Escritura creativa: concepto, características y tipos

by | Ene 5, 2025 | Cultural | 0 comments

Juan Ortiz

Escritura creativa concepto, características y tipos

Escritura creativa concepto, características y tipos

La escritura creativa es una disciplina que trasciende las convenciones de la comunicación escrita habitual, permitiendo a los autores explorar su imaginación, expresar emociones y crear mundos ficticios o reinterpretar la realidad. A diferencia de la escritura técnica, académica o periodística, la creativa se centra en el estilo, la forma y la narración como vehículos para comunicar ideas y conectar con los lectores en un nivel emocional profundo.

Este tipo de escritura abarca una amplia gama de géneros y formatos, desde novelas, cuentos y poesía, hasta guiones, ensayos personales y blogs. Asimismo, en ella prima la creatividad sobre el objetivo informativo o académico que nada tienen que ver con la Literatura. A través de este artículo veremos sus orígenes, los elementos que la conforman y cómo aplicarla.

Orígenes e importancia de la escritura creativa

La escritura creativa tiene raíces antiguas que se remontan a las primeras formas de narración oral y escrita. Las historias, mitos y poemas épicos de culturas ancestrales fueron las primeras manifestaciones de este arte. Con el tiempo, evolucionó para incluir diferentes formas literarias que reflejan las experiencias humanas y los contextos culturales de sus autores.

Sin embargo, el concepto de «escritura creativa» sí cuenta con tiempos más cuantificables. Este se originó en el siglo XX, en las instituciones educativas y literarias —particularmente de Estados Unidos—. Por ejemplo. La Universidad de Iowa suele utilizarse como referente para definir la escritura creativa, sobre todo por su implementación de la «Iowa Writers’ Workshop» en 1936.

Aunque como práctica el concepto se originó en el norte, su nombre tiende a estar asociado con el escritor argentino Jorge Luis Borges, quien definió el oficio como: «Escribir es un modo de soñar, y uno tiene que tratar de soñar sinceramente. Uno sabe que todo es falso, pero es cierto para uno. Es decir, cuando yo escribo estoy soñando, sé que estoy soñando, pero trato de soñar sinceramente».

Importancia de la escritura creativa

Son muchos los aspectos en lo que interviene la práctica de la escritura creativa. Entre ellos, ayuda a:

Fomentar la empatía

Al leer historias o poemas, los lectores pueden experimentar perspectivas distintas a las suyas, desarrollando una mayor comprensión del mundo y de los demás, lo que, al mismo tiempo, contribuye a elevar sus niveles de empatía por el resto de las personas.

Estimular la imaginación

Tanto para el autor como para el lector, la escritura creativa abre puertas a mundos desconocidos y posibilidades infinitas. Para poder apreciar los escenarios y contextos de mejor manera, el que disfruta o practica la escritura creativa se ve obligado a trabajar su imaginación, ejercitándola como un músculo.

Preservar la cultura

A través de la escritura, se documentan costumbres, creencias y tradiciones que pueden ser transmitidas a futuras generaciones. En suma, se trata del archivo de la historia del mundo.

Ofrecer una vía de expresión personal

Muchos escritores encuentran en este arte una manera de procesar sus emociones, reflexionar sobre sus vidas o comunicar ideas complejas a sus congéneres.

Elementos fundamentales de la escritura creativa

Aunque esta práctica no tiene reglas estrictas, hay ciertos elementos que suelen ser comunes y esenciales para su éxito:

1.     Originalidad

La creatividad implica salir de lo convencional para presentar ideas, historias o emociones de manera única. Esto puede lograrse mediante personajes complejos, tramas inesperadas o estilos de escritura distintivos.

2.     Imaginación

Como mencionamos anteriormente, la escritura creativa permite explorar mundos y escenarios que van más allá de la realidad. Por ello, un autor puede crear universos de fantasía, distopías futuristas o reinterpretar eventos históricos, y convertir estos, por contradictorio que parezca, en algo verosímil.

3.     Narrativa

La narración es el corazón de la escritura creativa. Esta incluye aspectos como la estructura de la historia, el desarrollo de personajes, el diálogo y el conflicto. Una buena narrativa mantiene al lector enganchado y emocionalmente involucrado.

4.     Estilo y voz

Cada escritor tiene una forma única de expresarse. En este sentido, la voz literaria refleja la perspectiva y personalidad del autor, mientras que el estilo incluye el uso de elementos técnicos, como el lenguaje, ritmo y tónica.

5.     Emoción

La escritura creativa busca evocar sentimientos en los lectores, ya sea alegría, tristeza, miedo o asombro. Este aspecto emocional es clave para conectar con la audiencia.

Géneros propios de la escritura creativa

1.     Ficción

La ficción contiene historias inventadas que pueden ser realistas o fantásticas. Algunos subgéneros comunes son:

Novela

Obras narrativas extensas que desarrollan historias complejas y personajes profundos.

Cuento

Historias cortas con tramas concisas y un impacto emocional rápido.

