El mundo del cómic se ha quedado sin una de sus voces más reconocibles: Gerry Conway, guionista legendario y cocreador de The Punisher, ha muerto a los 73 años. La noticia ha sacudido tanto a lectores como a profesionales de la industria, que estos días llenan redes sociales de mensajes de despedida y reconocimiento a una figura que cambió la forma de contar historias de superhéroes.

Según ha confirmado su esposa, Laura Conway, a diversas agencias y a través de un comunicado difundido por Marvel, el escritor falleció en Thousand Oaks (California) a causa de un cáncer de páncreas. El autor ya había hecho público en los últimos años que padecía esta enfermedad, que le obligó a pasar por varias hospitalizaciones, aunque en 2023 llegó a comentar que la había superado.

Un icono del cómic que marcó la cultura pop

En nombre de su familia, Marvel difundió un mensaje oficial en sus redes sociales y canales corporativos donde definió a Conway como “un tremendo icono del cómic que dio forma a la cultura popular”. En ese texto, la editorial recordaba que su trabajo tocó a millones de personas en todo el mundo, tanto lectores veteranos como nuevas generaciones que han descubierto sus historias en reediciones y plataformas digitales.

El editor jefe de Marvel Comics, C. B. Cebulski, destacó que Conway escribió prácticamente a todos los grandes héroes del Universo Marvel: desde Spider-Man hasta los Vengadores, pasando por Iron Man o Capitana Marvel. A su juicio, el legado del guionista ha dejado una huella “innegable e imborrable” en el género de los superhéroes tal y como lo conocemos hoy.

Desde la parte de DC, otro de los grandes polos del cómic estadounidense, tampoco tardaron en llegar las despedidas. Jim Lee, director creativo y presidente de DC Comics, subrayó que el trabajo de Conway en la editorial rival de Marvel fue “igualmente impactante y significativo”, y recalcó que ayudó a dar forma a personajes como Batman, Superman o la Liga de la Justicia de América, además de ser cocreador de Firestorm, Jason Todd o Power Girl.

Otros nombres destacados de la industria, como James Gunn, actual responsable de DC Studios, se sumaron a los homenajes en redes sociales. Gunn recordó que la influencia de Conway se deja notar aún hoy en cualquiera que trabaje con superhéroes, ya sea en viñetas, cine o televisión, y que buena parte de los arcos argumentales y personajes que se adaptan en la actualidad llevan su firma.

De adolescente fan a heredero de Stan Lee en Spider-Man

Gerry Conway nació en Brooklyn, Nueva York, el 10 de septiembre de 1952, en plena explosión del cómic de superhéroes en Estados Unidos. Formó parte de la primera generación de lectores que pasaron de ser fans a escribir profesionalmente sobre los personajes que admiraban, algo que hoy parece normal pero que en aquel momento fue toda una novedad.

Su primer trabajo acreditado llegó sorprendentemente pronto: a los 16 años publicó una historia de terror en la serie House of Secrets de DC, lo que abrió de golpe las puertas de la industria. A partir de ahí, Conway comenzó a colaborar tanto con DC como con Marvel, alternando encargos y ganando espacio en un medio dominado hasta entonces por guionistas de más edad.

El punto de inflexión llegó cuando, con apenas 19 años, asumió la tarea de escribir The Amazing Spider-Man, tomando el relevo de nada menos que Stan Lee. Para cualquier aficionado, ponerse al frente de la cabecera de Spider-Man ya sería el culmen de una carrera; para Conway fue solo el principio de una etapa que redefiniría al personaje y al propio cómic de superhéroes.

En esos años, la serie arácnida se convirtió en el laboratorio ideal para una nueva manera de narrar: más dramática, con consecuencias reales y un tono menos ingenuo que el propio de la llamada Edad de Plata. A través de Peter Parker, el guionista abordó temas más adultos y conflictos personales que iban mucho más allá del clásico esquema de héroe contra villano.

La noche que murió Gwen Stacy y el nacimiento de The Punisher

Si hay un capítulo que se repite en todos los obituarios dedicados a Conway es “La noche en que murió Gwen Stacy”, publicado en The Amazing Spider-Man nº 121. En esa historia, el Duende Verde arrebata la vida a la novia de Peter Parker, un giro narrativo que en su momento impactó a los lectores y que muchos críticos consideran el final simbólico de la inocencia en los cómics de superhéroes.

Conway fue quien defendió que los héroes también debían enfrentarse a pérdidas irreparables, algo que hoy parece evidente pero que en los años setenta rompió moldes. Esa decisión cambió para siempre la trayectoria de Spider-Man, dejó una cicatriz permanente en el personaje y abrió la puerta a historias más maduras y arriesgadas.

En esa misma etapa, el guionista introdujo a otro personaje clave: Frank Castle, más conocido como The Punisher, que debutó en The Amazing Spider-Man nº 129. Creado junto a los dibujantes John Romita Sr. y Ross Andru, este antihéroe marcado por la violencia y la venganza se alejó del prototipo clásico de justiciero y se convirtió en uno de los iconos oscuros de Marvel.

The Punisher, con su característica calavera en el pecho, fue concebido como un personaje moralmente ambiguo y profundamente traumado. Décadas más tarde, esa misma imagen sería apropiada por fuerzas del orden y grupos de extrema derecha, algo que el propio Conway criticó abiertamente. El escritor impulsó incluso una campaña para desvincular el símbolo de esos usos y apoyar causas como el movimiento Black Lives Matter.

Además de Gwen Stacy y The Punisher, la lista de creaciones de Conway en Marvel es amplia: cocrió al Chacal (Miles Warren), a Ben Reilly como clon de Peter Parker, la primera Ms. Marvel (Carol Danvers) y personajes ligados al terror como Man-Thing o Werewolf by Night. Buena parte del actual universo arácnido y muchas sagas modernas se sostienen aún sobre estas ideas surgidas en los años setenta.

Arquitecto de dos universos: su huella en Marvel y DC

Durante los primeros años setenta, la presencia de Conway en Marvel fue constante. Llegó incluso a ocupar brevemente el cargo de editor en jefe de la editorial en 1976, en una etapa de gran efervescencia creativa en la que la compañía consolidó muchas de las líneas que la convertirían en referente mundial.

