by Sorevitno | Feb 26, 2026 | Cultural |
Isaac
La ciudad de Dénia vuelve a apostar por la creación literaria en valenciano con una nueva edición de su certamen dirigido al público más joven. Con esta convocatoria, el consistorio refuerza su compromiso con la lectura y la literatura pensada para niñas y niños, así como con la normalización del uso del valenciano en el ámbito cultural.
En esta ocasión se ha puesto en marcha el IX Premio de Narrativa Infantil-Juvenil en Valenciano Ciutat de Dénia, una cita ya consolidada en el calendario literario valenciano que combina reconocimiento económico y publicación profesional de la obra ganadora, lo que supone una oportunidad muy interesante para autores noveles y consolidados.
Convocatoria del IX Premio de Narrativa Infantil-Juvenil en Valenciano
El Ayuntamiento de Dénia, a través de la Biblioteca Pública Municipal, convoca la novena edición del premio con la colaboración de la editorial valenciana Andana Editorial, especializada en literatura infantil y juvenil. Esta alianza institucional y editorial pretende dar visibilidad a nuevas voces que escriben en valenciano para lectores jóvenes.
El galardón está dotado con 3.000 euros para la persona ganadora, además de la edición de la obra por parte de Andana Editorial. De este modo, el premio no solo reconoce el trabajo literario, sino que también garantiza que el texto llegue a las librerías y a las bibliotecas en un formato profesional.
Según establecen las bases de la convocatoria, el plazo de presentación de originales ya se encuentra abierto y se mantendrá hasta el 3 de mayo de 2026. Este margen de tiempo permite a los autores preparar, revisar y presentar sus manuscritos con la calma necesaria.
La iniciativa se enmarca en las políticas locales de fomento de la lectura, con especial atención al público infantil y juvenil. Con este premio, Dénia se suma a otras ciudades de España y Europa que impulsan convocatorias literarias en lenguas propias para asegurar su presencia en la producción cultural contemporánea.
Quién puede participar y qué obras se admiten
El certamen está abierto a escritores de cualquier nacionalidad, siempre que las obras cumplan una serie de requisitos formales y de contenido. No es necesario residir en la Comunidad Valenciana ni en España; lo fundamental es presentar un texto en lengua valenciana que se adapte al público al que va dirigido.
Las obras deben ser de narrativa infantil-juvenil, pensadas para lectores de entre 9 y 12 años. Esto implica que la trama, el lenguaje y los personajes han de ser adecuados a esa franja de edad, combinando un estilo accesible con una historia que mantenga el interés del público joven.
Se exige que los textos sean originales e inéditos, es decir, que no se hayan publicado con anterioridad en ningún formato, ya sea en papel, digital o en otras plataformas. Tampoco pueden haber sido premiados en otros concursos ni estar pendientes de fallo en otros certámenes literarios.
En cuanto a la extensión, las bases fijan un mínimo de 30 páginas y un máximo de 80 páginas, una longitud habitual en la narrativa dirigida al tramo final de Primaria y primeros cursos de la ESO. Este rango permite desarrollar historias completas, con personajes y tramas bien definidos, sin resultar excesivamente extensas para el lector al que se dirigen.
Forma de presentación y envío de los originales
La participación se realiza exclusivamente por medios digitales. Las personas interesadas deben enviar su obra por correo electrónico a la dirección [email protected], siguiendo el procedimiento detallado en las bases oficiales disponibles en la web del ayuntamiento y en la página de Andana Editorial.
El manuscrito debe remitirse en formato PDF, respetando las indicaciones de maquetación y presentación que se especifican en la normativa del certamen. Junto al original, es necesario adjuntar una plica en documento separado, donde se incluirán los datos personales del autor o autora (nombre, contacto y otra información requerida por la organización).
Este sistema de plica electrónica mantiene el anonimato durante la evaluación, de manera que el jurado valore las obras sin conocer la identidad de quienes las firman. Solo una vez emitido el fallo se relacionan los datos personales con el texto seleccionado como ganador.
Tras el cierre del plazo de presentación, el Ayuntamiento de Dénia y Andana Editorial publicarán un listado provisional de los títulos recibidos en sus respectivas páginas web. Desde ese momento se abre un periodo de 10 días hábiles para presentar alegaciones o comunicar posibles incidencias relacionadas con las inscripciones.
Una vez revisadas y resueltas las alegaciones, se hará público el listado definitivo de obras admitidas a concurso, también a través de las webs municipales y de la editorial. Este proceso refuerza la transparencia de la convocatoria y permite a los participantes confirmar que su manuscrito se encuentra correctamente inscrito.
Composición del jurado y criterios de valoración
El jurado del IX Premio de Narrativa Infantil-Juvenil en Valenciano estará integrado por cinco miembros: dos representantes del Ayuntamiento de Dénia, dos representantes de Andana Editorial y una persona especialista en literatura infantil. Esta combinación garantiza una mirada conjunta entre el ámbito institucional, el editorial y el experto.
En el proceso de lectura y selección se tendrán en cuenta distintos criterios de valoración. Entre ellos, la calidad literaria de la obra tendrá un peso relevante, así como la originalidad y creatividad a la hora de plantear la historia y los recursos narrativos empleados por el autor o autora.
También se valorará de manera específica la calidad y variedad léxica, con el objetivo de que el texto ofrezca un uso rico y adecuado del valenciano, adaptado a la edad de los lectores sin renunciar a un cierto nivel de exigencia lingüística. Se considera importante que la obra contribuya a ampliar el vocabulario y el contacto de los niños con la lengua.
Otro de los aspectos que contará en la evaluación será la adecuación de la trama y del lenguaje a los lectores de 9 a 12 años. Esto incluye tanto la temática escogida como la manera de abordarla, el tono, el ritmo y la complejidad del argumento, evitando contenidos inadecuados y buscando historias que conecten con las inquietudes de esa franja de edad.
La creación de personajes sólidos y atractivos y el ritmo de lectura completan el conjunto de elementos a considerar. Se valorará que los protagonistas y secundarios resulten creíbles, cercanos y capaces de mantener el interés de quien lee, así como que la narración avance de forma ágil, sin perder coherencia ni profundidad.
Fallo del premio y publicación de la obra ganadora
El veredicto del jurado se hará público durante el mes de octubre, en el marco de una gala organizada por el Ayuntamiento de Dénia. En ese acto se dará a conocer el título de la obra premiada y el nombre de la persona ganadora, que recibirá la dotación económica prevista en las bases.
Coincidiendo con la entrega del premio, se presentará también el libro ya editado por Andana Editorial. De este modo, el reconocimiento no se queda solo en el anuncio del fallo, sino que se acompaña de la puesta en circulación inmediata del texto en formato publicado.
La editorial, además, se reserva el derecho de publicar la obra ganadora en otras lenguas del Estado, si lo considera oportuno. Esta posibilidad abre la puerta a que el libro pueda llegar a nuevos lectores en diferentes territorios, ampliando su impacto más allá del ámbito estrictamente valencianohablante.
El hecho de que el premio incluya la publicación profesional confiere al certamen un especial atractivo para autores que buscan dar un salto en su trayectoria. La combinación de respaldo institucional, edición cuidada y distribución a través de los canales habituales del libro supone un impulso relevante para la visibilidad de la obra.
Con esta novena edición, Dénia consolida un espacio estable para la narrativa infantil y juvenil en valenciano, ofreciendo a los creadores una plataforma para compartir historias con las nuevas generaciones de lectores y reforzando al mismo tiempo el papel del valenciano como lengua de cultura contemporánea.
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by Sorevitno | Feb 23, 2026 | Cultural |
Isaac
El Día Internacional de la Lengua Materna, que se conmemora cada 21 de febrero, se ha consolidado como una fecha clave para hablar de diversidad lingüística, derechos culturales y educación en el propio idioma. Desde organismos internacionales hasta pequeños municipios, la jornada sirve para recordar que las lenguas no son solo un medio de comunicación, sino también memoria, identidad y patrimonio vivo.
