota.

El premio, según subrayaron los responsables culturales presentes en la entrega, se ha consolidado como uno de los referentes de la lírica en español, capaz de atraer cada año a cientos de manuscritos y de situar a Palencia y a Paredes de Nava en circuitos literarios más amplios. La participación de autores procedentes de numerosos países contribuye a proyectar la memoria de Jorge Manrique más allá del ámbito local y regional.

Este enfoque, que combina prestigio literario e impulso territorial, ha convertido al Premio Jorge Manrique en una herramienta de política cultural que articula patrimonio, creación contemporánea y proyección exterior. Para muchos de los poetas que resultan finalistas o ganadores, el fallo supone una oportunidad de ampliar su presencia en editoriales y medios de comunicación especializados.

La trayectoria de Santiago Elso Torralba

Nacido en Pamplona en 1965, Santiago Elso Torralba es licenciado en Psicología y poeta. Aunque él mismo se define como un autor de producción no muy abundante, su nombre figura desde hace años en el panorama poético español gracias a una obra sólida y a una serie de premios literarios de relevancia.

Su primer libro, Descripción de cuadros para Guillermo (Eunate, 2012), es un volumen de écfrasis dedicado a su hijo que combina la reflexión sobre el arte pictórico con una mirada íntima y familiar. Más adelante publicó Nadie sabe cómo has llegado hasta aquí (Zerokotan, 2022), donde profundiza en la identidad, la memoria y el desconcierto ante el propio recorrido vital. En 2025 ve la luz Trasalumbramientos (Cántico), un título que señala su interés por la iluminación súbita, lo visionario y las zonas de sombra del lenguaje.

Además de estos libros en solitario, Elso Torralba es coautor del volumen Sotto voce, fruto del trabajo colectivo en el “Taller de Escritura Santiago Elso”, publicado en 2018. En el ámbito asociativo y cultural, ha sido vocal de Literatura y Lingüística en el Ateneo Navarro y coordinador del Grupo de Poesía Ángel Urrutia, lo que pone de manifiesto su implicación en la dinamización de la vida literaria en su entorno.

A lo largo de su carrera, el poeta ha reunido un notable palmarés. Entre otros reconocimientos, ganó el III Premio de Poesía Amigos de La Herradura (Almuñécar, Granada, 2008), el XXVII Premio de poesía Fray Luis de León (Diputación de Ávila y Ayuntamiento de Madrigal de las Altas Torres, 2017), el II Certamen Internacional de Poesía del Ayuntamiento de Peñamellera Baja (Asturias, 2017) y el XXXIII Premio de poesía Ciudad de Córdoba “Ricardo Molina” en 2024.

Actualmente, forma parte del consejo de redacción de la revista Río Arga, una publicación de referencia en el ámbito poético. Desde esa posición, participa en la selección y difusión de nuevas voces, contribuyendo a tejer vínculos entre autores consagrados y generaciones emergentes. El Premio Jorge Manrique se suma así a una trayectoria en la que la escritura, la reflexión y la acción cultural se dan la mano.

La taberna de Shiduri: mito, viaje y reflexión sobre la muerte

El poemario La taberna de Shiduri se articula en torno a una figura tomada de la tradición mesopotámica, lo que le otorga un marcado carácter simbólico y narrativo. La tabernera Shiduri se convierte en testigo y guía de un personaje que persigue la inmortalidad, un motivo que sirve de punto de partida para abordar el deseo humano de trascender el paso del tiempo.

El jurado ha subrayado que la obra dialoga estrechamente con la concepción de la vida y la muerte presente en la poesía de Jorge Manrique. El viaje hacia la planta de la inmortalidad remite, en clave mítica, a la conciencia de la finitud que atraviesa las Coplas por la muerte de su padre. A través de esta relectura desde otras culturas y geografías, el libro enlaza la tradición clásica con preocupaciones plenamente contemporáneas.

Según se remarcó durante la entrega del premio, el poemario invita a una reflexión serena sobre el carpe diem, la necesidad de aprovechar el tiempo mientras la vida transcurre y la aceptación de que toda existencia está marcada por un final inevitable. Esta mirada, lejos de ser únicamente elegíaca, se combina con momentos de celebración, ironía y una cierta distancia crítica.

La obra se inscribe así en una línea de poesía que combina el componente narrativo con imágenes de gran intensidad, sin renunciar a un lenguaje cuidado y exigente. La mezcla de referencias culturales antiguas y resonancias actuales ofrece al lector una experiencia de lectura que va más allá del mero relato mítico, situándolo ante preguntas fundamentales sobre el sentido del tiempo, la memoria y la pérdida.

El reconocimiento obtenido en Palencia confirma la capacidad de La taberna de Shiduri para conectar con públicos diversos, desde lectores habituales de poesía hasta quienes se aproximan por primera vez al género. El premio, unido a la publicación en una colección de alcance nacional, contribuye a que el libro circule por librerías, bibliotecas y clubes de lectura de toda España y de otros países de Europa interesados en la poesía en castellano.