Además de Spider-Man, el guionista pasó por otras colecciones de peso como Los Cuatro Fantásticos, Thor o El Increíble Hulk, reforzando la idea de que era uno de los pilares de la casa de las ideas. Su estilo mezclaba acción espectacular con conflictos íntimos, algo que más tarde influiría en la forma en que se plantean las adaptaciones cinematográficas y televisivas de estos héroes.

A mediados de los setenta, Conway dio el salto a DC Comics, demostrando una versatilidad poco habitual: pocos autores han tenido tanto peso en las dos grandes editoriales de superhéroes a la vez. En DC cocreó personajes como Firestorm, Power Girl, Jason Todd (el segundo Robin), Vixen, Steel, Vibe o el villano Killer Croc, que hoy son piezas importantes del imaginario de la compañía.

Su etapa al frente de Justice League of America se prolongó durante unos ocho años, convirtiéndose en uno de los guionistas más estables y reconocibles de la cabecera. Bajo su pluma, la Liga de la Justicia exploró conflictos internos, tensiones entre personajes y tramas de gran escala que servirían de inspiración para futuras sagas y adaptaciones animadas.

Uno de sus hitos más recordados fue el crossover Superman vs. The Amazing Spider-Man de 1976, considerado el primer gran cruce moderno entre las dos editoriales rivales. Aquel encuentro entre los dos superhéroes más populares del momento abrió un camino que luego seguirían otras colaboraciones puntuales entre Marvel y DC, y se convirtió en un cómic de culto para coleccionistas de todo el mundo, también en Europa.

Del papel a la pantalla: televisión, cine y proyectos recientes

Con el paso de los años, Conway fue ampliando horizontes más allá de las viñetas. Escribió dos novelas de ciencia ficción y trabajó en tiras de prensa como la de Star Trek, pero sobre todo dio el salto a la televisión y al cine, donde su experiencia en narrativa seriada encajó como anillo al dedo.

En la gran pantalla, aportó la historia base de películas como Fuego y hielo (Fire and Ice) y Conan el Destructor, dos cintas de fantasía de los años ochenta que hoy se ven con cierta pátina de culto. En ellas trasladó su gusto por los mundos imaginarios y los héroes atormentados, características también presentes en sus cómics.

En televisión, el guionista participó como escritor y productor en series tan conocidas como Diagnosis: Murder, Matlock, Father Dowling Mysteries o Law & Order, especialmente en la variante Criminal Intent. También dejó su sello en la animación, colaborando en proyectos como Batman: The Animated Series y Spider-Man: The Animated Series, que marcaron a toda una generación de espectadores europeos en los años noventa.

Pese a su intensa actividad en la pequeña pantalla, Conway nunca se desvinculó del todo del cómic. En años más recientes volvió a trabajar en títulos como The Amazing Spider-Man: Renew Your Vows o en historias de Carnage, demostrando que seguía conectado al pulso del medio y a las nuevas sensibilidades lectoras.

Su nombre apareció también en la prensa por motivos ajenos a las viñetas cuando, en 2022, impulsó una iniciativa para reapropiarse del símbolo de la calavera de The Punisher. La idea era contrarrestar su uso por parte de ciertos grupos policiales y extremistas y convertirlo en una imagen asociada a causas de justicia social, canalizando parte de los beneficios hacia movimientos como Black Lives Matter.

Reconocido por sus colegas y querido por los fans

Las declaraciones de los responsables de Marvel Studios también han puesto el foco en la dimensión humana de su trabajo. Kevin Feige, presidente del estudio, subrayó que Conway aportó una intensidad especial a sus guiones, capaz de entrelazar grandes hazañas heroicas con elementos cotidianos y emocionales que acercaban los personajes al lector medio.

Esa habilidad para dotar a los héroes de matices y vulnerabilidades es, según muchos analistas, una de las claves de por qué sus historias han envejecido tan bien y siguen reeditándose en mercados como el español y el europeo. No se limitó a cumplir con fórmulas, sino que empujó los límites de lo que era posible contar en un cómic comercial.

Desde el punto de vista personal, quienes convivieron con él lo describen como alguien muy cercano con su público. Su esposa recordó una de sus últimas firmas públicas de cómics, celebrada este mismo año, en la que, pese al cansancio y al dolor provocado por la enfermedad, decidió quedarse un par de horas más para asegurarse de que todos los aficionados en la cola pudieran llevarse su cómic dedicado y charlar unos minutos con él.

En entrevistas pasadas, Conway explicaba que solía escribir pensando en su “lado juvenil”, en ese lector interior que disfrutaba de las historias directas y heroicas de su infancia. Defendía que muchos adultos siguen leyendo cómics por la nostalgia de esa mirada más sencilla, aunque sus guiones demostraban que esa simplicidad aparente podía convivir con una gran carga dramática.

Tras su fallecimiento, le sobreviven su esposa Laura y dos hijas de matrimonios anteriores. Ella misma ha hablado del dolor de separarse de su “alma gemela”, aunque también ha querido remarcar la gratitud por el tiempo compartido y por una relación que, en sus palabras, cambió la vida de ambos.

La desaparición de Gerry Conway cierra el capítulo vital de un autor que, sin grandes alardes mediáticos, redefinió las reglas del cómic de superhéroes y dejó personajes, tramas y símbolos que siguen muy presentes en la cultura pop europea y mundial. Cada nueva lectura de la muerte de Gwen Stacy, cada aparición de The Punisher o de los héroes que ayudó a crear es, en cierto modo, una forma de mantener viva su voz en las páginas y en la memoria de los lectores.

Coincidiendo con el Día Internacional de la Danza, la Fundación SGAE ha hecho públicos los nombres de los finalistas de los 29º Premios Max de las Artes Escénicas, que se han consolidado como una de las citas imprescindibles del teatro y la danza en España. La edición correspondiente a la temporada 2025-2026 culminará el próximo 1 de junio con una gala en el Teatro Romano de Mérida, un escenario que se reafirma como referente para este tipo de celebraciones culturales.

De los 512 espectáculos que se inscribieron a concurso, 174 pasaron el primer corte y optaron a convertirse en candidatos. Tras el trabajo de distintos jurados territoriales y de un tribunal especializado, solo 34 montajes han logrado entrar en la fase final, sumando un total de 77 finalistas repartidos en 22 categorías competitivas. Esta criba deja una fotografía bastante precisa del estado actual de las artes escénicas en España, tanto en el ámbito del teatro como en el de la danza.