En Europa y, de forma muy especial, en España, esta efeméride se celebra con programas educativos, actividades culturales y campañas de sensibilización que ponen el foco en las lenguas minoritarias y en aquellas que corren peligro de desaparecer. Bajo ese paraguas común se mezclan iniciativas globales de la red de Ciudades de la Literatura de la UNESCO, propuestas locales en Aragón, León o Ceuta, y llamamientos internacionales para frenar la pérdida de idiomas en todo el planeta.
Un día con origen en la defensa del bengalí y respaldo de la UNESCO
El origen del Día Internacional de la Lengua Materna está ligado a los acontecimientos de 1952 en el entonces Pakistán Oriental, la actual Bangladés, cuando varios estudiantes fueron asesinados por reclamar el reconocimiento del bengalí como lengua oficial. Aquel episodio marcó un antes y un después en la defensa del derecho a expresarse en la propia lengua y, con el tiempo, se convirtió en símbolo de resistencia lingüística.
La UNESCO proclamó esta jornada en 1999, y más tarde la Asamblea General de la ONU la adoptó formalmente, subrayando que las lenguas son esenciales para la educación, la inclusión y el desarrollo sostenible. No se trata solo de proteger un listado de idiomas, sino de garantizar que las personas puedan aprender, participar y convivir en la lengua que dominan mejor, empezando por la que escuchan en casa desde la infancia.
Las cifras que manejan los organismos internacionales son contundentes: se calcula que hay alrededor de 8.324 lenguas en el mundo, incluidas las de signos, aunque solo unas 7.000 siguen realmente en uso. De ese conjunto inmenso, apenas unos centenares tienen presencia sólida en los sistemas educativos y en el espacio público, y menos de un centenar se utilizan de forma habitual en el entorno digital.
La UNESCO advierte de que cada dos semanas desaparece una lengua, llevándose consigo formas únicas de transmitir conocimientos, formas de pensar y tradiciones comunitarias. Esta pérdida va mucho más allá de la gramática: implica también la desaparición de canciones, relatos, rituales y modos de entender el territorio y la naturaleza que no siempre se pueden traducir a otros idiomas.
Educación multilingüe y derechos lingüísticos
Una de las ideas centrales que se repiten durante el Día Internacional de la Lengua Materna es que aprender en la propia lengua mejora los resultados educativos. Los estudios y la experiencia acumulada muestran que los alumnos que reciben la primera enseñanza en el idioma que entienden plenamente desarrollan mejor la comprensión, el pensamiento crítico y la participación en el aula.
La educación multilingüe, especialmente cuando incluye lenguas minoritarias e indígenas, se plantea como una herramienta para unir escuela y comunidad. En lugar de imponer un único idioma hegemónico, se busca que los sistemas educativos integren las lenguas que realmente se hablan en los hogares y barrios, favoreciendo así sociedades más inclusivas y equitativas. Esta visión está directamente conectada con los Objetivos de Desarrollo Sostenible y con la idea de no dejar a nadie atrás.
Las organizaciones que trabajan en este ámbito insisten en que la justicia lingüística implica crear entornos donde todas las lenguas tengan valor, no solo las dominantes. Eso pasa por políticas públicas, presencia en los medios de comunicación, materiales escolares específicos y espacios de uso real en la vida diaria. Sin estos elementos, el riesgo es que las lenguas queden relegadas al ámbito privado hasta terminar desapareciendo.
En paralelo, se recuerda que estamos en plena Década Internacional de las Lenguas Indígenas 2022-2032, impulsada por la ONU para proteger los derechos lingüísticos de los pueblos originarios y apoyar la conservación, el fortalecimiento y la transmisión de sus idiomas. Este marco global dota de contexto a muchas de las iniciativas que se organizan en torno al 21 de febrero.
Las Ciudades de la Literatura de la UNESCO: poesía para lenguas en peligro
Dentro de la red de Ciudades de la Literatura de la UNESCO, el Día Internacional de la Lengua Materna se ha convertido en una fecha señalada. En la edición de 2026, Manchester City of Literature tomó el liderazgo de la programación e integró, por primera vez, el festival Voiced: The Festival of Endangered Languages en las actividades de la red.
De esa colaboración nace la exposición digital No Tongues Left to Chant, alojada en la web de Manchester City of Literature. Se trata de una iniciativa internacional que reúne poemas en 16 lenguas amenazadas o vulnerables, escritos por autores procedentes de diversas ciudades que forman parte de la red mundial de Ciudades de la Literatura. La propuesta utiliza la poesía como vehículo para llamar la atención sobre el futuro incierto de muchas lenguas, y conecta con iniciativas como el Premio Bellas Artes de Literatura en Lenguas Indígenas.
Entre los idiomas presentes en la muestra figuran el bielorruso, frisón, gaélico, irlandés, ladino, bajo alemán, galés o yidis, junto a lenguas de otros continentes como el kaili, el kattunayakan, el macasarés, el mixteco o el zapoteco. También se incluyen dos idiomas que ya no cuentan con hablantes nativos, como el wendat y el lushootseed, lo que pone sobre la mesa el debate sobre las lenguas que sobreviven principalmente en archivos, proyectos de revitalización o comunidades muy reducidas.
El público que accede a esta exposición digital puede encontrar caligrafías, canciones, ilustraciones, pictogramas, vídeos y grabaciones de los propios autores leyendo sus obras. Parte del material procede de las extensas colecciones digitales del John Rylands Research Institute and Library de Manchester, que aporta documentos y recursos sobre lenguas poco presentes en los circuitos mayoritarios.
La red de Ciudades de la Literatura destaca que todas estas obras se comparten con un reconocimiento explícito a autores, traductores, comisarios y ciudades participantes, con el objetivo de reforzar la idea de que las lenguas son un pilar para la cultura y que su protección es esencial si se quiere asegurar su continuidad. Más allá de Manchester, muchas otras ciudades de la red aprovechan estas fechas para programar recitales, debates y actividades educativas ligadas a la diversidad lingüística.
España: de las aulas a la calle en la defensa de las lenguas propias
En el contexto español, el Día Internacional de la Lengua Materna sirve también para mirar hacia las lenguas cooficiales y minoritarias que conviven en el Estado. Aunque el castellano es la lengua común, el mapa lingüístico incluye una gran variedad de idiomas y hablas locales que luchan por mantener su espacio tanto en las instituciones como en la vida cotidiana.
En Aragón, por ejemplo, diversas entidades y administraciones aprovechan la cercanía de la fecha para resaltar el valor del aragonés y del catalán de Aragón. La Diputación de Zaragoza ha impulsado actos centrados en «nuestras lenguas», destacando que la educación multilingüe ayuda no solo a preservar lenguas minoritarias, sino también a construir sociedades más inclusivas al dar visibilidad a las comunidades que las usan.
El programa incluye un acto bajo el título «Zine en nuestras luengas / Cine en nuestras lenguas / Cinema a les nostres llengües», en colaboración con entidades como Rolde de Estudios Aragoneses y la Fundación Caja Rural de Aragón. En la sede zaragozana de esta última se presenta MyCulture+, una plataforma de distribución cinematográfica especializada en producciones en lenguas minoritarias, que ya ha reunido más de un centenar de títulos partiendo del trabajo con proyectos locales.
Tras la presentación se proyectan, en estreno, tres cortometrajes subtitulados en lengua aragonesa: «Jaime I, Conquistador», «Ferrández de Heredia, entre armas y libros» y «El Vidal Mayor, una historia rocambolesca», dirigidos por las cineastas Vicky Calavia e Isabel Soria. El objetivo es crear espacios donde el público pueda escuchar y ver historias en idiomas que suelen tener poca presencia en las grandes plataformas.
El protagonismo de las lenguas propias se extiende a otras zonas de Aragón, como la llamada Franja oriental, donde el catalán es lengua habitual en muchos municipios. Entidades y administraciones enfatizan que para miles de habitantes el catalán de la zona es su lengua de crianza, la que aprendieron con padres y abuelos, y que su reconocimiento institucional y su presencia en la educación y la cultura son claves para evitar su retroceso.