Microrrelato

Narraciones extremadamente breves que capturan momentos o ideas poderosas en pocas palabras.

2.     Poesía

La poesía es un género que se enfoca en la estética del lenguaje, utilizando rima, ritmo y recursos retóricos para transmitir emociones o reflexiones. Puede ser tradicional o libre en su creación. Por ello funciona tan bien dentro de la práctica de la escritura creativa.

3.     Ensayo creativo

El ensayo creativo combina hechos con un estilo narrativo o reflexivo. Es común en memorias, autobiografías y relatos personales.

4.     Guiones y obras de teatro

Los guiones son textos escritos para cine, televisión o teatro. Requieren un enfoque específico en los diálogos, las acciones de los personajes y las indicaciones escénicas.

5.     Escritura experimental

Este tipo de escritura rompe con las convenciones tradicionales. Puede incluir prosa poética, narrativas no lineales o combinaciones de medios, como texto e imagen.

Beneficios de practicar la escritura creativa

Escribir de manera creativa ofrece una serie de beneficios personales y profesionales que pueden ser aplicables desde el día uno. Entre los más importantes se encuentran los siguientes:

Desarrollo personal

Ayuda a los escritores a explorar sus pensamientos y emociones, promoviendo la autorreflexión y el autoconocimiento.

Mejora de habilidades comunicativas

La práctica constante perfecciona la capacidad de articular ideas y contar historias.

Resolución de conflictos

Crear historias implica solucionar conflictos narrativos, lo que puede mejorar la habilidad de resolver problemas en la vida cotidiana.

Oportunidades profesionales

Desde la publicación de libros hasta el trabajo en industrias creativas como el cine o la publicidad, la escritura creativa puede abrir puertas a diversas carreras en el mundo laboral.

Cómo empezar con la escritura creativa

Leer ampliamente

La lectura de diferentes géneros y estilos expande el conocimiento y enriquece el vocabulario. Además, impulsa a comprender el proceso de oros autores y enseña los recursos que estos utilizan en sus obras. En este contexto, la lectura siempre será el primer factor indispensable a la hora de sentarse a escribir. Por otra parte, también resulta importante tener consciencia de la calidad de lo que se lee.

Practicar regularmente

Establecer un hábito de escritura, incluso si son solo unos minutos al día, es clave para mejorar en el oficio.

Experimentar

Probar diferentes géneros, estilos y técnicas permite descubrir la propia voz.

Buscar retroalimentación

Compartir textos con otros escritores o lectores ayuda a identificar áreas de mejora.

Aceptar el error como parte del proceso

No todas las historias o poemas serán éxitos, pero cada intento es una oportunidad para aprender.

Desafíos comunes y cómo superarlos

1.     Bloqueo del escritor

El bloqueo creativo es un problema frecuente para todos los artistas. En pos de superarlo, se puede cambiar de ambiente, realizar ejercicios de escritura automática o buscar inspiración en nuevas experiencias. Tomar pausas para realizar otras actividades también puede servir.

2.     Miedo al juicio

Muchos escritores temen la crítica, y esto es natural. Es necesario recordar que el arte es subjetivo y que cada autor tiene una audiencia potencial puede ayudar a superar este temor.

3.     Falta de tiempo

Equilibrar la escritura con otras responsabilidades puede ser difícil. No obstante, es posible crear un horario y priorizar momentos para ejercitar el oficio. Esto facilita la dedicación al arte.

La escritura creativa en la era digital

En la actualidad, la escritura creativa se ha adaptado a nuevas plataformas y formatos. Blogs, redes sociales y páginas de autopublicación ofrecen a los escritores oportunidades para compartir su trabajo con una audiencia global. Además, herramientas digitales como procesadores de texto avanzados, aplicaciones de escritura y comunidades en línea permiten la colaboración y el aprendizaje continuo.

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Anselm: Wim Wenders y el mito dentro de Kiefer