Unos Premios Max más amplios: 22 categorías en juego

En esta vigésima novena edición, los galardones organizados por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) a través de la Fundación SGAE introducen una novedad importante: se amplía el número de categorías en competición hasta las 22 modalidades. A las veinte habituales se incorporan dos apartados específicos para reconocer al mejor elenco de teatro y al mejor elenco de danza, una forma de destacar el trabajo conjunto de los repartos que sostienen cada producción sobre el escenario.

Esta ampliación permite que la mirada de los premios se vuelva más coral y menos centrada únicamente en nombres propios aislados, al poner el foco en el trabajo colectivo que sostiene cada espectáculo. Además, se da la opción de que quienes compiten en la categoría de Mejor autoría revelación puedan simultanear su presencia con candidaturas en Mejor autoría teatral o incluso en Mejor coreografía, lo que abre oportunidades a las nuevas voces creativas.

Los Premios Max mantienen, asimismo, sus tres trofeos de designación directa, que no pasan por votación en las fases competitivas: el Premio Max de honor, el Premio Max aplauso del público y el Premio Max aficionado o de carácter social. Con este esquema, se combinan reconocimientos a la trayectoria, al respaldo de los espectadores y a proyectos con un fuerte componente social o comunitario.

El propósito general de estos galardones sigue siendo impulsar y visibilizar el talento de los profesionales de las artes escénicas que trabajan en España, al tiempo que se promocionan los espectáculos que marcan la temporada. La colaboración del Ayuntamiento de Mérida, junto con otras instituciones públicas y privadas, refuerza la vertiente territorial y simbólica de una gala que vuelve a situar a la capital extremeña en el mapa cultural europeo.

Teatro: «Fuenteovejuna», «Los nuestros» y «La tercera fuga», en primera línea

En el apartado teatral, la competencia por el galardón a Mejor espectáculo de teatro está especialmente reñida. Las obras «1936» (Centro Dramático Nacional – INAEM, El Terrat de Produccions, Check-in Producciones), «El entusiasmo» (Buxman Producciones / Teatro Kamikaze junto al Centro Dramático Nacional), «Fuenteovejuna» (Compañía Nacional de Teatro Clásico), «La tercera fuga» (Teatre Nacional de Catalunya) y «Los nuestros» (Centro Dramático Nacional y Teatre Nacional de Catalunya) se disputan el máximo reconocimiento en la categoría.

De todas ellas, «Fuenteovejuna» y «Los nuestros» son las que acumulan un número mayor de nominaciones. La reinterpretación del clásico de Lope de Vega a cargo de la Compañía Nacional de Teatro Clásico compite no solo por el premio a mejor espectáculo, sino también por el de mejor elenco de teatro, mejor dirección de escena para Rakel Camacho Ríos, mejor composición musical para el equipo encabezado por Raquel Molano Aylagas junto a Pablo Miguel Peña de Huelva y Darío del Moral Martínez, y mejor diseño de vestuario, donde Rosa García Andújar firma el trabajo.

Por su parte, «Los nuestros», producida por el Centro Dramático Nacional (dependiente del INAEM) en colaboración con el Teatre Nacional de Catalunya, aparece en la lista de finalistas como uno de los títulos más presentes de la temporada. La dramaturga Lucía Carballal opta al premio de Mejor autoría teatral y a la Mejor dirección de escena por esta obra, que además coloca a Mona Martínez entre las aspirantes a Mejor actriz y a Miki Esparbé como candidato a Mejor actor.

El tercer gran nombre del año en teatro es «La tercera fuga», una producción del Teatre Nacional de Catalunya que acumula también varias candidaturas de peso. Opta a Mejor espectáculo de teatro, Mejor dirección de escena para Victoria Szpunberg, Mejor autoría teatral compartida con Albert Pijuan y Mejor actor por el trabajo de Ton Vieira. La combinación de texto contemporáneo, dirección y reparto ha situado este título entre los favoritos de la crítica y del jurado.

La categoría de Mejor autoría teatral se completa con las nominaciones de Santiago Cortegoso por «Reconversión» y el tándem formado por Victoria Szpunberg y Albert Pijuan por «La tercera fuga». En el apartado de Mejor autoría revelación, las miradas se centran en Elisa Forcano por «Zorra Dorada», Iván López-Ortega por «Taxidermia de una alondra» y Rosa Escrig por «Polígono», tres proyectos que combinan nuevas voces con propuestas escénicas arriesgadas.

Adaptaciones, música y dirección escénica: la otra cara del teatro

La labor de relectura de textos y de construcción estética también tiene su espacio propio en los Premios Max. En Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica compiten Ainhoa Amestoy por «Los cuernos de Don Friolera», Pablo Messiez por «Personas, lugares y cosas» y Xavo Giménez por «Yo soy 451». Se trata de trabajos que dialogan con materiales preexistentes, ya sean clásicos o contemporáneos, dotándolos de una nueva vida escénica.

La composición musical para espectáculo escénico también tiene un reconocimiento específico. En esta edición, la candidatura se reparte entre Fran Lasuen por la música de «La Maestra», el dúo formado por Modesto Lai y Alba Rubió por «Nozing» y el equipo integrado por Raquel Molano Aylagas, Pablo Miguel Peña de Huelva y Darío del Moral Martínez por su trabajo en «Fuenteovejuna». La presencia de propuestas que van desde el teatro musical a la revisión de clásicos muestra la importancia de la banda sonora en la experiencia escénica.

En la categoría de Mejor dirección de escena, la competencia se centra en tres nombres que han marcado la temporada: Lucía Carballal por «Los nuestros», Rakel Camacho Ríos por «Fuenteovejuna» y Victoria Szpunberg por «La tercera fuga». Sus trabajos ponen de relieve enfoques muy distintos sobre la puesta en escena, desde relecturas de textos clásicos hasta dramaturgias contemporáneas que exploran nuevas estructuras narrativas.

El diseño visual de los espectáculos también ocupa un lugar destacado. En Mejor diseño de espacio escénico y videoescena figuran Beatriz San Juan y Miquel Angel Raió por «1936» (espacio escénico y videoescena), Blanca Añón por «Orlando» (espacio escénico) y el colectivo Cube.bz por «Little Women». Estas candidaturas subrayan cómo la escenografía y el uso de la tecnología audiovisual se han convertido en piezas clave para la narración escénica actual.

