El universo de Poniente vuelve a primera línea: Max ha fijado el lanzamiento de El caballero de los Siete Reinos, el nuevo spin-off de Juego de Tronos que adapta los relatos de Dunk y Egg. La plataforma pone fecha y acelera su promoción con teaser, cartel oficial y detalles de reparto que dibujan una propuesta distinta en tono y escala.

Aunque durante meses se barajó una ventana anterior, el plan definitivo ya es oficial y encaja con la estrategia del servicio: estreno a comienzos de año, episodios semanales y foco en una historia de carretera medieval que mira menos a los palacios y más al barro de los caminos de Poniente.

Fecha de estreno y dónde verla

Max (antes HBO Max) ha marcado en el calendario el 19 de enero de 2026 para el desembarco de El caballero de los Siete Reinos. La plataforma ha confirmado un modelo de emisión semanal, con un nuevo capítulo cada lunes, lo que dejará la temporada completa a lo largo de las primeras semanas del año.

La compañía venía jugando al despiste con mensajes como «Este invierno, llega la primavera» en redes, y finalmente ha despejado la duda con fecha cerrada y material promocional. El proyecto se retrasó desde 2025 para encajar con la parrilla del servicio y dar margen a regrabaciones y ajustes de posproducción.

De qué va: sinopsis y ambientación

La serie sitúa su relato alrededor de 90-100 años antes de Juego de Tronos y unas siete décadas después de La casa del dragón. En ese periodo, los Targaryen todavía ocupan el Trono de Hierro y el recuerdo de los últimos dragones sigue vivo, aunque la magia ha quedado en un segundo plano.

El foco está en Ser Duncan el Alto (Dunk) y su escudero Egg, un niño de identidad sorprendente. El tono apunta a una aventura itinerante, con humor, camaradería y episodios más contenidos en escala, según avanza el equipo creativo. El cartel promocional resume la apuesta: «Un gran relato que se convirtió en leyenda».

Reparto principal y personajes

El liderazgo interpretativo recae en Peter Claffey como Ser Duncan el Alto y Dexter Sol Ansell como Egg (Aegon V). Se les suman Finn Bennett (Aerion Targaryen), Bertie Carvel (Baelor Targaryen), Tanzyn Crawford (Tanselle) y Daniel Ings (Ser Lyonel Baratheon), entre otros nombres destacados.

El elenco se completa con Sam Spruell (Maekar Targaryen), Edward Ashley (Ser Steffon Fossoway), Youssef Kerkour (Steely Pate), Daniel Monks (Ser Manfred Dondarrion), Shaun Thomas (Raymun Fossoway), Tom Vaughan-Lawlor (Plummer), Danny Webb (Ser Arlan de Pennytree) y Henry Ashton (Daeron Targaryen).

Los libros en los que se inspira

El material de partida es la trilogía de relatos cortos de George R. R. Martin, Cuentos de Dunk y Egg. Hasta la fecha, incluye El caballero errante (1998), La espada leal (2003) y El caballero misterioso (2010). La primera temporada adaptará El caballero errante.

El propio autor ha deslizado su interés en continuar estas historias, y no se descarta que la serie explore más volúmenes si la acogida acompaña. En cualquier caso, la estructura televisiva arranca con la amistad de Dunk y Egg en tiempos relativamente calmados para los Siete Reinos.

Tráiler, póster y campaña promocional

La presentación llegó con teaser/tráiler mostrado durante la New York Comic Con y con el póster oficial. En redes, Max calentó motores con la pista «Este invierno…» y remató con «Este invierno, llega la primavera». La imagen promocional destaca a Egg sujetando la espada de Dunk, subrayando el lazo entre caballero y escudero.

El avance deja entrever una serie menos grandilocuente y más pegada al camino, con diálogos cómicos, choques con señores locales y una puesta en escena enfocada en el detalle cotidiano, sin renunciar a escenas de acción propias del mundo de Martin.

Episodios, formato y tono creativo

La temporada inaugural constará de seis episodios de duración aproximada de media hora, publicados semanalmente. El diseño formal huye del despliegue coral y apuesta por el punto de vista de Dunk como hilo conductor.

El equipo creatvo ha explicado que la serie prescinde de cierto boato habitual del universo para proponer una identidad visual y musical más sobria, con una tarjeta de título sencilla y un estilo directo, acorde con la naturaleza del protagonista.

Equipo creativo y producción

La serie cuenta con George R. R. Martin e Ira Parker como guionistas y productores ejecutivos. La dirección de la primera tanda se reparte entre Owen Harris y Sarah Adina Smith, consolidando un enfoque que prioriza el carácter, el viaje y la escala humana del relato.

Desde la compañía han dejado la puerta abierta a nuevas entregas si la respuesta acompaña, y el propio Martin ha insinuado que ya se piensa en la siguiente historia de Dunk y Egg. De momento, el plan es claro: aterrizar en enero y marcar su propio camino dentro de la franquicia.

Con fecha cerrada, reparto consolidado y una propuesta más terrenal que sus hermanas mayores, El caballero de los Siete Reinos llegará a Max el 19 de enero con seis episodios que reencuentran al público con Poniente desde otra perspectiva: menos hechicería, más polvo del camino, y una amistad destinada a convertirse en leyenda.

El Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya vuelve a convertir Sitges en el epicentro mundial del género entre el 9 y el 19 de octubre, con once días repletos de proyecciones, encuentros y actividades paralelas pensadas para todo tipo de público.

Quien se acerque a la localidad costera encontrará estrenos, alfombras rojas, firmas, mesas redondas, la clásica Zombie Walk y propuestas para familias en espacios como el Mercat Vell o el Miramar, además de una celebración especial por el 40º aniversario de Re-Animator.

Fechas, leitmotiv y películas de apertura y clausura

La 58ª edición se celebra del 9 al 19 de octubre de 2025 con un hilo conductor que explora el cruce entre el horror y la comedia, una línea programática cada vez más presente en el cine contemporáneo.