Benabarre y el catalán ribagorzano: orgullo local en Aragón
En la provincia de Huesca, el municipio de Benabarre se suma a las celebraciones del Día Internacional de la Lengua Materna con una jornada en la biblioteca local. El acto está impulsado por el Centro de Estudios Ribagorzanos y el colectivo Rebrota Ribagorza, que han diseñado actividades para reivindicar el catalán ribagorzano como parte fundamental del patrimonio lingüístico aragonés.
La propuesta busca, sobre todo, reforzar el uso cotidiano del idioma, no solo su presencia en las aulas. Aunque los datos apuntan a un nivel considerable de enseñanza reglada, varios expertos alertan de un descenso en el uso del catalán ribagorzano en la calle, especialmente entre la población joven, frente a la mayor continuidad que mantiene entre las generaciones más mayores.
A través de charlas, lecturas y encuentros, el objetivo es que vecinas y vecinos puedan compartir su experiencia con la lengua, hablar de cómo la utilizan en la vida diaria y reflexionar sobre los retos de su transmisión a los más pequeños. Este tipo de iniciativas ponen el foco en un aspecto que se repite en muchas lenguas minoritarias: no basta con enseñar la lengua, tiene que usarse de forma natural en la familia, en el ocio y en la comunidad.
Benabarre se presenta así como un ejemplo de cómo un municipio relativamente pequeño puede aprovechar el 21 de febrero para poner su variedad lingüística en el centro de la agenda local, ligando la celebración a la identidad ribagorzana y al deseo de que el catalán propio siga vivo en las próximas generaciones.
El leonés y el gallego de León: llamadas a una política lingüística efectiva
En la comunidad de Castilla y León, el Día Internacional de la Lengua Materna se convierte en altavoz para las reivindicaciones de quienes defienden el leonés y el gallego de León como lenguas autóctonas necesitadas de protección. Colectivos como Alantre utilizan esta fecha para señalar la falta de una política lingüística real y para reclamar medidas concretas de normalización.
Desde estas asociaciones se denuncia que, pese a las recomendaciones reiteradas del Consejo de Europa, las administraciones siguen en gran parte en una situación de inacción o se limitan a gestos simbólicos sin planificación ni continuidad. Lo que se plantea es la elaboración de una Ley específica que reconozca y regule el leonés y el gallego de León, y la puesta en marcha de un Plan de Normalización Lingüística dotado de recursos humanos y económicos suficientes.
Ese plan, según detallan sus defensores, debería abarcar educación, administración, medios de comunicación, cultura, deporte, economía y nuevas tecnologías, para que el uso de estas lenguas no quede restringido a contextos muy puntuales. La idea es garantizar que cualquier persona que quiera aprenderlas o utilizarlas tenga vías reales para hacerlo sin obstáculos.
Los colectivos insisten en que la revitalización de estas lenguas no es solo una cuestión identitaria o cultural, sino también una herramienta de cohesión social y de respeto a los derechos lingüísticos de quienes las hablan o desean recuperarlas. Para ellos, el Día Internacional de la Lengua Materna es una ocasión propicia para recordar que los compromisos internacionales en materia de diversidad lingüística deberían traducirse en políticas concretas y estables.
Ceuta y la convivencia de varias lenguas maternas
En el extremo sur de la península, la ciudad autónoma de Ceuta ofrece un ejemplo particular de convivencia lingüística. Allí, junto al castellano como lengua común, conviven otras lenguas maternas vinculadas a las diversas comunidades que habitan la ciudad, como la dariya de buena parte de la población musulmana o los idiomas presentes en las comunidades israelita e hindú.
Con motivo del Día Internacional de la Lengua Materna, la ciudad organiza varias jornadas destinadas principalmente al alumnado de los centros educativos. Durante varios días, grupos de estudiantes pasan por las instalaciones de la Antigua Estación del Ferrocarril para participar en talleres impulsados por la Fundación Premio Convivencia, en colaboración con otras entidades educativas.
La consejera de Educación y Cultura, Pilar Orozco, subraya que el objetivo de estas actividades es que los jóvenes tomen conciencia de la diversidad cultural y lingüística de su entorno y se sientan orgullosos de ella. Los talleres ponen el acento en la importancia que tiene para cada comunidad su propia lengua, y en cómo este mosaico de idiomas puede convertirse en una herramienta para construir una convivencia más respetuosa y tolerante.
En las distintas propuestas se explica al alumnado qué es una lengua materna, cómo se relaciona con la identidad y por qué es relevante protegerla incluso cuando no es la lengua oficial del Estado. Ceuta aprovecha así esta efeméride para reforzar la idea de que la pluralidad lingüística es parte inseparable de la realidad cotidiana de la ciudad y no solo un concepto abstracto mencionado en documentos internacionales.
Talleres y actividades para niñas y niños: aprender jugando
Las actividades vinculadas al Día Internacional de la Lengua Materna también se orientan a los más pequeños, con talleres específicos que combinan juego, creatividad y aprendizaje. Uno de los ejemplos es el organizado en la Biblioteca Fort Pienc – Ana María Moix, donde se ha programado el taller «Juguem amb els pictogrames xinesos», a cargo de la educadora Sushan Qu de Casa Àsia.
Esta actividad, dirigida a niñas y niños de entre 7 y 12 años, se celebra el propio 21 de febrero por la mañana y requiere inscripción previa aunque la entrada es gratuita. A través de dinámicas lúdicas, el taller propone a los menores aprender a reconocer y escribir pictogramas chinos sencillos, asociando las formas gráficas a conceptos cotidianos y apelando a su imaginación.
La iniciativa tiene una doble vertiente: por un lado, acerca al alumnado a una lengua y una escritura muy distintas de las que utilizan habitualmente, y por otro, les ayuda a comprender que existen múltiples maneras igual de válidas de representar el mundo. De este modo, la diversidad lingüística y cultural deja de ser algo distante y se convierte en una experiencia concreta que se vive en primera persona.
Este tipo de propuestas se integran en un conjunto más amplio de eventos desarrollados por bibliotecas, centros culturales y escuelas, que incluyen lecturas en varias lenguas, talleres de narración oral, concursos de poesía en idioma propio y actividades de descubrimiento de alfabetos y sistemas de escritura de otros países.
La voz del movimiento esperantista en defensa de la diversidad
Con motivo del Día Internacional de la Lengua Materna, la Asociación Mundial de Esperanto también hace públicas sus reflexiones sobre el futuro de las lenguas. En sus comunicados, la organización recuerda que preservar la diversidad cultural del planeta pasa inevitablemente por proteger la diversidad lingüística, y que ambas dimensiones están profundamente conectadas.
El movimiento esperantista defiende la idea de que un mundo verdaderamente multilingüe necesita tanto educación en varias lenguas como un sistema de relaciones internacionales donde ninguna lengua se imponga de forma abusiva sobre las demás. En este sentido, el esperanto se plantea como una herramienta para facilitar la comunicación global sin desplazar a las lenguas maternas, ofreciendo un terreno de igualdad entre hablantes de orígenes distintos.
La asociación destaca que el multilingüismo, bien gestionado, puede contribuir a la paz, la justicia y la cooperación entre los pueblos, en línea con los fines fundacionales de Naciones Unidas. La llamada es a construir entornos donde todas las voces tengan cabida y donde ninguna comunidad lingüística se vea obligada a renunciar a su idioma para poder participar en la vida pública.
A lo largo de todos estos escenarios -desde las pequeñas bibliotecas de barrio hasta las redes globales de ciudades y asociaciones internacionales- el Día Internacional de la Lengua Materna se consolida como una jornada para reivindicar el valor de hablar y aprender en la propia lengua, para dar visibilidad a idiomas amenazados y para recordar que la riqueza lingüística del mundo no es un dato curioso, sino un componente esencial de la vida democrática, la educación de calidad y la convivencia entre culturas.
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by Sorevitno | Feb 23, 2026 | Cultural |
Isaac
La sinopsis de Spider-Man: Brand New Day por fin ha salido a la luz y ha confirmado varias de las sospechas que venían circulando entre los fans del UCM. Gracias a la descripción oficial incluida en su libro de arte, ya tenemos una idea bastante clara de en qué punto se encuentra Peter Parker tras los sucesos de No Way Home y qué tipo de historia planteará su nueva aventura en solitario.