El vestuario y la iluminación cierran el bloque técnico con categorías propias. En diseño de vestuario, los finalistas son Agustín Petronio por «Orlando», Pau Aulí Nadal por «Little women» y Rosa García Andújar por «Fuenteovejuna». En iluminación, compiten Ion Chávez por «La Maestra», Nuno Meira por «Orlando» y Pedro Yagüe por «Blaubeeren». Estos reconocimientos visibilizan la aportación de equipos que, aunque menos mediáticos, resultan decisivos a la hora de construir atmósferas y ritmos escénicos.

Interpretación: grandes nombres y nuevas caras

En el terreno interpretativo, la categoría de Mejor actriz reúne a tres intérpretes de amplio recorrido. Irene Escolar está nominada por su trabajo en «Personas, lugares y cosas», mientras que Lidia Otón compite gracias a su papel en «Los cuernos de Don Friolera» y Mona Martínez hace lo propio por «Los nuestros». Se trata de actuaciones muy diferentes que, sin embargo, comparten una fuerte exigencia emocional y una intensa presencia escénica.

En Mejor actor, el listado de finalistas está formado por Miki Esparbé por «Los nuestros», Ton Vieira por «La tercera fuga» y Xavo Giménez por «Yo soy 451». Las tres interpretaciones han llamado la atención del jurado por la solidez con la que sostienen el desarrollo dramático de sus respectivas obras, ya sea desde el protagonismo absoluto o como parte de una estructura coral.

Más allá de las categorías individuales, el reconocimiento al Mejor elenco de teatro adquiere un significado especial en esta edición. Aquí vuelven a aparecer como favoritas «1936» (Centro Dramático Nacional – INAEM, El Terrat de Produccions, Check-in Producciones), «Fuenteovejuna» (Compañía Nacional de Teatro Clásico) y «La tercera fuga» (Teatre Nacional de Catalunya), que comparten una apuesta por repartos amplios y por una fuerte cohesión del grupo en escena.

En cuanto a las propuestas más jóvenes, la categoría de Mejor espectáculo revelación señala a tres trabajos que han irrumpido con fuerza: «Taxidermia de una alondra», de Iván López-Ortega; «Torcidxs», de Ane Sagüés Abad (Las Nenas Theatre); y «Zorra Dorada», de Elisa Forcano y Barbecho Productions. Estas obras apuntan a nuevas líneas de creación que mezclan lenguajes, formatos y temas con una mirada generacional distinta.

Danza: una cosecha especialmente potente

Si el teatro presenta una lista de finalistas muy sólida, el apartado de danza no se queda atrás. La categoría de Mejor espectáculo de danza reúne a cinco trabajos que mezclan diferentes lenguajes coreográficos y contextos de producción. Son «Carrer 024», de Sol Picó; «Doma», de DDC Danza – Daniel Doña; «Faula», de Roser López Espinosa en coproducción con el Consorci Mercat de les Flors; «Folk as queer», de La Ikònica; y «No», de La Venidera, desarrollada con el apoyo del Centro Danza Matadero – Madrid Destino, el Festival Grec y Fira Mediterrània de Manresa, entre otras entidades.

Entre estos títulos, «Faula» ha logrado una presencia destacada gracias a su combinación de nominaciones a mejor espectáculo de danza, mejor coreografía para Roser López Espinosa y mejor intérprete masculino de danza para Genaro Cibils. Por su parte, «No» ha conseguido situar en primera línea tanto a sus coreógrafos, Irene Tena y Albert Hernández, como a los propios intérpretes, ya que ambos figuran también entre los finalistas en las categorías individuales de danza femenina y masculina.

El montaje «Carrer 024», de Sol Picó, también se ha hecho un hueco importante en las nominaciones. Además de competir como mejor espectáculo de danza, opta al premio de Mejor diseño de producción privada y al de Mejor elenco de danza, lo que refleja el nivel de cohesión de su equipo artístico y técnico. En esta misma categoría de elenco figuran igualmente «Faula» y «Folk as queer», subrayando el peso del trabajo grupal dentro del panorama de la danza contemporánea española.

En Mejor coreografía, los finalistas son Daniel Doña y Cristian Martín por «Doma», Irene Tena y Albert Hernández por «No» y Roser López Espinosa por «Faula». Son tres formas distintas de entender la creación coreográfica, que van desde la exploración del movimiento contemporáneo hasta la reelaboración de lenguajes más vinculados a lo popular o a lo híbrido entre estilos.

Intérpretes de danza y presencia territorial

Las categorías de interpretación en danza ponen el foco tanto en la consolidación de carreras como en la aparición de nombres que empiezan a sonar con fuerza. En la categoría femenina, las finalistas son Elisa Forcano por «Zorra Dorada», Irene Tena por «No» e Isabel Vázquez Torres por «Zambra de la buena salvaje». La doble presencia de Tena —como coreógrafa y como intérprete— ilustra el cruce frecuente entre creación y ejecución en la escena actual.

En la categoría de Mejor intérprete masculino de danza, los nominados son Albert Hernández por «No», Genaro Cibils por «Faula» y Juan Berlanga por «Juancaballo». La candidatura de Berlanga supone, además, una representación destacada de la provincia de Jaén, ya que el bailarín y coreógrafo, natural de Úbeda, se ha convertido en el único finalista jiennense entre los 77 nombres seleccionados este año.

El reconocimiento a los elencos en bloque se concreta en la categoría de Mejor elenco de danza, en la que compiten «Carrer 024», «Faula» y «Folk as queer». Esta distinción subraya el valor del trabajo coral en piezas donde la química entre los intérpretes y la construcción conjunta de la escena son tan importantes como la brillantez individual de cada bailarín o bailarina.

La dimensión territorial de los premios se aprecia también en la variedad de procedencias de las compañías y de los centros de creación implicados: desde el Teatre Nacional de Catalunya y el Centro Dramático Nacional hasta espacios como el Mercat de les Flors, La Venidera o el Centro Danza Matadero. El mapa resultante muestra una red de producción que se extiende por distintos puntos del Estado y que cuenta con apoyos tanto institucionales como independientes.

Infantil, calle, musical y producción privada: la diversidad de formatos

Los Premios Max no se limitan al teatro de sala ni a la danza contemporánea. La categoría de Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar reúne tres propuestas pensadas para llegar a espectadores de distintas edades: «¡Soy salvaje!», de La Maquiné; «El bosque de Coco», de La Buena Compañía; y «La Maestra», de Anita Maravillas & Portal 71. La inclusión de este apartado, ya consolidado, evidencia la importancia de cuidar la creación escénica dirigida a la infancia y juventud.