El inicio estará marcado por Alpha, la nueva distopía de Julia Ducournau, y el cierre llegará con La larga marcha (The Long Walk), dirigida por Francis Lawrence, en una clausura de alto perfil internacional.

Premios de honor e invitados destacados

El certamen reconoce este año trayectorias esenciales con sus galardones honoríficos, consolidando su posición como escaparate mundial para el cine de género.

• Màquina del Temps: Sean S. Cunningham, Ben Wheatley, Benedict Cumberbatch, Enzo G. Castellari y William Fichtner.
• Gran Premio Honorífico: Carmen Maura, Terry Gilliam, Joe Dante y Peter Chan.
• Premio WomanInFan: Mary Harron y Nancy Loomis.
• Gran Premio Honorífico WomanInFan: Gale Anne Hurd.
• Premio Nosferatu: Hugo Stiglitz.
• Premio Méliès Career: Dominique Pinon.

Entre la lista de más de cuatrocientos invitados previstos, destacan nombres como Benedict Cumberbatch, Joe Dante, Terry Gilliam, Sean S. Cunningham, Gale Anne Hurd, Ben Wheatley, Peter Chan o William Fichtner, que participarán en charlas, presentaciones y homenajes.

Sedes principales y King Kong Area

El corazón del festival late en el Auditori del Hotel Meliá, escenario de las grandes galas y estrenos. Completan el circuito la Sala Tramuntana, el Cinema Casino Prado, el Escorxador, el Centre Cultural Miramar y el Mercat Vell (programa Sitges Family). El histórico Retiro no estará operativo por obras.

La King Kong Area vuelve a ser punto de encuentro con la Foodtàstic Area (foodtrucks de 12:00 a 24:00), el espacio Meeting frente a la Ermita de Sant Sebastià (música, radio, podcast y photocalls) y la Fanshop con merchandising oficial (10:00 a 23:30). El Miramar y el Mercat Vell acogen el paraguas familiar Sitges Family.

Zombie Walk: fecha, recorrido y maquillaje gratuito

La tradicional Sitges Zombie Walk se celebrará el 11 de octubre a las 20:00 con salida desde el Miramar Centre Cultural y final en el espacio Meeting alrededor de las 21:30, en un itinerario pensado para disfrutar en comunidad.

Habra maquillaje profesional gratuito con reparto de 400 tickets numerados desde las 12:00 en la carpa de la Playa de Sant Sebastià (calle Port de n’Alegre) y servicio ampliado en el Casino Prado (10:30-14:00 y 16:00-19:30). Por seguridad, a menores de 14 años no se les aplicarán prótesis de látex.

Re-Animator cumple 40 años: proyección y mesa redonda

La sesión especial La nit + zombi incluirá Re-Animator en copia restaurada el 12/10/2025 a las 00:30, con participación de parte del equipo de la película.

Ese mismo día se celebrará la mesa redonda Laughter & Chills: 40 Years of Re-Animator de 16:30 a 17:15 con Barbara Crampton, Richard Band y Àngel Sala, con traducción simultánea inglés-catalán-inglés.

Selección de películas y secciones

La programación combina apuestas de autor y grandes títulos internacionales. En la Sección Oficial figuran propuestas como Death of a Unicorn (Paul Rudd y Jenna Ortega), la animación Decorado de Alberto Vázquez, el estreno mundial de Gaua (Paul Urkijo), una nueva Drácula firmada por Radu Jude y el inquietante Exit 8 de Genki Kawamura.

Junto a los estrenos, el festival programa cortos fantásticos al aire libre de acceso libre, un recorrido por los trabajos más destacados que pasaron recientemente por Sitges.

Actividades familiares y paralelas

Bajo el sello Sitges Family (Mercat Vell), se reúne cine para todas las edades: Fantastic Kids, Fantastic Teens, Kids en Acció y Sesiones Popcorn con pases nocturnos para el gran público.

Los talleres infantiles incluyen maquillaje fantástico en el Miramar y el Port de Sitges con distintas franjas (días 10, 11, 12, 17, 18 y 19 de octubre) para aprender efectos especiales con supracolores, látex, carne y sangre artificial.

El programa de cuentacuentos en el Palau del Rei Moro propone sesiones con obras como Julia y los Mortimort (Raquel Díaz Reguera) y La Tauroneta (Kate Beaton), a cargo de narradores especializados.

Habra taller de máscaras (12 de octubre, 17:00-18:30, Palau del Rei Moro) para explorar los símbolos del miedo en el cine, con inscripción previa en la web.

Se suman un taller de Stop Motion (19 de octubre, 10:30-12:00, Miramar; se requiere móvil con app Stop Motion Studio), un taller de collage «Crits de paper» (17 de octubre, dos turnos en Miramar) y otro de arte urbano «Les marques del mal» (18 de octubre, varias franjas) para todas las edades.

Cheques Dorados: gymkhana en el comercio local

Se repartirán 5.000 boletos en comercios, Mercado Municipal y Oficina de Turismo para localizar Cheques Dorados en escaparates. Tras sellar 10 establecimientos, se deposita el boleto en las urnas oficiales.

El sorteo tendrá lugar el 17 de octubre a las 17:30 en el Mercado Municipal. Los premios incluyen merchandising, 2 entradas Sitges Family, desayuno y visita VIP al festival, además de obsequios de colaboradores.

Exposiciones y espacios de lectura

Durante el festival se podrá visitar Fun & Terror. Cine, Cómix, Humor y Horror (9-19 de octubre, salida del Auditorio Meliá), el Fondo especial de cine fantástico (9-18 de octubre, Biblioteca Santiago Rusiñol) y el Aparador fantàstic (9-18 de octubre, Biblioteca Josep Roig i Raventós).