by | Ene 3, 2025 | Cultural | 0 comments

El cine documental de Wim Wenders no alcanza, en cuanto a número de títulos, a su producción de ficción, pero comienza a no quedarse demasiado lejos, y buena parte de ellos han tenido que ver con creadores, sobre todo músicos y cineastas; los más recientes han sido para el fotógrafo Sebastião Salgado y la coreógrafa Pina Bausch. El primero que dedica a un artista plástico podemos verlo ya en cines y su protagonista es Anselm Kiefer, un autor con el que comparte generación y origen alemán, pero a priori no demasiadas inquietudes: si el pintor y escultor ha convertido el pasado de su país, real y mítico, en el eje de su trayectoria, la del cineasta, que también es fotógrafo, no puede entenderse sin su atención a geografías y culturas diversas -desde los ochenta reside parte de su tiempo en Estados Unidos-.
Anselm es un filme de pocas palabras y extensos paisajes y prácticamente al único a quien escucharemos será a Kiefer, de modo que en esta película no habrá más mediación que la mirada de Wenders, que nos conduce por las naturalezas desde las que aquel ha desplegado su obra y por sus extensísimos talleres -por el actual, en la Provenza, llega a trasladarse en bicicleta-, llevándonos de uno a otro a medida que avanza su carrera. El resto de palabras las ponen poemas estrechamente ligados a sus trabajos y a sus reflexiones, entre ellos Fuga de muerte de Paul Celan, un intento hercúleo de lírica tras el Holocausto: Negra leche del alba la bebemos por la tarde/ la bebemos al mediodía y en la mañana la bebemos de noche/ bebemos y bebemos/ cavamos una tumba en los aires donde no hay opresión.
Nacido en marzo de 1945, muy poco antes de que finalizara la II Guerra Mundial, creció este autor en un teórico tiempo nuevo, pero nunca ha querido ni podido sustraerse ni a la historia de su país, desde la antigüedad a Auschwitz, ni a los mitos, comprendiendo que las leyendas explican en buena medida el pasado, el de todos seguramente y también el alemán. A la hora de bucear en lo ocurrido no se ha fiado excesivamente de archivos y registros, puede que por entenderlos más parciales, e inexactos por concretos, sino de lo puramente irracional: su vía para aproximarse a lo ancestral, a las mentalidades difusas de ayer, ha sido la empatía más que los escritos. La filosofía y la poesía tienen su lugar, evidentemente, en ese proceso ambiguo que ha derivado en paisajes heroicos de connotaciones simbólicas; evocaciones singulares, y no exentas de patetismo, a Wagner, los nibelungos y Parsifal; y recreaciones de tierras abrasadas o campos abiertos a muchas interpretaciones, para todos aunque especialmente para quienes comparten con el autor un conocimiento íntimo de la cultura alemana y vivencias necesariamente cercanas al trauma de 1939.
Es complicado saber si a Kiefer le puede más la piedad y el arrepentimiento hacia esos capítulos tan recientes o su amor por el mito y lo irracional: Wenders lo graba trabajando con texturas densas y con combinaciones poco usuales de materiales (quema, opera con grúas, cuenta con un grupo de ayudantes) para generar pinturas que conjugan la monumentalidad y el cariz reflexivo. La melancolía que da título al grabado más célebre de Durero puede situarse en el germen de su visión de un patrimonio contaminado por el totalitarismo y de su frecuente meditación sobre las ruinas como fuente de inspiración: las encontramos tanto en sus motivos arquitectónicos como en los componentes de sus obras (plomo, aquella ceniza…) y a veces parecen tener un significado alegórico ligado a la vanidad del ser humano en general y del artista en concreto. La grandeza romántica es revivida, también en los vacíos vestidos femeninos del inicio, asociados a mujeres primigenias -de Popea a Octavia y Safo-, para después dejarse resquebrajar por el tiempo y sus embates.
El sentido de la ligereza con el que opera Wenders, en el conjunto de sus trabajos y en el manejo aquí de la cámara, que por momentos parece mecida por el viento, contrasta con la gravedad persistente de las creaciones de Anselm, quien durante décadas ha hurgado en el pasado más pesado, y reproduce el cerebro con metástasis de Heidegger, y recita a la poeta Ingeborg Bachmann, cuyos versos también transmiten sobre todo dolor (y fue amante tormentosa de Celan).

Además de una oportunidad para conocer mejor esas raíces, casi sin fin conocido, de la obra de Kiefer, este documental es una ocasión para reflexionar sobre otro asunto del que tampoco será posible extraer conclusiones demasiado contundentes: la necesidad o no de ahondar en el pasado terrible para tratar de comprender. Se refería a esta cuestión, hablando precisamente de este autor, Siri Hustvedt en La mujer que mira a los hombres que miran a las mujeres: al hilo de la serie Ocupaciones, en la que Anselm se fotografiaba mano en alto en distintas localizaciones, recordaba que su madre, noruega y conocedora de las consecuencias de la ocupación nazi en ese país, había quedado muy impactada al ver un hombre con uniforme de las SS décadas después y ya en Estados Unidos.
En los ochenta, la necesidad o el deseo de Kiefer de intentar entender por qué tantos quedaron cautivados por la retórica del nacionalsocialismo a través de la recreación le obligó a dar muchas explicaciones en los medios: No me identifico con Nerón ni con Hitler… pero tengo que recrear, aunque solo sea un poco, lo que ellos hicieron para comprender mejor la locura. La escritora mencionaba a ese respecto al filósofo finlandés Pauli Pylkkö, quien ha afirmado que para penetrar en un asunto es necesario, hasta cierto punto, reexperimentar, o por lo menos fingir que se acepta lo que se está tratando de entender, una actitud que podría relacionarse con la suspensión de la incredulidad momentánea que implica ver una película de ficción. Es un planteamiento peliagudo, porque esos viajes pueden no ser inocuos, pero esta incomodidad forma parte de la escala de grises en la que opera Kiefer, de su continuo ejercicio de puesta en cuestión y de su entrelazamiento de lo personal, lo histórico y lo mítico.
 