Este avance no llega a destripar giros concretos de la trama, pero sí perfila el tono general de la película, el momento exacto en el que se sitúa dentro de la cronología de Marvel Studios y el papel que jugarán tanto los viejos conocidos del héroe como una buena cantidad de villanos urbanos. Para el público de España y de toda Europa, supone el primer gran vistazo a una cinta que se perfila como uno de los estrenos fuertes del verano en cines.
La sinopsis oficial: cuatro años después y un Peter Parker borrado del mapa
El gran bombazo ha llegado a través de Spider-Man: Brand New Day – The Art Of The Movie, el libro de arte oficial de la película que varias editoriales como Barnes & Noble o Penguin Random House han listado en sus catálogos. En esa ficha aparece una descripción extendida que ejerce de primera sinopsis oficial y que todos los medios especializados han recogido prácticamente al instante.
Según ese texto, han pasado cuatro años desde la última vez que vimos al Spider-Man de Tom Holland en No Way Home. El hechizo del Doctor Strange que borró de la memoria colectiva a Peter Parker sigue vigente: “Peter Parker ya no está”, apunta la sinopsis, pero el héroe enmascarado se encuentra “en la cima de su carrera” como protector de la ciudad de Nueva York.
Ese detalle temporal encaja con lo que muchos fans habían calculado a partir de otras producciones del UCM: la historia de Brand New Day se mueve en torno a 2028 dentro del universo Marvel, cuando Peter tendría ya unos 21 o 22 años. Es decir, un Spider-Man adulto, más hecho y con una vida personal prácticamente borrada, algo que abre la puerta a un enfoque algo más maduro sin abandonar la etiqueta de gran película familiar.
La descripción insiste en que el público se encontrará con un “héroe anónimo” al que todo le va razonablemente bien hasta que una serie de sucesos criminales encadena un misterio de gran escala. A partir de ahí, la historia promete rastrear cómo ese pasado que parecía enterrado tras el hechizo vuelve para pasarle factura al protagonista.
Un Spider-Man en plena forma y una ola de crímenes extraños
La sinopsis subraya en varias ocasiones que el héroe se encuentra “en su mejor momento físico y mental”, patrullando Nueva York como un justiciero ya asentado. Lejos de ser el alumno protegido por Iron Man que vimos al comienzo de su andadura, aquí nos toparemos con un Spider-Man autosuficiente, acostumbrado a trabajar por su cuenta y a lidiar con las consecuencias de cada decisión.
Ese equilibrio, sin embargo, se tambalea cuando entra en juego una “inusual serie de crímenes”. El texto habla de un rastro delictivo que arrastra al protagonista a una red de misterio más grande que cualquiera de las que había afrontado hasta ahora en sus películas en solitario. Nada de portales multiversales ni amenazas cósmicas: el foco vuelve al suelo, a los barrios y a las calles de la ciudad.
Este enfoque callejero era una de las grandes demandas de buena parte del fandom europeo, acostumbrado a un Spider-Man más cercano al vecino de la puerta de al lado que al viajero interdimensional. La propia descripción promocional del libro de arte invita a “explorar entornos, trajes y detalles exclusivos del próximo capítulo del héroe local de Marvel”, reforzando la idea de una historia más pegada a la realidad urbana, aunque sin renunciar al espectáculo propio de una superproducción.
La otra gran idea que se repite es la de las “repercusiones de su pasado”. La sinopsis deja caer que el héroe no solo tendrá que estar en plena forma a nivel físico, sino también preparado para afrontar las secuelas emocionales y morales de todo lo ocurrido en la trilogía anterior, especialmente el alto coste personal que supuso el final de No Way Home.
Un reparto lleno de regresos y nuevas caras del UCM
Más allá de la sinopsis, distintas filtraciones y confirmaciones oficiales dibujan un reparto muy cargado de rostros reconocibles para el público del Universo Cinematográfico de Marvel. Al frente volverá a estar Tom Holland como Peter Parker / Spider-Man, acompañado una vez más por Zendaya y Jacob Batalon, que recuperan a MJ y Ned, aunque el gran interrogante es cómo encajarán sus personajes en una realidad en la que ya no recuerdan quién es Peter.
En el apartado de aliados y figuras ambiguas destaca el regreso de Jon Bernthal como Frank Castle / Punisher, un personaje asociado históricamente a las historias más crudas y urbanas de Marvel. Su participación, enlazada también con lo que se ha visto en Daredevil: Born Again, apunta a una película en la que el tono se endurece en determinados momentos, aunque siempre dentro de los límites del gran público.
Otros informes apuntan asimismo a la presencia de Mark Ruffalo como Bruce Banner / Hulk, que volvería a cruzar su camino con el trepamuros en un contexto muy distinto al de los Vengadores. Para el espectador europeo, acostumbrado a ver las películas en maratones del UCM, Brand New Day encajaría como un puente interesante entre historias de escala global y esta vertiente mucho más de “héroe de barrio”.
Completan el elenco nombres como Sadie Sink, Liza Colón-Zayas, Marvin Jones III o Tramell Tillman, en algunos casos con personajes todavía no revelados. En el caso de Sink, los rumores la sitúan en un rol clave dentro de la trama, con un primer diálogo filtrado que la relacionaría con el misterio principal y con las consecuencias del hechizo que borró a Peter de la memoria de todos.
Una galería de villanos muy callejera: Escorpión, Tombstone, Tarántula, Boomerang…
Uno de los puntos que más se repite en los distintos avances y coberturas es el protagonismo de una auténtica galería de villanos de corte urbano. Ya está prácticamente asegurado el regreso de Michael Mando como Mac Gargan / Escorpión, visto por última vez en Spider-Man: Homecoming, que por fin tendría un papel destacado como némesis directa del héroe.
Junto a él, varias fuentes coinciden en señalar la presencia de Lonnie Lincoln / Tombstone, interpretado por Marvin Jones III, un clásico capo del crimen en los cómics del trepamuros. Su participación encaja a la perfección con la idea de esa red criminal que se irá complicando a medida que avance la película.
A la lista se sumarían otros villanos como Tarántula y Boomerang, dos antagonistas tradicionalmente asociados a las tramas de barrio, persecuciones por tejados y enfrentamientos a media noche en callejones de Nueva York. Ese enfoque, muy distinto a las últimas apariciones cinematográficas de Spider-Man entre hechizos y portales dimensionales, puede conectar especialmente bien con quienes disfrutaban de sus aventuras más “a pie de calle”.
La propia sinopsis que acompaña al libro de arte insiste en que el héroe se verá envuelto en “una red de misterio más grande que nunca”, lo que hace pensar en una estructura en la que esos villanos no actúan de manera aislada, sino como parte de un entramado mayor que irá desenredándose poco a poco. Para los lectores de cómic europeos, muchos de estos nombres remiten directamente a las historias de la etapa Brand New Day en viñetas, de las que la película toma título y ciertas ideas de base.
Del hechizo del Doctor Strange al nuevo estatus del héroe
Un punto clave de la sinopsis es la confirmación de que no se ha revertido el hechizo de Doctor Strange visto en No Way Home. El mundo sigue sin recordar que Peter Parker y Spider-Man son la misma persona, y ni MJ ni Ned conservan memoria alguna de su antigua vida con él. Es decir, no ha habido atajo fácil para devolver al héroe al punto de partida anterior.
Ese contexto convierte a Brand New Day en una especie de “nuevo comienzo” para el personaje dentro del UCM, algo que tanto Tom Holland como el director Destin Daniel Cretton han subrayado en entrevistas. El propio actor ha llegado a decir que esta entrega “no se siente como una cuarta parte tradicional”, sino como una forma de reconfigurar la historia del trepamuros en una etapa completamente distinta.
Desde Marvel Studios se ha matizado que no están ante una película “para adultos” en el sentido de ser más oscura o restringida, pero sí ante un Spider-Man más maduro, con un héroe que ya ha dejado definitivamente atrás el instituto y se enfrenta a los problemas de una vida independiente. La parte universitaria, según señalan muchos fans a partir de ese salto temporal de cuatro años, podría quedar prácticamente cubierta en elipsis.