Las bibliotecas locales ofrecen lecturas compartidas y el Lote fantástico con bolsas sorpresa de libros, películas y cuentos de género para todas las edades, con horarios ampliados durante el certamen.

Entradas y precios

Las localidades arrancan en 12€ (proyecciones generales en Auditori) y 11€ (sesiones especiales/Sitges Clàssics). La gala de inauguración cuesta 25€ y la de clausura 19,50€; sesiones familiares a 4€, maratones entre 16 y 20€ y programas dobles a 14,50€. Venta en línea y taquillas.

¿Cómo llegar a Sitges?

Desde Barcelona, el Rodalies R2 Sud conecta con Sitges en unos 40 minutos con salidas frecuentes. También hay autobuses directos desde la ciudad y el aeropuerto (T1), y acceso por carretera por la C-32 en unos 35 minutos (con peaje).

Walking Tour del festival

El Sitges Festival Walking Tour recorre historia y espacios emblemáticos del certamen y finaliza con un brindis de Malvasía de Sitges en el Meeting (King Kong Area) o en la Sala VIP, disponible del 9 al 19 de octubre.

Con una combinación de estrenos, homenajes, experiencias urbanas y propuestas familiares, Sitges vuelve a situarse como referencia mundial del cine fantástico; conviene planificar agenda y consultar la web oficial para horarios y reservas actualizados.

El poeta argentino Hugo Mujica ha sido distinguido con el Premio Internacional de Poesía Fundación Loewe por su libro Las hojas, la brisa, y la luz danza las sombras, en una edición que reafirma a este galardón como uno de los de mayor peso en la poesía en español.

El fallo incorpora también el reconocimiento a la Creación Joven, otorgado a Leonor Pataki por Una madeja de estambre. El premio principal está dotado con 30.000 euros y el joven con 12.000 euros, además de la publicación de ambas obras en la colección Visor.

El fallo y la obra premiada

Según el jurado, el libro de Mujica despliega una lírica depurada y contemplativa, atenta a lo esencial y refractaria a cualquier adorno superfluo. Sus poemas proponen una espiritualidad no dogmática, erigiendo puentes entre tradiciones de pensamiento y modos de mirar el mundo.

Con un lenguaje preciso y una musicalidad sobria, cada pieza funciona como imagen y como ritmo, favoreciendo relecturas que abren capas de sentido. La simbología, siempre contenida, apunta al corazón de lo humano: asombro, fragilidad y alegría de existir.

El conjunto, arraigado en la escritura del pensamiento especulativo, ha sido presentado como una obra de coherencia meditativa. Se menciona que el volumen reúne medio centenar de composiciones breves, en las que el autor trabaja una atención poética sostenida, sin estridencias.

En el acto de anuncio celebrado en Madrid se subrayó que el libro confirma la trayectoria de más de cuatro décadas de un autor cuya poética se reconoce por el cuidado de la forma, la escucha y la calma interior.

Quién decide: el jurado

La presidencia recayó en Víctor García de la Concha y el panel reunió a Gioconda Belli, Antonio Colinas, Aurora Egido, Raquel Lanseros, María Negroni, Juan Antonio González Iglesias, Carmen Riera, Jaime Siles, Luis Antonio de Villena y Javier Velaza, ganador de la convocatoria anterior.

El comité valoró especialmente la coherencia del proyecto poético, la tensión entre intuición y pensamiento y el equilibrio entre visualidad y sonoridad en cada texto, elementos que, a su juicio, refuerzan la singularidad del libro de Mujica.

Trayectoria y perfil de Hugo Mujica

Nacido en Buenos Aires en 1942, Hugo Mujica es poeta, ensayista, narrador y sacerdote, conocido como “el poeta del silencio”. Tras un período vinculado a la cultura y contracultura de Nueva York, ingresó en la orden trapense y permaneció siete años en voto de silencio en el monasterio de Getsemaní.

Procedente de una familia obrera con raíces anarquistas y sindicales, el autor ha dicho que aprendió a escuchar en los monasterios y que comenzó a escribir poesía durante aquel retiro. Su obra integra una meditación sobre lo cotidiano como espacio donde se cruzan los enigmas de la vida.

Entre sus títulos destacan Brasa blanca, Para albergar una ausencia y Cuando todo calla (galardonado con el Premio Casa de América 2013). Su poesía completa está reunida en Del crear y lo creado, y en el ensayo ha abordado a Heidegger en libros como La palabra inicial y Señas hacia lo abierto.

La voz joven: Leonor Pataki

La mexicana Leonor Pataki (Oaxaca de Juárez, 1995) obtuvo el Premio a la Creación Joven por Una madeja de estambre, un volumen que articula su propuesta en torno al gato como núcleo simbólico, convertido en imagen de aquello que conviene no tocar.

El jurado destacó la solidez compositiva del libro, la firmeza del conjunto y el brillo de sus cierres, señalando cómo el motivo felino, por su condición de sigilo y contención, vertebra una poética coherente y de gran eficacia expresiva.

Pataki, artista plástica y productora audiovisual, combina la palabra con la experimentación visual y sonora; en su trabajo aborda temas como el cuerpo, la memoria y la identidad femenina.

Participación y próximos pasos

Esta edición registró 3.150 participantes de 45 países, el mayor volumen de inscripciones hasta la fecha. El 53% procedió de Hispanoamérica (con Argentina, México y Colombia a la cabeza) y, en España, las provincias más activas fueron Madrid, Barcelona, Valencia y Sevilla. Un 23% de los autores tenía menos de 33 años y 36 obras alcanzaron la final.

El premio principal conlleva 30.000 euros y edición en Visor; la Creación Joven, 12.000 euros y publicación en la misma editorial. La entrega y presentación de los libros están previstas para marzo de 2026; además, se ha anunciado una lectura en la Casa de México en Madrid con Javier Velaza y Jaime Siles.