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Última llamada: los rostros del Turuñuelo, hasta febrero en el Museo Arqueológico Nacional

by | Ene 3, 2025 | Cultural | 0 comments

La localidad pacense de Guareña conserva el yacimiento de Casas del Turuñuelo, que desde hace años viene proporcionando datos importantes a los arqueólogos estudiosos de la cultura tartésica. Un edificio allí encontrado mantiene sus dos plantas constructivas, conectadas por una escalera monumental que enlazaría la superior con el patio, y en este último se han hallado restos que prueban un numeroso sacrificio de animales, sobre todo caballos. Dicho patio se abre a otra amplia estancia, llamada habitación de las gradas, donde se dispuso la entrada principal a esta construcción, orientada hacia la salida del sol.
En cuanto a la planta superior, se organizó en torno a una gran sala en cuyo eje se construyó un altar en forma de piel de buey, que sería habitual en los altares tartésicos. Junto a dicho espacio se localizó la habitación del banquete, donde apareció la vajilla cerámica y los elementos de bronce empleados para la que sería la última comida ritual, previa a una posible huida a otro emplazamiento. Entre el material hallado destacan elementos de importación mediterránea, como una escultura de mármol griega, marfiles etruscos, vidrios de origen griego y púnico y, especialmente, los relieves que representan los rostros tartésicos. Tras el ritual del banquete y el sacrificio animal, el edificio fue incendiado y sellado con una capa de arcilla, preservándose de este modo hasta ahora.
Fue en la mencionada habitación de las gradas donde aparecieron esos fragmentos de piedra esculpidos en relieve, intencionadamente despiezados, que compondrían dos rostros femeninos. Se localizaron en cotas distintas, lo que probaría que fueron arrojados desde el piso superior, y es posible que, a medida que progresen las excavaciones, se encuentre el relieve de mayor tamaño del que podrían formar parte, que quizá albergue una escena de temática mítica.
Se trata, y de ahí su importancia, de los primeros rostros (conocidos) de Tarteso esculpidos en piedra, en el siglo V a.C.: hasta su hallazgo en 2023 se consideraba que esta cultura no fabricaba iconos; además, es evidente su calidad y el buen manejo del material. Estas piezas pueden contemplarse, hasta el 2 de febrero de 2025, en la Sala de Novedades Arqueológicas del Museo Arqueológico Nacional; a continuación regresarán al Museo Arqueológico de Badajoz.
Próximamente se presentarán, asimismo, los frutos del estudio de las obras en el Departamento de Investigación del Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE), mediante técnicas de imagen que incluyen fotografías del espectro visible, infrarrojo y ultravioleta, así como radiografías y análisis de los materiales con fluorescencia de rayos X y microscopía electrónica.
Uno de los rostros de la exposición. Museo Arqueológico y Paleontológico de la Comunidad de Madrid. Fotografía: Mario Torquemada
 
Uno de los rostros de la exposición. Museo Arqueológico y Paleontológico de la Comunidad de Madrid. Fotografía: Mario Torquemada
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Libros de Mercedes Ron

by | Dic 31, 2024 | Cultural | 0 comments

Encarni Arcoya

Mercedes-Ron Fuente_efeminista

Fuente: efeminista

Mercedes Ron es una de las autoras que ahora más está sonando gracias a la adaptación que Amazon Prime ha hecho de una de sus trilogías. Esto ha catapultado sus libros, y muchos han leído ya los tres que está adaptando la plataforma de streaming. Pero, en realidad, hay más libros de Mercedes Ron.

Si quieres saber algo más sobre la autora y, sobre todo, los libros que podrías leer de ella, entonces echa un vistazo a este recopilatorio que te hemos hecho, no solo para saber los libros, sino también para que puedas ver de qué va cada una de sus trilogías, sagas o bilogías. ¿Empezamos?

Quién es Mercedes Ron

Antes de nada, ¿conoces a Mercedes Ron? ¿Sabes quién es? Mercedes Ron es una escritora argentina-española. Nació en Buenos Aires y, gracias a Wattpad, donde publicó la trilogía Culpables de 2017 a 2018, se catapultó a la fama literaria. De hecho, fue a través de esta plataforma que las editoriales se fijaron en ella, hasta el punto de publicarle sus novelas.

Según Wikipedia, la primera de las novelas, Culpa mía, tiene más de 100.000 ejemplares vendidos, muchos más ahora que se ha adaptado a película por Amazon Prime.

Ha vivido la mitad de su vida entre España y el Reino Unido, por lo que puede hablar y entender a la perfección el español y el inglés. Se licenció en Comunicación audiovisual en Sevilla y empezó a escribir su primera novela tras ver el videoclip I knew you were trouble, de Taylor Swift.

En 2020 fue cuando empezó a publicar en Wattpad y lo hizo presentando al concurso The Wattys 2016 su primera novela, Culpa mía, que empezó a escribirla en 2012. Fue una de las ganadoras de esa edición y Wattpad sacó la novela en físico con el sello Montena de Penguin Random House.