El teatro de calle también tiene su propio espacio con la categoría de Mejor espectáculo de calle, donde compiten «Gota», de Txema Muñoz; «Triplette», de LaBú Teatre y Cris Clown; y «Welcome & Sorry», de Ganso&Cía. Son producciones que trasladan la experiencia escénica más allá de los recintos habituales, conquistando plazas y espacios urbanos y acercando el teatro a públicos que quizá no frecuentan las salas convencionales.

En Mejor espectáculo musical o lírico, los finalistas son «Hacia ecos de lo sagrado», de Nao d’amores; «Nozing», de Ual·la; y «Opereta Imaginaria», de Centaure Produccions y el Centre de les Arts Lliures – Joan Brossa. Estas piezas combinan música en directo, dramaturgia y a menudo un trabajo vocal exigente, situándose en un terreno híbrido entre el teatro hablado, la ópera de cámara y el musical contemporáneo.

La categoría de Mejor diseño de producción privada reconoce el esfuerzo de compañías y productoras independientes en la gestión y materialización de sus montajes. En este apartado figuran El Aedo Teatro por «Poeta (perdido) en Nueva York», La Cubana por «L’amor venia amb taxi» y Sol Picó por «Carrer 024». Son proyectos que, más allá de lo artístico, suponen un reto logístico y económico importante y que dan buena muestra del dinamismo del sector privado en las artes escénicas.

El conjunto de estas categorías muestra hasta qué punto los Premios Max aspiran a ofrecer un panorama diverso de formatos y públicos, que va desde el espectáculo familiar hasta la experimentación musical, pasando por propuestas concebidas para espacios no convencionales. Esta diversidad se percibe también en el abanico de compañías, desde estructuras consolidadas hasta grupos emergentes.

La gala de Mérida y los premios especiales

Para el público que no pueda desplazarse hasta Mérida, la retransmisión correrá a cargo de RTVE, que ofrecerá la ceremonia a través de La 2, el Canal Internacional y la plataforma RTVE Play en streaming. De este modo, se garantiza que tanto profesionales del sector como espectadores interesados puedan seguir en directo el desarrollo de la gala y conocer de primera mano el palmarés definitivo.

Junto a las categorías competitivas, la organización mantiene los premios especiales de designación directa. El Premio Max de honor de esta edición recae en Jesús Cimarro, productor, gestor cultural y empresario teatral con una larga trayectoria al frente de proyectos que han contribuido a consolidar el tejido escénico español. Su elección como homenajeado pretende reconocer una carrera sostenida en el tiempo y un compromiso continuado con el sector.

El Premio Max aplauso del público se otorgará al espectáculo que haya cosechado un mayor respaldo de la audiencia, tomando como referencia la asistencia masiva de espectadores y la permanencia en cartelera de la producción. Este galardón pone el acento en la respuesta del público, un indicador clave para medir la salud del sector más allá de los criterios estrictamente artísticos o técnicos.

El tercer reconocimiento, el Premio Max aficionado o de carácter social (en modalidad aficionado en 2026), se destina a proyectos que trabajan a favor de la integración, la inclusión y la proyección social a través del teatro y la danza, así como a compañías no profesionales que realizan una contribución sobresaliente en su ámbito. Con este premio, los Max subrayan que las artes escénicas también desempeñan un papel relevante en la cohesión social y en la construcción de comunidad.

Con su 29ª edición, los Premios Max de las Artes Escénicas reafirman su papel como principal termómetro del teatro y la danza en España, ofreciendo una fotografía amplia que combina grandes instituciones públicas, compañías independientes, propuestas de calle, espectáculos familiares y piezas de investigación coreográfica. La lista de 77 finalistas surgida de 512 espectáculos inscritos evidencia tanto la vitalidad del tejido escénico como la diversidad de lenguajes y formatos que conviven en la escena actual, y sitúa la gala de Mérida como una cita clave para medir hacia dónde se encamina el sector en los próximos años.

La provincia de Valladolid volverá a teñirse de negro y de alta costura con la nueva edición de Blacklladolid, el festival que fusiona novela negra y moda en un mismo escenario. En su sexta convocatoria, tras su quinta edición en Fuensaldaña, el certamen regresa al castillo de Fuensaldaña con una programación que se desarrollará del 16 al 20 de septiembre, reforzando su sitio en el calendario cultural español.

El encuentro se ha consolidado como una de las citas culturales más destacadas del país, gracias a un formato que mezcla diálogos literarios, diseño, música en directo y una cuidada selección de invitados. En esta ocasión, la propuesta crece con nuevos guiños al público, como la presentación en exclusiva de la próxima novela de César Pérez Gellida y un programa de actos que combina sesiones de tarde y de mañana.

Un festival que vuelve al castillo de Fuensaldaña

La presentación oficial de esta sexta edición se ha celebrado en la sede de la Diputación de Valladolid, donde el presidente provincial, Conrado Íscar, ha ejercido de anfitrión acompañado por los escritores Dolores Redondo y César Pérez Gellida, ambos impulsores y padrinos del proyecto. Los tres han destacado la madurez que ha alcanzado Blacklladolid y la buena respuesta del público en años anteriores.

El castillo de Fuensaldaña volverá a ser el epicentro de todas las actividades entre el 16 y el 20 de septiembre, con su patio y sus espacios interiores convertidos en escenario para las conversaciones entre autores, diseñadores y periodistas. La idea es mantener el espíritu presencial del festival, sin renunciar a una retransmisión en streaming que permite seguir el programa desde cualquier punto.

Antes de que arranque oficialmente la programación, el día 15 se ha previsto un aperitivo literario muy especial: César Pérez Gellida presentará en primicia su nueva novela, titulada «La piel de una gota». Será una especie de regalo para el público vallisoletano y para los seguidores del certamen, que podrán conocer los primeros detalles de este lanzamiento antes de que llegue a las librerías.

Las entradas para esta edición se pondrán a la venta en breve a través de la página web oficial, www.blacklladolid.es, donde también se centralizará el acceso al streaming. Como en años anteriores, la organización mantiene así un modelo híbrido que facilita la asistencia tanto física como virtual.

Literatura de primer nivel: el cartel de autores

El apartado literario vuelve a ser uno de los grandes reclamos del festival, con un cartel que reúne a nombres clave de la narrativa en España. Entre los invitados figuran Clara Sánchez, Juan Luis Arsuaga, Paloma Sánchez-Garnica, Javier Castillo, Carla Montero, Dolores Redondo, María Dueñas y Sonsoles Ónega.