Con este reconocimiento, el Loewe subraya una poética de atención y silencio en la obra de Mujica y abre paso a una voz emergente como la de Pataki, en una convocatoria masiva y diversa que refuerza el papel del certamen como referencia de la poesía en español.

La quinta edición del certamen que honra la memoria del escritor malagueño reunió a autores, lectores y profesionales del sector en la fábrica de Cervezas Victoria, donde se anunció el fallo y se entregaron los galardones. En un ambiente participativo y atento al detalle, SUR y la Fundación Cajasol articularon una cita que sigue creciendo en el panorama del relato breve sin perder su esencia.

El acto dejó tres nombres propios en lo más alto: el primer premio para Isaac Páez y dos menciones especiales para Nicolás Lara y María Gil Sierra. Además, se subrayó el papel del jurado y la implicación institucional, con la colaboración de la Diputación y el Ayuntamiento de Málaga, y un guiño editorial a este género tan breve como exigente mediante un volumen colectivo. Premios de 1.500 y 500 euros respaldaron las obras distinguidas.

Un homenaje vivo a Pablo Aranda

El concurso toma su nombre de Pablo Aranda, autor querido y figura clave para la cultura local, fallecido en 2020. Su legado, presente en títulos como ‘La otra ciudad’, ‘El orden improbable’, ‘Ucrania’ (Premio Málaga de Novela), ‘Los soldados’ o ‘La distancia’, impulsa un encuentro que apuesta por la claridad expresiva, la mirada afilada y el humor. También se recordó su faceta como columnista de SUR y director del Aula de Cultura, y ese espíritu de juego limpio que atraviesa el certamen desde su origen.

Jurado, fallo y desarrollo del acto

El veredicto se dio a conocer un lunes, a partir de las 19.00, en la sede de Cervezas Victoria, que ejerce de cómplice del evento. El jurado estuvo compuesto por Teresa Cardona, Isabel Bono, Juan Jacinto Muñoz-Rengel, Ben Clark y Felipe R. Navarro, con el periodista Alberto Gómez como secretario y maestro de ceremonias. Su tarea consistió en valorar una selección de textos publicados durante el verano en SUR, como ocurre en otros concursos de microrrelatos.

Esa criba previa la realizó la escritora Violeta Niebla, a partir de los relatos remitidos por una participación muy amplia: más de 1.500 autores de una decena de países. Para asistir al acto fue necesario inscribirse con antelación y ser mayor de edad; la organización habilitó el correo [email protected] para gestionar las plazas, lo que facilitó un encuentro ordenado y muy cercano entre público y autores.

El libro ‘Todavía seguían allí’

Como complemento, SUR y la Fundación Cajasol editaron un volumen que reúne los microrrelatos publicados en el periódico, con un guiño al célebre texto brevísimo de Augusto Monterroso. La obra, titulada ‘Todavía seguían allí’, se distribuyó en el propio acto, ofreciendo un ejemplar gratuito a las cien primeras personas inscritas; quienes se apuntaron con tiempo, además, tuvieron la opción de leer su pieza en voz alta.

Premios y microrrelatos distinguidos

El primer premio fue para el profesor e historiador Isaac Páez (1984) por ‘Qué es el arte‘, una pieza mínima que contrapone las trayectorias creativas de dos hermanos y, a través de una imagen doméstica muy elocuente, ilumina lo que el arte significa en una familia. El autor, con experiencia en poesía y títulos como ‘Contrato a tiempo perdido’, subrayó que en el microrrelato lo decisivo es lo que se sugiere y no se dice.

La primera mención recayó en Nicolás Lara por ‘Tradición familiar‘, un cuento de corte sombrío que explora el oficio heredado de sepulturero y lo lleva a un giro final inquietante. En su intervención, el autor agradeció el espacio y contó que la sección veraniega del periódico se ha convertido en costumbre en su casa, una lectura compartida que le empujó a escribir y a probar con el formato breve.

La segunda mención distinguió ‘Calíope‘, de María Gil Sierra, una historia ingeniosa que reimagina a la musa como profesional con oficio propio: de la dependencia inspiradora pasa a la autonomía creativa y a firmar sus propios libros. La autora, que no pudo acudir, envió un vídeo de agradecimiento y celebró que existan concursos que pongan en valor relatos ultracortos y su capacidad de sugerencia.

Conversaciones y micro abierto

Tras el fallo, el público asistió a un coloquio en el que Teresa Cardona e Isabel Bono dialogaron sobre narrativa, poesía, ciencia ficción y las especificidades del microrrelato: un género breve pero de gran altura, que pide precisión y deja resonancias. Cardona llegó con su nueva novela, ‘A la vista de todos’, cuarta entrega de la serie de Karen Blecker y el brigada Cano, tras ‘Los dos lados’, ‘Un bien relativo’ y ‘La carne del cisne’; antes, cofirmó en Francia dos títulos negros como Eric Todenne. Bono, madrina del certamen, rememoró su exigencia de transparencia desde el inicio y recordó su trayectoria, con el León Felipe de poesía por ‘Los días felices’ y el Café Gijón por ‘Una casa en Bleturge’.

El encuentro se cerró con una sesión de micro abierto en la que los asistentes compartieron piezas ante el auditorio, reforzando esa comunidad literaria que se reúne cada verano alrededor de los cuentos mínimos. El secretario del jurado, Alberto Gómez, puso voz a una idea que sobrevoló la sala: de un duelo íntimo nació un proyecto luminoso, un lugar de encuentro para quienes leen y escriben microrrelatos.

Con el impulso institucional y editorial, la calidad del jurado y la respuesta masiva de autores, el Certamen de Microrrelatos Pablo Aranda consolida su papel de referente del microrrelato en español, una cita que combina memoria, descubrimiento de nuevas voces y celebración del cuento mínimo.