En la actualidad, sus últimos libros datan de 2023, por lo que es probable que para 2025 salga algo más publicado de la autora, aunque todavía no se ha dicho nada.

Cuántos libros ha escrito Mercedes Ron

Tal y como te hemos dicho antes, Mercedes Ron es una de las autoras que ahora más se conoce, sobre todo por la adaptación, hasta ahora, de una de las trilogías que ha hecho, la trilogía Culpables. Amazon Prime ha sido la encargada de adaptar los libros Culpa mía y Culpa tuya, a falta del estreno de Culpa nuestra, lo que ha hecho que el nombre de la autora sea más reconocido y esté llamando la atención de muchos lectores, sobre todo femeninos.

Ahora bien, Mercedes Ron no solo tiene esos tres libros, en realidad tiene varios más. Hemos buscado en Wikipedia y esto es lo que nos hemos encontrado en su bibliografía:

  • Trilogía Culpables
    • Culpa Mía
    • Culpa Tuya
    • Culpa Nuestra
  • Bilogía Enfrentados
    • Marfil
    • Ébano
  • Trilogía Dímelo
    • Dímelo Bajito
    • Dímelo en Secreto
    • Dímelo con Besos
  • Saga Bali
    • 30 Sunsets para Enamorarte
    • 10.000 Millas para Encontrarte

Trilogía Culpables

Libros parecidos a Culpa mía

Dicen que del amor al odio solo hay un paso… Peligro, pasión, amor y fuerza. Polos opuestos. Así es la relación de Noah y Nicholas, fuego y electricidad. Cuando están juntos saltan chispas. Una trilogía imposible de dejar a medias. Únete al fenómeno #Culpables.

Esto es lo que se cuenta de esta trilogía. En ella, verás la evolución de los personajes principales, dos chicos a las puertas de la edad adulta que tienen que enfrentarse a sus sentimientos y a todo lo que puede ocurrir en la vida real para ver si su amor es lo suficientemente fuerte para resistir.

Se trata de tres libros románticos de una relación que, a priori, puede parecer imposible, pero, ¿realmente lo es? Los dos personajes tienen que ir madurando en las distintas novelas, y al final ver si realmente el amor que sienten el uno por el otro de verdad es un amor verdadero o solo una pasión.

Bilogía Enfrentados

La bilogía Enfrentados tiene como protagonistas a Marfil y a Ébano, la hija de un hombre rico y su guardaespaldas, un hombre que tiene que protegerla de los que intentan secuestrarla y matarla. Sin embargo, hay más que eso, porque hay un pasado del que Marfil no tiene idea, algo que puede hacer que la relación con Sebastián no pueda seguir adelante.

Trilogía Dímelo

Trilogía Mercedes Ron

La trilogía Dímelo es también romántica. En este caso vas a conocer a los hermanos Di Bianco. Ellos son los mejores amigos de la protagonista, pero también su perdición, porque para ella fueron su primer amor y su primer protector. Y los sentimientos están ahí.

Claro está, que ellos son dos, y ambos empiezan a sentir algo diferente en ella, una chica que, ahora que han vuelto, está cambiada y ya no es la niña que conocieron cuando eran pequeños.

¿Con cuál de los dos se quedará? Pues para eso tendrás que leer los libros, aunque ya te decimos que seguramente haya team Thiago y team Taylor.

Saga Bali

La saga Bali es la última que ha escrito la autora, publicándose en 2023. Hasta ahora no se sabe mucho sobre el número de libros que va a tener, por lo que muchos hablan de que solo sean dos.

A pesar de que hablamos de una saga, lo cierto es que los dos libros que hay ahora mismo en el mercado bien podrían entrar como bilogía, porque ambos se refieren a los mismos personajes: por un lado, Nikki, una joven que vivía en Bali; y Alex, un joven que llegó a ese país y revolucionó la vida de la chica con una historia romántica que se desarrolla en los dos libros, por ahora.

Ahora ya conoces cuáles son todos los libros de Mercedes Ron. El siguiente paso que debes dar si te gusta la autora es decidirte por cuál de las sagas o trilogías empezarás. Lo bueno es que todas ellas (excepto la saga Bali que no sabemos cuántos libros serán), están completas. Por lo que no vas a tener que esperar. ¿Has leído algo de ella? ¿Qué te han parecido? Déjanoslo en comentarios para animar a otros a leer sus libros (o no).