Un galardón para mantener viva la memoria de Jorge Manrique

El Premio Internacional de Poesía Jorge Manrique nació con el objetivo de rendir homenaje al poeta prerrenacentista palentino, autor de las célebres Coplas a la muerte de su padre, y de fomentar la creación lírica en castellano. Su convocatoria conjunta por parte de la Diputación de Palencia y el Ayuntamiento de Paredes de Nava subraya la voluntad de ambas instituciones de vincular la memoria literaria con la dinamización cultural del territorio.

Desde su primera edición, el certamen ha ido sumando nombres que hoy se han consolidado en el panorama poético. Mercedes Carrión Masip inauguró el palmarés en 2017, a la que siguieron Alejandro Martín Navarro (2018), Sergio García Zamora (2019), Miguel Martínez López (2020), Reinaldo Jiménez (2021), Pedro Flores del Rosario (2022), Sandro Luna (2023) y José Ángel Losada Gahete (2024). Todos ellos han visto sus obras publicadas en la colección Cálamo Poesía.

Con la incorporación de Santiago Elso Torralba, el listado de galardonados dibuja un mapa plural de estilos, generaciones y procedencias, en el que conviven autores españoles de distintas regiones y poetas de otros países. Esta diversidad refuerza la idea del premio como espacio de encuentro y cruce de miradas, más allá de las fronteras geográficas.

Las actividades en torno al certamen no se limitan al momento de la entrega del premio. Jornadas, lecturas y presentaciones en Paredes de Nava y en Palencia capital contribuyen a acercar la poesía a la ciudadanía y a integrar la figura de Jorge Manrique en la vida cultural cotidiana. De este modo, el galardón actúa como puente entre el patrimonio literario histórico y la creación viva del presente.

En un contexto en el que la poesía convive con múltiples formatos y soportes, la apuesta por un premio de estas características mantiene abierta la posibilidad de que los versos sigan circulando en libros impresos, recitales y encuentros, sin perder su vínculo con la tradición de la que proceden. El nombre de Jorge Manrique continúa así asociado a nuevas voces que reinterpretan, a su manera, las grandes preguntas que ya formulara el poeta palentino.

Lo ocurrido en el Palacio Provincial de Palencia con la entrega del IX Premio Internacional de Poesía Jorge Manrique a Santiago Elso Torralba y a su poemario La taberna de Shiduri refleja cómo un galardón nacido para honrar a un clásico puede convertirse en motor de la poesía contemporánea en castellano: instituciones comprometidas, un jurado de prestigio, una editorial cuidadosa y un autor que suma una obra exigente pero cercana al lector tejen, en conjunto, una cita literaria que conecta la memoria de Jorge Manrique con las inquietudes y búsquedas poéticas del presente.


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Homenaje al 90 aniversario de Seis poemas galegos de Lorca en Santiago

Isaac

Aniversario Seis poemas galegos

El 90 aniversario de la impresión de «Seis poemas galegos«, la única obra que Federico García Lorca publicó en una lengua distinta al castellano, se ha convertido en el eje de un emotivo homenaje en Santiago de Compostela. La ciudad ha querido subrayar no solo la relevancia literaria del poemario, sino también su peso simbólico en la historia cultural y lingüística de Galicia.

En un acto promovido por el Ayuntamiento de Santiago y Alvarellos Editora, instituciones, mundo editorial y ciudadanía se reunieron para recordar la fecha en la que, según el colofón de la edición original, se dio por concluida la impresión del volumen: el 27 de diciembre de 1935. La conmemoración ha servido para rescatar el contexto en el que nació el libro y la colaboración entre Lorca y el editor gallego Ánxel Casal.

Un homenaje en el corazón histórico de Santiago

El acto central tuvo lugar en la rúa do Vilar, número 15, en pleno casco histórico de Santiago de Compostela, el mismo punto en el que se imprimió por primera vez «Seis poemas galegos». El espacio fue en su día sede de la Editorial Nós, fundada por Ánxel Casal, y reabrió de forma excepcional para albergar esta celebración, devolviendo durante unas horas al lugar su antigua función de foco cultural.

Según explicó Alvarellos Editora, la actual propietaria del local, sobrina de quien lo alquiló a Casal en 1933, cedió el inmueble de manera generosa para este aniversario, lo que permitió recrear de algún modo el ambiente en el que se gestó la primera impresión del libro. Para muchas de las personas asistentes, entrar en ese espacio supuso una especie de viaje en el tiempo a los años treinta gallegos.

La alcaldesa de Santiago, Goretti Sanmartín, participó en el acto junto al editor Henrique Alvarellos, responsable de una reedición de «Seis poemas galegos» publicada en 2018. Ambos intervinieron para poner en valor la significación literaria, histórica y política del poemario dentro de la trayectoria de Lorca y del proyecto cultural gallego de la época.

La conmemoración contó también con acompañamiento musical a cargo de Uxía Senlle y Pablo Novoa, que aportaron una dimensión más íntima a la cita. Las piezas escogidas contribuyeron a subrayar el vínculo afectivo entre la obra de Lorca y la sensibilidad gallega, reforzando la idea de diálogo entre culturas que atraviesa todo el proyecto de «Seis poemas galegos».