La Biblioteca Regional Joaquín Leguina abre sus puertas a un viaje por los crímenes literarios de Madrid, una mirada que explora cómo la ciudad ha sido escenario, espejo y motor de la narrativa policíaca en castellano. La entrada es libre y la propuesta puede visitarse hasta el 11 de enero en la Sala de Exposiciones del centro.

Lejos de ser decorado, Madrid se comporta como un personaje que dialoga con el lector: condiciona a detectives, víctimas y testigos, y marca el pulso de cada caso. Comisariada por Tania Serrano Benítez y con el asesoramiento de Lorenzo Silva, la exposición traza el origen, la evolución y las distintas etapas del noir capitalino.

Una muestra gratuita en la Biblioteca Regional

La exhibición propone un itinerario cronológico y temático que conecta la tradición con las corrientes actuales, reuniendo materiales de archivo, primeras ediciones, fotografías, carteles, revistas, libros y recursos audiovisuales. Proceden tanto de los fondos de la Biblioteca Regional y de las bibliotecas públicas de la Comunidad de Madrid como de otras instituciones culturales.

El consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano, subraya que la capital ha inspirado a generaciones de narradores y que el género negro, por su mirada crítica y su capacidad para atrapar al lector, forma parte de la memoria cultural compartida. El proyecto, además, refuerza el compromiso institucional con la difusión del patrimonio literario y una oferta cultural diversa.

De Cervantes a la actualidad: mapa del noir capitalino

El recorrido arranca en el Siglo de Oro con una parada llamativa: Miguel de Cervantes y su relato La fuerza de la sangre (1613), donde una víctima asume el papel de investigadora y se abren paso códigos embrionarios del misterio. Entre las piezas destacadas figura una primera edición cedida por la Biblioteca Nacional.

Del siglo XIX emergen las aportaciones de Benito Pérez Galdós y Emilia Pardo Bazán. Galdós juega con la duda y el enigma en La incógnita, mientras que Pardo Bazán firma una de las obras canónicas del género, La gota de sangre, y sorprende con Selva, proyecto inacabado cuyos manuscritos han sido prestados por la Real Academia Gallega.

Galdós también dejó una investigación periodística modélica en El crimen de la calle Fuencarral, una indagación en clave de true crime mucho antes de la etiqueta anglosajona contemporánea. Asistió al juicio, contrastó fuentes y documentó el caso de Luciana Borcino, que años después inspiró un capítulo de la serie La huella del crimen.

El primer tercio del siglo XX dejó rastros dispersos, entre parodias y juegos de ingenio de autores como Enrique Jardiel Poncela o Wenceslao Fernández Flórez, mientras la imitación del modelo anglosajón asomaba bajo seudónimos. El género, no obstante, no cristalizaría hasta mediados de siglo.

Ese punto de inflexión llega con Francisco García Pavón y su policía Plinio. Aunque su territorio natural es Tomelloso, en Las hermanas coloradas (Premio Nadal, 1969) el investigador viaja a Madrid para seguir la pista de dos desaparecidas. La crítica ha visto en Pavón al padre de la novela policíaca española, y la muestra incluye referencias a su adaptación televisiva de los años setenta.

Con la democracia, la capital se convierte en un laboratorio narrativo para tensiones políticas y sociales. Manuel Vázquez Montalbán traslada a Pepe Carvalho a Madrid en Asesinato en el Comité Central y Asesinato en Prado del Rey, mientras Juan Madrid, Julián Ibáñez o Carlos Pérez Merinero tejen tramas en barrios y periferias; Jorge Martínez Reverte pasea a su periodista Julio Gálvez por museos y cafés con una marcada cartografía urbana.

En las décadas de los ochenta y noventa, Arturo Pérez-Reverte sitúa en la capital La tabla de Flandes y El maestro de esgrima, donde cultura, arte e intriga se entrecruzan. Madrid actúa como escenario simbólico y motor del suspense en estas obras.

En 1998 irrumpen los guardias civiles Bevilacqua y Chamorro, de Lorenzo Silva, con un ciclo que transita comisarías, juzgados y calles madrileñas. Sus novelas combinan denuncia social y retrato urbano, consolidando un puente entre tradición y renovación del género.

Desde 2010, el panorama se diversifica con Alicia Giménez Bartlett, Jerónimo Tristante, Marta Sanz o Carmen Mola, junto a la mirada nostálgica de Rafael Reig y el vértigo de la trilogía Reina Roja de Juan Gómez-Jurado. La nómina actual supera con holgura el medio centenar de autores, prueba de la vitalidad del noir madrileño.

Actividades paralelas: visitas guiadas, conferencias y talleres

La programación se extiende durante los meses de otoño con visitas guiadas los viernes y sábados, previa inscripción a través de la Central de Reservas. Todas las actividades son de acceso libre hasta completar aforo y algunas podrán seguirse por retransmisión en directo.

El ciclo de conferencias incluye la mesa redonda Madrid en Clave Negra con Eduardo Bastos, Marto Pariente y Rafael Guerrero (21 de octubre); la charla de Lorenzo Silva, En un lugar de la Mancha: las raíces mesetarias del noir (28 de octubre); y el encuentro Escritoras de novela… negra con Berna González Harbour, Rosa Montero y Marta Robles, moderadas por Joana Bonet (4 de noviembre).

Además, se ofrece un taller práctico de escritura sobre género negro dirigido por Fernando J. L. Monterrubio, orientado a técnicas narrativas, construcción de tramas e investigación documental aplicada a la ficción.

Cine: cinco adaptaciones para mirar Madrid en pantalla

El ciclo cinematográfico reúne cinco títulos clave: El clavo (Rafael Gil, 1944), Asesinato en el Comité Central (Vicente Aranda, 1981), Beltenebros (Pilar Miró, 1991), El maestro de esgrima (Pedro Olea, 1992) —con coloquio y la presencia de Assumpta Serna— y El alquimista impaciente (Patricia Ferreira, 2002). Las proyecciones son gratuitas hasta completar aforo.