Esta situación encaja con los cómics que dieron nombre a la película, publicados a partir de 2008, donde también se planteaba un status quo radicalmente nuevo para Peter tras un gran evento que alteraba sus relaciones y su identidad pública. Aquí, la combinación del hechizo de Strange y el paso del tiempo permite jugar con un protagonista que carga con todo lo vivido… pero sin nadie a su alrededor que lo recuerde.
Posición en la cronología del UCM y conexión con próximas películas
Otra de las grandes cuestiones que resuelve la sinopsis es dónde encaja Brand New Day dentro del puzle del Universo Cinematográfico de Marvel. Ese salto de cuatro años desde No Way Home sitúa la historia después de producciones como The Marvels y ya en la misma franja temporal que Daredevil: Born Again, con la que se relaciona directamente por el regreso de Punisher.
Diversas fuentes señalan que los acontecimientos de la cinta se ubicarán justo antes de Avengers: Doomsday, lo que convertiría a la nueva aventura del trepamuros en una especie de antesala urbana a los grandes choques cósmicos que se avecinan para el UCM. En Europa, donde las películas de Marvel se suelen seguir en orden de estreno en salas, esta posición refuerza su importancia dentro del calendario de estrenos.
La edad aproximada de Peter en este punto -alrededor de 21 o 22 años- también encaja con esa cronología: un héroe que ya ha tenido tiempo de acumular experiencia, enemigos y cicatrices, pero que todavía está lejos de la veteranía de otros personajes del universo compartido. Ese equilibrio puede permitir una evolución natural hacia las próximas cintas de grupo sin agotar al personaje en solitario.
En paralelo, la publicación del libro de arte está prevista para pocos días después del estreno en cines, de forma que quienes vean la película en salas españolas o europeas en su primera semana podrán profundizar después en bocetos, diseños de vestuario y escenarios. La propia sinopsis del volumen anima a “descubrir la magia entre bastidores”, desde los primeros conceptos visuales hasta la versión final de cada personaje clave.
Con todo este material sobre la mesa, la sinopsis de Spider-Man: Brand New Day dibuja una película que recupera el sabor a cómic urbano, sitúa al héroe en una etapa completamente nueva de su vida y encaja estratégicamente dentro del calendario del UCM. A la espera de que Sony y Marvel lancen un tráiler completo para el público europeo, las pistas oficiales apuntan a un capítulo muy relevante en la trayectoria del Spider-Man de Tom Holland, donde pasado, identidad y barrio vuelven a ser el centro de todo.
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by alguien | Feb 20, 2026 | Cultural |
NOMBRE: Gaetano
APELLIDOS: Giannotta
LUGAR DE NACIMIENTO: Palermo, Italia
FECHA DE NACIMIENTO: 1991
PROFESIÓN: Profesor Ayudante Doctor en la Universitat Jaume I
Hace unos días adelantábamos que la próxima semana, los días 26 y 27 de febrero, el Museo de Historia de Madrid acogerá las jornadas Antonio Palomino y Madrid (1726-2026). Historia, arte y teoría, que analizarán la figura y la obra, pictórica y teórica, de Antonio Palomino en el tercer centenario de su muerte.
Nacido en la localidad cordobesa de Bujalance en 1655, Palomino se formó junto a Valdés Leal antes de trasladarse a Madrid bajo la protección de Juan Alfaro, que era discípulo de Velázquez. Carreño de Miranda y Claudio Coello le dieron acceso a las colecciones reales y participó en la decoración del cuarto de la reina María Luisa de Orleans y la de la Galería del Cierzo en el Alcázar madrileño. Su gran erudición tuvo que ver con su nombramiento como pintor del rey en 1688 y llegó a dominar la técnica del fresco hasta convertirse en uno de los fresquistas más importantes de los últimos compases periodo barroco en España.
Trabajó en el antiguo oratorio del Ayuntamiento de Madrid; y en otras ciudades, en las bóvedas de la iglesia de los Santos Juanes y de la basílica de Nuestra Señora de los Desamparados de Valencia; en el Triunfo de la Iglesia para el coro de la iglesia de San Esteban de Salamanca; en lienzos para la capilla del cardenal Salazar y para el altar mayor de la Catedral de Córdoba; y en la decoración del sacrarium de la cartuja de El Paular.
Conocemos, sin embargo, a Palomino seguramente más por sus tratados que por su obra pictórica: es autor de El museo pictórico y escala óptica, que consta de los volúmenes La teórica de la pintura (1715), La práctica de la pintura (1724) y El parnaso español pintoresco laureado (1724). El más familiar para los estudiantes de historia del arte es el último: contiene más de doscientas biografías de pintores y escultores de la España del momento; se trata de una fuente fundamental para el estudio del arte español del siglo XVIII.
Para abordar el legado de Palomino en su tricentenario hemos contado con Gaetano Giannotta, que dirige aquellas jornadas. Doctor en Historia del Arte por la Universitat Jaume I y la Universitat de València, es actualmente Profesor Ayudante Doctor en el Departamento de Historia, Geografía y Arte en el primero de estos centros. Especialista en la figura de Palomino y en la pintura española de los siglos XVII y XVIII, ha investigado sobre todo las áreas de la teoría de la pintura; la iconografía y la iconología; la fiesta barroca y la emblemática.
Sus estancias de investigación y estudio le han llevado al Istituto per la Storia dell’Europa Mediterranea de Roma, el Institut für Kunstgeschichte de la Universidad de Viena, el Warburg Institute de Londres, la Bibliotheca Hertziana de Roma y la Università degli Studi di Palermo; también ha disfrutado de una ayuda “Juan de la Cierva” en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense. El año pasado publicó su primera monografía de la mano de la Universitat Jaume I: La elocuencia de la arquitectura: invención y significado de los programas decorativos del Barroco valenciano (1691-1793).
Los días 26 y 27 de febrero tendrán lugar en el Museo de Historia de Madrid, con inscripción abierta hasta el día 22, las jornadas “Antonio Palomino y Madrid (1726-2026). Historia, arte y teoría”, que profundizarán en su pintura, sus tratados y en el contexto madrileño en que trabajó, en este tercer centenario de su muerte. ¿Cuáles son los objetivos de las jornadas? ¿Qué podrán aprender quienes acudan?
El principal objetivo de las jornadas será acercar a Antonio Palomino al público y, concretamente, a aquel que vive, trabaja y disfruta en la ciudad donde él también vivió, trabajó y disfrutó durante la gran mayoría de su vida: Madrid. Realmente, la celebración del tricentenario de su fallecimiento en la antigua Calle del Reloj, actual Calle de Lucientes, de esta ciudad, será solo un pretexto para abordar uno de los periodos más ignorados de su trayectoria, el que coincide con años fundamentales para su formación intelectual y artística y para su consagración como pintor del rey, mentor intelectual de complejos programas iconográficos, teórico de la pintura, biógrafo de artistas y fundador de una saga familiar que, con Juan Bernabé y Juan Fernando Palomino, llegó hasta finales del siglo XVIII.
Con este propósito, he pretendido reunir en el Museo de Historia a algunos de los principales expertos en pintura y teoría del arte español, a estudiosos de la arquitectura y el urbanismo madrileños y a restauradores que nos llevarán de la mano por las calles en las que Palomino estudió matemática y geometría, enlazó vínculos familiares y profesionales, recibió encargos, compró los pigmentos y los otros materiales para llevarlos a cabo, formó discípulos, escribió y publicó sus textos, etc.
Por todo ello, coincidiendo además con la reciente finalización de la restauración del oratorio de la antigua Casa del Ayuntamiento y su restitución al disfrute público, las jornadas “Antonio Palomino y Madrid (1726-2026). Historia, arte y teoría” constituirán un punto de partida para conocer y entender más profundamente a un artista fundamental para la historia de nuestro arte que, sin embargo, sigue a la espera de un estudio serio y riguroso.