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Lo que Odilón Redon vio en el tiro de la chimenea

by | Dic 31, 2024 | Cultural | 0 comments

Es muy complicado elucubrar si el tipo de vida de un artista, incluso su estado civil, deja una huella más o menos rastreable en su obra; más que complicado, imposible de comprobar. Pero, seguramente prejuicios mediante, ante la pintura de Odilón Redon, habitada por criaturas fantasmagóricas en composiciones oscuras, cuando no aberrantes, raro sería quien pensara que el autor de Burdeos (1840-1916) llevaba una existencia familiar ordenada y plácida. Imaginaríamos a un pintor de personalidad próxima, quizá, a la de Baudelaire: conocedor del opio, la vida disipada, las alucinaciones, deseoso de viajar a lugares exóticos.
Y sin embargo, así era: Redon era un hombre, en lo que sabemos, felizmente casado, que durante tres décadas retrató a su esposa una y otra vez y que llegó a dejar escrito que puede conocerse la naturaleza de un hombre a través de su compañera o esposa. Toda mujer explica al hombre que la ama y viceversa: él explica la personalidad de ella (…). Creo que la mayor de las felicidades es siempre consecuencia de la mayor de las armonías.
Y aún resulta doblemente curioso que estas palabras no las afirmara tras un tiempo de felicidad matrimonial, sino nueve años antes de conocer a su mujer, Camille Falte; también dejó claro que la decisión de casarse con ella la tuvo más clara que cualquiera de las que adoptó como artista. Uno de sus maestros fue Rodolphe Bresdin, especializado en grabado, que dejó un testimonio (1864) que cuenta mucho sobre Redon sin mencionarlo: Mira este tiro de chimenea. ¿Qué te dice? A mí me cuenta una leyenda. Si tienes la perseverancia de observarlo bien y de comprenderlo, imagina el asunto más extraño, más estrafalario; si está basado en esta simple sección de pared y permanece dentro de sus límites, tu sueño cobrará vida.
El autor francés reflexionó sobre ese consejo, quejándose de quienes en un tiro de chimenea solo veían… un tiro de chimenea; en la recopilación de textos A sí mismo leemos que se refirió a ellos como auténticos parásitos del objeto que cultivaban el arte en un campo únicamente visual. Contraponía a estos un pequeño grupo de sus contemporáneos (probablemente, los primeros impresionistas), por seguir, en su propia expresión, el camino de la verdad en un bosque de altos árboles. No se unió a ellos, pues su estilo se resistía a etiquetas: alabó también a Ingres, por carecer de realidad, y a Bonnard, por su ingenio; consideraba que el arte verdadero no podía conformarse sólo con el campo visual, con menos que la totalidad de la misma verdad; de hecho, para él la creación empezaba con aquello que sobrepasa, ilumina o expande el objeto y abre la mente al reino del misterio.
Odilon Redon. Pegaso, hacia 1895-1900
Casualidad o no, ese objeto del tiro de la chimenea tiene bastante que ver con la producción de Redon: sus imágenes se suspenden en el aire y en flotación ascendente; incluso en su tierra firme las larvas se hacen crisálidas, después mariposas; las flores se desprenden de sus tallos y parecen flotar. Por eso le gustaban las capuchinas: ofrecen tonos vivos y, dispuestas en un florero, no se quedan tiesas sino que se inclinan y flamean; a lo mejor no las pintó más porque se lo ponían demasiado fácil (reducían su papel creador).
El contrapunto a esa tendencia ascendente lo detectamos en seres que no pueden volar: centauros que miran afligidos a la nube de la que proceden, ángeles caídos que buscan el paraíso perdido, otros maniatados, como puede que la misma humanidad; en una de sus obras fundamentales, vemos un globo aerostático decorado con un rostro humano noble y con ambiciones que traslada en su barquilla un mono escondido, representativo de lo que no podemos dejar atrás. Ese tema fue una obsesión para Redon, y lo vemos también en sus cabezas cercenadas: algunas flotan, otras quedan sobre una fuente, varias cuentan con quemadores de gas o contienen alas. No ruedan por tierra tras una ejecución, sino que simbolizan la mente elevada y separada del cuerpo. Sus retratos cortados a la altura del cuello irían en la misma dirección.
Odilon Redon. Ofelia entre las flores, 1905
Su fortuna crítica ha oscilado, pero ha sido sin duda favorable desde los años noventa, siendo objeto de un buen número de retrospectivas que han incidido en su continua experimentación con temas y técnicas; de hecho, no le interesaba, confesó, ningún pintor que tuviera claro su terreno, por dónde pisaba de antemano. Nos resulta llamativo, asimismo, que su oscuridad no aparezca al final de su trayectoria, sino desde el principio: parece que no quería que las sombras le rodearan, sino escapar de ellas, pues evolucionó desde sus paisajes más inhóspitos y las atmósferas melancólicas a las paletas fosforescentes, los azules lapislázuli, los pasteles. Incluso los sueños íntimos de los comienzos terminarían derivando en piezas más públicas.
Ha resultado relativamente fácil considerar su obra como un puente entre el romanticismo y el surrealismo, incluso como un cierto anticipo (gráfico) de los estudios de psicoanálisis; también establecer conexiones literarias (con Edgar Allan Poe, el mencionado Baudelaire, Mallarmé, Huysmans, Flaubert…). Se ha señalado que se adelantó en sus ensoñaciones a Magritte, Max Ernst e, incluso, a los caricaturistas de los años veinte, pero podemos afirmar que, aunque los lazos están ahí, nada debe analizarse desde el esquematismo.
En lo formal, estudiar sus composiciones ofrece desafíos. En sus inicios admiró a Millet, Corot y Moreau, pero cuando quiso orientar sus pasos hacia el estudio del natural, era tarde y no llegó a dibujar nunca el cuerpo humano con la misma destreza que su Árbol desmochado o su Árbol con cielo azul, con su tronco semiabstracto y su follaje como una bruma. Lo mismo le ocurría con las rocas, y sus figuras femeninas primeras se asemejan a tallas macizas, poco aerodinámicas. El interés de sus retratos posteriores no sería el parecido, más bien lo que los fondos translucen. En suma, lo que podría ser una falta en su formación académica, se convirtió en sello y en arma: solo admitía el uso de modelos si el fin del autor era buscar la belleza; si no, creía, no servían para nada.
Sus colores chisporrotean, sus formas nacen de la yuxtaposición y busca provocar inspiración, una elevación no precisamente espiritual, más bien germinada por la fantasía mutante.
Odilon Redon. Cíclope, hacia 1914
Odilon Redon. Cabeza de mártir sobre una copa (San Juan), 1877
 