Madrid, escenario y personaje

La exposición, comisariada por Tania Serrano Benítez con el asesoramiento de Lorenzo Silva, pone el foco en cómo Madrid ha consolidado su papel como escenario privilegiado del noir. Con piezas procedentes de fondos públicos y aportaciones externas, también evidencia la creciente recepción del género entre lectores y su proyección en cine, televisión y festivales.

Abierta con entrada gratuita y con programación complementaria, la propuesta invita a revisar cuatro siglos de relatos criminales situados en la capital, desde los antecedentes cervantinos hasta los autores contemporáneos. Quien se acerque a la Biblioteca Regional encontrará un paseo por la memoria negra de Madrid, con pistas, voces y miradas que han dado forma al imaginario del crimen literario.

La llegada de Morir en la arena confirma a Leonardo Padura como uno de los narradores clave del espacio hispano actual. Publicada por Tusquets, la novela apuesta por un pulso íntimo y social a la vez, con una historia que examina las heridas de una familia habanera y el reverso de medio siglo de vida en Cuba.

Lejos de la etiqueta de “negra” al uso, este libro parte de un suceso real y pone el foco en la violencia doméstica, la memoria y las consecuencias de la Historia en la gente corriente. La prosa de Padura, reconocible y sobria, mira de frente la precariedad y el desgaste moral sin renunciar a la humanidad de sus personajes.

Trama y claves de la novela

Rodolfo, marcado por la guerra de Angola y por un empleo gris y mal pagado, afronta la jubilación con la sensación de que nada cambia de verdad. Su vida está atravesada por un recuerdo imborrable: el asesinato de su padre, a martillazos, cometido por su hermano Geni, apodado Caballo Loco.

Tras décadas en prisión, Geni regresa a casa por un motivo humanitario: su salud está arrasada. Ese retorno obliga a destapar lo enterrado, activa una memoria sin consuelo y somete a todos a una convivencia asfixiante que dura apenas unos días pero se siente como un juicio final.

En ese escenario reaparece Nora, esposa de Geni y antiguo amor de Rodolfo; también orbitan los padres (Fermín y Lola), los abuelos (Quintín y Flora) y el amigo de la infancia, Raimundo Fumero, custodio de secretos que se niegan a desaparecer. La novela incorpora a las nuevas generaciones que emigran y sostienen a los suyos con remesas, con nombres propios que resuenan —como Aitana y Violeta— sin ocultar la deuda emocional que arrastran.

Padura levanta una estructura envolvente, en espiral, que enlaza cincuenta años de historia cubana: de la guerra de Angola a la caída del Muro, del llamado “período especial” a las penurias más recientes. La acción inmediata arranca en el verano de 2023, pero cada paso presente abre puertas a un pasado que no termina de pasar.

El retrato no ahorra sordidez —bares de mala muerte, apagones, esquinas sin salida—, aunque late una obstinada esperanza: incluso en el fango, algunas vidas intentan abrir surcos. El carácter testimonial de Mario Conde subraya que aquí la intriga es más moral que policíaca; lo esencial es cómo se convive con el miedo, la resignación y la expectativa —a veces ingenua— de una segunda oportunidad.

El regreso de la «oveja negra» acentúa el drama de una familia que funciona como microcosmos de la nación. Lo que sucede entre Rodolfo y Geni trasciende lo doméstico: es el eco de un país que aprendó a malvivir sin reconciliarse, con el derrumbe económico, espiritual y ético como telón de fondo.

Autor y lanzamiento: contexto y gira

Premio Princesa de Asturias de las Letras, traducido a más de treinta idiomas y creador del icónico Mario Conde, Padura publica Morir en la arena en plena madurez literaria. A pesar de ese prestigio, su figura resulta incómoda en Cuba: vive en Mantilla, La Habana, pero rara vez aparece en los medios estatales y sus libros se editan de forma irregular.

Su apuesta narrativa rebasa la etiqueta de novela negra. En esta entrega, el autor ofrece una mirada social y humanista que atraviesa la intimidad familiar para interrogar el tiempo compartido. Conde apenas pasa por la página, y, aun así, el universo Padura está intacto: memoria, lealtades rotas y la tensión de seguir adelante.

A comienzos de septiembre, el escritor inició una extensa gira de presentaciones organizada por Tusquets Editores. Tras el arranque en Madrid, el itinerario incluyó Barcelona, Zaragoza, Bilbao, Santander y Segovia; después llegó el turno de Salamanca, Valladolid y varias ciudades andaluzas, con salas llenas y notable cobertura mediática.

En Salamanca, en la librería Letras Corsarias, Padura conversó con el profesor Javier Sánchez Zapatero sobre la dimensión generacional de la novela. El intercambio destacó cómo la ficción condensa cincuenta años de vivencias cubanas a través de una familia.

Valladolid fue siguiente parada con Blacklladolid, festival literario celebrado en el castillo de Fuensaldaña. En diálogo con Carlos Zanón, el autor repasó su pasión por el béisbol, sus inicios y el lugar de la comida en su obra —seña distintiva de la serie de Conde—, y dedicó ejemplares a los asistentes.

De regreso a la capital, la Casa de América acogió un homenaje a Mario Vargas Llosa convocado junto al Festival Hispanoamericano de Escritores y la Comunidad de Madrid. J. J. Armas Marcelo, Rubén Gallo y Pilar Reyes compartieron recuerdos y colaboraciones; Padura evocó sus contadas coincidencias con el Nobel peruano y su admiración por novelas que en Cuba circularon de forma casi clandestina.

La gira continuó por Andalucía: Sevilla (Biblioteca Infanta Elena, con María Iglesias), Cádiz (Biblioteca Pública Provincial, con Alejandro Luque) y Córdoba (Biblioteca Pública Grupo Cántico, con Azahara Palomeque), en encuentros que desbordaron aforo.