Antonio Palomino. El aire, hacia 1700. Museo Nacional del Prado
Sabemos que en Córdoba Palomino recibió formación en filosofía, derecho, teología, gramática… al mismo tiempo que Valdés Leal y Juan de Alfaro le ofrecieron lecciones de pintura. ¿Cuánto de importante fue esa erudición en su trayectoria, no sólo en sus tratados; qué claves aporta a la hora de entender su obra?
Cuando, el 17 de noviembre de 1687, Antonio Palomino pidió al condestable de Castilla que se considerara su nombramiento como pintor del rey, no mencionó ninguna de las obras que había realizado. Por ejemplo, podría haber puesto en valor su reciente participación en la decoración del techo de la Galería del Cierzo del Cuarto de la Reina del Alcázar en colaboración con el entonces pintor de cámara Claudio Coello. Prefirió, más bien, hacer hincapié en sus estudios teológicos y humanísticos y en la maestría que había adquirido para escoger los contenidos teológicos y mitológicos para las pinturas, crear emblemas y jeroglíficos y motes en latín y castellano.
Este currículum dio resultados: pocos meses después, el 30 de agosto de 1688, Palomino fue nombrado pintor del rey ad honorem y la cantidad de programas iconográficos que inventó a partir de esta fecha es sobrecogedora. Si nos limitamos a Madrid, diseñó dos series de jeroglíficos para las exequias de María Luisa de Orleans (1689), el contenido áulico de un arco efímero para la entrada en la ciudad de Mariana de Neoburgo (1690), el discurso visual del patio del Hospital Real del Buen Suceso (1693), el de la decoración de dos calesines para Carlos II y su esposa (1696) y otra serie de jeroglíficos para las exequias de María Luisa Gabriela de Saboya (1714).
Pero, no sólo en la Villa y Corte: a lo largo y ancho de la península, tanto en sus encargos cortesanos como en los religiosos, civiles y particulares, Palomino puso cotidianamente al servicio de la pintura sus vastos conocimientos eruditos, una creatividad dinámica para los contenidos históricos y metafóricos más diversos y una culta capacidad para disponerlos convenientemente en el espacio, centrando en sus manos la invención y la composición, actividades que tradicionalmente se repartían entre el mentor intelectual de la obra y su artífice. Esta fue también una de las principales herencias que dejó a sus discípulos y, a este propósito, la actividad del pintor valenciano Dionís Vidal es muy ejemplificativa.
Esta faceta erudita de la obra de Antonio Palomino será objeto de la conferencia impartida por el profesor Juan Luis González García en las jornadas del 26 y 27 de febrero.
Cuando, el 17 de noviembre de 1687, Antonio Palomino pidió al condestable de Castilla que se considerara su nombramiento como pintor del rey, no mencionó ninguna de las obras que había realizado (…). Prefirió hacer hincapié en sus estudios teológicos y humanísticos y en la maestría que había adquirido para escoger los contenidos teológicos y mitológicos para las pinturas, crear emblemas y jeroglíficos y motes en latín y castellano.
Madrid, como nos decías, fue la ciudad donde Palomino desarrolló buena parte de su obra y sus escritos, como pintor del rey Carlos II y de Felipe V. ¿Cuánto se sabe de sus trabajos en el Alcázar y hasta qué punto sería importante para él acompañar a Luca Giordano cuando decoró las bóvedas de El Escorial?
Como sugería antes, el primer contacto de Palomino con el ambiente cortesano se produjo en torno a 1686, cuando relevó a Coello en la dirección de la decoración del techo de la Galería del Cierzo del Cuarto de la Reina en el Alcázar madrileño, donde sabemos que se pintaron distintos asuntos de la fábula de Amor y Psique. Lamentablemente, no podemos apreciar esta obra porque, como es sabido, el edificio ardió en la Nochebuena del año 1734, dando pie a la construcción del actual Palacio Real. Desde entonces y después de su nombramiento como pintor cortesano en 1688, sus encargos áulicos de multiplicaron. Antes he mencionado algunos de ellos, principalmente decorados, arquitecturas y decoraciones efímeras para exequias, entradas reales y otras celebraciones. Por tanto, muy poco de esta vastísima producción ha llegado hasta nosotros.
En 1747 en el Palacio Real Nuevo, se inventariaron distintos lienzos suyos, todos ellos de tema mitológico y alegórico, es decir, en la tónica de su intervención en la Galería del Cierzo. Otro cuadro, un San Juanito ahora depositado por el Prado en el Museo de Bellas Artes de Zaragoza, se encontraba entre las pinturas de la colección de Isabel de Farnesio en el Real Sitio de la Granja de San Ildefonso. Todos estos datos ponen de manifiesto la heterogeneidad de su producción y su apreciación por parte de los soberanos.
Justo el crédito de su obra y de su erudición, pero también el constante apoyo que le brindó el Conde-Duque de Benavente, le abrieron las puertas en torno a 1692 del taller de Luca Giordano en el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. En la correspondencia entre el secretario de Carlos II, Eugenio Marbán y Mallea, y el prior Alonso de Talavera, para dirigir la labor del napolitano, no hay ningún rastro de la participación de Palomino. Aun así, él mismo contó que, ante el embarazo que le ocasionaban los asuntos religiosos que le mandaban realizar, Giordano habría pedido al rey un colaborador versado tanto en las letras como en la pintura y, como respuesta, Carlos II le enviaría al Escorial. En efecto, muchos estudiosos –entre ellos, Sara Fuentes Lázaro, que cerrará las jornadas de estudio en el Museo de Historia– han reconocido a Palomino en el personaje retratado al lado de Giordano en la cornisa de la escalera del monasterio.
A menudo, la presunta colaboración entre Antonio Palomino y Luca Giordano en El Escorial ha servido para justificar un cambio estilístico que, según se viene repitiendo, se concretó en la Iglesia de los Santos Juanes de Valencia, donde intervino entre 1699 y 1702. No obstante, esta lectura me parece demasiado simplista. Por un lado, sabemos que Palomino estudiaba las obras del napolitano incluso antes de la llegada de este a España. Por otro, las obras que realizó en la segunda mitad de la década de 1690 –sobre todo, el oratorio de la antigua Casa del Ayuntamiento y el patio del Hospital del Buen Suceso de Madrid– lo muestran todavía fuertemente apegado a la tradición estilística de la escuela madrileña de la segunda mitad del siglo. Por último, si bien es cierto que, desde su encuentro, sus composiciones se llenaron de figuras, tanto en sus frescos como en su obra de caballete es posible reconocer también otros modelos formales, como Alonso Cano, Lanfranco, Juan Antonio Frías y Escalante o Rubens.
Por tanto, creo que, de considerarse verosímil, la intervención de Palomino en El Escorial nos puede decir más sobre la estimación de su parecer intelectual y artístico que sobre el desarrollo estilístico de su obra.
Oratorio de la Casa de la Villa, Madrid, después de su restauración
Recientemente se ha abierto al público el mencionado Oratorio de la Casa de la Villa, tras su restauración. Se han intervenido sus frescos, el principal dedicado a la Inmaculada Concepción; también pintó allí a religiosos muy madrileños como san Isidro Labrador, santa María de la Cabeza y la beata María Ana de Jesús, o una alegoría de la Villa de Madrid. Los inscritos a las jornadas podrán visitarlo. ¿Esta restauración ha aportado datos nuevos sobre la iconografía o las técnicas de Palomino?
Antes que nada, me gustaría aprovechar la pregunta para hacer dos reflexiones. La primera sobre la importancia y la necesidad de la cooperación entre los restauradores, los conservadores y los historiadores del arte. A pesar de la codiciada compartimentación y cristalización de las disciplinas en nuestros sistemas de enseñanza, para ser entendido, correctamente interpretado y, gracias a ello, oportunamente protegido y difundido, el patrimonio necesita una interdisciplinariedad y transversalidad que en esta sede quiero revindicar.