 
 
BIBLIOGRAFÍA
Julian Barnes. Con los ojos bien abiertos. Ensayos sobre arte. Anagrama, 2018
Odilon Redon. A sí mismo. Diario 1867-1915. Elba, 2013
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Cómo escribir una historia

by | Dic 30, 2024 | Cultural | 0 comments

Juan Ortiz

Cómo escribir una historia

Cómo escribir una historia

Escribir una historia puede ser un proceso desafiante, sobre todo si tomamos en cuenta que la mayoría de nosotros nos hemos educado a través de ellas y que representan una parte fundamental de la cultura que nos precede. Esta razón suele llevarnos a sentir tanto respeto por el arte de hilar tramas, que somos capaces de quedar pasmados ante la sola idea de posar el lápiz sobre el papel.

¿Sabes cuál es la mejor cura para este mal?: aprender sobre técnicas de escritura. Es posible que, en principio, esto parezca abrumador, pero poco a poco, con la práctica, una trama ingenua puede llegar a ser una obra hecha y derecha. Ya sea que busques plasmar una idea para un cuento, una novela o incluso un guion, este artículo te guiará a través de los pasos esenciales para estructurar y desarrollar tu historia.

Pasos para escribir una historia

Paso 1: encuentra tu concepto generador

Toda historia, por pequeña que sea, comienza con una idea. La narración puede surgir de un pensamiento fugaz, un sueño, una experiencia personal o una pregunta hipotética. Cuando tengas a mano este recurso, dedícate a explorar más a profundidad todos sus matices, con el fin de desarrollar un concepto claro. Otros elementos en los que es recomendable indagar son:

  • Temas que te apasionen: por ejemplo, la lucha por la identidad, el amor prohibido o el miedo a lo desconocido;
  • Género: decide si escribirás ciencia ficción, terror, fantasía, drama, entre otros. De este va a depender el tono de la obra;
  • Personajes o escenarios interesantes: ¿qué ocurriría si un abogado debe viajar a un país lejano para ayudar a un viejo y misterioso aristócrata a comprar una casa en su terruño?;
  • No pienses en editar: escribe todas tus ideas sin juzgarlas. Más adelante podrás redefinirlas.

Paso 2: conoce a tus personajes

Los personajes de una historia son el corazón de esta. Los lectores se conectan con la trama a través de ellos y sus deseos, luchas y decisiones. Para crear más verosimilitud y profundidad en cada una de las voces narrativas o actores considera lo siguiente:

  • Perfil psicológico: ¿quiénes son tus personajes al principio de la trama?;
  • Objetivos: ¿qué quieren lograr?;
  • Conflictos: ¿qué les impide alcanzar sus metas?;
  • Historia de fondo: ¿qué experiencias han moldeado su forma de ser?;
  • Rasgos únicos: asegúrate de que cada personaje sea distinguible, tanto en su apariencia como en su forma de hablar y actuar;
  • Fichas de personajes: para resolver los dos puntos anteriores crea fichas donde marques detalles importantes acerca de tus protagonistas.

Nota:

Aquí puedes valerte de herramientas como Pinterest y Milanote, donde es posible buscar referencias de diversas apariencias de personas y diseñar esquemas, mapas mentales y mapas conceptuales de sus personalidades, respectivamente. También puedes servirte de nuestro artículo «Cómo hacer la descripción de un personaje».

Paso 3: diseña el mundo de tu historia

¡Ah, los escenarios!: sí, la ambientación de tu historia debe ser casi tan importante como la construcción de los personajes que la habitan. Para llegar a crear un mundo cautivador, piensa en estos componentes que te proponemos:

  • Entorno físico: ¿se desarrolla en un pequeño pueblo, una metrópolis futurista o un bosque tenebroso?;
  • Reglas del mundo: si es fantasía, horror o ciencia ficción, establece cómo funcionan la magia, las criaturas o la tecnología;
  • Clima y atmósfera: la forma en que se presenta un escenario es capaz de influenciar las acciones o sentimientos de los personajes. Por ejemplo, un entorno particularmente lluvioso podría generar melancolía o tensión.