La escritora Clara Sánchez, miembro de la RAE y ganadora de los premios Planeta, Nadal y Alfaguara, inaugurará las conversaciones de tarde el miércoles 16. Su participación se presenta como uno de los platos fuertes de la jornada inaugural, en la que dialogará con invitados del ámbito musical y del diseño vinculados al grupo vallisoletano Siloé.

El jueves 17 será el turno del paleoantropólogo y escritor Juan Luis Arsuaga, uno de los mayores divulgadores científicos del país y codirector del proyecto de Atapuerca. Su presencia aporta una mirada distinta dentro del género negro y del ensayo, abriendo el foco a temas científicos y de evolución humana que conectan con un público muy amplio.

El viernes 18 por la tarde llegará la sesión con Paloma Sánchez-Garnica, reconocida por sus novelas históricas y ganadora del Premio Planeta. La autora, que el año anterior no pudo asistir por motivos personales, recupera ahora su cita con el público de Blacklladolid.

La jornada del sábado 19 se dividirá en doble horario. Por la mañana, el protagonismo será para Javier Castillo, uno de los autores más leídos del thriller español contemporáneo, con varios millones de ejemplares vendidos y adaptaciones audiovisuales de sus obras. El escritor compartirá escenario con una de las diseñadoras invitadas, en un formato que combina charla y reflexión sobre procesos creativos.

Por la tarde, el relevo lo tomarán Carla Montero y Dolores Redondo, que se sentarán juntas para conversar sobre novela histórica, misterio y los puentes que se tienden entre ambos géneros. La obra de Montero, con fuerte base documental y un estilo muy evocador, dialogará con el universo de la novela negra de Redondo, referente internacional gracias a la Trilogía del Baztán.

El domingo 20, cierre del festival, contará con un trío muy esperado: Sonsoles Ónega, María Dueñas e Irene de la Cuesta. Ónega, periodista y escritora premiada, compartirá sus últimas novedades editoriales, incluida su obra galardonada con el Premio Planeta. Dueñas, por su parte, regresará a Blacklladolid como invitada muy querida y recibirá el reconocimiento del certamen a una trayectoria que cambió el panorama editorial con «El tiempo entre costuras».

La moda como coprotagonista del certamen

Si algo distingue a esta edición es la presencia de la moda como eje creativo al mismo nivel que la literatura. El festival ha reunido a un grupo de diseñadoras, modelos y profesionales del sector que compartirán escenario con los autores para explorar cómo se construyen las identidades de los personajes a través de su vestuario.

Entre los nombres confirmados figura Amaya Arzuaga, una de las diseñadoras españolas con mayor proyección internacional, que ha presentado sus colecciones en pasarelas de ciudades como París, Nueva York o Milán y ha sido reconocida con el Premio Nacional de Moda. Su participación subraya el peso del diseño en este programa.

La diseñadora Natalia Esgueva, responsable del vestuario del grupo Siloé y creadora de piezas para figuras conocidas del cine y la televisión, también formará parte de las conversaciones. Esgueva aportará la visión de quien se mueve entre la moda, la música y el ámbito escénico, conectando directamente con la faceta más visual del festival.

En el terreno de la moda nupcial y de ceremonia estará presente Silvia Fernández, con una trayectoria de más de dos décadas desde su atelier en El Bierzo. Su trabajo combina la tradición artesanal con una sensibilidad contemporánea que la ha posicionado como referencia en su sector.

La programación incluye, además, a Rosana Largo, diseñadora y artista que fusiona moda y pintura y que ha impulsado iniciativas como «La provincia de Valladolid viste su patrimonio», reinterpretando elementos históricos de la zona en clave actual. Su enfoque encaja con la vocación del festival de poner en valor el territorio.

Completan el cartel la modelo y empresaria Estefanía Luyk, que aportará su experiencia en pasarela y comunicación de marca; y la vallisoletana Irene de la Cuesta, diseñadora especializada en moda nupcial y de ceremonia, que ha levantado su propio atelier en la Plaza Mayor de Valladolid y colabora habitualmente en eventos como la Seminci o los Premios Goya.

Un programa que marida literatura, moda y música

La estructura de Blacklladolid se basa en encuentros a dos o tres voces, en los que un autor o autora comparte escenario con uno o varios representantes del mundo de la moda. De este modo, se generan diálogos en torno a la creación de personajes, la construcción de atmósferas o la forma en que la ropa ayuda a contar historias, tanto en la narrativa como en la pasarela.

Así, durante la tarde del miércoles 16, Clara Sánchez se sentará con Fito Robles y Natalia Esgueva, uniendo literatura, música y diseño de vestuario en una misma conversación. Se abordará cómo se visten los personajes en la ficción, pero también cómo se construye la imagen de un grupo musical a través de la ropa y la estética.

El jueves 17, la combinación será entre Juan Luis Arsuaga y la diseñadora nupcial Silvia Fernández. En su caso, el diálogo girará en torno a la divulgación científica, la narrativa y la manera en que el atuendo puede ayudar a definir épocas, contextos y símbolos.

Para el viernes 18 está prevista la pareja Paloma Sánchez-Garnica y Amaya Arzuaga, que unirán novela histórica y alta costura. La cita permitirá ahondar en cómo se recrean periodos pasados, tanto en la escritura como en la moda, y en qué medida el vestuario se convierte en un elemento narrativo más.

El sábado 19 por la mañana, Javier Castillo y Rosana Largo compartirán escenario para hablar de thriller, procesos creativos y la dimensión plástica del diseño. Por la tarde, tomará el relevo un trío muy especial: Dolores Redondo y Carla Montero, acompañadas por Estefanía Luyk, en una sesión que cruzará novela negra, ficción histórica y experiencia en pasarela.

El domingo 20, Sonsoles Ónega cerrará la parte literaria con una conversación en la que hablará de su obra más reciente y de su trayectoria narrativa. A continuación, se dará paso a una sesión práctica con Irene de la Cuesta, que mostrará en directo procesos de patronaje y construcción de prendas, y se contará también con la presencia de María Dueñas, que volverá al escenario de Blacklladolid para reencontrarse con el público.

Música en directo y conducción de lujo

Una de las novedades de esta sexta edición es la presencia reforzada de la música. Fito Robles, vocalista de la banda vallisoletana Siloé, participará no solo en las charlas, sino también con actuaciones en directo en las que interpretará algunos de los temas más conocidos del grupo. Su intervención suma una capa sonora a la experiencia del festival.