En segundo lugar, me gustaría celebrar la actitud del Ayuntamiento de Madrid y, concretamente, de su Departamento de Apoyo Técnico, que, acabada la restauración del oratorio de la antigua Casa del Ayuntamiento, lo ha abierto al público, organizando visitas guiadas gratuitas que han tenido y siguen teniendo un éxito rotundo. Frente a la constante conversión de iglesias y monumentos públicos en parques de atracción accesibles solo a pocos, acomodados electos, tales iniciativas son raras y, por ello, han de aplaudirse.
En las jornadas del 26 y 27 de febrero algunos de los restauradores y conservadores que han intervenido directamente en esta campaña de restauración –Teresa Valle Fernández, Patrocinio Jimeno Vitori y José Miguel Lorenzo Arribas– desvelarán sus principales resultados. Personalmente, creo que los frescos del oratorio de la antigua Casa del Ayuntamiento de Madrid, que realizó en 1696, son una de las obras más genuinas de Palomino. Desde el punto de vista iconográfico, encontramos ya un elemento que será constante en toda su producción, es decir, el aprovechamiento de cultos y devociones locales como punto de partida para la universalización visual de un dogma. Desde la perspectiva formal y por lo que atañe al proceso creativo, aquí es donde introdujo por primera vez algunos esquemas compositivos que tendrían larguísima continuidad en su trayectoria. Por ejemplo, la misma Asunción de la Virgen, elevada sobre nubes por ángeles, la encontramos en un boceto que estuvo en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, preparatorio para el sagrario de la Cartuja de El Paular, en Segovia (1723-1724); el mismo San Juan en Patmos lo replicará sin apenas cambios en el presbiterio de la Iglesia de los Santos Juanes de Valencia (1699-1700) y en el trasagrario de la ya mencionada cartuja segoviana.
A pesar de la codiciada compartimentación y cristalización de las disciplinas en nuestros sistemas de enseñanza, para ser entendido, correctamente interpretado y, gracias a ello, oportunamente protegido y difundido, el patrimonio necesita interdisciplinariedad.
Además de en Madrid, trabajó Palomino en Valencia, Salamanca, Granada, Córdoba… tanto para realizar frescos como pinturas de retablo, o para participar en la construcción de ese sagrario. ¿Qué itinerario propondrías seguir a quien quisiera conocer lo fundamental (o lo accesible) de la obra de Palomino? ¿Existe la posibilidad de que viajara alguna vez al extranjero?
No, Palomino no viajó al extranjero. Tres razones me llevan a sostenerlo. En primer lugar, no hay ninguna constancia documental al respecto. En segundo lugar, si lo hubiera hecho, no lo habría pasado por alto en sus escritos. Por último, no lo necesitaba. Su conocimiento de la teoría artística y de la obra de los artistas extranjeros fue posible gracias a su propio afán coleccionista y a su acceso a importantes bibliotecas y colecciones de la época, como las regias, las jesuíticas, las de sus colegas y amigos artistas y aficionados.
Proponer un itinerario de la producción de Palomino sería una tarea estimulante porque hay muchísimo y en muchísimos lugares. Al mismo tiempo, sería desafiante porque lo que yo considero lo mejor de su producción, es decir, los dibujos, no es accesible al público y porque su parte más abundante, constituida por los lienzos, está, en su gran mayoría, oculta en los depósitos de los principales museos del país.
Personalmente, recomendaría emular una de las experiencias más fascinantes de mi vida. En 2024, justo cuando empezaba a centrarme en Palomino después de leer mi tesis doctoral, transcurrí un par de días en Córdoba. Me acompañaban mi cámara y una libreta en la que tenía apuntados todos los lugares en los que, según los que me habían precedido en esta búsqueda, colgaba alguna obra suya. Perdiéndome en las callejas cordobesas, me emocioné al entrar en alguna iglesia y encontrar sus lienzos al lado de los de Antonio del Castillo y Luís Valdés Leal. Tras detenerme en los magníficos patios de la antigua medina musulmana, me acerqué al Museo de Bellas Artes, la institución en la que se expone el mayor número de obras suyas. Pude ver sus bellos cuadros en el centro de la Córdoba cristiana, el retablo mayor de la Mezquita-Catedral, antes de cruzar el Puente de San Rafael, bañado por los últimos rayos del atardecer.
En cuanto a sus tratados, reunidos en El Museo Pictórico y Escala Óptica, solemos referirnos más a El Parnaso español, pintoresco y laureado, por los datos que nos aporta sobre las biografías de los pintores del Barroco, y se ha restado influencia a sus tomos sobre teoría y práctica de la pintura. A grandes rasgos, ¿qué información valiosa ofrecen esos dos primeros volúmenes? En relación con El Parnaso…, ¿hasta qué punto es acertado comparar a Palomino con Vasari?
La Theorica y la Practica de la pintura pueden considerarse como la suma de la teoría del arte europea de la Edad Moderna. El profesor José Riello, que ha dedicado numerosas investigaciones a esta vertiente de la producción de Antonio Palomino, compartirá sus opiniones al respecto durante las jornadas que se celebrarán los próximos días 26 y 27 de febrero en el Museo de Historia.
Pero, los dos primeros tomos del Museo pictórico y escala óptica –y, en realidad, puede decirse lo mismo del Parnaso– no nos permiten solamente examinar la recepción en España de las teorías artísticas foráneas y sus consecuencias, ni debatir en torno a la originalidad de algunos asuntos teóricos considerados propiamente “españoles”. Nos sirven también para abordar de forma más coherente y rigurosa la producción de su autor.
La obra pictórica, los dibujos y hasta los bocetos de Antonio Palomino están íntimamente vinculados con sus reflexiones teóricas. Esto es porque él mismo, incluso antes de teorizarla, recorrió la famosa “escala óptica”, un sistema de aprendizaje gradual gracias al cual el principiante puede convertirse en un pintor perfecto pasando por cuatro grados intermedios –el copiante, el aprovechado, el inventor y el práctico–. Estos niveles están calcados de la trayectoria de Palomino y caracterizaron también la de los artistas que lo leyeron. Los estudios de Jaime Cuadriello, por ejemplo, han demostrado cómo el estudio del Museo pictórico, que se inventarió entre sus bienes en 1768, incidió en la obra del pintor novohispano Miguel Cabrera.
El origen de la comparación de Antonio Palomino con Giorgio Vasari se remonta a la vida que Juan Agustín Ceán Bermúdez le dedicó en su Diccionario Histórico de los más Ilustres Profesores de las Bellas Artes en España. La historiografía decimonónica ha insistido una y otra vez en emplear el apodo de “Vasari español”, que, lamentablemente, ha persistido hasta nuestros días. No solamente esta equiparación ha marginado otras vertientes de la producción de Palomino –particularmente, la pictórica–, sino que resta importancia a su labor historiográfica en el contexto en el que fue llevada a cabo, del mismo modo que se resta valor histórico a aquellos espacios que, por el simple hecho de contener pinturas murales, se publicitan como “Capillas Sixtinas”.
La obra pictórica, los dibujos y hasta los bocetos de Antonio Palomino están íntimamente vinculados con sus reflexiones teóricas. Él mismo, incluso antes de teorizarla, recorrió la famosa “escala óptica”, un sistema de aprendizaje gradual gracias al cual el principiante puede convertirse en un pintor perfecto pasando por cuatro grados intermedios –el copiante, el aprovechado, el inventor y el práctico–.
Antonio Palomino. La Inmaculada Concepción, hacia 1712. Museo Nacional del Prado. Depósito en otra institución
¿Es necesaria, y justa, una exposición extensa que reivindique a Palomino, o más atención a su figura en los planes de estudios? ¿Qué falta para que ese momento llegue?
Es justo y es necesario porque, que nos guste o no como pintaba, o nos parezca más o menos aburrida su manera de escribir, tanto por su obra como por su curiosa personalidad, Antonio Palomino constituye un hito en la historia de nuestro arte porque fue el último pintor del Siglo de Oro y el primero del Siglo de las Luces.