En la recta final, el autor volvió a Madrid para sesiones en tres librerías: Rafael Alberti, con Susana Santaolalla; Fábula (Alcorcón), con el librero Ricardo Martínez; y La Central del Museo Reina Sofía, en conversación con José Ángel Esteban. El broche llegó en el anfiteatro de CCOO, con gran respuesta del público.

Padura, a las puertas de los 70, tiene previsto viajar a Colombia y regresar para asistir al Festival CIBRA de Toledo. La edición de Morir en la arena se pondrá en circulación en América hispana este mes, con la excepción de Cuba, donde la falta de papel ha frenado la publicación de sus últimos títulos.

Con una historia contenida en el tiempo de una semana y expandida por cinco décadas, la novela ofrece un retrato de personajes al límite que, entre rencores y lealtades, buscan el modo de no hundirse. En ese tira y afloja entre memoria y supervivencia, Morir en la arena propone una mirada sobria y empática a una familia —y a un país— que intenta levantarse sobre la misma tierra que lo erosiona.

El Teatro Real celebró el acto de entrega de sus galardones con una ceremonia sobria y cuidada en la que se reconoció la trayectoria de Ermonela Jaho y María Agresta. La cita, desarrollada en la Plaza de Oriente, reunió a artistas y equipo del coliseo madrileño en un ambiente de trabajo y admiración mutua.

En esta cuarta edición, las dos sopranos fueron protagonistas por partida doble: Agresta encarna a Desdémona en Otello de Verdi, actualmente en cartel, mientras que Jaho afronta la versión en concierto de Iris, con estreno previsto el 4 de octubre. La ceremonia subrayó el vínculo continuo de ambas con el escenario madrileño.

El acto y las protagonistas

El director artístico Joan Matabosch presidió la sesión, en la que el tenor Gregory Kunde entregó el premio a Ermonela Jaho y el maestro Daniele Callegari hizo lo propio con María Agresta. El formato, ágil y cercano, reforzó la idea de reconocimiento a una labor sostenida en el tiempo.

El Real informó previamente, en mayo, de los siete nombres distinguidos, y la institución optó por una entrega escalonada de los trofeos, conforme los artistas regresan a Madrid para sus compromisos. Esta fórmula permite encajar la agenda de producciones y conciertos, y a la vez subrayar el valor de cada homenaje.

Jaho llega al premio en pleno trabajo para Iris, de Pietro Mascagni, mientras Agresta sostiene el pulso de Otello, de Giuseppe Verdi. Las dos intérpretes, con personalidades vocales muy distintas, comparten una presencia continuada en el coliseo y un alto grado de compromiso artístico con el repertorio italiano.

La sintonía con el público del Real quedó patente en los aplausos y muestras de afecto, aunque el acto mantuvo un tono institucional, centrado en la excelencia lírica y en el trabajo conjunto de equipos artísticos y técnicos.

Trayectorias en el Teatro Real

Ambas cantantes inauguraron la pasada temporada con Adriana Lecouvreur en doble reparto, un proyecto que evidenció el alto nivel vocal y la adaptación dramática de cada una. Aquella apertura de curso fue un punto de apoyo para su continuidad en el Real.

En el caso de Ermonela Jaho, su huella en Madrid incluye títulos como La traviata, Madama Butterfly, La bohème, Thaïs y La voix humaine. Además, ha compartido su experiencia con jóvenes intérpretes en el programa Crescendo de la Fundación Amigos del Real, acercando técnica y sensibilidad interpretativa a nuevas generaciones.

María Agresta ha firmado destacadas intervenciones en Norma, Il trovatore, Don Carlo, Tosca y Médée. Su Desdémona actual consolida una relación artística de largo recorrido con el teatro, en la que ha alternado papeles belcantistas y repertorio verdiano con solvencia y estilo.

El perfil internacional de ambas sopranos y su convivencia con el público madrileño explican la coherencia del reconocimiento, ajustado a trayectorias sólidas y en plena vigencia escénica.

Otros galardonados y su vínculo con el Real

Junto a Jaho y Agresta, esta edición distingue a Malin Byström, Piotr Beczala, Ludovic Tézier, William Christie y Laurent Pelly, todos con trabajos especialmente significativos en el coliseo. El conjunto de nombres ofrece una panorámica diversa del panorama lírico actual.

El público del Real descubrió a Malin Byström con Capriccio (2019) y volvió a verla en una perturbadora Erwartung, ambas con la firma escénica de Christof Loy. En esos proyectos se apreció su versatilidad dramática y potencia vocal.

El tenor polaco Piotr Beczala debutó en Madrid con Faust en la imaginativa producción de La Fura dels Baus, y su paso por el Real ha coincidido con hitos como el homenaje a Alfredo Kraus (2014), la Messa da Requiem de Verdi en la Catedral de Burgos (2022), la reposición de Aida (2022) o la primera presentación en Madrid de Halka, una referencia de la tradición romántica polaca.

El barítono Ludovic Tézier ha intervenido en montajes como Un ballo in maschera (2008), Le nozze di Figaro (2009), I puritani (2016), Il trovatore (2019) o Rigoletto (2024), además de un concierto reciente donde mostró su dominio del gran repertorio de Verdi y Wagner.

Fundador en 1979 de Les Arts Florissants, William Christie es una referencia en el barroco: ha recuperado repertorios de los siglos XVII y XVIII, impulsa programas formativos como la Académie du Jardin des Voix y mantiene estrecha relación con el Real, donde ha dirigido L’Orfeo, Il ritorno d’Ulisse in patria, L’incoronazione di Poppea, Ariodante, Dido and Aeneas y Médée.

Por su parte, Laurent Pelly es uno de los directores escénicos más valorados por el público del teatro. Su nombre aparece ligado a Los maestros cantores de Núremberg —candidata a Mejor Nueva Producción en los International Opera Awards— y a trabajos muy celebrados como La hija del regimiento, Hansel y Gretel, El gallo de oro, Falstaff, Viva la mamma! e Il turco in Italia.