La conexión entre el universo de Siloé y el certamen se ve reforzada por la participación de Natalia Esgueva, responsable de su vestuario escénico, que aportará la visión de cómo se construye la imagen de un proyecto musical desde el diseño de moda. Esta doble presencia permite abordar el espectáculo desde dentro, tanto desde el escenario como desde la trastienda.

En cuanto a la conducción de los actos, Blacklladolid vuelve a confiar en Raquel Martos para moderar las conversaciones literarias. Periodista, guionista y escritora, Martos se ha convertido en un rostro habitual del festival, encargándose de dinamizar los diálogos con los autores y de generar un clima cercano con el público.

Las sesiones centradas en la moda estarán en manos de María Ramos, periodista especializada que repetirá como presentadora en esta área. Su papel será el de guiar las entrevistas con diseñadoras, modelos y profesionales del sector, ayudando a explicar procesos creativos y tendencias sin perder el tono divulgativo.

Este tándem de presentadoras contribuye a dar cohesión al programa, manteniendo un estilo de conversación ágil y accesible, en el que tanto los asistentes presenciales como quienes siguen el festival en streaming pueden sentirse parte del encuentro.

Una cita consolidada y con vocación solidaria

Desde sus inicios, Blacklladolid ha ido creciendo hasta convertirse en un referente nacional dentro de los festivales dedicados a la novela negra, distinguiéndose además por su apuesta por el diálogo con otras disciplinas. El salto hacia la moda como eje temático ha sido uno de los factores que han dado personalidad propia al certamen.

Durante la presentación, tanto Dolores Redondo como César Pérez Gellida subrayaron que cada vez son más los autores interesados en participar y que, en palabras de la propia Redondo, «ya hay cola» para sumarse al programa. Desde la organización se interpreta este interés como un síntoma de la buena salud del proyecto.

El presidente de la Diputación, Conrado Íscar, destacó que el festival «se ha consolidado» y que es «un éxito», reforzando la idea de que Blacklladolid no es ya una iniciativa experimental, sino una cita fija en la agenda cultural de la provincia y del conjunto de España.

El certamen mantiene también su vertiente solidaria, con colaboraciones ya habituales con entidades como Aspace Valladolid y la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC). Estos lazos se materializan en acciones concretas a lo largo del año, como la elaboración de calendarios solidarios y otras iniciativas de apoyo.

Gracias a la retransmisión íntegra vía streaming y a la venta de entradas en su web, Blacklladolid amplía su alcance más allá del público local, permitiendo que lectores y aficionados a la moda de toda España e incluso de otros países europeos puedan seguir las charlas y presentaciones.

Con un programa que combina grandes nombres de la literatura, figuras de referencia en la moda, música en directo y una clara vocación de apertura y compromiso social, Blacklladolid afronta su sexta edición en el castillo de Fuensaldaña como un evento ya maduro, con personalidad propia y margen para seguir creciendo dentro del panorama cultural español.

La escritora canaria Inés Cardoso Albarracín se ha convertido en la gran protagonista de la II edición de los Premios de Literatura de Puy du Fou España al alzarse con el primer galardón gracias a su obra La traición de Tenesoya. El relato, centrado en un episodio clave de la conquista de las Islas Canarias, ha logrado imponerse en un certamen que ha reunido a más de un millar de participantes de todo el país.

Con esta distinción, el concurso literario impulsado por el parque temático Puy du Fou España, en Toledo, consolida su apuesta por la narrativa histórica y por descubrir nuevas voces capaces de acercar la Historia de España al gran público. La victoria de Cardoso supone, además, un importante espaldarazo para la creación literaria que se hace desde Canarias en el contexto nacional.

Quién es Inés Cardoso y qué cuenta «La traición de Tenesoya»

Natural de Las Palmas de Gran Canaria, Inés Cardoso Albarracín ha visto cómo su nombre se abre paso en el panorama literario gracias a un texto que combina documentación histórica y una gran carga emocional. La traición de Tenesoya se adentra en uno de los momentos más delicados de la historia del Archipiélago: el proceso de conquista y choque entre las poblaciones indígenas y el poder castellano.

El relato se articula en torno a una protagonista joven que vive dividida entre dos realidades, obligada a reconstruir su identidad mientras su mundo se transforma de forma irreversible. A partir de esa mirada íntima, la autora aborda temas como la lealtad, la pertenencia, la supervivencia y el desgarro de pertenecer a culturas enfrentadas.

El jurado ha destacado la fuerza narrativa y la complejidad emocional de la obra, subrayando su capacidad para mantener la tensión y construir un personaje cargado de matices. Sin convertir la historia en una mera lección académica, el texto logra sumergir al lector en el clima de la época y en las consecuencias personales de las grandes decisiones políticas y militares.

En paralelo al trasfondo histórico, el relato se nutre de la tradición insular ligada a la figura de Tenesoya, una princesa indígena cuya leyenda refleja el impacto de la conquista en las vidas individuales. El eco de estos episodios se convierte en materia literaria que mira al pasado, pero también interpela al lector actual sobre la identidad y la memoria.

La leyenda de Tenesoya y el contexto de la conquista de Canarias

La inspiración de Cardoso se vincula con la leyenda de la princesa Tenesoya, sobrina de Tenesor Semidán, considerado el último rey aborigen de Gran Canaria. Según la tradición, la joven fue raptada y llevada a servir en la casa de doña Inés Peraza, esposa del conquistador Diego de Herrera, en un claro ejemplo de cómo la conquista afectó de forma directa a las élites indígenas.

Tras su conversión al cristianismo, Tenesoya regresó a la isla en el marco de un intercambio de prisioneros, pero ya transformada por completo: se sentía extraña respecto a sus raíces, distante de las antiguas costumbres y marcada por su nueva fe y su experiencia de cautiverio. Esa fractura interior entre el origen y la vida impuesta es uno de los elementos que más peso tiene en el universo simbólico del relato.

El texto no se limita a recrear un episodio exótico del pasado, sino que se adentra en el proceso de transformación cultural y personal que se produce cuando dos mundos chocan de manera violenta. A través de la protagonista, la obra examina qué se pierde, qué se conserva y qué se reinventa cuando una sociedad se ve sometida a una presión histórica irreversible.