Nota:

Si tienes la necesidad de diseñar un mundo ficticio puedes acceder a plataformas como World Anvil, Worldspinner, Azgaar’s Fantasy Map Generator, Watobou, Donjon, Inkarnate o Wonderdraft. Todos estos permiten crear mapas o escenarios para narrativa.

Paso 4: estructura tu historia

Aunque parezca pesado al principio, armar una estructura ayuda a que tu historia mantenga un ritmo que atrape al lector. En esta sección te presentamos las partes de una estructura clásica:

  • Introducción: presenta a los personajes principales, el escenario y el conflicto inicial;
  • Nudo o desarrollo: expande el conflicto, introduce obstáculos y desarrolla la relación entre los personajes y el entorno;
  • Clímax: se trata del momento de mayor tensión, donde el conflicto alcanza su punto culminante;
  • Desenlace: es aquí donde se resuelve el conflicto y se muestran las consecuencias de las decisiones de los personajes.

Nota:

Para desarrollar este apartado con más facilidad, es muy útil crear un esquema o guion preliminar que permita visualizar cómo se conectarán las escenas. Por obvias razones, mientras más larga sea la historia, mayor complejidad tendrá el esquema. A los autores que trabajan con esto se les conoce como «escritores de mapa», pues están más orientados a organizar toda la información en recursos visuales.

Paso 5: escribe el primer borrador

Con tus ideas claras y un esquema en mano, comienza a escribir. En esta etapa no debes preocuparte por la perfección. Mejor enfócate en:

  • Escribir sin detenerte: deja fluir las ideas sin pensar en los errores;
  • Evitar autocensurarte: permítete cometer deslices técnicos;
  • Establecer una rutina: dedica un tiempo regular para escribir tu historia (esto no tiene que ser todos los días o por largos períodos. Todo depende del ritmo y estilo de vida de cada autor);
  • Goza de la imperfección de tu manuscrito: un primer borrador suele tener muchos defectos, pero es una base sobre la que trabajarás más adelante.

Paso 6: revisa y edita

La edición es donde transformas tu borrador en una historia pulida. Para muchos, es la mejor parte, para otros, se puede convertir en una pesadilla. Estas consideraciones te ayudarán a atravesar esta etapa con más calma:

  • Revisa la ortografía: esta tiende a ser la tarea más sencilla, pero no por ello es menos importante. La buena ortografía suma maestría al texto;
  • Examina la coherencia: asegúrate de que los eventos tengan sentido y los personajes actúen de manera consistente con respecto a su situación, personalidad y entorno;
  • Elimina lo innecesario: quita escenas o descripciones que no aporten nueva información a la historia;
  • Afina el lenguaje: mejora el diálogo, las descripciones y la narrativa en general. Aquí puedes practicar tu estilo y voz personal;
  • Pide retroalimentación: comparte tu historia con lectores beta para obtener opiniones. En este período, la intervención de un corrector de estilo y editor profesionales es de mucha ayuda.

Paso 7: perfecciona el comienzo y el final

El inicio y el final de tu historia son cruciales. El primero debe enganchar al lector, mientras que el segundo debe dejar una impresión duradera. A veces, cuando comenzamos una trama, no estamos seguros de cómo terminará, y puede llegar a haber incongruencias en dichas secciones. Estos son algunos pasos que te ayudarán a fomentar la coherencia:

  • Inicio: introduce un conflicto interesante o una situación intrigante. Establece el tono y el estilo.
  • Final: resuelve el conflicto principal. Ofrece una reflexión o deja abierta la posibilidad para futuras historias, si corresponde.

Paso 8: publica tu historia

Cuando estés satisfecho con tu obra, decide cómo compartirla:

  • Plataformas en línea: sitios como Wattpad o Medium permiten publicar historias de manera gratuita y llegar a una amplia audiencia;
  • Concursos literarios: participar en competiciones puede darte reconocimiento y feedback;
  • Autopublicación: publica tu libro en formato físico o digital a través de plataformas como Amazon Kindle Direct Publishing;
  • Editoriales: envía tu manuscrito a editoriales tradicionales si prefieres un enfoque clásico.

Nota:

En nuestros artículos «Cómo publicar un libro» y «Cómo maquetar un libro» puedes hallar información de valor que profundiza más en estos aspectos de la escritura.

Consejos finales

  • Lee, lee y lee: estudia cómo otros autores construyen sus historias. Esto te aportará recursos y agilidad;
  • Escribe de manera regular: la práctica no solo mejora tus habilidades, sino que te ayuda a encontrar tu propio estilo;
  • No temas al rechazo: esto forma parte del proceso de aprendizaje;
  • Experimenta: Juega con diferentes estilos, puntos de vista y estructuras narrativas;
  • ¡No te rindas!: recuerda que el estudio y la repetición afinan las técnicas en todos los oficios. Pocos nacen siendo genios.

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