Para que se redescubra y se valore correctamente su figura es indispensable, en primer lugar, sacar sus cuadros de los almacenes y abrir los espacios que pintó para permitir al público verlos y aprender a mirarlos. En segundo lugar, es preciso volver a conectar tres vertientes de su producción –la teórica, la práctica y la historiográfica– que demasiado a menudo se han separado, aunque nunca haya sido su verdadera intención. Por último, hay que volver a la materialidad de su obra, a los dibujos, a los pigmentos que empleaba, a la dimensión de los lienzos que escogía, a la disposición de sus frescos en el espacio.
Mucho trabajo se ha hecho, sobre todo, a partir de los años cuarenta y cincuenta del siglo pasado. Desde entonces, gracias a las investigaciones de Enrique Moya Casals, Juan Antonio Gaya Nuño, Alfonso E. Pérez Sánchez, Fernando Marías, Benito Navarrete, Natividad Galindo San Miguel, José Riello, Ángel Aterido y muchos otros, nuestro conocimiento de Antonio Palomino es mucho más abundante y mucho más riguroso. En 2016 el Museo del Prado le ha dedicado un simposio. Entre este mismo año y 2020, Fernando Marías ha dirigido un proyecto sobre la teoría e historiografía artística española hasta Palomino. En 2026 celebraremos las jornadas Antonio Palomino y Madrid (1726-2026). Historia, arte y teoría en el Museo de Historia y, del 18 de junio al 20 de septiembre, en el Museo de Bellas Artes de Valencia se desarrollará la exposición “Antonio Palomino y el otoño del Barroco”, comisariada por José Riello. Yo mismo estoy preparando un volumen titulado “Antonio Palomino (1655-1726). El pintor ante la imagen y su proceso creativo”, que será publicado por Sílex a finales de este mismo año o a principios de 2027.
Como digo, mucho trabajo se ha hecho y se está haciendo, pero mucho más queda todavía por hacer y, entre los numerosos retos que tenemos frente a nosotros, dos son, para mí, los principales: por un lado, la publicación del catálogo razonado de los dibujos, bocetos, pinturas al óleo y al fresco de Palomino y, por otro, la edición crítica de los dos primeros tomos del Museo pictórico y escala óptica.
Mucho trabajo se ha hecho y se está haciendo, pero mucho más queda todavía por hacer y, entre los numerosos retos que tenemos frente a nosotros, dos son, para mí, los principales: por un lado, la publicación del catálogo razonado de los dibujos, bocetos, pinturas al óleo y al fresco de Palomino y, por otro, la edición crítica de los dos primeros tomos del Museo pictórico y escala óptica.
Cerrando con Palomino y hablando de tu trayectoria, ¿cómo surge tu interés por la pintura española del Barroco, y por la importancia en este periodo de la fiesta y su representación?
Me he formado en la Università degli Studi de Palermo, en Italia. En 2017 hice un Erasmus en Castellón y conocí a un profesor, Pablo González Tornel, que ahora dirige el Museo de Bellas Artes de Valencia y que me propuso hacer una tesis doctoral con él. Acepté: entonces no imaginaba lo que esto significaría para mi futuro.
En Sicilia, mi tierra natal, en los siglos XVII y XVIII se desarrolló una importantísima escuela de estucadores encabezada por Giacomo Serpotta. Con mi primer proyecto de tesis, pretendía realizar una comparativa entre los estucos realizados en el territorio valenciano y en la otra orilla del Mediterráneo durante el Barroco. No obstante, conforme iba profundizando en este tema y mientras descubría y estudiaba los monumentos valencianos, me daba cuenta de que algo no cuadraba: no podía entender los estucos sin interpretar el significado que querían transmitir y, para hacerlo, no podía obviar otra técnica artística que fue explotada en Valencia con este mismo objetivo: la pintura, principalmente al fresco.
El momento en que me di cuenta de todo esto representó un punto de inflexión en mi trayectoria académica y profesional porque, además, mientras tanto, había ganado un contrato predoctoral en la Universitat Jaume I que me permitió incorporarme al grupo de investigación IHA-Iconografía e Historia del Arte. Entonces dirigido por Víctor Mínguez y, ahora, por Inmaculada Rodríguez Moya, IHA es uno de los grupos más potentes del panorama universitario nacional, sobre todo, por lo que concierne al estudio iconográfico e iconológico de la imagen del poder y de la fiesta durante la Edad Moderna. Esta afiliación me ha permitido forjar un armazón teórico y metodológico para suportar mi tesis que, finalmente, se ha centrado en la invención, creación y recepción de los programas iconográficos realizados en Valencia y en sus territorios de influencia entre los siglos XVII y XVIII.
Así fue como conocí a Antonio Palomino, a cuya personalidad he decidido dedicar mi etapa postdoctoral, primero como investigador “Juan de la Cierva” en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid y, desde octubre de 2025, como profesor ayudante doctor en la UJI. La pintura barroca y Palomino me han permitido volver a casa.
Hace unos meses participaste en el ciclo de conferencias Programa Joven del Museo del Prado, con una intervención precisamente sobre la teoría y práctica del dibujo en Palomino. ¿Cómo valoras esa experiencia y qué otras iniciativas de este tipo crees que podrían favorecer la investigación entre los jóvenes historiadores del arte?
No exagero si digo que ha sido una de las experiencias más emocionantes de mi vida. Si me hubieran dicho que un día yo, un chico de Palermo, impartiría una conferencia en el Museo del Prado, no me lo habría creído. Jamás olvidaré lo que ocurrió este 8 de noviembre.
Ha sido un enorme privilegio por el que estaré eternamente agradecido a Javier Arnaldo y Paloma Málaga del Centro de Estudios del Prado y al profesor Juan Luis González García, que dirigió esta edición del ciclo. Presentar a un público tan numeroso y exigente los dibujos de Antonio Palomino y comprobar su interés para este tema ha sido el impulso que necesitaba para creer en mi proyecto, comprender que estaba bien encaminado y sacarlo adelante.
Por estas razones celebro este tipo de iniciativas y espero que muchos más museos e instituciones públicas y privadas sigan el ejemplo del Museo del Prado, tanto en España como en el extranjero. Hay muchas investigadoras y muchos investigadores excelentes y entusiastas en nuestras universidades que están esperando solamente a que se les de voz.
“La elocuencia de la arquitectura: invención y significado de los programas decorativos del Barroco valenciano (1691-1793)” es tu primera monografía. ¿Qué encontraremos en ella, cuáles son las originalidades de la ornamentación de la arquitectura barroca en Valencia?
“La elocuencia de la arquitectura” es el principal resultado de mi tesis doctoral. Por tanto, como recordaba antes, en él analizo la forma en que se inventaban, ejecutaban y recibían los programas iconográficos que transformaron el semblante de iglesias y palacios valencianos durante los años indicados en el título.
Algunos de estos espacios se habían estudiado con anterioridad, pero yo por primera vez he analizado el fenómeno de forma diacrónica desde sus orígenes hasta su declive, pasando por su difusión en territorios culturalmente influidos por Valencia como, por ejemplo, el Maestrazgo o Tortosa. Entre otras cosas, esto me ha permitido demostrar la falacia de una visión ítalo-céntrica que había atribuido a la influencia italiana y, sobre todo, romana todos los cambios iconográficos y estilísticos que ocurrieron entonces en estos territorios. La realidad fue mucho más compleja y heterogénea, siendo Madrid, en realidad, el principal centro irradiador de las novedades que analizo.
Entre ellas, destaca sin duda el papel del mentor intelectual, que muchas veces ha pasado desapercibido en los estudios iconográficos en favor del artífice que ejecutó sus ideas. A veces, este es un eclesiástico, como Francisco Celma, cura de Catí, que diseñó los discursos teológicos de la Capilla de la Comunión de este pueblo castellonense y del Santuario de la Mare de Déu de L’Avellà, que serían pintados por Pascual Mespletera en la década de 1740. Otras veces, se trataba de aficionados, como el canónigo y pintor diletante Vicente Vitoria, quien ideó el primer plan iconográfico para la ya mencionada Iglesia de los Santos Juanes de Valencia. Otros fueron artistas y, en este sentido, Antonio Palomino fue el precursor de figuras como Dionís Vidal y José Vergara Gimeno, que llevaron sus innovaciones hasta finales del siglo XVIII.
Muchas gracias, Gaetano.
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