Lorca, Casal y la revitalización de la lengua gallega

En sus palabras, Sanmartín reivindicó el trabajo conjunto de Federico García Lorca y Ánxel Casal como una pieza clave en la revitalización de la lengua gallega durante los años previos a la Guerra Civil. Según la regidora, ambos formaban parte de un sector vanguardista de la sociedad, la generación del 27 que apostaba por dar más visibilidad a las lenguas propias del Estado y por ensanchar el espacio cultural más allá del castellano.

La alcaldesa recordó que Lorca viajó en cuatro ocasiones a Galicia, siendo la primera de ellas en 1916, cuando apenas tenía 18 años y todavía se dedicaba principalmente al piano. Aquella primera estancia, y las que vinieron después, le dejaron una profunda huella emocional y creativa, hasta el punto de que terminó escribiendo un libro completo en gallego, algo excepcional en su producción.

El poemario, según subrayó Sanmartín, refleja con claridad la influencia de Rosalía de Castro, figura esencial de la literatura gallega. La presencia de ecos rosalianos en la obra de Lorca se interpreta como muestra del respeto con el que el granadino se acercó a una tradición literaria ajena, que asumió desde el conocimiento y la admiración.

El hecho de que «Seis poemas galegos» constituya el único libro de Lorca escrito en una lengua distinta al castellano lo convierte en una pieza singular dentro de su legado. Para la alcaldesa, este gesto testimonia una clara apuesta por la permeabilidad entre idiomas y por la diversidad cultural dentro de España, en un momento histórico en el que estas cuestiones adquirían un fuerte contenido político y simbólico.

Un ejemplo de inmersión cultural y compromiso social

Durante el acto, Sanmartín definió el libro como un ejemplo especialmente valioso de «inmersión cultural». A su juicio, la obra demuestra la capacidad de un creador para adentrarse en una cultura inicialmente ajena y hacerla suya mediante la escritura, siempre desde el respeto, el estudio y el afecto por la lengua y la gente que la habla.

La alcaldesa quiso extender ese reconocimiento también a la figura de Ánxel Casal como editor, recordando que su objetivo era que cada vez hubiera más libros en gallego y mayor prestigio para el idioma. En ese contexto, cada nueva publicación se vivía como una pequeña conquista compartida, casi como una fiesta colectiva en favor de la lengua.

Sanmartín estableció además un paralelismo entre la actitud de Lorca y la de las Irmandades da Fala, especialmente en la defensa del teatro como género de transformación social. Recordó que el poeta y dramaturgo llevó a Santiago su compañía universitaria La Barraca en 1932, con una representación en la Praza da Quintana, donde acercó el teatro clásico a sectores populares que normalmente no tenían acceso a esas obras.

En palabras de la regidora, aquella experiencia escénica ejemplifica la convicción de Lorca de que la cultura debía llegar a todas las capas sociales como herramienta de progreso. Esa visión entronca con muchas ideas del galleguismo de la época, que veía en la educación, el libro y el teatro instrumentos fundamentales para modernizar el país.

Memoria, represión y legado en la ciudad

El recuerdo del 90 aniversario de «Seis poemas galegos» también dejó espacio para la memoria histórica y la reflexión sobre la represión. Sanmartín mencionó la muerte violenta tanto de Federico García Lorca como de Ánxel Casal tras el golpe de Estado de 1936, subrayando el impacto duradero que estos asesinatos tuvieron en la sociedad gallega y española.

La alcaldesa enmarcó estas muertes dentro de la represión derivada del levantamiento militar de 1936, que dejó una huella profunda durante la Guerra Civil y la posterior dictadura. A su juicio, recordar el poemario implica también reconocer a quienes arriesgaron y perdieron la vida por defender proyectos culturales y políticos abiertos, plurales y democráticos.

En la propia ciudad de Santiago, una estatua de Lorca en el paseo de la Alameda evoca la estrecha relación del poeta con Galicia. Junto a ese monumento, se celebra cada año un homenaje en su memoria, que se suma ahora a esta conmemoración específica del libro en gallego, reforzando la presencia de su figura en el imaginario colectivo compostelano.

Esta combinación de acto institucional, memoria literaria y recuerdo de la represión situó el aniversario más allá de una simple efeméride editorial. Para muchos asistentes, la cita sirvió también para repensar el papel que la literatura y la edición tuvieron —y siguen teniendo— en la construcción de una sociedad más abierta y respetuosa con sus diversas lenguas.

El 90 aniversario de «Seis poemas galegos» se ha convertido así, en Santiago de Compostela, en una ocasión para redescubrir la alianza entre Lorca y Galicia, poner en valor el trabajo de Ánxel Casal y de la Editorial Nós, y recordar cómo un libro en gallego nacido de la mano de un poeta andaluz puede simbolizar, todavía hoy, la fuerza de los intercambios culturales y la vigencia de la diversidad lingüística en España.


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