Proyección y próximos pasos

El calendario del Teatro Real prevé seguir entregando los Premios a los artistas restantes a medida que retornen al coliseo por motivos de agenda. Esta fórmula, habitual en la casa, permite reconocer de forma individual a cada galardonado y reforzar su conexión con el público.

Más allá de los nombres, los premios consolidan la proyección internacional del Real y su capacidad para atraer grandes voces, directores y creadores escénicos. La combinación de repertorio, nuevas producciones y actividades educativas refuerza un perfil institucional con identidad propia en el circuito operístico.

Con el foco puesto en la labor de Ermonela Jaho y María Agresta, la ceremonia dejó una imagen clara: el Teatro Real continúa tejiendo una red de colaboraciones artísticas que sostienen la vida del teatro día a día, a la vez que distingue a quienes han contribuido a su excelencia escénica.

Atresmedia ha fijado la llegada de Las hijas de la criada a su plataforma: el primer episodio se verá en Atresplayer el domingo 30 de noviembre. La ficción desembarca con formato de temporada cerrada y un plan de estrenos progresivo en la OTT antes de su pase en abierto.

La serie traslada a la pantalla la novela de Sonsoles Ónega, ganadora del Premio Planeta, y se presenta tras enseñarse en foros como el FesTVal de Vitoria y el Iberseries Platino Industria, donde se mostró su primer avance y material promocional.

Fecha de estreno y cómo seguirá su emisión

La plataforma de Atresmedia activará el lanzamiento el 30 de noviembre, con un estreno semanal cada domingo hasta completar la temporada. Siguiendo la estrategia habitual del grupo, tras su disponibilidad en la OTT, la producción dará el salto a Antena 3 en prime time en una fecha posterior.

El proyecto llega acompañado de tráiler y póster oficiales, y mantiene el foco en el público seriéfilo que sigue las grandes apuestas de ficción histórica del sello Atresmedia.

Trama y escenarios

Ambientada a comienzos del siglo XX, la historia se sitúa en el pazo de Espíritu Santo y en una Cuba de pasado colonial. En ese entorno nacen dos niñas: Clara, hija de la criada Renata, y Catalina, heredera de la poderosa familia Valdés. Un acto de venganza altera su destino para siempre, articulando un relato de identidades cruzadas y silencios que pesan.

El telón de fondo lo aportan la lucha de clases, los amores prohibidos, la ambición y los secretos, con especial atención al papel restringido de la mujer en la época. Inés Lazariego, gallega que ha vivido en Cuba y Nueva York, regresa para levantar un aserradero con su esposo Gustavo Valdés y terminará rompiendo moldes al convertirse en la primera patrona de una conservera, apoyada por Clara en su ascenso.

La narrativa combina realismo con pinceladas de elementos mágicos que ya definían el universo literario, y aprovecha localizaciones naturales para reforzar el choque entre tradición, modernidad e intereses familiares.

Reparto y personajes

Verónica Sánchez encarna a Inés Lazariego y Alain Hernández a Gustavo Valdés, mientras que Carlota Baró da vida a Renata Comesaña, la criada cuyo vínculo clandestino con Gustavo origina el conflicto. Judith Fernández interpreta a Clara Alonso Comesaña y Martina Cariddi a Catalina Valdés, las dos jóvenes marcadas por un suceso oculto desde su nacimiento.

Completan el reparto Álex Villazán (Jaime Valdés Lazariego), Tomy Aguilera (Celso), Roque Ruiz (Braulio Barba), y un elenco coral con Álex Gadea, Xoel Fernández, Fede Pérez, Alicia Armenteros, Iolanda Muíños, Fran Nortes, Adrián Ríos, Carlos Villarino, Camila Bossa, Alba Loureiro y Alejandro Vergara, entre otros nombres conocidos de la ficción nacional.

Equipo creativo y producción

Dirigida por Menna Fité y Alejo Flah, la serie es una producción de Buendía Estudios Canarias con la participación de Atresmedia. Consta de ocho episodios de 50 minutos y se ha rodado en Galicia, Madrid y Canarias, combinando interiores cuidadísimos y localizaciones naturales.

El guion corre a cargo de Irene Rodríguez, Alba Lucío y Tatiana Rodríguez, con Montse García al frente del área de Ficción de Atresmedia y Sonia Martínez como productora ejecutiva. La coproducción ejecutiva la firma Lucía Alonso-Allende y la dirección de producción, Sara Muñoz.

En el apartado técnico destacan Chechu Graf e Iván Caso (dirección de fotografía), Jorge Fernández de Soto (diseño de producción), Javier González (sonido), Nathareth Colomina (vestuario), Patricia Rodríguez (maquillaje) y Mauro Gastón (peluquería). La música original es obra de Iván Palomares y el casting lo dirige Conchi Iglesias.

Del fenómeno editorial a la pantalla

El libro de Sonsoles Ónega supera el medio millón de ejemplares vendidos, acumula 20 ediciones y ha sido vendido para traducción en ocho países (Italia, Francia, Portugal, Rumanía, Bulgaria, Hungría, Mongolia y Rusia), lo que ha facilitado su salto audiovisual a través de Planeta Book & Film Rights.

La autora ha seguido de cerca el proceso de adaptación y ha compartido su satisfacción con el trabajo del equipo, hasta el punto de bromear con que el set parecía un “Hollywood gallego”. También ha adelantado que la versión televisiva introduce ajustes respecto a la novela y que el desenlace en pantalla no será calcado al del libro.

Con un reparto sólido, una producción de alto nivel y una materia prima literaria que ya ha conectado con miles de lectores, vocación de gran estreno de época, dispuesta a explorar los vínculos familiares, los secretos y las pasiones que atraviesan a los Valdés y a quienes orbitan a su alrededor.