En este escenario, la autora utiliza la conquista de las Islas Canarias como espejo para reflexionar sobre identidad, pertenencia y memoria colectiva. El territorio canario, a menudo relegado en los grandes relatos históricos peninsulares, aparece aquí como un espacio central donde se ponen en juego decisiones que marcarán el futuro de generaciones enteras.

Un certamen en crecimiento: más de 1.300 manuscritos

La II edición de los Premios de Literatura de Puy du Fou España ha registrado una participación de 1.363 obras procedentes de distintos puntos de la geografía española. Todas las piezas debían tener como eje común algún episodio o periodo de la Historia de España, entendido en un sentido amplio y abierto a diferentes enfoques narrativos.

El certamen, concebido como un concurso libre e independiente de alcance nacional, se ha propuesto desde su creación descubrir nuevos autores y contribuir a que la historia del país siga siendo contada y reinterpretada desde la ficción. En solo dos convocatorias, las cifras sitúan al premio como una referencia para quienes trabajan la narrativa histórica desde perspectivas diversas.

Según la organización, este incremento de manuscritos refleja un interés sostenido por la ficción histórica y un notable volumen de escritores que encuentran en este género un espacio creativo accesible. El premio, con una dotación económica relevante para el ganador, se convierte también en un incentivo para que muchos autores den el paso de presentar sus textos y someterlos al juicio de un jurado especializado.

Además del impacto en el entorno literario, la convocatoria contribuye a reforzar la imagen de Puy du Fou España como espacio cultural que va más allá del espectáculo escénico. La literatura se suma así al abanico de formatos a través de los cuales el parque trata de acercar la historia al público general.

Así se eligió la obra ganadora

Para gestionar el elevado número de propuestas, la organización puso en marcha un proceso de lectura jerarquizado. En una primera fase, un equipo de preselección se encargó de revisar todos los manuscritos atendiendo a criterios básicos de estructura, coherencia interna y adecuación al contexto histórico escogido.

Las obras que superaron ese primer filtro pasaron a manos de un jurado especializado, que valoró aspectos como la tensión narrativa, el desarrollo de los personajes, la calidad del lenguaje y la forma de integrar la documentación histórica en la trama sin lastrar el ritmo del relato.

En la fase final, se tuvo también en cuenta la viabilidad editorial y el potencial de lectura, descartando textos que, pese a tener buenas ideas, quedaban lastrados por tramas demasiado lineales, anacronismos o un manejo poco fluido del tiempo narrativo. En ese contexto competitivo, La traición de Tenesoya destacó por su equilibrio entre rigor documental y dinamismo.

La impresión general, según destacan desde el entorno del premio, es que el volumen de manuscritos demuestra que la escritura histórica goza de buena salud y que muchos autores trabajan con ambición literaria más allá de la mera recreación de batallas o figuras ilustres. La obra ganadora se enmarca precisamente en esa línea, al optar por un enfoque íntimo y emocional sin perder de vista el contexto amplio.

Entrega de premios y miembros del jurado

La ceremonia de entrega se celebró en las instalaciones de Puy du Fou España, en Toledo, en un acto en el que se puso el acento en la importancia de la palabra escrita como herramienta para entender el pasado. Durante el evento, la organización subrayó que la literatura permite matizar y humanizar episodios históricos que, de otro modo, podrían quedar reducidos a fechas y grandes nombres.

El jurado de esta segunda edición ha estado presidido por el escritor y periodista Antonio Pérez Henares, figura habitual en el ámbito de la narrativa histórica española. Junto a él han participado personalidades del mundo cultural y literario como Luis Zueco, Almudena de Arteaga, María Reig, Elvira Roca Barea y Javier Rioyo, entre otros.

Este grupo de expertos ha sido el encargado de examinar la calidad de los trabajos finalistas y consensuar el fallo, en un proceso que busca mantener la independencia del certamen y garantizar que el premio se concede sobre la base de criterios literarios y de rigor histórico.

En sus intervenciones, tanto miembros del jurado como representantes del parque resaltaron la necesidad de seguir apoyando iniciativas que vinculen cultura, historia y creación, especialmente en un contexto en el que los hábitos de lectura se han transformado y los lectores buscan nuevas formas de acercarse al pasado.

Dotación económica y otros relatos premiados

El primer premio obtenido por Inés Cardoso está dotado con 10.000 euros, una cantidad que sitúa al certamen en un rango atractivo para autores que se dedican a la narrativa histórica o que quieren abrirse un hueco en este campo. Junto a la dotación económica, la obra ganadora formará parte de un libro recopilatorio con los textos premiados, que se publicará más adelante.

Hasta que ese volumen llegue a las librerías, los relatos no están disponibles para su lectura pública, por lo que el interés se centra de momento en las sinopsis e indicaciones facilitadas por la organización. En el caso de La traición de Tenesoya, esa información ya ha bastado para situar el texto entre las propuestas más comentadas de esta edición.

El segundo premio, con una dotación de 3.000 euros, ha recaído en Manuel Vidal Alejandre, de Alicante, por Niños comiendo uvas y melón, un relato ambientado en el Madrid del Siglo de Oro que entrelaza arte, ambición y miseria para ofrecer una reflexión sobre la dignidad humana. El tercer premio, de 2.000 euros, ha sido para César Carballeda Moreno, de Castellón, por Una parcela muy valiosa, situado en la Hispania romana y centrado en la ciudad de Cástulo (Linares).

Completan el palmarés un cuarto y un quinto premio, ambos dotados con 1.000 euros cada uno. El cuarto ha sido para Beatriz Álvarez Díez, de Madrid, por El último capitán, que se adentra en figuras como Álvar Fáñez y en valores como la lealtad o el sacrificio en un contexto de inestabilidad política. El quinto lo firma Benedicto Martínez Hernández, de Salamanca, con La nao del fin del mundo, un texto que revisita la expedición de Magallanes y Elcano desde una óptica íntima y centrada en las emociones de sus protagonistas.

Con este reparto de galardones, el certamen muestra una amplia variedad de escenarios históricos que abarcan desde la antigüedad romana hasta la expansión marítima y los siglos áureos, pasando por episodios menos presentes en los manuales escolares, como la conquista de Canarias.

La edición de este año deja un mensaje claro: la Historia de España sigue siendo un terreno fértil para la ficción, y voces como la de Inés Cardoso, con su mirada sobre Tenesoya y el Archipiélago canario, aportan nuevas capas de complejidad a un pasado que aún guarda muchas historias por contar.